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ESTRENOS
DE LA SEMANA
AMBICIÓN
EL POLÍTICO QUE QUISO CAMBIAR ITALIA
Berlinguer. La grande ambizione.
(EN CINES)
- Título original
- Berlinguer. La grande ambizione
- Año: 2024
- Duración: 123 min.
Italia- Dirección: Andrea Segre
- Guion: Marco Pettenello, Andrea Segre
- Reparto: Elio Germano, Paolo Pierobon, Roberto Citran, Stefano Abbati.
- Música: Iosonouncane
- Fotografía: Benoît Dervaux
- Compañías Coproducción Italia-Bélgica-Bulgaria; Jolefilm, Vivo Film, Rai Fiction, Tarantula, Agitprop, Ministero della Cultura. Distribuidora: Lucky Red, Fandango Produzione
- Género: Drama | Biográfico. Histórico. Política. Años 70.
SINOPSIS: Narra la vida del popular líder político Enrico Berlinguer, secretario general del Partido Comunista Italiano, durante los años más cruciales de su carrera política, entre 1973 y 1978. La historia se centra en el momento en que Berlinguer estuvo a punto de llevar al Partido Comunista de Italia al poder en 1978 mediante una alianza con la Democracia Cristiana. El secuestro y asesinato de Aldo Moro, líder de los democristianos, frustró un momento que hubiese cambiado la historia del país y del equilibrio geopolítico en todo el mundo.
Con rigor histórico que también es añoranza, Andrea Segre enmarca en este film el momento histórico y la figura de Enrico Berlinguer. La cita de Antonio Gramsci “por lo general somos testigos de la lucha por pequeñas ambiciones ligadas a fines privados contra la gran ambición, que es inseparable del bien colectivo”, con la que se inicia esta película, cuidadosamente advierte que los hechos y personajes que narra son reconstruidos a partir de textos, archivos y testimonios colocando al cine italiano nuevamente en la senda del cine político que tan famoso lo hiciera en la década del 70. Pero las diferencias y similitudes con aquel que encumbró a Elio Petri, Gillo Pontecorvo, Francesco Rosi y Giuliano Montaldo no deben soslayarse, porque aquí la potencia y poder de la denuncia política y social es reemplazada por una mirada más nostálgica, reflexiva y sutil.Así, el comienzo de La gran ambición, con imágenes de archivo del triunfo y posterior golpe al chileno Salvador Allende, enmarcan el momento histórico y la figura de Enrico Berlinguer, líder del comunismo italiano y que junto con Georges Marchais y Santiago Carrillo, inició la construcción de una alternativa al comunismo soviético y al capitalismo occidental que denominaron “eurocomunismo”. Pero el film se centra en el desarrollo del “compromiso histórico”, otra de las líneas de acción de Berlinguer, que buscó afanosamente el entendimiento con el otrora poderoso Partido Demócrata Cristiano para sostener un reformismo que alejara las posibilidades autoritarias dentro de la escena de la política italiana, un acuerdo que tanto la Unión Soviética como los Estados Unidos rechazaron de plano. Sin embargo, en la historia política italiana será la extrema izquierda con el accionar de las temibles “Brigadas Rojas” que pongan de facto fin al “compromesso” con el secuestro y posterior asesinato del líder democristiano Aldo Moro. La película de Segre retrata la trastienda de todo este entramado político. Pero el trabajo del realizador, quien se esmera en acercar esta ficción a la reconstrucción histórica lo más certeramente posible aún a expensas de la dramatización ficcional, funciona como retrato de un político respetado por sus adversarios, quien con una sólida formación cultural y filosófica quedó como último símbolo de honestidad de los grandes líderes italianos de otro tiempo. En tal sentido, el trabajo de Elio Germano como Enrico Berlinguer casi funciona como el film en sí mismo, porque es a través de su perfil donde la modestia cinematográfica y una estética bastante convencional crecen hasta convertir al relato en un retrato sofisticado donde el valor de la nostalgia coloca en perspectiva actual muchos de los elementos presentes en la narración y la representación histórica. Con inteligencia, Segre enmarca a Berlinguer en el momento de mayor auge político, aunque se permite hacer no solo un racconto de su labor posterior sino también de cómo su figura sostuvo al comunismo italiano incluso luego de la debacle soviética. Y es de esta manera en la cual el director mantiene la llama del cine político activa desde su formulación ética y su interpretación histórica, dando paso de la contundencia de la denuncia de otro tiempo a la reflexión a través de sus infinitos contrastes con el presente, tal como hicieran Marco Tullio Giordana con I cento passi, o el último grande del cine italiano como es Marco Bellocchio, que retrató con Buongiorno, notte el mismo momento histórico pero desde la perspectiva de Aldo Moro. Segre continúa esa senda, desde un rigor histórico que en su mirada también es añoranza.
2024: Premios David di Donatello (Italia): Gandora Mejor actor (E.Germano) y Mejor montaje.
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COMPARTIDOS
Splitsville.
(EN CINES)
- Título original
- Splitsville
- Año: 2025
- Duración: 100 min.
Estados Unidos- Dirección: Michael Angelo Covino
- Guion: Michael Angelo Covino, Kyle Marvin
- Reparto: Dakota Johnson, Adria Arjona, Kyle Marvin, Michael Angelo Covino.
- Música: Dabney Morris, David Wingo
- Fotografía: Adam Newport-Berra
- Compañías: Neon, Watch This Ready, TeaTime Pictures, First Look. Distribuidora: Neon
- Género: Comedia. Romance | Amistad.
SINOPSIS: Cuando Ashley le pide el divorcio, Carey, un hombre afable y de buen corazón, busca consuelo en sus mejores amigos, Julie y Paul. Ellos le muestran el secreto de su relación feliz: un matrimonio abierto. Intrigado, Carey decide probar este estilo de vida, pero pronto cruza límites que no debería. Lo que empieza como una búsqueda de libertad emocional y nuevas experiencias termina desatando un caos en su entorno, poniendo en riesgo sus amistades, sus nuevas relaciones y su propia estabilidad emocional.
Con Dakota Johnson y Adria Arjona como figuras, la película actualiza de manera muy eficaz el modelo tradicional de la comedia romántica adulta. Desde que pasó inadvertido hace algo más de un año la espléndida e injustamente ignorada Cómplices del engaño, de Richard Linklater, no se estrenaba en los cines argentinos una comedia tan aguda, inteligente y disfrutable concebida para el público adulto, sin remilgos para referirse al sexo y con mucho para decir sobre el estado de los vínculos amorosos y del deseo en los tiempos que corren.En Amores compartidos, equívoco título local para Splitville, algo así como el lugar en donde transcurren las separaciones, Arjona vuelve a mostrar su encanto, una sensualidad natural y sobre todo un talento innato para hacer comedia. A través de ese muestrario de debilidades surge, plena y consciente, la fortaleza de la comedia. Hay situaciones llenas de velocidad (sin vértigo) que toman los principios de la mejor tradición del slapstick y la aplican a nuestro tiempo, junto a unos cuantos chistes sexuales y un par de escenas que justifican de lleno, por las características de su personaje, ver desnudo a Marvin. Nada resulta gratuito en ese sentido. Amores compartidos funciona como una gran orquesta en la que cada intérprete tiene bien claro el momento de su aparición como solista, ocupándose durante el resto del concierto a cumplir su función dentro del ensamble. Ninguno desafina, lo que equivale a encontrar momentos muy precisos de humor físico (hay una pelea antológica entre Covino y Marvin) y verbal. Toda comedia, en el fondo, adquiere sentido como representación de la búsqueda de una felicidad posible. En este caso, la felicidad consiste en atravesar el accidentado camino de las separaciones pensando, en medio de cada tropiezo y accidente, que un final feliz siempre es posible.
TRAILER
PELIGROSOS
Dangerous Animals.
(EN CINES)
- Título original
- Dangerous Animals
- Año: 2025
- Duración: 93 min.
Australia- Dirección: Sean Byrne
- Guion: Nick Lepard
- Reparto: Hassie Harrison, Josh Heuston, Jai Courtney, Rob Carlton.
- Fotografía: Shelley Farthing-Dawe
- Compañías: Brouhaha Entertainment, LD Entertainment, Oddfellows Entertainment, Range Media Partners
- Género: Thriller. Asesinos en serie. Secuestros / Desapariciones.
SINOPSIS: Zephyr, una surfista audaz, es secuestrada por un asesino obsesionado con los tiburones, quien planea sacrificarla en un ritual macabro. Cautiva en un barco aislado, debe usar su astucia para escapar antes de que su captor la entregue cual carnada a estos depredadores del océano.
"Animales
peligrosos" es un thriller que invierte los tópicos del género
de terror sobre tiburones y explora la verdadera naturaleza de la
peligrosidad. La película sigue a Tucker, un hombre resentido con un
pasado traumático que se convierte en un asesino, y a Zephyr, su presa,
una joven inteligente y decidida que lucha por sobrevivir. El film se
destaca por su crítica a la pedagogía y las
figuras parentales, y cómo estas pueden influir en el desarrollo de las
personas. También explora la idea de que la verdadera amenaza no son los
animales, sino los humanos que actúan con crueldad y sin empatía. Con
un guion bien estructurado y actuaciones sólidas de Jai Courtney y
Hassie Harrison, "Animales peligrosos" es muy recomendable, un thriller
tenso y cruel que
busca mantener al espectador en vilo. Aunque tiene algunos momentos
estereotípicos en las escenas de amor, la película es una crítica
interesante a la sociedad y la naturaleza humana.
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CAZADORES DEL
FIN DEL MUNDO
Afterburn.
(EN CINES)
- Título original
- Afterburn
- Año: 2025
- Duración: 105 min.
- Estados Unidos
- Dirección: J.J. Perry
- Guion: Nimród Antal, Scott Chitwood, Paul Ens, Matt Johnson
- Reparto: Dave Bautista, Olga Kurylenko, Kristofer Hivju, Samuel L. Jackson.
- Música: Roque Baños
- Fotografía: José David Montero
- Compañías: Endurance Media, Original Film, CAA Media Finance
- Género: Ciencia ficción. Drama | Cazatesoros. Futuro postapocalíptico.
SINOPSIS: Diez años después de una llamarada solar que apagó la tecnología, Jake, un exsoldado convertido en cazador de tesoros, es contratado para recuperar la Mona Lisa. Junto a la rebelde Drea, se enfrenta a un brutal criminal de guerra que busca el mismo objetivo. Entre acertijos y peligro, Jake deberá decidir entre aferrarse al pasado o luchar por el futuro.
Cazadores del fin del mundo (Afterburn) es una propuesta de acción clase B que representa la ópera prima de J.J. Perry, discípulo de Chad Stahelski (John Wick), quien inició su carrera como realizador tras desempeñarse durante varias décadas como doble de riesgo. Este proyecto tardó 17 años en concretarse y ofrece una adaptación del cómic homónimo publicado por Red 5 Comics, una compañía independiente cuyos títulos no tienen demasiada difusión. La obra de Scott Chitwood narra las aventuras de un cazador de tesoros en un contexto post-apocalíptico al estilo Mad Max, y llegó a tener dos miniseries limitadas. Esta película originalmente iba a ser protagonizada por Tobey Maguire, poco después de terminar Spider-Man 3, pero el proyecto se pinchó y los productores se toparon con numerosas dificultades financieras. En 2010 revivió con el director Antoine Fuqua y Gerard Butler, sin embargo a último momento cambiaron de idea y optaron por hacer Olympus Has Fallen. Fuqua terminó reemplazado por el talentoso cineasta coreano Jung Byun Gil, especialista del género, pero Netflix lo tentó con más presupuesto y dejó Afterburn para dirigir Carter (2018). Tras todos esos contratiempos, el rodaje finalmente se concretó el año pasado con un reparto liderado por Dave Bautista, Olga Kurylenko y Samuel L. Jackson. Pese a los recursos técnicos limitados, el film de Perry adapta con efectividad el concepto del cómic en una producción que remite a las viejas películas italianas de los años ’80 que surgieron durante la moda de los clones de Mad Max. De hecho, el personaje de Olga parece salido del reparto de Exterminators of the Year 3000, el clásico de culto de Giuliano Carnimeo de 1983. El director no oculta estas influencias en el tono del film y, si tenés claro que se trata de una película dominguera de esas que abundan en las plataformas de streaming, dentro de todo se deja ver. Bautista le pone mucha onda a su interpretación y conforma una buena dupla con Kurylenko, quien repite el tipo de rol en el que quedó encasillada en los últimos años. En materia de acción, la labor de Perry es prolija y ofrece secuencias decentes de tiroteos y peleas, donde se nota su experiencia como doble de riesgo. No obstante, su narración presenta algunos baches notables que podrían haberse resuelto con una edición más dinámica. Es una propuesta de cine clase B, filmada en Eslovaquia con bajo presupuesto, a la que no se le puede exigir demasiado. Por lo menos en el terreno de la acción no defrauda y logra ser entretenida si te interesan este tipo de contenidos.
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LE SYSTÉME
VICTORIA
El sistema Victoria.
- Título original
- Le système Victoria.
- Año: 2024
- Duración: 86 min.
Francia- Dirección: Sylvain Desclous
- Guion: Laurette Polmanss, Éric Reinhardt
- Reparto: Damien Bonnard, Jeanne Balibar, Cédric Appietto, Antonia Buresi.
- Música: Florencia Di Concilio
- Fotografía: Inès Tabarin
- Compañías: Madison Films, Panache Productions, Cinéfrance Studios
- Género: Drama. Suspenso.
SINOPSIS: David es el jefe de obra de un gran bloque de pisos en construcción en La Défense. Retrasos insalvables, presión incesante y equipos sobrecargados de trabajo: vive y respira la urgencia. Cuando se cruza en su camino con Victoria, la ambiciosa directora de RRHH de una multinacional, se siente inmediatamente seducido por su audacia y su libertad. Entre su apasionada relación y los retos de su trabajo, David se encuentra atrapado en un sistema que escapa a su control.
En Le Système Victoria, Sylvain Desclous se adentra en los entresijos del mundo laboral contemporáneo para contar una historia de pasión y alienación. Adaptación de la novela homónima deÉric Reinhardt, la película sigue a David, un jefe de obra al límite de sus fuerzas, fascinado por Victoria, una ambiciosa directora de recursos humanos. A través de su compleja relación, la película retrata sin concesiones los excesos del capitalismo y las presiones deshumanizadoras que genera. Protagonizada por Damien Bonnard en el papel principal y acompañado por Jeanne Balibar, Le Système Victoria combina tensión dramática, crítica social y una dirección elegante. Con una fotografía inspirada en Los hombres del presidente y centrada en los planos largos, la película promete una experiencia intensa y envolvente. El sistema Victoria gustará a los aficionados a los dramas psicológicos y a las historias enraizadas en problemas sociales contemporáneos. Quienes hayan disfrutado con películas como Un autre monde, de Stéphane Brizé, o Deux jours, une nuit, de los hermanos Dardenne, encontrarán en ella una crítica incisiva del mundo laboral. La película también explora dinámicas de poder y deseo que rara vez se ponen de relieve en las narraciones cinematográficas, especialmente a través de una relación en la que la mujer mayor ocupa una posición de tutoría y dominación intelectual. Este aspecto, combinado con la estilizada dirección y la meticulosa fotografía de la película, atraerá a los aficionados al cine de autor.
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VOLEUSE
Mi querida ladrona.
- Título original
- La Pie voleuse.
- Año: 2024
- Duración: 101 min.
- Francia
- Dirección: Robert Guédiguian
- Guion: Robert Guédiguian, Serge Valletti
- Reparto: Ariane Ascaride, Jean-Pierre Darroussin, Gérard Meylan, Grégoire Leprince-Ringuet.
- Música: Michel Petrossian
- Fotografía: Pierre Milon
- Compañías: Agat Films, Canal+, Ciné+, SofiTVciné 11. Distribuidora: Diaphana Distribution
- Género: Drama | Familia. Trabajo/empleo. Vejez / Madurez.
SINOPSIS: María trabaja como ayudante a domicilio para personas mayores. Su sueño es ver a su nieto convertirse en un gran pianista. Para pagar el piano, roba, aquí y allá, pequeñas sumas de dinero a las personas que cuida con devoción.
Robert Guédiguian reúne a su troupe de habituales –Ascaride, Meylan, Darroussin...–, y una parte del público se siente como en una reunión familiar, otros padecen un déjà muy vu. Aunque su largo número 24 tiene algo especial, si no es que todos lo tienen. Es interesante cómo introduce una pequeña anomalía en la foto de familia, y cómo consigue darle más o menos la vuelta a algo tan absolutamente reprobable como sustraer dinero a los ancianos en cuya casa Ariane Ascaride se introduce para cuidarlos con su bondad servicial y su gracejo habituales. Más cuando no sólo roba por una causa tan buena como pagar las lecciones de piano de su nieta, que no puede permitírselo, echando a perder su gran talento, sino que además se permite pequeños placeres como comprarse unas ostras con el dinero sustraído y sorberlas al sol de su terracita con vistas a l'Estaque. Hay pues una transgresión, aunque mínima –sobre todo vista desde un país de grandes chorizos–, que rompe con la impoluta impresión de buenismo bien que dejan buena parte de sus películas, empezando por la híper luminosa Marius y Jeannette. Al final, para sorpresa de nadie, vuelve a ser un gesto político, una manera de pasar a la acción, sospecha de anarquía.
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SWEATSHOP
Sudor americano.
- Título original
- American Sweatshop.
- Año: 2025
- Duración: 100 min.
Alemania- Dirección: Uta Briesewitz
- Guion: Matthew Nemeth
- Reparto: Lili Reinhart, Daniela Melchior, Joel Fry, Christiane Paul.
- Música: Michael Andrews
- Fotografía: Jörg Widmer
- Compañías Coproducción Alemania-Estados Unidos; Elsani Film, Baltimore Pictures, MMC Independent, RNA Pictures. Distribuidora: Plaion Pictures, Front Row Filmed Entertainment
- Género: Drama. Thriller. Suspenso. Redes Sociales.
SINOPSIS: Daisy (Lili Reinhart), una moderadora de contenido en redes sociales que, mientras revisa contenido perjudicial, presencía un crimen en un video y se ve envuelta en una investigación para hacer que el responsable rinda cuentas, saliendo de la seguridad de su escritorio para perseguir al perpetrador.
En el mundo en constante transformación de internet, seguramente te has topado alguna vez con un video que hubieras preferido no ver. Tal vez porque era demasiado gráfico o porque resultaba tan perturbador que ninguna persona debería tener que enfrentarse a algo así. American Sweatshop, ópera prima de la veterana directora de televisión Uta Briesewitz, nos sumerge de lleno en el peor trabajo del mundo: el de los censores de internet. De entrada, el título American Sweatshop suena a documental, y en parte lo parece, sobre todo al comienzo. Pero en el fondo, lo que Briesewitz construye en su primer largometraje es un intenso e imprevisible estudio de personajes, ambientado en un universo que la mayoría desconoce. Daisy (Lili Reinhart) trabaja como moderadora en Paladin Control, una empresa que recibe denuncias de usuarios sobre videos que van desde el porno más corriente hasta grabaciones de suicidios o decapitaciones. El trabajo se ha vuelto una carga emocional insoportable para ella y sus compañeros. Bob (Joel Fry) disfraza su dolor con sarcasmo y gastándole bromas al novato de la oficina, Paul (Jeremy Ang Jones), mientras que Ava (Daniela Melchior) parece haberse blindado frente a las imágenes espeluznantes que ve a diario. Su jefa, Joy (Christiane Paul), se ha convertido en una burócrata complaciente, incapaz de apoyar a su equipo y más preocupada por regañarlos cuando señalan videos de suicidio o discursos de odio. Como se dice en la película, ellos son los “primeros respondedores de internet”. Daisy ha intentado con todas sus fuerzas dejar que esos videos simplemente pasen frente a sus ojos, sin quedarse con ellos. Pero tras desmoronarse en el trabajo mientras veía un violento y gráfico “video fetiche” titulado Nailed It, comprende hasta qué punto su empleo la está destruyendo. La obsesión con ese video empieza a consumirla, y su única vía de escape se convierte en la marihuana, sobre todo porque el consejero de la oficina no hace más que dar consejos vacíos y garabatear en su cuaderno. Después de un fallido intento de presentar una denuncia policial, Daisy decide infiltrarse en lo más profundo de ese submundo para intentar atrapar al creador del video perturbador que la ha llevado al límite. American Sweatshop funciona mejor como retrato del impacto psicológico que un trabajo como la moderación de contenidos puede tener sobre personas como Daisy, Bob o Paul. El mensaje cala hondo y deja huella mucho después de terminar la película. Sin embargo, la narración comienza a tambalearse cuando la trama toma un giro a lo Taxi Driver: la tentación de Daisy de convertirse en una justiciera desentona con todo lo demás. Hubiera resultado más coherente verla como una investigadora obstinada, pero los derroteros que toma el guion no terminan de encajar con los temas que pretende abordar. Tras demostrar su talento como directora en series como Stranger Things y Severance, Briesewitz entrega un debut prometedor, con personajes fascinantes y un retrato de un mundo poco explorado en el cine estadounidense. Y aunque el tercer acto pierde rumbo, la interpretación de Lili Reinhart logra mantenerlo todo en pie.
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Oh, Hi!
- Título original
- Oh, Hi!
- Año: 2025
- Duración: 94 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Sophie Brooks
- Guion: Sophie Brooks. Historia: Sophie Brooks, Molly Gordon
- Reparto: Molly Gordon, Logan Lerman, Geraldine Viswanathan, John Reynolds, Jimmy Gary Jr.
- Música: Steven Price
- Fotografía: Conor Murphy
- Compañías: Cliffbrook Films, QWGmire, Watermark Media
- Género: Comedia romántica.
SINOPSIS: La primera escapada romántica de fin de semana de Iris e Isaac se tuerce de la forma más inesperada. Cuando la relación se desmorona, la desesperada esperanza de Iris de que la reticencia de su novio a comprometerse sea simplemente confusión la lleva a tomar medidas cada vez más desquiciadas para consolidar la relación.
Sophie Brooks escribe y dirige una peculiar comedia romántica con tintes
oscuros que nos hace sentir y, al mismo tiempo, nos invita a reír.
Protagonizada por la talentosa Molly Gordon y Logan Lerman. La película nos muestra cómo la primera escapada romántica de fin de
semana de Iris e Isaac toma un giro completamente inesperado. Las
inquietudes emocionales de sus dos protagonistas generan una dinámica en
la que la directora explora tanto la comedia más oscura como el
sentimiento genuino, en una peculiar comedia romántica que resulta
divertidas gracias al excelente trabajo de su elenco, entre quienes
destacan Geraldine Viswanathan y John Reynolds. El gran mérito de Brooks es ofrecer una película totalmente original,
que nos enfrenta a una historia completamente inusual que vamos
descubriendo poco a poco. Comienza pareciendo un thriller, para luego
combinarse con la comedia y el romanticismo, una mezcla interesante que
su directora propone con una trama que, aunque poco creíble, se disfruta
en las dosis justas, sin caer en excesiva emoción ni en falta de
gratitud. Es una película correcta que cumple con lo que promete. La pareja protagonista cuenta con el gran aporte de Molly Gordon, quien
sostiene buena parte de la película con su carisma y expresividad. La
directora resalta la intensa mirada de la actriz, que se complementa con
la sutileza de Logan Lerman, quien ofrece una interpretación sólida en
un personaje con capas bastante interesantes. Ambos protagonistas
manejan el ritmo, la comedia y el sentimentalismo con una química
complementaria que te mantiene conectado con lo que expresan y viven. Una propuesta interesante, con sus imperfecciones, pero que se atreve a
ser original y aporta un aire fresco al género. Para quienes buscan algo
diferente, es una película recomendable que ofrece momentos acertados
en una historia que no aburre, aunque tampoco te sorprenderá demasiado.
Es simplemente una película que cumple con lo prometido, y si entras en
su juego, resulta un pasatiempo ligero, entretenido y efectivo.
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THE
FABULOUS FOUR
Las fabulosas cuatro.
- Título original
- The Fabulous Four
- Año: 2024
- Duración: 98 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Jocelyn Moorhouse
- Guion: Ann Marie Allison, Jenna Milly
- Reparto: Susan Sarandon, Bette Midler, Megan Mullally, Sheryl Lee Ralph.
- Música: David Hirschfelder
- Fotografía: Roberto Schaefer
- Compañías: Bronte Pictures, Southpaw Entertainment, Gramercy Park Media, Hantz Motion Pictures, Peachtree Media Partners. Distribuidora: Bleecker Street
- Género: Comedia | Amistad. Bodas.
SINOPSIS: Un grupo de amigas de toda la vida (Susan Sarandon, Megan Mullally y Sheryl Lee Ralph) viajan a Key West, Florida, para ser damas de honor en la boda sorpresa de su mejor amiga de la universidad, Marilyn (Bette Midler). En el transcurso de un viaje escandaloso, las hermandades se reavivan, el pasado resurge y hay suficientes chispas, picardía y romance para cambiar todas sus vidas de manera inesperada.
"Las cuatro fantásticas" es una comedia que sigue a cuatro amigas que se
reúnen décadas después de la universidad para resolver conflictos y
compartir momentos de risa y emoción. La trama es predecible, pero la
magia de la película está en la forma en que se desarrolla, con un ritmo
relajado y un enfoque en la química entre las protagonistas. El reparto, compuesto por Bette Midler, Susan Sarandon, Megan Mullally y
Sheryl Lee Ralph, es el punto fuerte de la película, con actuaciones
destacadas y una química real que hace que los diálogos suenen
auténticos. La dirección de Jocelyn Moorhouse es efectiva en su
simplicidad, sin prisas ni experimentos visuales innecesarios. La fotografía y el vestuario son también destacados, con un enfoque en
la belleza de los paisajes de Florida y un homenaje a la moda colorida
de los 80. La banda sonora es igualmente efectiva, con un mix de hits
ochenteros y baladas suaves que crea un ambiente cálido y acogedor. En general, "Las cuatro fantásticas" es una película amable y divertida
que se enfoca en la amistad y las segundas oportunidades que el carisma del reparto la hace muy disfrutable.
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POSTO É QUI
Mi lugar está aquí.
- Título original
- Il mio posto è qui
- Año: 2024
- Italia
- Dirección: Cristiano Bortone, Daniela Porto
- Guion: Cristiano Bortone, Daniela Porto. Novela: Daniela Porto
- Reparto: Marco Leonardi, Francesco Biscione, Ludovica Martino, Bianca Maria D'Amato.
- Música: Santi Pulvirenti
- Fotografía: Emilio Maria Costa
- Compañías Coproducción Italia-Alemania; Orisa Produzioni, Ghosts City, Goldkind Filmproduktion, Apulia Film Commission, Calabria Film Commission. Distribuidora: Adler Entertainment
- Género: Drama | II Guerra Mundial.
SINOPSIS: Las secuelas de la Segunda Guerra Mundial. En un pueblo rural del sur de Italia, una madre soltera entabla amistad con el organizador de bodas homosexual del lugar. Gracias a él, conoce a la comunidad oculta de homosexuales y empieza a comprender sus derechos como mujer.
Ludovica Martino entrega aquí la interpretación más lograda de su carrera, deslumbrando en el papel de Marta, una joven que acepta de forma pasiva el lugar que le han asignado en el mundo y las decisiones que otros toman por ella. Embarazada la víspera de que su prometido partiera a la guerra, queda sola con un niño en brazos cuando él nunca regresa del frente. “Nos has arrastrado a todos por el fango y encima nos cargas con otra boca que alimentar”, le reprochan sin miramientos sus padres (Bianca Maria D’Amato y Francesco Biscione), al tiempo que la prometen a un viudo anciano y poco agraciado, el campesino Gino (Antonino Sgrò), que ya tiene dos hijos. “Algo es mejor que nada”, cuchichean las demás mujeres del pueblo. Marta dibuja en silencio y lee a escondidas los libros que alguien deposita en el bolsillo de su abrigo. Empiezan los preparativos de la boda, con muy poco entusiasmo, y es entonces cuando aparece Lorenzo (Marco Leonardi), asistente del párroco y conocido como “el hombre de las bodas”. Con su gusto refinado ayuda a las novias a organizar sus enlaces, y es abiertamente homosexual, lo cual no resulta nada fácil en un pueblo calabrés de mediados del siglo XX. Marta y Lorenzo deben enfrentarse al prejuicio a diario. Entre ellos nace una amistad, y será él quien le abra los ojos a la joven y le señale un camino hacia la libertad: un curso de mecanografía en una ciudad cercana, justo en un momento en que las mujeres empezaban a llenar las plazas exigiendo sus derechos. En los últimos años se han rodado varias películas sobre emancipación femenina, pero esta tiene la virtud de ofrecer un retrato sensible y realista de la extrema pobreza que marcaba al sur rural de Italia en los años cuarenta, al mismo tiempo que visibiliza una comunidad queer oculta, inesperada y adelantada a su tiempo. Todo se desarrolla con sencillez, y la emoción surge de los gestos mínimos, como el acto de mecanografiar: un acto que, bajo los dedos de estas jóvenes, se transforma en música y brinda a Marta la posibilidad de un futuro menos cruel y todavía por escribir.
2025: ItaliaFilmFest: Ganadora Mejor director (Bortone, Porto) y Mejor actriz (L. Martino).
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CINE NACIONAL
GATILLERO
Gatillero.
- Título original
- Gatillero
- Año: 2025
- Duración: 80 min.
Argentina- Dirección: Cristian Tapia Marchiori
- Guion: Clara Ambrosoni, Cristian Tapia Marchiori
- Reparto: Sergio Podeley, Julieta Díaz, Ramiro Blas, Maite Lanata.
- Música: Santiago Pedroncini
- Fotografía: Martín Sapia
- Compañías: Dukkah Producciones
- Género: Thriller | Policíaco. Drama.
Gatillero es un sólido policial, afirmado en una encrucijada que a menudo exige pericia y riesgo para la producción local: el cruce entre un mundo cercano -el Dock Sud-, cuyo territorio es reconocible, sus esquinas, la orilla del río y el puente, las paredes pintadas; y un andamiaje de género, que le debe imaginario al film noir clase B de los años 50, al policial autóctono que ensayó el Nuevo Cine Argentino de la mano de directores como Pablo Trapero o Israel Adrián Caetano, a una tradición naturalista que tiene su arraigo en la posguerra pero asume los vaivenes del crimen en este nuevo siglo de desencantos. Esa ajustada amalgama se combina además con el uso de un riguroso plano secuencia para marcar la acción, seguir el punto de vista de El Galgo en la travesía a través de esa noche eterna y conseguir una narración firme y apretada, con un ritmo y destreza notables, que consiguen verdaderas escenas de acción, no por mérito del presupuesto sino del ingenio en la concepción cinematográfica. Cris Tapia Marchiori (La noche más fría) concibe un dispositivo efectivo para su relato, siguiendo de cerca a su personaje, ya sea en las sucesivas huidas como en las interacciones febriles con amigos y enemigos, quebrando con astucia el punto de vista para generar sorpresa (aparición desde el baúl del auto), intriga (el ingenioso uso del fuera de campo en el primer encuentro con vecinos), o un contrapunto emocional con el lado B de la persecución, la que conducen los enviados del malvado Lalo (evidente en la entrada de la cámara al auto de los narcos). Las veleidades del plano secuencia, que suelen dar lugar a aplaudidores y detractores por igual, aquí encuentra una estrategia funcional para el género, ajustada para el tamaño de la producción, y solvente para el devenir del relato que nunca pierde de vista el destino final de su narración.Es complejo en el cine contemporáneo, signado por la redundancia y la fragmentación, por cierta tendencia a convertir a los géneros populares en réplicas de iconografías sin textura ni matices, aspirar a una emoción genuina, ofrecer una cercanía dolorosa con su universo y asumir en su forma cinematográfica la verdadera política de su mirada. Más allá de cierto trazo grueso en algunos personajes secundarios -vecinos, villanos-, Gatillero le debe su alma a El Galgo, no solo por la notable interpretación de Sergio Podeley sino porque entiende en la espesura de ese personaje, en las contradicciones de una vida que se asoma a retazos, la conexión con un mundo real, que es más que el marco del policial como género, es el sentido mismo de su existencia.
2025: (BAFICI): Ganadora Gran Premio del jurado.
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CINE DE AYER
USED
PEOPLE
Romance otoñal.
- Título original
- Used People
- Año: 1992
- Duración: 116 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Beeban Kidron
- Guion: Todd Graff
- Reparto:Shirley MacLaine, Kathy Bates, Emma Tammi, Jessica Tandy.
- Música: Rachel Portman
- Fotografía:David Watkin
- Compañías: 20th Century Fox
- Género: Comedia. Drama. Romance.
- VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HD 1080P.
SINOPSIS: Pearl es una mujer típicamente estadounidense que atraviesa por uno de los períodos más tristes de su vida: acaba de enviudar de su segundo marido, sus dos hijas Bibby y Norma ya no la necesitan, y su madre Freida va a irse a vivir a Florida.
Una comedia capaz de hacerte reir y llorar, Used People es la sorpresa más agradable de la temporada. La historia transcurre en Queens, en 1969, aquella “era de los milagros”. Los Mets han ganado el campeonato, América ha llegado a la Luna y, el mismo día del funeral de su marido, Pearl Berman (Shirley MacLaine), viuda tras 37 años de un matrimonio no precisamente feliz, conoce a Joe Meledandri (Marcello Mastroianni). Joe es un caballero anticuado hasta lo ridículo, un encantador de vieja escuela que escandaliza a la familia de Pearl cuando, sin pudor alguno, la invita a salir. Su obstinada conquista de la amarga viuda —a la que ha amado en silencio durante 23 años— se convierte en el corazón de una peculiar fábula urbana sobre cuatro generaciones de una familia judía tan disfuncional como derrotista, cuya arraigada visión pesimista del mundo empieza a tambalearse frente al optimismo romántico de Joe. Cargando con décadas de rabia contenida, Pearl no es precisamente una mujer fácil de enamorar, y como madre resulta insoportable. Su hija Bibby (Kathy Bates), divorciada y con sobrepeso, sufre los embates de la lengua afilada de su madre. Norma (Marcia Gay Harden), también divorciada, se ha refugiado en un mundo de fantasías desde la muerte de su hijo menor; puede aparecer de un día para otro convertida en Marilyn Monroe, en Jackie O o en la señora Robinson de El graduado. El hijo de Norma, un chico de 12 años (Matthew Branton) que crece prácticamente olvidado, parece haber heredado la locura materna: convencido de ser invulnerable, se lanza una y otra vez a situaciones peligrosas. Used People toma la estructura clásica de la comedia romántica y la revitaliza con un sentido vibrante de comunidad. Esta mezcla de lo viejo y lo nuevo —que recuerda a Hechizo de luna por sus bruscos cambios de tono— se refleja en el talento multigeneracional que dio vida a la película. Grandes veteranas como Jessica Tandy y Sylvia Sidney se ponen bajo la dirección maestra de Beeban Kidron, una inglesa de 31 años que maneja con equilibrio la frontera entre fantasía y realidad, entre emoción y sentimentalismo, entre dolor y encanto. El guion, ingenioso e imaginativo, es obra de Todd Graff, actor y escritor de 33 años. Desde la hipnótica partitura de Rachel Portman hasta la escenografía mágica y decadente de Stuart Wurtzel, todo el equipo parece afinar en la misma frecuencia delicadamente torcida. Pero son Mastroianni y MacLaine quienes hacen volar la película. ¿Qué otro actor, sino el magnéticamente encantador Mastroianni, podría convencer al público de creer en este improbable caballero de traje blanco? Y MacLaine, siempre brillante cuando sus papeles le permiten sacar a la luz una rabia profunda, ofrece aquí una de sus interpretaciones más logradas. Su Pearl es cruel, terrible y maravillosa; cuando esta viuda desconfiada rompe al fin su coraza y sonríe, parece iluminada desde dentro.
A MORT
El amor ha muerto.
- Título original
- L'Amour à mort.
- Año: 1984
- Duración: 89 min.
- Francia
- Dirección: Alain Resnais
- Guion: Jean Gruault
- Reparto: Sabine Azéma, Fanny Ardant, Pierre Arditi, André Dussollier.
- Música: Hans Werner Henze
- Fotografía: Sacha Vierny
- Compañías: Films A2, Les Films Ariane, Philippe Dussart
- Género: Drama. Romance. Suspenso.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HD 1080P.
SINOPSIS: Elisabeth y Simón viven una romántica historia de amor, tan fuerte que Simon ha dejado a su mujer y a sus hijos. Una noche, Simon de repente se derrumba y el médico sólo puede ver que está muerto. Cuando el doctor sale de la casa, Simon vuelve a la vida y parece más dinámico que antes. Retoma su vida con un tono diferente, como si no hubiera regresado del todo del mundo del más allá. Sus amigos Judith y Jerome, que llevan diez años juntos, intentan ayudar a la pareja. Aunque sean clérigos, no podrán dar respuestas religiosas a los no creyentes Elisabeth y Simon.
En esta peli Alain Resnais habla del amor, de la muerte como elemento
potenciador del amor, del suicidio como prueba de amor, de Dios y su
silencio, de la necesidad de pruebas de su existencia que nunca llegan…
con una dureza y una severidad (pero también belleza) que convierten en
puro Bergman a este Resnais, religioso y humano a un tiempo. Y escuchar esas disquisiciones sobre tan elevados temas en las francesas
bocas de Sabine Azéma y Fanny Ardant, convierten para mí la película en
una auténtica delicia. Particularmente destaca una desgarrada Sabine Azéma que abandona su
habitual gracejo cómico, que literalmente no puede soportar vivir cuando
ha muerto su amor (Pierre Arditi), y que entonces toma una terrible
resolución, sin que le sirvan de nada las razones que le dan para
disuadirla sus amigos religiosos (el matrimonio encarnado por Fanny
Ardant y André Dussollier). Maravilloso personaje que antepone el amor a la muerte, que no se pliega
ante palabras sagradas que fueron dictadas antes de que su pasión
naciese, inédita y libre de normas, ajena a ellas… Y qué decir de la gran Fanny Ardant como esposa del pastor encarnado por André Dussollier… Viendo cómo oficia ese funeral por un suicida que su cuadriculado marido
no quiere celebrar… vamos, todos los días iría a misa si ella la
presidiese: qué comprensiva ("puede que la decisión de morir exija más
coraje que la de vivir"), qué lúcida en sus reflexiones sobre lo humano
("no existe el amor único") y lo divino ("nunca poseeremos a Dios; lo
buscaremos siempre"), y qué divertida ("no cocino mal por mortificación,
sino por incompetencia"). Película de gran audacia (se busca una justificación al suicidio incluso
dentro del propio Cristianismo, explicando la muerte de Jesús como un
suicidio), y carente de dogmatismos tanto religiosos como laicos: Hay la misma dificultad para enfrentarse a la muerte tanto desde el
ateísmo más descreído como desde la creencia más tradicional y
abuelística; pues todos nos acojonamos por igual ante lo desconocido,
independientemente de nuestras armas previas. Y a veces, los que creen
se amedrentan incluso más (ya que se aferran a cosas que realmente no
conocen y que no dejan de ser endebles). Dista mucho de ser una película palomitera para pasar el rato (avisados
quedan), es de digestión lenta, pero es una obra de largo alcance y
larga memoria, muy recomendable para los que, dentro de la desesperanza,
"esperamos".
TRAILER
my SISTER
Mi querida hermana.
- Título original
- Sister, my Sister
- Año: 1994
- Duración: 89 min.
Reino Unido- Dirección: Nancy Meckler
- Guion: Wendy Kesselman
- Reparto: Joely Richardson, Jodhi May, Julie Walters, Sophie Thursfield.
- Música: Stephen Warbeck
- Fotografía: Ashley Rowe
- Compañías: British Screen Productions, Film4 Productions, NFH Limited
- Género: Thriller. Drama | Homosexualidad. Años 30.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HD 1080P.
SINOPSIS: En una ciudad de provincias francesa, en los años treinta, la Sra. Danzard y su hija Isabelle llevan un tipo de vida perfectamente respetable. Las sirvientas, Christine y Lea, son dos hermanas de aspecto inmaculado y muy hacendosas que producen la envidia de los vecinos por la cuidada atención que prestan a los quehaceres cotidianos. Esta tranquila existencia burguesa no es tan impecable como parece. El ambiente en la casa se hace cada vez más claustrofóbico, incrementado sobre todo cuando la Sra. Danzard descubre las muy especiales relaciones de las dos sirvientas. Todo va a tomar un cariz diferente. Mientras la tensión crece entre las cuatro mujeres hasta un punto insospechado, un acto violento va a trastocar la sosegada vida de la pequeña población, y a convertir la casa de los Danzard en el centro de atención, asegurándose así un lugar en la historia.
El caso de las hermanas Papin, que asesinaron a la mujer y la hija de la casa donde trabajaban, ha propiciado multitud de teorías, especulaciones y ficciones varias. Por ejemplo, 'La ceremonia' de Claude Chabrol se inspiraba en este crimen abordándolo desde una perspectiva actualizada de la lucha de clases. Sin obviar la evidente lectura de desigualdad social en que se sitúa este hecho acaecido en la Francia de los años treinta, la directora Nancy Meckler prefiere centrarse en la relación obsesiva y enfermiza que presuntamente desarrollaron las dos hermanas. 'Sister my sister' presenta a dos muchachas que, frente un mundo que les ha sido hostil, se refugian la una en la otra hasta derivar en el incesto. Meckler contrapone la vida infeliz de estas dos mujeres, que tienden a aislarse cada vez más del mundo física y mentalmente, a la de la madre e hija para quienes trabajan. La principal virtud del film es que consigue tratar el asunto con más delicadeza que sordidez.
1994: Valladolid: Mejor nuevo director, mejor actriz, Premio del Público, P. Juventud.
TRAILER
MINISERIES Y SERIES
MUFAS
SUERTE PARA LA DESGRACIA
MINISERIE COMPLETA
8 EPISODIOS
3 DISCOS
- Título original
- Los Mufas: Suerte para la desgracia
- Año: 2025
- Duración: 300 min.
- Argentina
- Dirección: Gabriel Medina
- Guion: Gabriel Medina, Javier Rao. Idea: Sebastián Borensztein
- Reparto: Daniel Hendler, Pilar Gamboa, Diego Cremonesi, Carla Quevedo.
- Compañías Distribuidora: Disney Media & Entertainment Distribution
- Género: Miniserie de TV. Comedia.
SINOPSIS: Roque (Daniel Hendler), un periodista de fenómenos paranormales, se une al “mufa” más peligroso de Argentina, Vicente (Diego Cremonesi), para realizar una investigación que cambiará el rumbo de su vida. Ambos quieren encontrar una solución a este fenómeno que afecta a ciertas personas que de manera involuntaria e inexplicable producen ruinas y tempestades a su alrededor. Sin embargo, el poderoso y multimillonario jefe de Roque no quiere que este informe salga a la luz. En cambio, le propone a Roque un inusual encargo, a cambio de una suma importante de dinero: liberar a su hija de una 'secta mufa' y salvarla de las garras de un parapsicólogo perverso y psicópata. Aunque el camino de Roque parezca ir cuesta arriba, las aventuras que vive junto a Vicente volverán a darle sentido a su vida y lo ayudarán a sanar heridas familiares de ayer y de hoy.
Los mufas: suerte para la desgracia tiene dos protagonistas. Roque (Daniel Hendler) es un periodista de fenómenos paranormales cuya fama y éxito ha quedado atrás y está a punto de perder su trabajo. Vicente (Diego Cremonesi) es el “mufa” más peligroso de la Argentina, una fuerza de la naturaleza implacable con una efectividad absoluta a la hora de atraer desastres. Ambos se unen para una investigación sobre el tema de los mufas, pero, insólitamente, se chocan con los intereses de gente poderosa que intenta tapar a cualquier costo la verdad que ellos están exponiendo. El vínculo entre Roque y Vicente no es nuevo, están unidos desde antes y ese pasado en común es uno de los temas centrales de la historia. Los mufas no niega su conexión con La suerte está echada (2005) la comedia escrita y dirigida por Sebastián Borensztein y protagonizada por Marcelo Mazzarello y Gastón Pauls e incluso la acredita en los títulos, pero va mucho más allá. Si bien la exitosa película era más sofisticada de lo que parecía, la diferencia con la serie es grande. Quienes vean un parecido en algunos aspectos, más allá del tema que le da punto de partida, no estarán equivocados. Pero claro, con más tiempo y episodios la serie de Gabriel Medina consigue hacer dos cosas, en primer lugar desarrollar una historia más sofisticada y en segundo, esto no depende solo de la duración, lograr un tono diferente que necesita más espacio para alcanzar su correcta dimensión. Si existe un cine de autor, pues también existen las series de autor, como es el caso de esta miniserie que bien podría ir más allá en otras temporadas. Por supuesto que la frase “Suerte para la desgracia” remite también a Pepe Biondi, el más grande comediante de la historia de la televisión Argentina. Los mufas parece que va a tratar sobre el tema de las personas que producen mala suerte y la psicosis que se produce cuando alguien es tildado de ser uno de ellos. El juego está en tener a un personaje que es víctima de la ignorancia de la gente y otro que es un genuino peligro para quienes se acercan a él. Sin embargo, con eso solo no se arma una serie. Van a surgir otros personajes, vueltas de tuerca, revelaciones y una trama que crece sin desfallecer durante los ocho episodios. Multiplicando los géneros, desde el western hasta el terror, moviéndose por la ciencia ficción y la comedia. Hasta incluso, a su modo, la serie casi podría ser una versión elegante y melancólica de los X-Men. Por momentos vemos a Alfred Hitchcock, por momentos a Sergio Leone, pero las citas o referencias no le dan corazón a una serie, solo la adornan. Los mufas funciona porque en su esencia hay un grupo de personajes que intentan encontrar su lugar en un mundo difícil, donde la sensibilidad es una moneda de muy poco valor, directamente una debilidad. Gabriel Medina, director de Los paranoicos (2008) y La araña vampiro (2012), se encuentra en esta serie mucho más cerca de su cine de lo que estuvo con su trabajo anterior en Envidiosa, una serie muy lejos de la inteligencia y sensibilidad del resto de su obra. Por suerte acá encuentra el punto justo entre una ficción grande en ocho partes y una obra más personal. Con el rostro y el estilo de Daniel Hendler dándoles vida, el Gauna de Los paranoicos y Roque de Los Mufas tienen una continuidad bastante clara. El elemento fantástico tampoco le es ajeno al director y todo tiene ese tono de película de Hollywood de las que están fuera del radar, esas que brillaban en su sobriedad efectiva en los ochentas y los noventas, resabios de las enseñanzas del cine de la década del setenta, cuando género y autor se hicieron visibles en la industria. En definitiva los personajes de la serie, sean mufas o no, están en la misma búsqueda de identidad que cualquiera. Tratando de cerrar su heridas, de comprender su pasado y con la esperanza de encontrar su lugar en el mundo. Detrás del humor, la aventura, la trama policial y los misterios, Los mufas trata sobre eso.
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