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SINOPSIS: Doug y Griff son muy buenos amigos desde que eran niños y siempre han
soñado con hacer un remake de su película favorita de todos los tiempos:
el «clásico cinematográfico» Anaconda. Cuando una crisis de mediana
edad les anima a lanzarse por fin a la aventura, se adentran en la selva
amazónica para empezar a rodar. Pero las cosas se ponen serias cuando
aparece una anaconda gigante de verdad, convirtiendo su caótico y cómico
plató de rodaje en una situación mortal. ¿La película que se morían por
hacer, podría ser la que les mate?
La nueva película de Tom Gormican convierte una crisis de mediana edad en una aventura desatada, divertida y sorprendentemente fresca. Con un tono que mezcla acción, comedia, suspense y guiños meta, el filme abraza el disparate sin perder ritmo ni encanto. El reparto brilla con química contagiosa, especialmente Jack Black y Paul Rudd, cuya complicidad eleva cada escena. Daniela Melchior aporta carisma y una presencia inesperada que enriquece el conjunto. El metraje se hace ligero y entretenido, con un arranque potente y un tramo final tan caótico como irresistible. No aspira a obra maestra, pero sí a puro disfrute cinematográfico, logrando una experiencia lúdica, simpática y muy agradecida para ver en pantalla grande.
SINOPSIS: Después de sobrevivir al fin del mundo por la caída de un cometa, Jeff
Garrity, junto con su mujer Allison y su hijo Nathan, deciden abandonar
el búnker que les ha mantenido a salvo cinco años para buscar una zona
en Europa que podría ser habitable. Así, el último refugio es el
principio de un nuevo comienzo. Juntos emprenderán un viaje donde los
desastres naturales y los humanos que sobrevivieron han convertido el
mundo en un auténtico infierno.
Esta secuela expande con acierto el universo apocalíptico de Greenland, apostando por una aventura de supervivencia más amplia y ambiciosa. La puesta en escena en paisajes islandeses ofrece imágenes poderosas y un mundo devastado visualmente impactante. Los efectos digitales y la dirección artística construyen un “día después” creíble y absorbente. Gerard Butler vuelve a sostener el relato desde una emotiva figura paterna marcada por el sacrificio y la resistencia. El filme combina espectáculo, tensión y emoción familiar con notable fluidez narrativa. Sin pretensiones excesivas, logra ser una continuación sólida, entretenida y muy satisfactoria para los amantes del cine de catástrofes y ciencia ficción.
SINOPSIS: Astrid Thompson finalmente logra hacer realidad el sueño de su padre:
reunir cuatro Stradivarius para un concierto único esperado por los
amantes de la música de todo el mundo. Pero Lise, George, Peter y
Apolline, los cuatro virtuosos reclutados para la ocasión, no pueden
tocar juntos. Las crisis de ego se suceden al ritmo de los ensayos. Sin
una solución, Astrid decide ir a buscar al único que, a sus ojos, aún
puede salvar el evento: Charlie Beaumont, el compositor de la banda
sonora.
The Musicians se revela como una obra delicada y profundamente inspiradora, donde Grégory Magne logra una armonía perfecta entre humor, emoción y música. La decisión de trabajar con músicos reales aporta una autenticidad conmovedora, que convierte cada gesto y cada interpretación en verdad emocional pura. La puesta en escena, bañada por una fotografía luminosa y casi espiritual, envuelve al espectador en una atmósfera de recogimiento y belleza. La cámara se desplaza con suavidad, como siguiendo el pulso de una partitura, y el montaje destaca el virtuosismo artesanal de las manos en acción. Más que un relato musical, la película celebra el trabajo colectivo, la diferencia como riqueza y el arte como refugio. Es una experiencia sensible y reconfortante que deja su eco resonando mucho después del final.
SINOPSIS: Elías, de 14 años, se siente atraído por su nuevo vecino, Alexander, de
su mima edad. Pronto se da cuenta de que, por primera vez, está
verdaderamente enamorado. Las interacciones con sus amigos y familiares
generan más preguntas que respuestas. Confundido por sus crecientes
sentimientos, Elias intenta resolver su caos interior para demostrar que
merece el corazón de Alexander.
Con la sencillez como bandera y la honestidad como motor emocional, esta delicada coming of age aborda el despertar de la identidad sexual desde una mirada cálida y profundamente humana. A través de dos adolescentes en etapas distintas de aceptación, la película propone un mensaje claro y necesario: escucharse sin miedo y amar sin vergüenza. Su guion, sin florituras ni subtramas innecesarias, apuesta por lo esencial y encuentra ahí su mayor virtud. Aunque no deslumbra en lo formal, funciona con notable eficacia pedagógica y sensibilidad narrativa. Destaca especialmente Lou Goossens, cuyo rostro transmite una gama emocional sutil y conmovedora. Las escenas afectivas están tratadas con pudor y ternura, lejos del dramatismo excesivo. El resultado es un film amable, luminoso y profundamente empático, capaz de emocionar sin alzar la voz.
SINOPSIS: Elaine, madre soltera, está perturbada por el comportamiento agresivo de
su hijo Martin, por lo que visita a la familia de su difunto padre en
la pequeña ciudad de Luxemburgo, que esconde una naturaleza mucho más
oscura. Cuando se da cuenta de que Martin podría volverse como ellos,
Elaine se ve obligada a luchar desesperadamente por el futuro de su
hijo.
Sólida y sorprendente, esta producción luxemburguesa demuestra que el cine fantástico europeo sigue siendo capaz de ofrecer propuestas serias y estimulantes. Presentada en el Festival FANT de Bilbao, la película atrapa desde su arranque gracias a una narración sobria, eficaz y de gran coherencia interna. Con un guion redondo y una factura técnica notable, construye un universo oscuro y amenazante que se impone sin estridencias. En el centro late una poderosa historia de amor materno y sacrificio, que humaniza el relato de licántropos y lo eleva por encima del género. Las interpretaciones sostienen con convicción un clima inquietante y trágico. Un film recomendable, tenso y emocionalmente resonante.
2024: Festival de Sitges: Nominada a Mejor película (sección Panorama)
SINOPSIS: Una joven política idealista hace malabarismos con sus problemas
familiares y su estresante vida laboral mientras se prepara para ocupar
nada menos que el puesto de gobernadora de su Estado, ocupando el puesto
de su mentor.
Con Ella McCay, James L. Brooks regresa a la comedia dramática clásica con una mirada cálida, humanista y deliberadamente retro. El film brilla por su elenco de lujo, encabezado por una encantadora Emma Mackey y sostenido por veteranos como Albert Brooks, Jamie Lee Curtis y Julie Kavner. Su tono amable, más tierno que cínico, recupera el espíritu de las comedias políticas a la vieja usanza, donde lo público y lo íntimo se entrelazan con sensibilidad. La narración coral construye personajes vulnerables y cercanos, especialmente en su exploración de los vínculos familiares y afectivos. Sin aspirar a los picos creativos de su autor, la película ofrece una experiencia amable, emotiva y genuinamente disfrutable, sostenida por diálogos cuidados y un humanismo entrañable.
SINOPSIS: Es una comedia dramática dirigida por Michelle Danner, que retrata
la caótica, divertida y emotiva vida de una familia italoamericana,
explorando la dinámica cuando la novia de su hijo, que no es italiana,
conoce a la familia.
La película escrita por Lisa Visca se inscribe en la mejor tradición del cine humanista, celebrando el choque cultural, la herencia y los vínculos familiares con una calidez contagiosa. Su tono de comedia romántica emotiva recuerda a Hechizo de luna o Mi gran boda griega, pero encuentra una voz propia, honesta y entrañable. El guion equilibra con soltura humor y emoción, explorando el perdón, las relaciones complejas y los pequeños gestos que sostienen a una familia. El elenco brilla por su camaradería natural, aportando autenticidad a cada escena. La puesta en escena es acogedora, luminosa y cercana, al servicio de personajes reconocibles y queribles. Una “feel-good movie” que reconcilia, emociona y deja al espectador con una sonrisa genuina.
SINOPSIS: Año 1575. El joven soldado Miguel de Cervantes es capturado en alta mar
por corsarios árabes y llevado a Argel como rehén. Consciente de que
allí le espera una cruel muerte si su familia no paga pronto su rescate,
Miguel encontrará refugio en su pasión por contar historias. Sus
fascinantes relatos devuelven la esperanza a sus compañeros de prisión y
acaban por llamar la atención de Hasán, el misterioso y temido Bajá de
Argel, con el que comienza a desarrollar una extraña afinidad. Mientras
los conflictos crecen entre sus compañeros, Miguel, llevado por su
inquebrantable optimismo, comenzará a idear un arriesgado plan de fuga.
Con El cautivo, Alejandro Amenábar vuelve a explorar la frontera entre historia y ficción con una propuesta ambiciosa y sugerente. El film destaca por su delicada construcción del Cervantes narrador, donde imaginación y realidad se entrelazan con lirismo. La relación entre el protagonista y Hasán, planteada como un duelo psicológico cargado de tensión, aporta densidad dramática y misterio. Alessandro Borghi brilla con una interpretación magnética, compleja y poderosa, convirtiéndose en uno de los grandes activos del relato. La puesta en escena, la fotografía, la música y la dirección artística sostienen con solvencia un universo evocador. Sin alcanzar las cumbres del autor, la película ofrece una experiencia estimulante, elegante y reflexiva, que se aprecia especialmente con el paso de las horas.
SINOPSIS: Eva es una mujer de unos 50 años, casada desde hace más de veinte y con
dos hijos adolescentes. Durante un viaje de negocios en Roma, Eva se da
cuenta de que quiere volver a enamorarse antes de que sea "demasiado
tarde". De vuelta a Barcelona, Eva empieza una nueva vida, soltera y
abierta al juego de la seducción y el romance. A lo largo de un año
seguiremos a esta mujer que ha roto su mundo buscando un sentimiento..
Con su habitual sensibilidad para retratar las emociones cotidianas, Cesc Gay firma una comedia romántica sobria y honesta, centrada en los afectos, las dudas y los silencios de la vida adulta. Presentada en el Festival de San Sebastián, la película apuesta por pocos personajes y un guion elegante que huye de los tópicos del género para abrazar la naturalidad. La historia de Eva, dividida entre la estabilidad familiar y una inesperada conexión sentimental, se despliega con delicadeza entre Roma y Barcelona. Destaca especialmente Nora Navas, contenida y luminosa, capaz de expresar mucho con mínimos gestos, acompañada con acierto por Rodrigo de la Serna. La química entre ambos sostiene un relato íntimo y reconocible sobre el amor, el desgaste y las segundas oportunidades. Un film cálido, cercano y profundamente humano.
2025: Premios Goya (España): Nominada a Mejor actriz principal.
2025: Premios Forqué: Nominada a Mejor interpretación femenina.
2026: Medallas del CEC: Nominada a Mejor actriz principal.
SINOPSIS: Biopic del emblemático escritor checo del siglo XX Franz Kafka.
Concebida como un mosaico caleidoscópico, la película sigue la huella
que Kafka dejó en el mundo desde su nacimiento en la Praga del siglo XIX
hasta su muerte en la Viena posterior a la I Guerra Mundial.
Franz, de Agnieszka Holland, reinventa el biopic al abandonar la linealidad y sumergirse en la mente de Kafka con audacia formal. La interpretación de Idan Weiss resulta hipnótica, capturando con sensibilidad la fragilidad y las contradicciones del autor. El montaje fragmentado, los saltos temporales y la ruptura de la cuarta pared construyen una experiencia caleidoscópica tan estimulante como coherente con su universo interior. La recreación histórica es exquisita, realzada por la densa y expresiva fotografía de Tomasz Naumiuk. La música acompaña con delicadeza, subrayando la melancolía sin imponerse. Momentos lúdicos y absurdos aportan frescura y complicidad. Un biopic audaz, cinéfilo y profundamente sugestivo, que deja una huella duradera.
2025: Festival de San Sebastián: Nominada a Concha de Oro: Mejor Película.
2025: Premios del Cine Europeo (EFA): 3 nominaciones.
SINOPSIS: Remis es un pequeño pueblo enclavado en un valle aislado en las
montañas. Sus habitantes son excepcionalmente felices. Parece el destino
perfecto para el nuevo profesor de educación física Sergio Rossetti,
atormentado por un pasado misterioso. Al poco tiempo de llegar, el
profesor descubre que tras esta aparente serenidad se esconde un ritual
inquietante: una noche a la semana, los aldeanos se reúnen para abrazar a
Matteo Corbin, un adolescente capaz de absorber el dolor ajeno. El
intento de Sergio por salvar al joven despertará el lado oscuro de la
comunidad.
Este inquietante folk horror italiano destaca por su atmósfera opresiva y su original aproximación al terror espiritual, más sugerente que explícito. Paolo Strippoli construye un relato perturbador donde fe, culpa y fanatismo se convierten en auténticas fuerzas del horror cotidiano. La figura del niño angelical, cargada de ambigüedad, funciona como un poderoso catalizador del mal latente en la comunidad. La puesta en escena rural, los rituales inquietantes y el diseño sonoro crean una tensión constante y envolvente. Lejos del susto fácil, la película apuesta por un terror psicológico profundo y reflexivo. El resultado es un film inquietante, elegante y memorable, que deja una huella amarga y duradera.
2025: Paris International Fantastic Film Festival (PIFFF): Mejor Película.
SINOPSIS: Desde que Nora asistió al juicio de Jacques Viguier, acusado del
asesinato de su esposa, está convencida de su inocencia. Por temor a un
error judicial, convence a un letrado para que lo defienda en un
segundo juicio. Juntos lucharán en una feroz batalla contra la
injusticia pero, a medida que el círculo se cierra alrededor de
Viguier, al que todos acusan, la búsqueda de la verdad de Nora se
convierte en obsesión.
Una íntima convicción se afirma como un thriller judicial de gran solidez, capaz de transformar un caso real en una reflexión inquietante sobre la justicia y la duda. El guion de Antoine Raimbault despliega una tensión creciente, dosificando la información con precisión y construyendo un relato absorbente. La puesta en escena convierte el juicio en un combate moral donde nada es definitivo. Laurent Lucas ofrece una interpretación magnética y ambigua, mientras Olivier Gourmet aporta una autoridad serena que eleva cada escena. El film destaca por su pulso narrativo, su inteligencia dramática y su capacidad para interpelar al espectador. Más que resolver un crimen, propone una lúcida exploración sobre cómo se construyen las certezas colectivas.
SINOPSIS: El teniente Daniel Kaffee es un joven y prometedor abogado de la Marina
que tiene una excelente reputación. Sus superiores le confían la defensa
de dos marines acusados de asesinato. A primera vista, el caso no
parece complicado. Pero cuando tenga que vérselas con el Coronel Nathan
R. Jessup, Comandante en Jefe de la base de Guantánamo, saldrán a la luz
nuevas pistas que harán que el caso adquiera dimensiones insospechadas.
Cuestión de Honor se consagra como un clásico del cine judicial al combinar tensión dramática con una lúcida crítica al sistema militar. El guion de Aaron Sorkin brilla por sus diálogos afilados, éticos y vibrantes, donde la acción del tribunal se funde con dilemas morales de gran calado. El ritmo ágil sostiene la intensidad de principio a fin, acompañado por una banda sonora eficaz y precisa. El reparto resulta impecable: Tom Cruise aporta energía contenida, Demi Moore y Kevin Bacon solidez dramática, y Jack Nicholson firma una actuación tan breve como inolvidable. El film logra equilibrar espectáculo, inteligencia y emoción, convirtiendo un conflicto militar en un apasionante estudio sobre justicia y poder.
1992: 4 nominaciones al Oscar, incluyendo actor sec. (Nicholson), montaje, sonido
1992: 5 nominaciones al Globo de Oro, incluyendo director, película drama, guión
1992: National Board of Review: Mejor actor secundario (Jack Nicholson)
1992: Asociación de Críticos de Chicago: Mejor actor secundario (Jack Nicholson)
SINOPSIS: Mitch McDeere (Tom Cruise), un joven y brillante abogado recién salido
de la facultad de Harvard, se deja seducir por las promesas y regalos de
un prestigioso bufete de abogados de Memphis. Sin embargo, muy pronto
tendrá razones para empezar a sospechar que algo extraño está sucediendo
en la poderosa empresa.
Esta película encarna lo mejor del thriller judicial de los años 90, donde guion, dirección y reparto confluyen con precisión ejemplar. La historia transforma un ascenso profesional en una pesadilla moral, construyendo un suspense envolvente y sostenido. Tom Cruise compone a un protagonista carismático y vulnerable, mientras Jeanne Tripplehorn aporta humanidad y tensión emocional. Gene Hackman eleva cada escena con su autoridad habitual, acompañado por un elenco secundario de lujo. Sydney Pollack dirige con pulso firme, equilibrando intriga, diálogos inteligentes y ritmo narrativo. El film, largo pero absorbente, atrapa por sus giros constantes y su atmósfera de amenaza latente. Un thriller elegante que combina entretenimiento con una lúcida reflexión sobre ambición, poder e integridad.
1993: 2 nominaciones al Oscar: Mejor actriz de reparto (Holly Hunter), bso
1993: Nominada Premios BAFTA: Mejor actriz secundaria (Holly Hunter)
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SINOPSIS: En 1977, durante la dictadura militar brasileña, Marcelo, un profesor
que huye de un pasado turbulento, regresa huyendo a la ciudad de Recife,
donde espera construir una nueva vida y reencontrarse con su hijo. Pero
pronto se da cuenta de que la ciudad está lejos de ser el refugio que
busca, que las fuerzas gubernamentales le persiguen y las amenazas de
muerte se ciernen sobre él.
La nueva obra de Kleber Mendonça Filho confirma por qué es uno de los cineastas imprescindibles del cine latinoamericano contemporáneo. Con una narración compleja y envolvente, construye un relato que transita varias épocas sin perder cohesión ni fuerza emocional. Su guion, preciso y lleno de matices, despliega un suspense pausado que atrapa desde un prólogo memorable. La mezcla de drama político, retrato social y toques de cine fantástico resulta orgánica y estimulante. Destaca el tratamiento humano de los personajes, especialmente los secundarios, que enriquecen el universo del film. Wagner Moura ofrece aquí una actuación sobresaliente, probablemente la mejor de su carrera. La dirección es elegante, firme y sensible al contexto histórico. El ritmo, aunque sereno, nunca decae. Una película profunda, intensa y plenamente cinematográfica, destinada a perdurar en la memoria del espectador.
2025: Festival de Cannes: Ganadora Mejor dirección, mejor actor y Premio FIPRESCI
SINOPSIS: 29 de enero de 2024. Los voluntarios de la Media Luna Roja reciben una
llamada de emergencia. Una niña de 6 años está atrapada en un coche bajo
fuego en Gaza, suplicando ser rescatada. Mientras intentan mantener el
contacto telefónico con ella, hacen todo lo posible para enviarle una
ambulancia. Su nombre: Hind Rajab.
Con una sensibilidad extraordinaria, Fouther Ben Hania convierte un hecho devastador en una experiencia cinematográfica de profunda humanidad. La película construye su relato en tiempo casi real, atrapando al espectador en la angustia, la espera y la esperanza de un rescate imposible. El uso de grabaciones auténticas aporta una fuerza emocional y una verdad difícil de eludir. La mirada se sitúa siempre del lado de quienes intentan salvar vidas, reforzando un poderoso sentido ético. La dirección combina con maestría documental y ficción, logrando una tensión sostenida y conmovedora. Destaca el retrato del equipo de la Media Luna Roja, lleno de dignidad, compañerismo y contradicciones humanas. Sin mostrar la violencia explícita, la película alcanza una intensidad devastadora. Es un cine necesario, lúcido y profundamente conmovedor, que deja una huella duradera en la conciencia del espectador.
2026: Premios Oscar: Nominada a Mejor película internacional.
2026: Premios Globos de Oro: Nominada a Mejor película de habla no inglesa.
2025: Festival de Venecia: Ganadora del Gran Premio del Jurado.
2025: Festival de San Sebastián: Ganadora delPremio del Público.
2025: Premios del Cine Europeo (EFA): 2 nominaciones.
SINOPSIS: En uno de los incendios forestales más devastadores de la historia de
Estados Unidos, en los alrededores de la localidad de Paradise, Kevin
McKay, un conductor de autobús escolar, y Mary Ludwig, una maestra de
Infantil, luchan para salvar a 22 niños del aterrador infierno.
Paul Greengrass confirma una vez más que su talento reside en la creación de una tensión física y emocional pocas veces igualada en el cine contemporáneo. Con un estilo reconocible, cercano al semidocumental y sostenido por un montaje preciso, el director convierte la angustia en experiencia sensorial. Desde sus primeras obras hasta títulos clave como Bloody Sunday o Capitán Phillips, ha perfeccionado un lenguaje cinematográfico que atrapa al espectador. En A través del fuego, Greengrass alcanza una notable madurez al abordar una tragedia real con una puesta en escena asfixiante y de gran realismo. La sencillez de la trama juega a su favor, potenciando la credibilidad y el impacto emocional. Las imágenes estremecedoras, unidas a interpretaciones sólidas y empáticas, logran que el espectador comparta el sufrimiento humano en situaciones límite. Sin alardes innecesarios, el film emociona de forma directa y eficaz, demostrando que, en manos expertas, incluso una historia mínima puede convertirse en cine intenso y memorable.
2026: Premios Oscar: Nominada a Mejores efectos visuales.
SINOPSIS: Basada en una historia real, narra la historia de dos músicos de poca
fortuna (Hugh Jackman y Kate Hudson) que se lanzan con ilusión a formar
una banda tributo a Neil Diamond, demostrando que nunca es demasiado
tarde para encontrar el amor y cumplir tus sueños.
La
película respira humanidad desde su primera escena y encuentra luz allí
donde la vida se vuelve cuesta arriba. Craig Brewer filma con calidez y
energía, abrazando a estos dos músicos veteranos que, desde la modestia
de un mecánico y una peluquera, transforman las frustraciones
cotidianas en impulso creativo. El relato destaca por su montaje preciso
y una fotografía que captura tanto la intimidad de los personajes como
la euforia del escenario, evitando los clichés de productos televisivos
similares. Hugh Jackman deslumbra con un carisma inagotable: canta,
baila y transmite una vitalidad contagiosa. Kate Hudson conmueve por su
valentía y honestidad, se entrega sin filtros, dejando que la cámara
registre su fragilidad y su fuerza a la vez. Juntos construyen una
química luminosa que sostiene la película y la eleva. “Song Sung Blue”
no pretende reinventar el género; su grandeza está en la sinceridad, en
su pulso emotivo y en la irresistible invitación a salir de la sala
tarareando a Neil Diamond, con el corazón un poco más ligero.
2026: Premios Oscar: Nominada a Mejor actriz principal (Kate Hudson).
2026: Premios Globos de Oro: Nominada a Mejor actriz principal - Comedia o musical.
2026: Premios del Sindicato de Actores (SAG): Nominada a Mejor actriz (Kate Hudson)
VERSIÓN HABLADA Y SUBTITULADA EN INGLÉS Y CASTELLANO.
SINOPSIS: Judy y Nick se encuentran tras la retorcida pista de un misterioso
reptil que llega a Zootopia y pone patas arriba la metrópolis de los
mamíferos. Para resolver el caso, Judy y Nick deben ir de incógnito a
nuevas partes inesperadas de la ciudad, donde su creciente asociación se
pone a prueba como nunca antes.
Qué alegría que por fin una segunda parte esté a la altura de su cinta
original. Tras la decepción del Vaina o la reciente Wicked, Zootrópolis
nos da todo lo que podíamos esperar quienes amamos la cinta original. Lo
mejor es ver cómo crece la relación entre los dos protagonistas,
consiguiendo una de las escenas mas emotivas que recuerdo en mucho
tiempo. El nivel de detalle, acción, y humor es aún mejor y la historia, como
en la primera parte te va llevando de un lado a otro sin adivinar nunca
dónde te va a llevar. Gracias al equipo de Disney Animation por una
producción tan fantástica como esta. Para disfrutar muchas veces, y por
supuesto en una sala de cine.
2026: Premios Oscar: Nominada a Mejor largometraje animación.
SINOPSIS: En 2019, unos cineastas visitan una prisión de Alabama. Fuera de cámara,
los hombres encarcelados susurran un mensaje: aquí están ocurriendo
cosas terribles que se mantienen en secreto. Esto desencadena una
investigación inmersiva de seis años para descubrir la realidad detrás
de las paredes de uno de los sistemas penitenciarios más mortíferos de
la nación.
The Alabama Solution transforma una tesis conocida en un documental de enorme potencia narrativa y política. A través de imágenes filmadas por los propios presos con celulares clandestinos, construye un retrato crudo, directo y profundamente humano del sistema carcelario. El dispositivo no solo aporta veracidad, sino una intensidad emocional que interpela al espectador sin intermediarios.
Andrew Jarecki y Charlotte Kaufman articulan múltiples líneas narrativas —investigación criminal, denuncia social y retrato colectivo— con un pulso de thriller que sostiene la tensión. Las voces de los internos, en especial sus líderes, dotan al film de una dimensión ética y política admirable.
El resultado es un testimonio demoledor, urgente y profundamente conmovedor, que convierte el cine documental en una herramienta de denuncia poderosa, incómoda e imposible de ignorar.
2026: Premios Oscar: Nominada a Mejor largometraje documental.
2026: Premios del Sindicato de Productores (PGA): Nominada a Mejor documental.
2025: Premios Satellite Awards: Nominada a Mejor largometraje documental.
SINOPSIS: Un profesor ruso documenta en secreto la transformación de la escuela de
su pequeña ciudad en un centro de reclutamiento de guerra durante la
invasión de Ucrania, revelando los dilemas éticos a los que se enfrentan
los educadores en medio de la propaganda y la militarización.
El documental Mr. Nobody Against Putin,
de David Borenstein, se erige como una obra valiente y profundamente
humana que ofrece una mirada íntima a la vida bajo el adoctrinamiento
estatal en la Rusia contemporánea. A través de la figura de Pavel
“Pasha” Talankin, un profesor carismático convertido en cronista
involuntario de la transformación ideológica de su escuela, Borenstein
construye un retrato estremecedor del poder y sus efectos cotidianos. La
película destaca por su enfoque cercano, donde lo político se vuelve
personal, y donde la cámara se convierte en testigo del paso del
aprendizaje al adoctrinamiento. Con un tono sobrio y reflexivo, el
cineasta logra equilibrar la tensión entre observación y denuncia,
evitando el sensacionalismo y privilegiando la empatía. El trabajo
visual, en el que Talankin participa como director de fotografía, otorga
autenticidad y coherencia a la narración, reforzando su carácter
testimonial. Cada escena —desde las clases patrióticas hasta los
desfiles infantiles militarizados— resuena con un surrealismo
inquietante y revela el precio del silencio. Borenstein consigue, con
sutileza, un retrato de resistencia silenciosa, donde los gestos mínimos
adquieren un poder simbólico enorme. Mr. Nobody Against Putin
es un documental necesario: lúcido, valiente y profundamente
conmovedor, que ilumina desde dentro la lenta erosión de la libertad en
tiempos de propaganda.
2026: Premios Oscar: Nominada a Mejor largometraje documental.
2025: Festival de Sundance: Ganadora del Premio Especial del Jurado.
2025: Premios del Sindicato de Productores (PGA): Nominada a Mejor documental.
SINOPSIS: Michel y Cathy, vendedores de árboles de Navidad, viven en un pequeño
pueblo del Jura con su hijo de 12 años, Doudou, un niño con un
comportamiento difícil. Ahogados por las deudas y otros problemas
económicos, la pareja se deteriora poco a poco. Hasta que un día, al
volver a casa, Michel evita por poco atropellar a un oso en la
carretera; su coche termina chocando con otro, matando en el acto a sus
dos ocupantes. Tras informar a Cathy, ambos deciden deshacerse de los
cuerpos. Pero al hacerlo, descubren en el maletero un bolso lleno de
dinero, que calculan en más de dos millones de euros. Para evitar las
sospechas, están dispuestos a aceptar las ideas más descabelladas, sin
saber siquiera en qué absurdo desembocarán.
Con un claro guiño al universo de los hermanos Coen, Franc Dubosc firma un thriller rural tan oscuro como divertido, lleno de giros imprevisibles y humor negro. La historia atrapa desde su insólito punto de partida y se despliega en un entorno nevado que refuerza su atmósfera opresiva y sugestiva. El guion combina tensión, ironía y ternura con notable eficacia. Dubosc sorprende alejándose de la comedia pura, mientras Laure Calamy aporta solidez emocional y Benoît Poelvoorde brilla con su habitual carisma. El trío protagonista sostiene con credibilidad una trama cada vez más caótica. El ritmo nunca decae y alterna lo trágico con lo absurdo sin perder cohesión. Una propuesta ágil, entretenida y muy disfrutable dentro del noir francés contemporáneo.
SINOPSIS: Roma, durante el confinamiento. Luca, profesor de filosofía en un
instituto, está casado con Sara, una médica saturada de trabajo por el
COVID. Sara está constantemente fuera, ocupada con la emergencia
sanitaria, mientras que Luca se encuentra atrapado en su apartamento. Y
justo cuando todo parece paralizado, Amanda, una vecina joven y
encantadora, entra en escena.
"Muero por ella" arranca como una película romántica engañosamente ligera para transformarse en un thriller irónico lleno de giros estimulantes. Su gran virtud reside en un guion que evoluciona con inteligencia, manteniendo el suspense sin renunciar al humor. Riccardo Scamarcio compone un protagonista frágil y reconocible, acompañado por una magnética Mariela Garriga y una luminosa Maria Chiara Giannetta. La puesta en escena aprovecha la atmósfera de aislamiento para potenciar la intimidad y la tensión dramática. El relato, ágil y sorprendente, combina deseo, culpa y redención con notable equilibrio. Una propuesta fresca, entretenida y más compleja de lo que su inicio sugiere.
SINOPSIS: A lo largo de tres décadas, narra la turbulenta relación entre el
compositor Franklin Shepard y sus dos amigos de toda la vida: la
escritora Mary y el letrista y dramaturgo Charley. Estrenado en Broadway
en 1981 y convertido en un clásico de culto adelantado a su tiempo, el
musical contiene algunas de las canciones más célebres y personales de
Stephen Sondheim. La producción de Broadway de 2023-2024, dirigida por
Maria Friedman, redefinió el espectáculo para una nueva era, dando vida a
la intrincada partitura de Stephen Sondheim y al libro de George Furth
con extraordinaria profundidad y claridad.
La versión filmada de Merrily We Roll Along (2025), dirigida por Maria Friedman, se erige como una adaptación luminosa y profundamente emotiva del musical de Sondheim. La puesta en escena conserva la intensidad teatral, pero la cámara aporta una cercanía que potencia cada matiz interpretativo. Jonathan Groff compone un Franklin Shepard trágico y vulnerable, mientras Daniel Radcliffe despliega energía contagiosa y Lindsay Mendez aporta una calidez vocal y dramática excepcional. La narrativa inversa se convierte en una herramienta poderosa para explorar la erosión de la amistad y los ideales perdidos. La música, impecable y atemporal, refuerza la melancolía y la belleza del conjunto. El resultado es un film íntimo, conmovedor y esencial dentro del legado de Sondheim, capaz de emocionar tanto a neófitos como a amantes del musical.
SINOPSIS: Tratando de dejar atrás sus problemáticas vidas, dos hermanos gemelos
(Jordan) regresan a su pueblo natal para empezar de nuevo, solo para
descubrir que un mal aún mayor les espera para darles la bienvenida.
“Pecadores” se erige como la película más audaz y personal de Ryan Coogler, una explosión de libertad creativa que revitaliza el cine de vampiros con una energía contagiosa. Su fusión de western, noir, folklore sureño y melodrama racial construye un universo vibrante, impulsado por una banda sonora que actúa como auténtico motor emocional. La puesta en escena dialoga con el cine de Carpenter y Romero sin perder una identidad apasionada y propia. Michael B. Jordan brilla en un doble rol lleno de carisma, mientras Jack O’Connell compone un villano magnético y físico. Coogler demuestra que el cine comercial también puede ser autoral, arriesgado y profundamente disfrutable.
SINOPSIS: Un ex revolucionario, tras años apartado de la lucha, se ve obligado a
volver a la acción para enfrentar a viejos enemigos en un ambiente
cargado de tensión política, racismo y violencia militar... Adaptación
modernizada de la novela 'Vineland', de Thomas Pynchon (1990), sobre los
movimientos radicales de los años sesenta.
En Una batalla tras otra,
Paul Thomas Anderson reafirma su estatus como uno de los grandes
autores del cine contemporáneo. Con una maestría absoluta, construye un
relato que combina acción, drama, comedia y western, sin perder jamás el
hilo narrativo ni la coherencia emocional. Cada plano, cada movimiento
de cámara y cada transición de tono responden a una intención precisa,
dando forma a una obra tan ambiciosa como íntima. Leonardo DiCaprio y
Sean Penn ofrecen interpretaciones poderosas, sostenidas por un elenco
que brilla en conjunto, mientras la música de Jonny Greenwood eleva cada
escena con una sensibilidad que roza lo sublime. Visualmente
deslumbrante, la película despliega una textura fílmica que respira
autenticidad. Anderson no se limita a contar una historia de venganza,
sino que reflexiona sobre la política, la violencia, la inmigración y
los afectos humanos con una lucidez admirable. Una batalla tras otra
es, en definitiva, una obra total: vibrante, inteligente y
profundamente humana, una declaración de amor al cine como arte y como
espejo de nuestro tiempo.
SINOPSIS: Un científico brillante y obsesivo, Victor Frankenstein, en su ambición
por desafiar a la muerte, consigue dar vida a una criatura humanoide
ensamblada con partes de cadáveres. Pese a tratarse de una proeza
científica, Frankenstein considera que la criatura carece de
inteligencia y la rechaza. Dolida, ésta se rebela contra su creador.
Guillermo del Toro firma con Frankenstein una de sus obras más íntimas y conmovedoras, transformando el mito en un profundo drama humano sobre la soledad, la paternidad y la identidad. Su mirada sensible convierte el horror en ternura, fiel al espíritu de Mary Shelley pero cargado de emoción contemporánea. Visualmente deslumbrante, la película construye un universo gótico de exquisita artesanía, donde cada plano respira belleza y pasión. La música de Alexandre Desplat refuerza la melancolía y el vínculo empático con la criatura. Más que una adaptación, es un poema cinematográfico sobre lo humano y lo monstruoso que deja una huella duradera.
SINOPSIS: Tras la muerte de su madre, las hermanas Nora y Agnes se reencuentran
con su distanciado padre, Gustav Borg, un veterano director de cine de
renombre, que le ofrece a su hija Nora, actriz de teatro, un papel en su
próxima película. Nora lo rechaza y pronto descubre que le ha dado ese
papel a una joven y entusiasta estrella de Hollywood. De repente, las
dos hermanas deben sortear su complicada relación con su padre y lidiar
con una actriz estadounidense que se encuentra en medio de su compleja
dinámica familiar.
La
nueva obra de Joachim Trier "La peor persona del mundo", confirma al
director como uno de los grandes narradores del cine nórdico
contemporáneo. Desde su magnífico prólogo —una danza visual entre la
casa familiar y la memoria— la película exhibe una precisión técnica
impecable, sustentada en la sobria pero elocuente puesta en escena de
Trier. Cada plano, cada silencio y cada fundido a negro parecen pensados
para envolver al espectador en un clima emocional creciente que estalla
en la segunda mitad. La fotografía de Kasper Tuxen aporta una luz
frágil y melancólica que potencia la intimidad del relato, mientras la
música de Hania Rani acompaña con una sensibilidad casi terapéutica. El
trío interpretativo es deslumbrante: Renate Reinsve vuelve a demostrar
su magnetismo, Inga Ibsdotter Lilleaas sorprende con una verdad
conmovedora, y Stellan Skarsgård entrega una de sus actuaciones más
complejas y humanas. Incluso Elle Fanning, en un rol secundario, aporta
un brillo decisivo a la trama. La película, cocinada a fuego lento,
revela su fuerza en la exploración de vínculos rotos y heridas antiguas,
desplegando un drama familiar que crece en intensidad hasta conquistar
plenamente al espectador. Un film maduro, elegante y profundamente
humano: cine nórdico de la mejor cepa.
SINOPSIS: Sonny Hayes fue el fenómeno más prometedor de la Fórmula 1 en la década
de 1990, hasta que un accidente en la pista acabó prácticamente con su
carrera. Treinta años después es un piloto nómada a sueldo al que
contacta su antiguo compañero de equipo, Rubén Cervantes, propietario de
un equipo de Fórmula 1 al borde de la quiebra. Rubén convence a Sonny
para volver a la categoría reina del automovilismo y tener una última
oportunidad para salvar al equipo. Su compañero será el novato Joshua
Pearce, el piloto estrella del equipo, que está decidido a imponer su
propio ritmo.
F1 confirma a Joseph Kosinski como uno de los grandes artesanos del blockbuster moderno, firmando una experiencia adrenalínica, espectacular y de altísima calidad técnica. La puesta en escena transmite vértigo y velocidad con una inmersión pocas veces vista, haciendo que el espectador sienta que conduce el monoplaza. Brad Pitt está carismático y sólido, perfectamente acompañado por Kerry Condon, Damson Idris y un Javier Bardem muy eficaz. La fotografía de Claudio Miranda es impecable y la banda sonora de Hans Zimmer potencia cada emoción y cada curva. Vibrante, emocionante y tremendamente disfrutable, la película es puro cine de espectáculo hecho con pasión y oficio.
SINOPSIS: Dos jóvenes conspiranoicos secuestran a la poderosa presidenta de una
gran compañía, convencidos de que se trata en realidad de una
extraterrestre decidida a destruir el planeta Tierra.
Bugonia confirma a Yorgos Lanthimos como uno de los cineastas más lúcidos y adaptables de nuestro tiempo, capaz de reinterpretar Save the Green Planet! desde una mirada plenamente contemporánea. Su dirección, más contenida que en Pobres criaturas
pero igualmente incisiva, construye una sátira vibrante que combina
comedia negra, thriller psicológico y delirio surrealista con una
precisión admirable. El film despliega una estructura impecable en tres
actos que fluye del absurdo al horror con naturalidad hipnótica. Jesse
Plemons ofrece una interpretación monumental, explorando la paranoia y
la fragilidad masculina con una intensidad que desarma; Emma Stone
complementa el dúo con una presencia afinada y magnética. Lanthimos
aprovecha la premisa para reflexionar sobre las conspiraciones modernas,
el poder corporativo y la erosión de la verdad, temas que resuenan
profundamente en la era digital. La película destaca, además, por su
atmósfera inquietante y su capacidad para mantener al espectador en un
permanente estado de duda. El tercer acto, salvaje y visualmente
deslumbrante, se convierte en una experiencia cinematográfica que golpea
y permanece. Bugonia es, en suma, una obra atrevida, moderna y provocadora, de esas que invitan al debate mucho después de abandonar la sala.
SINOPSIS: Robert Grainier es un jornalero que trabaja en la construcción del
ferrocarril en el Oeste americano a principios del siglo XX. Golpeado
por la tragedia, lucha por adaptarse a su nuevo entorno.
Sueños de trenes se revela como una obra serena y profundamente conmovedora, donde Clint Bentley apuesta por un ritmo pausado que respira al compás de la vida misma. Su belleza nace de lo cotidiano, de la contemplación paciente y de una emoción que aflora sin artificios. La mirada sensible del director convierte la alegría, la pérdida y la soledad en materia poética. La fotografía naturalista de Adolpho Veloso transforma el paisaje en un personaje vivo, mientras la música acompaña con discreción y elegancia. Joel Edgerton firma una interpretación contenida y luminosa, coronando una película destinada a perdurar.
SINOPSIS: En la noche del 31 de marzo de 1943, el legendario letrista Lorenz Hart
se enfrenta a su dañada autoestima en el bar Sardi mientras su antiguo
compañero creativo Richard Rodgers acoge la noche inaugural de su
exitoso musical "¡Oklahoma!". Antes de que la noche acabe, Hart se habrá
enfrentado tanto a un mundo que ya no valora su talento como a la
aparente imposibilidad del amor.
Blue Moon
confirma la habilidad de Richard Linklater para convertir un espacio
único en un universo emocional vibrante, desplegando su habitual
sensibilidad teatral en una historia concentrada en una sola noche. La
puesta en escena, austera pero cargada de intención, potencia el peso de
las interpretaciones, encabezadas por un Ethan Hawke monumental, capaz
de encarnar con magnetismo al artista egocéntrico, frágil y atormentado.
Su retrato del célebre letrista, suspendido entre el humo, el alcohol y
la obsesión por la belleza, posee una autenticidad que roza lo
hipnótico. Linklater, fiel a su talento para el diálogo, construye
encuentros llenos de matices, especialmente en la poderosa química que
surge con el personaje de Margaret Qualley, donde el film revela su
corazón más vulnerable. El conjunto se ve enriquecido por las
interpretaciones precisas de Bobby Cannavale y un notable Andrew Scott,
que aportan ritmo y textura a este microcosmos nocturno. A pesar de su
minimalismo, Blue Moon
emerge como una obra elegante, íntima y profundamente interpretada, un
testimonio del poder del actor y de la dirección para convertir un
decorado en un mundo entero.
SINOPSIS: Un hombre (Sergi López) y su hijo (Bruno Núñez) llegan a una rave
perdida en Marruecos. Buscan a Mar, su hija y hermana, desaparecida hace
meses en una de esas fiestas sin amanecer. Reparten su foto una y otra
vez rodeados de música electrónica y un tipo de libertad que desconocen.
Conocen a un grupo de raveros y deciden seguirlos a una última fiesta
que se celebrará en el desierto, donde esperan encontrar a la joven
desaparecida.
Este
film se erige como un thriller atípico y profundamente poético, donde
el drama íntimo se funde con la cadencia espiritual de una road movie
contemplativa. Oliver Laxe construye una travesía emocional en la que el
silencio y los gestos dicen más que las palabras, y el paisaje se
convierte en espejo del estado interior de los personajes. La dirección
minimalista confía en la mirada del espectador y rehúye el efectismo,
apostando por una atmósfera de misterio sostenida. La fotografía alcanza
una belleza hipnótica, subrayando la fragilidad humana ante la
inmensidad del entorno. El diseño sonoro refuerza la experiencia
sensorial con una poderosa dialéctica entre música electrónica y
silencio. Una obra singular, intensa y profundamente humana, que
confirma a su autor como una de las voces más originales del cine
europeo contemporáneo.
SINOPSIS:Vahid, un modesto mecánico iraní, se ve repentinamente forzado a
rememorar su tiempo entre rejas a raíz de un encuentro casual con
Eghbal, quien le recuerda a su sádico carcelero. Alarmado, Vahid reúne a
sus antiguos compañeros de prisión para verificar la identidad de
Eghbal. Pero... ¿Qué harán si resulta ser él?
En Un simple accidente,
Jafar Panahi confirma una vez más que es uno de los grandes autores
contemporáneos, pero esta vez lo hace entregando una obra
sorprendentemente accesible, vibrante y tan emocional como divertida. La
película articula la complejidad social del Irán actual con una
ligereza inesperada, construyendo un relato que se mueve con soltura
entre la rabia y la ironía. Su mayor hallazgo reside en un reparto de
intérpretes desconocidos que, sin embargo, despliega una naturalidad
desarmante, tan precisa que justifica cualquier elogio al trabajo de
casting. Panahi dirige con pulso firme y mirada humanista, transformando
su experiencia de encarcelamiento en un motor creativo que carga al
film de una energía vitalista. El humor, a menudo pasado por alto en su
filmografía, emerge aquí como un recurso brillante que oxigena la
tensión social sin restarle profundidad. Y a través de esa mezcla única
de indignación y ternura, el director reafirma su compromiso artístico y
moral, recordándonos que el cine todavía puede ser un acto de
resistencia luminosa.
SINOPSIS: Con su vida literalmente derrumbándose a su alrededor, Linda intenta
lidiar con la misteriosa enfermedad de su hija, su marido ausente, una
persona desaparecida y una relación cada vez más hostil con su
terapeuta.
En
esta apuesta audaz de Mary Bronstein, el drama más corrosivo se
entrelaza con una comedia negra de matices finísimos para retratar la
desintegración emocional de una madre al límite. La directora construye
un dispositivo cinematográfico centrado casi por completo en el rostro
de Linda, y esa elección —arriesgada, claustrofóbica y profundamente
humana— se transforma en la mayor virtud del film. Rose Byrne ofrece
aquí una de las interpretaciones más potentes de su carrera: su rostro,
siempre al borde del colapso, condensa agotamiento, amor, miedo y furia
con una precisión que explica su consagración en Berlín y Sitges. El
film sumerge al espectador en una espiral de desgracias cotidianas que
oscilan entre lo absurdo y lo inquietante, logrando un tono tan incómodo
como irresistible. Bronstein equilibra con maestría el humor negro y la
tragedia doméstica, provocando risa nerviosa y empatía desgarradora en
un mismo plano. El uso de primeros planos constantes intensifica la
experiencia sensorial, generando una atmósfera asfixiante que palpita al
ritmo del desbordamiento emocional de la protagonista. Es un retrato
honesto, inteligente y audaz sobre la fragilidad humana que demuestra
cómo el cine puede convertir la vida corriente en una experiencia
cinematográfica vibrante y memorable.
SINOPSIS: Combinando comedia y terror, la película es una versión atrevida e
inesperada del famoso cuento, vista a través de los ojos de Elvira, la
hermanastra de Cenicienta. La sangrienta película sigue a Elvira en su
lucha por competir con su increíblemente bella hermanastra en un reino
donde la belleza es un negocio brutal. Elvira hará todo lo posible por
atraer la atención del príncipe.
La hermanastra fea
irrumpe en el panorama del terror contemporáneo como un debut
sorprendentemente audaz, irreverente y visualmente hipnótico. Lejos de
ser una mera relectura del cuento clásico, la película subvierte el mito
de Cenicienta con una inteligencia corrosiva, relegando a la
heroína tradicional a un segundo plano para dar protagonismo a lo
grotesco, lo imperfecto y lo deliciosamente humano. Lea Myren ofrece una
interpretación deslumbrante, llena de energía salvaje y vulnerabilidad,
convirtiéndose en el eje de un relato que combina sátira, terror
psicológico y un humor macabro que estalla en carcajadas. El film se
atreve a burlarse del culto a la belleza con una mordacidad brillante,
invitando al espectador a reírse —y reflexionar— ante el absurdo del
perfeccionismo moderno. La fotografía gótica, de una elegancia
milimétrica, dialoga con los excesos kitsch de la puesta en escena,
creando un universo estético de contrastes irresistibles: entre lo
decadente y lo sublime, lo feo y lo exquisito. Con su mezcla de humor
negro, crítica social y estética desbordante, La hermanastra fea
no solo redefine el cuento de hadas, sino que anuncia la llegada de una
nueva voz autoral en el cine de terror europeo. Una ópera prima
vibrante, ingeniosa y visualmente inolvidable.
2026: Premios Oscar: Nominada a Mejor maquillaje y peluquería.
2025: Festival de Berlín: Ganadora Premio del Público (Mejor Film).
2025: Festival de Sitges: Ganadora Mejor película.
SINOPSIS: Cuando todos los alumnos de una misma clase, salvo uno, desaparecen
misteriosamente la misma noche y exactamente a la misma hora, la pequeña
ciudad donde viven se pregunta quién o qué está detrás de su
desaparición.
Weapons se impone como una de las experiencias cinematográficas más singulares y perturbadoras del año, confirmando a Zach Cregger como un autor en plena madurez creativa. Su ambición formal convive con una historia íntima que transforma el terror en un rompecabezas fascinante y profundamente hipnótico. La fotografía de Larkin Seiple construye una atmósfera sombría de belleza inquietante, reforzada por una banda sonora poderosa y envolvente. El reparto brilla con interpretaciones intensas, especialmente Amy Madigan, en un trabajo memorable. Audaz, magnética y exigente, la película crece con cada visionado y se afirma como una de las grandes propuestas de 2025.
2026: Premios Oscar: Nominada a Mejor actriz de reparto.
SINOPSIS: Moscú, 1977. Dos 'PONIES' ('personas sin interés' en términos de los
servicios de inteligencia) trabajan de forma anónima como secretarias en
la embajada de los Estados Unidos hasta que sus maridos mueren en
circunstancias misteriosas en la URSS y ambas se convierten en agentes
de la CIA. Bea es hija de inmigrantes soviéticos, habla ruso y está
sobrecualificada. Su compañera, Twila, es una chica de pueblo tan mordaz
como intrépida. Juntas, trabajan para descubrir una gran conspiración
de la Guerra Fría y resolver el misterio que las dejó viudas.
Ponies reinventa con brillantez el género de espionaje al convertir a dos mujeres comunes en heroínas improbables, apostando por frescura, humor y emoción. Emilia Clarke y Haley Lu Richardson sostienen la serie con interpretaciones carismáticas y una química irresistible. Su mezcla de buddy movie, thriller y misterio funciona con fluidez, impulsada por guiones ingeniosos y una banda sonora setentera vibrante. El diseño de producción recrea con precisión atmosférica la Unión Soviética de los años 70, mientras la puesta en escena juega con el lenguaje visual del espionaje. Ágil, sorprendente y profundamente entretenida, Ponies se consolida como una de las propuestas más originales y disfrutable del género reciente.
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