HOLA... BIENVENIDOS LESCUENTO QUE:EL PRECIO por cada película en DVDDESDE$10.500C/U. Pero COMPRANDO 4 DVD´S o MÁS SERÁ DE$7.800C/U.
EL
COSTO DEL SERVICIO PORENVÍO VÍA MAILES DE $8.000 CADA PELÍCULA. PERO COMPRANDO 4 PELÍCULAS o MÁS ES DE $6.000C/U.
IMPORTANTE: LAS
PELÍCULAS QUE SON ENVIADAS X MAIL TIENEN MEJOR IMAGEN QUE LAS
PELIS GRABADAS EN DVD (SOBRE TODO EN LOS TELEVISORES FULL HD, 4 Y 8K)
PORQUE NO ESTÁN COMPRIMIDAS. LOS PEDIDOS POR MAIL SE PUEDEN HACER
CUALQUIER DÍA DE LA SEMANA DESDE CUALQUIER LUGAR DEL MUNDO.
CONSULTAR PRECIOS PARA OTROS PAÍSES Y PEDIDOS A LATINTASINSOMBRAS@GMAIL.COM O WHATS UP 1155170077 (Fer)
NOTA:
En los pedidos que se envían solo x mail, los pagos en territorio
Argentino son por transferencia bancaria (MERCADO PAGO).
Otros países se hacen por (PayPal).
NOTA:CINEDIGITALMOVIES se
responsabiliza por las películas que el cliente no pueda ver por fallas
en su grabación u envío, por lo que hará lo imposible para que el cliente quede satisfecho con su compra. MUCHAS GRACIAS.
SOLO LOS PEDIDOSenDVD se ENTREGARÁNEL DÍA JUEVES 1/10/2026 DE 16 A 18HS, EN CAPITAL FEDERAL. LOS PEDIDOS EN DIGITAL SE ENTREGAN EL DÍA QUE EL COMPRADOR ELIJA VÍA MAIL A CUALQUIER LUGAR DEL PAÍS O EL MUNDO. DIGITAL MOVIES
TE RECUERDA QUE TAMBIÉN PODÉS VER LOS ESTRENOS DE LAS SEMANAS
ANTERIORES. (SOLO TENÉS QUE CLIKEAR "ENTRADAS ANTIGUAS" AL FINAL DEL
BLOG O IR A "ARCHIVOS DEL BLOG" A LA DERECHA DE LA PÁGINA.
PEDIDOS Y CONSULTAS: LATINTASINSOMBRAS@GMAIL.COM / WHATS UP1155170077 (Fer)
SINOPSIS:Cuando una misteriosa niebla envuelve una metrópolis futurista,
liberando a una presencia esquiva y letal, una atormentada joven se
lanza a la búsqueda de su padre. Su búsqueda se cruza con la de un
soldado estadounidense inmerso en una angustiosa odisea para rescatar a
su hija del infierno.
Her Private Hell representa una de las expresiones más radicales y abstractas del cine de Nicholas Winding Refn posterior a Drive. La película propone una experiencia cinematográfica profundamente sensorial, sostenida por un extraordinario despliegue visual y sonoro. Refn construye un universo en el que la identidad, el deseo y la culpa se expresan mediante imágenes, sonidos y símbolos de gran potencia. Los personajes aparecen inmersos en una realidad que funciona como proyección de sus propios traumas y estados interiores. La puesta en escena privilegia la atmósfera y la sugestión, creando un espacio cinematográfico hipnótico y envolvente. La obra convierte la percepción y la sensación en elementos centrales de su lenguaje narrativo. Su radicalidad formal permite explorar territorios visuales y emocionales de enorme intensidad. El tratamiento del sonido adquiere una dimensión expresiva fundamental y potencia la experiencia sensorial del conjunto. Refn demuestra una notable libertad creativa al subordinar la lógica narrativa a la construcción de sensaciones, símbolos y estados mentales. En definitiva, Her Private Hell sobresale como una experiencia audiovisual extrema, hipnótica y fascinante, marcada por una poderosa identidad estética y una extraordinaria capacidad de sugestión.
SINOPSIS: Isabel se muda con sus dos hijos a un edificio muy prestigioso con
un alquiler asequible, pero un sistema de admisión peculiar. Una vez
aceptados e instalados en su nuevo hogar, tres vecinas ancianas que
viven en el piso de abajo le darán un vuelco a sus vidas.
VERSIÓN HABLADA Y SUBTITULADA EN ESPAÑOL.
La película española de terror y fantástico destaca por una realización elegante y una puesta en escena cuidadosamente trabajada. Su rica dirección artística encuentra especial fuerza en los largos pasillos y en la particular disposición de los espacios. Maribel Verdú ofrece una interpretación sobresaliente, especialmente en un último tercio de enorme intensidad dramática. Sofía Otero e Ibai Atanes aportan naturalidad y convicción, consolidando junto a Urko Olazábal un cuarteto protagonista de gran solidez. Las interpretaciones consiguen dotar de credibilidad a personajes enfrentados a extraordinarios acontecimientos que alteran profundamente su vida cotidiana. El relato combina con eficacia el terror fantástico con un poderoso drama humano y familiar marcado por la pérdida de tranquilidad y felicidad. El sonido, la fotografía y la banda sonora conforman un apartado técnico de notable calidad que potencia la atmósfera y sostiene el interés narrativo. La película dialoga con el cine fantástico y terrorífico de las décadas de 1960 y 1970, pero desarrolla una personalidad propia. La inspiración en acontecimientos reales aporta una dimensión singular a una propuesta que transforma experiencias personales en materia cinematográfica. En conjunto, la obra sobresale por su atmósfera, sus interpretaciones, su riqueza visual y su capacidad para integrar emoción familiar y terror en una experiencia cinematográfica convincente.
SINOPSIS: Un vendedor de césped sintético vive con un muñeco de tamaño natural
tras un desengaño amoroso. Cuando un trabajador temporal se une a su
empresa, el muñeco cobra vida misteriosamente, desencadenando
acontecimientos surrealistas que transforman su vida.
La poupée, de Sophie Beaulieu, se presenta como una comedia romántica y absurda que combina sátira social, humor y una mirada renovada sobre las relaciones afectivas. Vincent Macaigne ofrece una interpretación convincente como Rémi, un protagonista tierno y patético cuya singular situación impulsa el desarrollo de la historia. La aparición de Audrey, una muñeca de tamaño natural que cobra vida misteriosamente, proporciona un punto de partida original y lleno de posibilidades surrealistas. La película utiliza esta premisa fantástica para explorar con ingenio las proyecciones masculinas sobre las parejas ideales y las dinámicas sentimentales. Cécile de France y Zoé Marchal aportan frescura, energía y un valioso contrapunto a la neurosis del protagonista. El humor transita con naturalidad entre lo tierno, lo absurdo y lo ridículo, favoreciendo especialmente el dinamismo del tramo central. Beaulieu demuestra un buen manejo de los elementos fantásticos y una mirada sensible hacia las complejidades del malestar amoroso contemporáneo. La puesta en escena resulta colorida y atractiva, reforzando el carácter lúdico y surrealista de la propuesta. Su ajustada duración de 80 minutos favorece una experiencia ágil, ligera y entretenida, sostenida por personajes singulares y situaciones inesperadas. En definitiva, La poupée destaca por su original premisa, sus buenas interpretaciones, su humor peculiar y la personalidad de una directora capaz de abordar con frescura las convenciones de la comedia romántica.
SINOPSIS: París, 1928. Antoine Balestro, un joven y elegante pintor, no ha podido
trabajar desde la muerte de su esposa, para desesperación de su
galerista, Armand. Una noche, borracho, Antoine intenta contactar con
ella a través de una vidente. Sin saberlo, en realidad está hablando con
Suzanne, una humilde feriante que se ha colado en su caravana para
robar comida. Suzanne demuestra ser una experta en el engaño y, con la
ayuda de Armand, comienza una serie de falsas sesiones de espiritismo.
Poco a poco, Antoine recupera la inspiración, pero para Suzanne, las
cosas se complican al enamorarse lentamente del hombre al que manipula.
La Vénus électrique, de Pierre Salvadori, se presenta como una fábula romántica y melancólica que combina con sensibilidad humor, espiritismo y pasión trágica. Ambientada en el París de 1928, la película construye una atmósfera de época impregnada de inocencia, misterio y fascinación por los primeros avances tecnológicos. Anaïs Demoustier aporta frescura y encanto como Suzanne, una protagonista de espíritu cercano a las heroínas de la screwball comedy. Pio Marmaï compone con intensidad a Antoine, un pintor marcado por el deseo de reencontrarse con su amante fallecida. Salvadori desarrolla con notable imaginación una trama donde el azar, la ilusión y los sentimientos se entrelazan de manera progresiva. El humor amable del director convive con una dimensión romántica y fantasmal que otorga a la historia una singular riqueza emocional. La incorporación de los diarios de Irène amplía el relato hacia una historia de amor pasional que trasciende las fronteras entre la vida y la muerte. La película dialoga con elegancia con clásicos como Peter Ibbetson, The Ghost and Mrs. Muir, Portrait of Jennie y Vertigo, integrando esas influencias dentro de una propuesta personal. El elenco, con Gilles Lellouche y Vimala Pons junto a Demoustier y Marmaï, potencia el encanto de una narración poblada de personajes complejos y situaciones inesperadas. En definitiva, La Vénus électrique destaca por su original premisa, su atmósfera parisina, su delicado equilibrio entre comedia y romanticismo y una puesta en escena que convierte el misterio de los fantasmas en una hermosa celebración del poder de la imaginación.
DIGITAL MOVIES
TE RECUERDA QUE TAMBIÉN PODÉS VER LOS ESTRENOS DE LAS SEMANAS
ANTERIORES. (SOLO TENÉS QUE CLIKEAR "ENTRADAS ANTIGUAS" AL FINAL DEL
BLOG O IR A "ARCHIVOS DEL BLOG" A LA DERECHA DE LA PÁGINA.
PEDIDOS Y CONSULTAS: LATINTASINSOMBRAS@GMAIL.COM / WHATS UP1155170077 (Fer)
ESTRENOS
DE LA SEMANA
TRES
ADIOSES
Tre ciotole.
(EN CINES)
Título original: Tre ciotole Año: 2025 Duración: 120 min.
SINOPSIS: Tras lo que parecía una discusión sin importancia, Marta (Alba
Rohrwacher) y Antonio (Elio Germano) se separan. Él, un chef prometedor,
se refugia en sus fogones; ella, en su silencio, empieza a notar algo
más que tristeza: ha perdido el apetito… y no solo por desamor. Cuando
descubre que detrás hay un problema de salud, todo da un giro
inesperado: la comida sabe mejor, la música le llega como nunca y el
deseo despierta sus ganas de vivir sin miedo.
Isabel
Coixet entrega una de sus obras más delicadas y maduras, una reflexión
profundamente humana sobre el amor, la pérdida y el sentido de la
existencia. Con una sensibilidad extraordinaria, la directora transforma
los gestos cotidianos y los objetos más simples en símbolos cargados de
emoción y significado. La película conmueve sin recurrir a
sentimentalismos fáciles, encontrando su fuerza en la intimidad de los
vínculos y en la fragilidad de sus personajes. Coixet filma una Roma
serena y viva que se convierte en un reflejo del mundo interior de la
protagonista. Alba Rohrwacher ofrece una interpretación luminosa y
conmovedora, capaz de transmitir dolor, ternura y esperanza con una sola
mirada, respaldada por el talento de Elio Germano y Francesco Carril.
El resultado es un drama elegante, emotivo y profundamente sincero que
confirma la maestría de una cineasta excepcional para explorar las
emociones más universales.
2025: Festival de Valladolid - Seminci: Nominada a Mejor Película - Espiga de Oro.
2025: Premios David di Donatello (Italia): Nominada a Mejor actriz secundaria.
SINOPSIS: Tras años de secuelas cutres y un fandom en declive, la franquicia
slasher 'Camp Miasma' es puesta en manos de una joven y entusiasta
directora para que la resucite. Pero cuando visita a la estrella de la
película original, una actriz que ahora vive recluida y envuelta en
misterio, las dos caen en una espiral de sangre, deseo, miedo y delirio.
Teenage Sex and Death at Camp Miasma confirma a Jane Schoenbrun como una de las voces más estimulantes del cine independiente contemporáneo. La directora reformula con notable personalidad los códigos visuales, conceptuales y narrativos del slasher de los años ochenta. Hannah Einbinder ofrece una interpretación convincente como Kris, una cineasta introvertida y queer impulsada por el deseo de renovar una franquicia de terror en decadencia. Gillian Anderson se destaca con enorme carisma en un papel paródico que homenajea y al mismo tiempo reinventa los arquetipos del género. La relación entre Kris y Billy permite explorar de manera sensible los deseos, la identidad, la creación artística y las distintas formas de mirar y ser mirado. Schoenbrun desarrolla una película autorreferencial que convierte el propio acto de hacer cine en uno de sus principales temas. La puesta en escena combina con originalidad recursos como matte paintings, split diopters y composiciones visuales que enriquecen el universo del relato. Una ingeniosa utilización del desdoblamiento de los cuerpos amplía las posibilidades expresivas de la mirada y genera una de las propuestas formales más llamativas del filme. El tono kitsch y satírico convive con la presencia de Little Death, un psicokiller que aporta sangre, vísceras y una poderosa dimensión metaficcional. En definitiva, Teenage Sex and Death at Camp Miasma sobresale por su imaginación visual, su audacia conceptual, sus interpretaciones y su capacidad para renovar con inteligencia y humor las convenciones del cine de terror.
2026: Festival de Cannes: Nominada a Un Certain Regard: Mejor película.
2026: Festival de San Sebastián: Nominada a Zabaltegi-Tabakalera.
SINOPSIS: Lo que comienza siendo un verano idílico, en un pequeño y tranquilo
pueblo vacacional, se convierte en una auténtica pesadilla cuando los
más pequeños comienzan a mostrar instintos asesinos y deseos insaciables
por acabar con todos los adultos. Son víctimas de una curiosa maldición
provocada por los helados que comen que afecta a todos, menos a tres
niños que tendrán que intentar escapar y salvar a todo el pueblo.
El Heladero: dulce sabor a muerte (Ice Cream Man, 2026) confirma a Eli Roth como un director capaz de construir un eficaz espectáculo de terror con recursos contenidos. La película recupera con personalidad el espíritu del cine de horror sangriento mediante secuencias inquietantes, muertes ingeniosas y una saludable dosis de humor macabro. Roth desarrolla una historia que combina elementos de El flautista de Hamelín, Weapons, Terrifier y Los pájaros, incorporando esas referencias dentro de una propuesta con identidad propia. La premisa del heladero que conquista a los niños con sus helados y desencadena el caos en un pequeño pueblo resulta atractiva y favorece un desarrollo lleno de tensión y situaciones sorprendentes. El protagonismo de los personajes infantiles aporta frescura al relato y permite que la aventura avance desde una perspectiva juvenil especialmente dinámica. Eli Roth demuestra además una notable capacidad para dirigir al elenco joven, logrando interpretaciones naturales y convincentes. Los efectos prácticos contribuyen al tono artesanal y visceral de la película, reforzando sus momentos de horror y sus escenas más impactantes. La puesta en escena mantiene un ritmo entretenido y encuentra un buen equilibrio entre terror, humor negro, aventura y suspense. La partitura musical aporta una atmósfera reconocible y evocadora, con ecos del célebre universo sonoro de Viernes 13. En definitiva, Dulce sabor a muerte ofrece una experiencia de terror divertida, sangrienta y muy entretenida, sostenida por una premisa original, jóvenes protagonistas carismáticos y el particular sello cinematográfico de Eli Roth.
SINOPSIS: El dueño de un club nocturno está a punto de dejar atrás su peligroso
pasado para volver a vivir con su novia. Cuando unos pistoleros
enmascarados le roban y se ve acorralado por despiadados cárteles, llega
un misterioso hombre interesado en comprar el negocio. Con el peligro
acechándole por todos lados, deberá atravesar una mortífera red de
engaños, poder y supervivencia, de la que escapar puede que ya no sea
una opción.El dueño de un club nocturno está a punto de dejar atrás su peligroso
pasado para volver a vivir con su novia. Cuando unos pistoleros
enmascarados le roban y se ve acorralado por despiadados cárteles, llega
un misterioso hombre interesado en comprar el negocio. Con el peligro
acechándole por todos lados, deberá atravesar una mortífera red de
engaños, poder y supervivencia, de la que escapar puede que ya no sea
una opción.
The Get Out
ofrece un thriller de tono ligero que combina crimen, humor y acción
con un ritmo constante y una propuesta entretenida. La película
encuentra su principal fortaleza en la carismática interpretación de
Russell Crowe, quien construye un protagonista cercano, simpático y
lleno de matices. El reparto secundario responde con solvencia,
aportando personajes pintorescos que enriquecen el desarrollo de la
historia. La dirección de Derrick Borte mantiene la narración siempre
dinámica, alternando momentos de tensión, comedia y situaciones
extravagantes que evitan que el interés decaiga. La puesta en escena
crea un universo criminal con personalidad, donde el humor convive de
forma natural con el suspense. El film incorpora múltiples elementos
narrativos que dotan de variedad a la trama y mantienen un tono
desenfadado. Aunque se inspira en referentes del género, logra sostener
una identidad propia gracias a su equilibrio entre lo serio y lo
absurdo. El resultado es un entretenimiento eficaz, impulsado por un
reparto sólido y por el innegable magnetismo de Russell Crowe, que
convierte la película en una propuesta amena para los amantes del
thriller con tintes de comedia.
SINOPSIS: La película biográfica Tony se ambienta en el verano de 1975 y sigue a un joven Anthony Bourdain de diecinueve años interpretado por Dominic Sessa. El relato sigue a Bourdain en un viaje impulsivo hacia Provincetown que transforma su vida. Sin dinero y por puro azar, el protagonista termina atrapado en el caótico y fascinante submundo de una cocina profesional. El largometraje retrata de forma magistral el choque entre la estricta disciplina de un gran mentor y los excesos nocturnos. Esta producción cinematográfica logra capturar la adrenalina pura, la camaradería y la crudeza que se vive detrás de los fogones. El público descubrirá una emocionante historia de madurez llena de rock, rebeldía y redención que cautiva de principio a fin.
Tony se presenta como un biopic luminoso y humano sobre el joven Anthony Bourdain y el verano de 1975 que transformó su relación con la cocina y la escritura. Matt Johnson construye un relato de formación con espíritu aventurero y nostálgico, recreando con autenticidad la atmósfera de Provincetown en los años setenta. Dominic Sessa ofrece una interpretación magnética y carismática, capturando la energía, el talento verbal y la intensidad juvenil de Tony. Emilia Jones aporta una presencia radiante, mientras Antonio Banderas compone un Chef extraordinario, cálido, misterioso y dotado de serena autoridad. La cocina se convierte en el corazón de la película, presentada como un universo de disciplina, caos, pasión y aprendizaje. Johnson dota las escenas culinarias de una espontaneidad vibrante y una poderosa sensación de realidad, convirtiendo el trabajo cotidiano en una experiencia fascinante. El relato destaca por su organicidad y por una puesta en escena de gran naturalidad, marcada por la libertad propia de un verano inolvidable. La relación entre Tony y Chef aporta una dimensión emotiva al mostrar cómo ambos despiertan mutuamente ambiciones y posibilidades latentes. La película encuentra en la cocina una metáfora del crecimiento personal y convierte ese espacio de trabajo en una auténtica escuela de vida. En definitiva, Tony sobresale como un biopic encantador y vital, sostenido por grandes interpretaciones, una atmósfera setentista envolvente y una notable capacidad para retratar el despertar de una vocación.
SINOPSIS: En lo más profundo de los bosques de la Oklahoma rural, el carismático y
musicalmente dotado Amziah King lidera una banda de inadaptados que
tocan bluegrass mientras supervisa la principal operación de fabricación
de miel del pueblo. Cuando la hija adoptiva de Amziah, Kateri, regresa
inesperadamente, él trata de renovar su conexión y crear un negocio
familiar. Pero el juego de la miel es despiadado, y los rivales de
Amziah amenazan con destruir todo lo que ha construido.
The Rivals of Amziah King se presenta como un biopic vibrante y profundamente humano sobre Amziah King, interpretado con enorme carisma por Matthew McConaughey. Andrew Patterson dirige con gran energía y estilo, construyendo desde su brillante secuencia inicial una atmósfera cálida, musical y contagiosamente vital. McConaughey encuentra un personaje hecho a su medida, combinando encanto, generosidad y una poderosa presencia que convierte a Amziah en el corazón de su comunidad. Angelina LookingGlass ofrece una interpretación destacada como Kateri, aportando sensibilidad, fortaleza y una evolución dramática especialmente atractiva. La relación entre Amziah y Kateri constituye uno de los grandes valores emocionales del relato y permite explorar vínculos familiares, aprendizaje y afecto. El paisaje rural de Oklahoma adquiere una personalidad propia gracias a una comunidad de personajes singulares, entrañables y llenos de vitalidad. Antonio Banderas sobresale como mentor de Amziah, mientras el conjunto del reparto aporta variedad, energía y humanidad a la historia. La película desarrolla con notable intensidad el universo de la apicultura y transforma ese particular entorno laboral en un escenario inesperado de aventura y conflicto. Patterson combina drama, humor, emoción y tensión con un ritmo imprevisible que mantiene activa la narración y potencia su capacidad de entretenimiento. En definitiva, The Rivals of Amziah King destaca por su personalidad cinematográfica, sus excelentes interpretaciones, su riqueza humana y una energía narrativa que convierte la historia en una experiencia memorable.
SINOPSIS:Lauren, una mujer muy estructurada y recién divorciada, intenta recuperar su juventud iniciando un romance con un hombre mucho más joven. Sin embargo, su plan se descarrila en la boda de una amiga cuando intenta mantener el ritmo de los veinteañeros y la noche se vuelve un caos.
For Worse se presenta como una comedia romántica fresca y divertida que sigue a Lauren, una mujer de 50 años recientemente divorciada que intenta reconstruir su vida. Amy Landecker demuestra notable talento como directora, guionista y protagonista, aportando al relato una mirada personal y un humor espontáneo. La película combina las convenciones de la comedia romántica con una estética independiente que constituye una de sus mayores virtudes. El ambiente luminoso de Los Ángeles aporta una identidad visual atractiva y una atmósfera cálida a la narración. Landecker desarrolla a Lauren como un personaje cercano y reconocible, rodeado de situaciones cotidianas que generan momentos de gran comicidad. Missi Pyle sobresale como Julie, una amiga ingeniosa y entrañable cuya energía potencia especialmente las escenas humorísticas. Bradley Whitford aporta carisma y precisión cómica como Dave, mientras el resto del elenco enriquece la historia con interpretaciones naturales. Los personajes están construidos con sensibilidad y humanidad, evitando estereotipos y favoreciendo relaciones llenas de matices. La dirección aprovecha con inteligencia la improvisación y la química del reparto para conseguir escenas dinámicas y genuinamente divertidas. En definitiva, For Worse constituye un debut sólido, encantador y frecuentemente hilarante que recupera con personalidad y frescura el espíritu de la comedia romántica.
SINOPSIS: Acusado de un delito que no cometió y sin nada que perder, un héroe de
guerra llamado Ryan «Fang» Flanagan se enfrenta a las agresivas fuerzas
del orden en una persecución en coche por todo el país, con la ayuda de
sus compañeros de armas y de un público comprensivo que anima su huida.
El filme presenta el regreso de Liam Neeson al volante de un veloz Shelby Cobra en una frenética persecución cargada de energía. Mark Vanselow demuestra solvencia en la dirección gracias a su experiencia en la coordinación de dobles de riesgo. Las secuencias de carretera destacan por su dinamismo, intensidad y realismo físico. La puesta en escena privilegia la acción directa y permite que cada persecución adquiera una notable fuerza visual. Liam Neeson aporta presencia y contundencia a una propuesta construida alrededor de la velocidad y la tensión. Marisa Tomei y Ving Rhames enriquecen el reparto con interpretaciones sólidas y carismáticas. La historia de falsos acusados encuentra en el elenco un apoyo dramático que potencia sus elementos de suspenso. El filme combina con eficacia acción, persecuciones y momentos de tensión dentro de una estructura clásica y accesible. La experiencia de Vanselow detrás de cámaras se traduce en escenas de riesgo especialmente físicas y convincentes. En definitiva, la película ofrece un espectáculo de acción intenso y entretenido, sostenido por un protagonista carismático, un reparto de calidad y secuencias automovilísticas de gran impacto.
SINOPSIS: A principios del siglo XVII, un misterioso soldado llega a un aislado
pueblo protestante de Alemania afirmando ser el heredero de una granja
abandonada. Aunque demuestra ser un buen hombre y se integra en la
comunidad, las sospechas de los aldeanos sobre su identidad aumentan y
obligan a un ajuste de cuentas.
Rose se presenta como una notable película de época dirigida por Markus Schleinzer, capaz de sorprender constantemente a medida que desarrolla su historia ambientada en el siglo XVII. La narración sigue a una mujer que vive como hombre y construye alrededor de esa premisa un relato lleno de situaciones inesperadas y nuevos matices. Sandra Hüller ofrece una actuación extraordinaria, dotando a Rose de múltiples facetas y una complejidad que se revela progresivamente. La interpretación de Hüller constituye uno de los grandes pilares de la película gracias a la naturalidad con la que transita las transformaciones del personaje. La fotografía en blanco y negro de Gerald Kerkletz destaca por sus encuadres precisos, sus paisajes de gran amplitud y una cuidada recreación histórica. La puesta en escena consigue transmitir con credibilidad el espíritu de la época y mantiene siempre la imagen al servicio de la historia. El tono cambia con notable libertad entre situaciones duras, momentos de humor y escenas extrañas, enriqueciendo la experiencia narrativa. La película desarrolla una atmósfera de distancia y misterio que permite que los personajes se expresen sin recurrir a explicaciones innecesarias. El relato modifica progresivamente el significado de sus acontecimientos y conserva hasta el final una capacidad constante para sorprender. En definitiva, Rose sobresale por su extraordinaria interpretación, su elegante fotografía, su riqueza narrativa y una personalidad cinematográfica que la convierte en una de las propuestas más interesantes del año.
SINOPSIS: Diego decide poner rumbo a la roca volcánica paradisíaca con su mujer
Alba para probar suerte por enésima vez en su matrimonio. Una relación
sin sexualidad y discusiones continuas, de idas y venidas con personas
de por medio, sin importar el daño que esto les causa. Alba permanece
con su coraza cerrada sin ver que su actitud es la causa del naufragio
de su relación. Irene y Ben son los anfitriones de la geria donde se
hospedan. Una pareja de prometidos cuya felicidad tiende de un hilo con
la llegada de sus invitados. “Siete preguntas para salvar tu matrimonio”
en una revista de prensa rosa será lo que destape la verdad de ambas
relaciones.
La película de Horacio Alcalá se presenta como un intenso drama íntimo que explora con sensibilidad los vínculos de pareja y sus complejidades emocionales. La historia establece un sugerente diálogo cinematográfico con Te querré siempre y Stromboli, evocando la tradición del gran cine italiano. Asia Ortega y Manu Vega aportan interpretaciones de gran intensidad, construyendo una relación marcada por preguntas, sentimientos y profundas heridas emocionales. El relato convierte el viaje de la pareja en un espacio de reflexión sobre el amor, la convivencia y las dificultades de la comunicación. Los espectaculares escenarios adquieren una poderosa dimensión dramática al contrastar su belleza natural con la fragilidad de los vínculos. La fotografía encuentra en los paisajes soleados y ventosos un marco visual de enorme atractivo y personalidad. La incorporación de otra pareja amplía la mirada sobre los sentimientos y enriquece la exploración de las relaciones afectivas. El juego de preguntas sobre el matrimonio aporta dinamismo al relato y favorece nuevas perspectivas sobre las decisiones de los protagonistas. La película desarrolla con sutileza temas como la comunicación, la incomunicación y el desgaste emocional, evitando simplificaciones. En definitiva, Horacio Alcalá construye una obra sensible y visualmente poderosa, sostenida por buenas interpretaciones y una interesante reflexión sobre el amor y las relaciones humanas.
SINOPSIS: En una pequeña ciudad de provincias, un médico, un carnicero y un
notario necesitan comprar la casa del cartero para cerrar un importante
negocio inmobiliario. El problema es que lee el correo de todos antes de
entregarlo. Una vez que descubre la trama, decide que no le dará a
nadie la satisfacción de ganar dinero con su patrimonio.
La película de Claude Chabrol destaca por su singular combinación de intriga criminal y costumbrismo provinciano, elementos característicos de su cine. Stéphane Audran ofrece una interpretación descomunal como una madre dominante, obsesiva y profundamente compleja, convirtiendo al personaje en una figura de enorme intensidad dramática. Jean Poiret aporta un notable trabajo como un policía de carácter áspero, mientras el joven Lucas Belvaux construye con sensibilidad al protagonista. La historia despliega una trama rica en especulaciones inmobiliarias, secretos, correspondencia privada, muertes y relaciones sentimentales que mantienen vivo el interés. Chabrol desarrolla con gran habilidad un universo donde los conflictos personales se entrelazan con las tensiones sociales de una comunidad aparentemente tranquila. La lucha de clases aparece integrada de manera inteligente en el relato, con personajes llenos de matices y alejados de cualquier simplificación. La película revela además vínculos temáticos y narrativos con otras obras del director, especialmente con La ceremonia, enriqueciendo su lugar dentro de su filmografía. La relación entre el hijo y su madre constituye uno de los grandes atractivos dramáticos gracias a la tensión psicológica que atraviesa sus encuentros. La gastronomía ocupa también un lugar destacado, tratada por Chabrol con atención al detalle y una particular sensibilidad hacia los rituales de la alimentación. En definitiva, la película sobresale por sus magníficas interpretaciones, su atmósfera inquietante, su compleja trama y la mirada lúcida de Chabrol sobre las relaciones sociales.
1985: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)
1985: Premios César: Nominada a Mejor actor revelación (Lucas Belvaux)
SINOPSIS: El cadáver de Raoul Mons aparece un día completamente desnudo en la
playa con la palabra cerdo escrita sobre su cuerpo. Mons, era hasta
entonces un famoso escritor católico que llevaba una vida austera con su
mujer Hélène, su hijastra Verónique, una joven adolescente fruto de un
anterior matrimonio de Hélène y el hermano de ésta, Claude.
Inspecteur Lavardin confirma la maestría de Claude Chabrol para retratar con precisión y humor el universo de la burguesía provinciana. La película construye una atmósfera elegante y singular mediante caminos rurales, antiguas casonas, coches de colección y personajes de refinada apariencia. El tono de comedia sutil aporta una mirada mordaz y sofisticada sobre las relaciones, los secretos y las intrigas de ese particular mundo social. Jean Poiret brilla como el sagaz e imprevisible inspector Lavardin, un investigador carismático, inteligente y dotado de una personalidad fascinante. Su personaje combina astucia, simpatía y picardía, convirtiéndose en uno de los grandes atractivos de la película. La trama desarrolla con notable ingenio una red de encubrimientos, misterios y secretos que mantiene constante el interés. Jean-Claude Brialy acompaña a Poiret con enorme talento y construye un personaje encantador que potencia especialmente el humor y la dinámica del relato. Chabrol integra con inteligencia la intriga criminal y la observación social, creando una obra llena de matices y personajes alejados de cualquier simplificación. La gastronomía, los rituales cotidianos y el cuidado de los detalles enriquecen la puesta en escena y aportan una identidad visual y narrativa inconfundible. En definitiva, Inspecteur Lavardin destaca por su elegancia, su humor corrosivo, sus magníficas interpretaciones y la extraordinaria capacidad de Chabrol para convertir una historia criminal en un espectáculo cinematográfico ameno y sofisticado.
SINOPSIS: Betty y Victor forman una pareja bastante singular. Él es un hombre de
60 años, justo el doble que ella. Los dos recorren Francia y otros
países en una caravana y participan en reuniones y congresos, donde se
dedican a desvalijar a hombres ricos que son presa fácil del
irresistible encanto de Betty.
La película de Claude Chabrol presenta a Betty y Victor, una peculiar pareja de estafadores cuya relación constituye uno de sus mayores atractivos. Isabelle Huppert y Michel Serrault ofrecen interpretaciones magistrales y mantienen con enorme sutileza la ambigüedad del vínculo entre sus personajes. La química entre ambos aporta misterio, humor y una constante sensación de complicidad a la narración. El relato adquiere mayor dimensión cuando Betty seduce a Maurice para llevar adelante un ambicioso robo de cinco millones de francos suizos. Chabrol desarrolla con notable ingenio una trama de estafas, blanqueo de dinero e intrigas que amplía progresivamente sus posibilidades narrativas. El humor negro se integra con elegancia en una estructura que combina comedia, thriller y suspense. La influencia de Lubitsch y Hitchcock se percibe en la inteligente mezcla de situaciones cómicas, tensión y oscuridad. La película construye una atmósfera en la que las apariencias se transforman constantemente y cada personaje aporta nuevos interrogantes. La posibilidad de que Betty y Victor estén manipulándose mutuamente enriquece el juego psicológico y mantiene viva la sorpresa. En definitiva, la película destaca por sus magníficas interpretaciones, su humor sofisticado, su ingeniosa trama de intrigas y la extraordinaria capacidad de Chabrol para convertir el engaño en un fascinante juego cinematográfico.
1997: San Sebastián: Concha de Oro y Mejor director
SINOPSIS: La encantadora Gabrielle Deneige vive en Lyon con su madre, una librera
que ha criado sola a su hija. Gabrielle es la “mujer del tiempo” en una
cadena de televisión. Con motivo de la promoción de un nuevo programa,
conoce al escritor Charles Saint-Denis, un hombre maduro y casado.
Brillante y adulador, seduce a la joven nada más conocerla y se enamora
de ella. Pero también Paul Gaudens, un hombre joven, rico y caprichoso,
intentará conquistar el corazón de Gabrielle.
Una mujer cortada en dos muestra a Claude Chabrol recuperando con fuerza sus constantes temáticas y su particular mirada sobre las relaciones humanas. El trío protagonista evoluciona con habilidad desde el drama pasional hacia una intriga criminal cargada de tensión y matices. Ludivine Sagnier ofrece una interpretación sobresaliente, combinando inocencia, sensualidad y complejidad en un personaje de gran riqueza emocional. Su trabajo permite además que la película desarrolle una mirada mordaz sobre el mundo televisivo y sus ambientes profesionales. Benoît Magimel compone con intensidad a un personaje dominado por los celos y las contradicciones derivadas de su posición social. François Berléand aporta una presencia igualmente sólida como escritor y representante de una burguesía vinculada al prestigio artístico. Chabrol explora con inteligencia las rivalidades, envidias y diferencias existentes dentro de una misma clase social, enriqueciendo el conflicto dramático. La puesta en escena se caracteriza por una colorida limpieza visual que contrasta de manera sugestiva con la oscuridad emocional de los personajes. Las referencias a Hitchcock y a otras obras del propio Chabrol enriquecen una película que combina pasión, suspense, humor negro e intriga criminal. En definitiva, Una chica cortada en dos destaca por sus interpretaciones, su elegancia visual y la mirada incisiva de Chabrol sobre el deseo, los celos y las complejas relaciones de poder.
2007: Festival de Venecia: Ganadora Premio Bastone Bianco (Filmcritica)
DIGITAL MOVIES
TE RECUERDA QUE TAMBIÉN PODÉS VER LOS ESTRENOS DE LAS SEMANAS
ANTERIORES. (SOLO TENÉS QUE CLIKEAR "ENTRADAS ANTIGUAS" AL FINAL DEL
BLOG O IR A "ARCHIVOS DEL BLOG" A LA DERECHA DE LA PÁGINA.
PEDIDOS Y CONSULTAS: LATINTASINSOMBRAS@GMAIL.COM / WHATS UP1155170077 (Fer)
Dinamarca
España
Francia
