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NOMINACIONES A LOS PREMIOS
GOLDEN GLOBE 2026
MÁQUINA
The Smashing Machine.
2 NOMINACIONES A LOS
PREMIOS GOLDEN GLOBE 2026.
- "MEJOR ACTOR PRINCIPAL DRAMA (Dwayne Jhonson)"
- "MEJOR ACTRIZ DE REPARTO (Emily Blunt)"
- Título original
- The Smashing Machine.
- Año: 2025
- Duración: 123 min.
Estados Unidos- Dirección: Ben Safdie
- Guion: Ben Safdie
- Reparto: Dwayne Johnson, Emily Blunt, Bas Rutten, Paul Lazenby.
- Música: Nala Sinephro
- Fotografía: Maceo Bishop
- Compañías: A24, Out for the Count, Seven Bucks Productions. Distribuidora: A24
- Género: Drama | Biográfico. Wrestling/UFC.
SINOPSIS: La historia real del luchador Mark Kerr (Dwayne Johnson), figura clave en el origen de la UFC, que retrata su meteórico ascenso y caída en el brutal mundo de las artes marciales mixtas, al que se enfrentó con coraje y el apoyo incondicional de su mujer Dawn Staples (Emily Blunt). Una vida llena de ambición y sacrificio del que fue dos veces campeón de este torneo.
The Smashing Machine marca un punto de inflexión en la carrera de Dwayne “The Rock” Johnson, quien ofrece una interpretación sorprendentemente profunda y contenida, alejándose por completo de sus habituales papeles de acción. Bajo la dirección de Benny Safdie —en su debut en solitario tras separarse creativamente de su hermano Josh— la película se convierte en un retrato humano y desgarrador del luchador Mark Kerr, equilibrando crudeza física y vulnerabilidad emocional con admirable precisión. Safdie demuestra una madurez cinematográfica notable, construyendo una atmósfera casi documental gracias a la fotografía en 16 mm de Maceo Bishop, que dota a la cinta de una textura realista y envolvente. Johnson, transformado por completo mediante las prótesis del oscarizado Kazu Hiro y un trabajo corporal extremo, logra transmitir la fragilidad interior de un hombre que alguna vez fue invencible. Emily Blunt, en un papel electrizante, refuerza la tensión emocional de la historia con una interpretación tan intensa como carismática. La música de Nala Sinephro, junto con piezas icónicas de Elvis y The Alan Parsons Project, aporta un tono nostálgico y melancólico que eleva el dramatismo sin caer en el artificio. El resultado es una obra sincera, íntima y poderosa: un estudio sobre la identidad, el desgaste físico y emocional del éxito, y el precio de la redención. The Smashing Machine no solo redime a su protagonista dentro de la historia, sino también a su intérprete, que entrega la mejor actuación de su carrera.
JAY
KELLY
Jay Kelly.
2 NOMINACIONES A LOS
PREMIOS GOLDEN GLOBE 2026.
- "MEJOR ACTOR PRINCIPAL DE COMEDIA O MUSICAL (George Clooney)"
- "MEJOR ACTOR DE REPARTO (Adam Sandler)"
- Título original
- Jay Kelly
- Año: 2025
- Duración: 132 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Noah Baumbach
- Guion: Noah Baumbach, Emily Mortimer
- Reparto: George Clooney, Adam Sandler, Laura Dern, Billy Crudup.
- Música: Nicholas Britell
- Fotografía: Linus Sandgren
- Compañías Coproducción Estados Unidos-Reino Unido-Italia;Heyday Films, Pascal Pictures, NBGG Pictures. Distribuidora: Netflix
- Género: Comedia. Drama | Comedia dramática.
SINOPSIS: Jay Kelly es una gran estrella de cine que a sus sesenta años se encuentra en crisis vital y que, ante el homenaje que le va a brindar un importante festival de cine, tendrá que enfrentarse a un ajuste de cuentas personal volviendo a entrar en contacto con todos aquellos que han formado parte de su vida. Y es que todo el mundo conoce a Jay Kelly, pero Jay Kelly no se conoce a sí mismo.
Noah Baumbach entrega con Jay Kelly una obra luminosa y autorreflexiva que trasciende el molde de la comedia para indagar en la identidad del actor y en el espejismo de la fama. Desde su primer movimiento de cámara queda clara su ambición: explorar cómo el cine moldea —y borra— la vida de quienes lo hacen posible. George Clooney ofrece un juego meta fascinante, oscilando entre el mito y su sombra, mientras Adam Sandler aporta un contrapunto tierno y melancólico que ancla al protagonista en una humanidad palpable. Baumbach estructura su película en cápsulas de memoria resueltas con hallazgos formales brillantes: travellings que deslizan al personaje entre tiempos, flashbacks que se integran con una precisión casi mágica y un humor que emerge de la propia vulnerabilidad del ícono. La cinta respira gracias a ese equilibrio entre risa y herida, entre ligereza y una nostalgia que se filtra por los intersticios. Momentos como el pasajero que confiesa “ver su vida en sus películas” revelan la hondura emocional del relato, un homenaje al poder del cine y a la vez una pregunta abierta sobre el costo de vivir entre ficciones. Baumbach elige a Clooney no solo como estrella, sino como emblema de un mito que se mira al espejo y descubre su desgaste. En esa mezcla de artificio y verdad, Jay Kelly encuentra su pequeño milagro: una película cálida, inteligente y llena de amor por el cine, que reflexiona con elegancia sobre lo que queda de un hombre cuando la cámara deja de rodar.
TRAILER
DE BRUJAS
After the hunt.
1 NOMINACIÓN A LOS
PREMIOS GOLDEN GLOBE 2026.
- "MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL DRAMA (Julia Roberts)"
- Título original
- After the Hunt
- Año: 2025
- Duración: 139 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Luca Guadagnino
- Guion: Nora Garrett
- Reparto: Julia Roberts, Ayo Edebiri, Andrew Garfield, Michael Stuhlbarg.
- Música: Trent Reznor, Atticus Ross
- Fotografía: Malik Hassan Sayeed
- Compañías Coproducción Estados Unidos-Italia; Imagine Entertainment, Frenesy Film Company, Big Indie Pictures, Amazon MGM Studios. Distribuidora: Amazon MGM Studios, Sony Pictures Entertainment.
- Género: Drama. Thriller | Thriller psicológico. Colegios & Universidad. Abusos sexuales. Enseñanza.
SINOPSIS: Un drama psicológico sobre una profesora universitaria que se encuentra en una encrucijada personal y profesional cuando una estudiante estrella hace una acusación contra uno de sus colegas, y un oscuro secreto de su propio pasado amenaza con salir a la luz.
En Cacería de brujas, Luca Guadagnino vuelve a demostrar su maestría para tensar los límites del drama psicológico, hilando un relato que se alimenta de secretos, silencios y miradas cargadas de ambigüedad. El director recupera su arquetipo favorito —el personaje marcado por un pasado que se resiste a morir— y lo lleva a un territorio aún más oscuro, donde cada gesto de Julia Roberts parece ocultar una verdad abrasiva. La narrativa, construida desde la subjetividad de Alma, potencia la atmósfera de inquietud y convierte al espectador en un cómplice inseparable del misterio. Uno de los mayores aciertos del film es la sutileza con la que despliega la tensión generacional: Roberts y Ayo Edebiri forman un dúo magnético, donde la admiración muta poco a poco en rivalidad, deseo y temor. Guadagnino observa con precisión quirúrgica cómo el fanatismo puede deformarse hasta volverse amenazante, revelando los pliegues más incómodos del poder académico. La película brilla especialmente en la forma en que explora las dinámicas profesor–alumno, capturando ese delicado desequilibrio que puede desembocar en manipulación o abuso. Sin caer en obviedades, el guion abre discusiones contemporáneas —cancelación, denuncias falsas, memoria traumática— sin traicionar la complejidad del tema. Roberts y Edebiri ofrecen actuaciones extraordinarias, sostenidas por un Andrew Garfield que aporta el matiz justo de ambigüedad moral. Guadagnino corona el conjunto con una puesta en escena inquietante y elegante, transformando la intimidad en un terreno fértil para el suspenso. El resultado es un thriller psicológico sofisticado, envolvente y tan perturbador como irresistible.
2025: Premios Globos de Oro: Nominada a Mejor actriz principal - Drama.
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Hedda.
1 NOMINACIÓN A LOS
PREMIOS GOLDEN GLOBE 2026.
- "MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL DRAMA (Tessa Thompson)"
- Título original
- Hedda
- Año: 2025
- Duración: 107 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Nia DaCosta
- Guion: Nia DaCosta. Obra: Henrik Ibsen
- Reparto: Tessa Thompson, Tom Bateman, Nina Hoss, Imogen Poots.
- Música: Hildur Guðnadóttir
- Fotografía: Sean Bobbitt
- Compañías: Orion Pictures, Plan B Entertainment. Distribuidora: Amazon MGM Studios
- Género: Drama. Romance.
SINOPSIS: La hija de un general vive en una casa que no quiere, en un matrimonio en el que se siente atrapada y un examante que reaparece en su vida... Readaptación de la famosa pieza teatral del dramaturgo Henrik Ibsen.
Nia DaCosta logra en Hedda una relectura vibrante de Ibsen, trasladando el drama decimonónico a los años cincuenta sin perder su filo moral ni su complejidad psicológica. Desde los primeros planos amplios, la directora construye un universo elegante y opresivo, donde la mansión y la fiesta funcionan como escenarios simbólicos de una protagonista atrapada en su propia superioridad. Tessa Thompson ofrece una interpretación magnética, revelando con delicadeza la insatisfacción, el deseo y la fragilidad que impulsan a Hedda. Nina Hoss, en un registro fascinante, aporta una Eileen llena de tensiones internas, convirtiendo su vínculo con Hedda en el eje emocional y sensual de la película. DaCosta articula esta relación con madurez, incorporando la cuestión racial y la manipulación afectiva con sutileza y potencia dramática. La fotografía de Sean Bobbitt y la música de Hildur Guðnadóttir elevan el relato, potenciando el brillo festivo del jazz y el progresivo deterioro emocional que lo atraviesa. El guion destaca por su capacidad para actualizar los temas de Ibsen—la moral, el deseo, la ambigüedad social—sin perder la profundidad de sus conflictos. En conjunto, Hedda emerge como una adaptación estética, intensa y profundamente moderna, sostenida por interpretaciones sólidas y por la mirada afilada de DaCosta, quien convierte la psicología ibseniana en cine de primera línea.
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Sorry, Baby
Sorry, Baby.
1 NOMINACIÓN A LOS
PREMIOS GOLDEN GLOBE 2026.
- "MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL DRAMA (Eva Victor)"
- Título original
- Sorry, Baby
- Año: 2025
- Duración: 103 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Eva Victor
- Guion: Eva Victor
- Reparto: Eva Victor, Naomi Ackie, Lucas Hedges, John Carroll LynchEva Victor, Naomi Ackie, Lucas Hedges, John Carroll Lynch.
- Música: Rob Rusli
- Fotografía: Mia Cioffi Henry
- Compañías: High Frequency Entertainment, AF Films, Big Beach, PASTEL, Tango Entertainment
- Género: Drama. Comedia | Comedia dramática.
SINOPSIS: A Agnes le pasó algo malo. Pero la vida sigue, al menos para todos los que la rodean.
La película se impone desde su primera escena como un retrato honesto y profundamente humano del trauma, capaz de evitar los clichés del melodrama para adentrarse en la subjetividad de Agnes. El guion, valiente y preciso, alterna momentos incómodos con destellos de comedia negra que enriquecen la complejidad emocional sin trivializar el dolor. Eva Victor demuestra una sensibilidad notable tras la cámara, construyendo una puesta en escena respetuosa que privilegia las huellas del abuso antes que su representación explícita. Su narrativa fragmentada reproduce con lucidez el caos de la memoria, logrando que el espectador experimente la misma inestabilidad temporal de la protagonista. En su doble rol como directora e intérprete, Victor ofrece una actuación contenida y conmovedora, sustentada en silencios y miradas que revelan un abanico íntimo de miedo, fatiga y resiliencia. La fotografía acompaña con sutileza esta oscilación emocional, alternando frialdad y calidez sin idealizar el sufrimiento; mientras que el montaje, atrevido y rítmico, articula repeticiones y quiebres temporales que refuerzan el carácter introspectivo del relato. El resultado es una obra rigurosa, delicada y poderosa, un debut que aborda un tema difícil con valentía estética y una honestidad poco común, consolidando a Victor como una voz a seguir en el cine contemporáneo.
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ESTRENOS
DE LA SEMANA
Pfau - Bin ich echt?
Aquí un amigo.
PRESELECCIONADA A LOS PREMIOS OSCAR 2026
- "MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL" (Austria)
- Título original
- Pfau - Bin ich echt?
- Año: 2025
- Duración: 102 min.
Austria- Dirección: Bernhard Wenger
- Guion: Bernhard Wenger
- Reparto: Albrecht Schuch, Anton Noori, Julia Franz Richter, Salka Weber.
- Música: Lukas Lauermann
- Fotografía: Albin Wildner
- Compañías Coproducción Austria-Alemania; Nikolaus Geyrhalter Filmproduktion.
- Género: Comedia. Drama | Comedia dramática.
SINOPSIS: Matthias dirige una exitosa agencia de alquiler de amigos, pero en cuanto su novia Sophia rompe con él, su vida se convierte en un absurdo caos.
En Aquí un amigo, Bernhard Wenger construye una comedia dramática de finísima sensibilidad, capaz de abordar la soledad moderna sin grandilocuencias y con una serenidad profundamente humana. La travesía de Matthias, alma perdida en busca de identidad, se despliega con una naturalidad cautivadora, sostenida por una interpretación excepcional de Albrecht Schuch, cuyo talento para revelar fragilidades y máscaras emocionales sostiene cada escena. Wenger dirige con una sobriedad elegante, confiando en la fuerza de los gestos, en los silencios y en la química íntima entre personaje y espectador. La estética limpia, la fotografía discreta y una música siempre a favor del relato arropan el tono entre lo cómico y lo melancólico, logrando que incluso los momentos más ligeros respiren autenticidad. Sin necesidad de artificios, la película emociona y divierte con una calidez inesperada, encontrando su poder en lo cotidiano, en lo pequeño: allí donde la humanidad late con más fuerza.
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THINGS
YOU KILL
Las cosas que matas.
PRESELECCIONADA A LOS PREMIOS OSCAR 2026
- "MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL" (Canadá)
- Título original
- The Things You Kill.
- Año: 2025
- Duración: 114 min.
Canadá.- Dirección: Alireza Khatami
- Guion: Alireza Khatami
- Reparto: Ekin Koç, Erkan Kolcak Kostendil, Hazar Ergüçlü, Ercan Kesal.
- Fotografía: Bartosz Swiniarski
- Compañías Coproducción Turquía-Francia-Polonia-Canadá; Sineaktif, Remora Films.
- Género: Thriller. Drama. Suspenso.
SINOPSIS: Atormentado por la sospechosa muerte de su madre enferma, un profesor universitario obliga a su enigmático jardinero a ejecutar un acto de venganza a sangre fría.
En The Things You Kill, Alireza Khatami firma una obra inquietante y majestuosa que confirma su talento para unir poesía visual y tensión psicológica. La película deslumbra por su audacia formal, capaz de transitar con naturalidad del drama íntimo al terreno onírico, evocando a Lynch y a Kiarostami sin perder una voz absolutamente propia. Su construcción atmosférica es impecable: cada plano respira una tensión sutil, cada objeto anticipa un destino inevitable, componiendo un rompecabezas narrativo fascinante. Ekin Koç ofrece una interpretación sobresaliente, guiando al espectador por un viaje emocional marcado por la fragilidad, el desconcierto y la transformación. Khatami demuestra un control admirable del ritmo y del misterio, desplegando metáforas sobre la identidad, la culpa y el peso del patriarcado con una elegancia poco frecuente. La fotografía, a ratos hipnótica, convierte lo cotidiano en algo perturbador, mientras que los cambios de realidad funcionan como un brillante artificio narrativo que potencia el impacto del relato. El resultado es un film poderoso, envolvente y cinematográficamente atrevido, que confirma a Khatami como una de las voces más estimulantes del cine contemporáneo.
DAYS WHEN
HEMME DIES
Hemme'nin Öldüğü Günlerden Biri.
Uno de esos días en que Hemme muere.
PRESELECCIONADA A LOS PREMIOS OSCAR 2026
- "MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL" (Turquía)
- Título original
- Hemme'nin Öldüğü Günlerden Biri.
- Año: 2025
- Duración: 83 min.
Turquía- Dirección: Murat Fıratoğlu
- Guion: Murat Fıratoğlu
- Reparto: Salih Taşçı, Murat Fıratoğlu, Sefer Fıratoğlu, Gunes Sayin, Ali Barkin, Fırat Bozan.
- Fotografía: Semih Yildiz, Nedim Dedecan, Abdurrahman Öncü
- Género: Drama | Trabajo/empleo. Pobreza. Naturaleza.
SINOPSIS: Eyüp se ha arruinado y ahora tiene que abandonar Esmirna y volver a Siverek. Con la ayuda de su amigo Ali, empieza a trabajar en un campo donde seca tomates con los aldeanos bajo el calor abrasador del sol. Al no poder cobrar su salario a tiempo, Eyüp se siente frustrado. Ese día las cosas van como siempre para los demás: Los aldeanos siguen trabajando en el campo mientras bromean entre ellos, mientras el capataz Hemme, con problemas para dormir a causa de las moscas, parece ansioso por no poder terminar el trabajo a tiempo.
En One of Those Days When Hemme Dies, Fıratoğlu firma una ópera prima sorprendentemente madura, capaz de transformar un conflicto laboral en una serena reflexión sobre el tiempo, la empatía y la condición humana. La película se abre con una fuerza casi documental, retratando con rigor el arduo trabajo en los campos de tomates, para luego virar con delicadeza hacia una deriva más contemplativa, cercana al cine iraní de Kiarostami. Ese cambio de registro es uno de sus mayores logros: convierte la tensión inicial en un viaje de desescalada emocional que ilumina lo cotidiano con una humanidad luminosa. En ese tránsito, el protagonista descubre que los encuentros fortuitos —un anciano que necesita ayuda, un vecino charlatán, un amigo que confía en él— pueden redefinir su mirada sobre el mundo. El film abraza lo sencillo y lo absurdo con igual ternura, y encuentra en esos desvíos la posibilidad de reconciliación y calma. Con una estructura clara y un ritmo que respira, la película propone un humanismo profundo y sin estridencias, recordándonos que a veces las respuestas nacen precisamente de detenerse, escuchar y dejar que el tiempo actúe.
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HASTA ANDRIIVKA
2000 Meters to Andriivka.
PRESELECCIONADA A LOS PREMIOS OSCAR 2026
- "MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL" (Ucrania)
- Título original
- 2000 Meters to Andriivka.
- Año: 2025
- Duración: 106 min.
Ucrania- Dirección: Mstyslav Chernov
- Reparto: Documental
- Música: Sam Slater
- Fotografía: Mstyslav Chernov
- Compañías Distribuidora: PBS Home Video
- Género: Documental | Conflicto Rusia-Ucrania. Periodismo.
SINOPSIS: La misión de un pelotón ucraniano es atravesar un kilómetro y medio de bosque fuertemente fortificado para liberar un pueblo estratégico de las fuerzas rusas. Un periodista les acompaña y es testigo de los estragos de la guerra y de la creciente incertidumbre sobre su conclusión.
En 2000 Meters to Andriivka, Mstyslav Chernov vuelve a demostrar por qué es una de las voces documentales más potentes de nuestro tiempo. Su cámara, lúcida y cercana, convierte el frente de guerra en un espacio profundamente humano, donde la épica se diluye en miradas, silencios y gestos cotidianos. El film deslumbra por su capacidad para equilibrar crudeza y ternura, ofreciendo retratos íntimos de soldados cuya valentía nace más del amor por su hogar que de cualquier impulso heroico. La combinación de material de combate y confesiones personales construye un fresco emocional de una honestidad devastadora. Chernov logra que cada rostro y cada historia se graben en la memoria, alejando la abstracción del conflicto y devolviéndonos su dimensión profundamente humana. La puesta en escena —sobria, inmersiva, sin adornos— potencia la fuerza moral de la película, que nos obliga a mirar de frente aquello que Europa preferiría olvidar. Con una sensibilidad extraordinaria, Chernov ilumina la fraternidad, la dignidad y la resistencia de un pueblo que lucha no por gloria, sino por sobrevivir. El resultado es un documental urgente, conmovedor y necesario.
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Panopticon.
PRESELECCIONADA A LOS PREMIOS OSCAR 2026
- "MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL" (Georgia)
- Título original
- Panopticon.
- Año: 2024
- Duración: 95 min.
Georgia- Dirección: George Sikharulidze
- Guion: George Sikharulidze
- Reparto: Data Chachua, Vakhtang Kedeladze, Ia Sukhitashvili, Malkhaz Abuladze.
- Música: Chiara Costanza
- Fotografía: Oleg Mutu
- Compañía Coproducción Georgia-Francia-Italia-Rumanía; 20 Steps Productions, Filmo 2.
- Género: Drama | Adolescencia.
SINOPSIS: Cuando el padre de Sandro decide consagrar su existencia a Dios y marcharse a un monasterio, el introvertido adolescente se ve privado de las certezas fundamentales de la vida. Abandonado por su padre y su madre, que trabaja en el extranjero, el joven emprende un viaje de autodescubrimiento, abriéndose a una nueva amistad con el radical Lasha, vinculado a una organización de ultraderecha, y a la posibilidad de explorar su propia sexualidad.
En Panopticon, Sikhuralidze construye un retrato juvenil de inquietante lucidez, donde la confusión emocional y moral del protagonista se convierte en una ventana a una sociedad en ebullición. La película brilla por su capacidad para entrelazar intimidad y contexto, utilizando la figura de Sandro como eje de múltiples búsquedas: la maternal, la espiritual y la identitaria. La dirección aprovecha la potencia expresiva del joven Chachua, cuya interpretación es un prodigio de matices y contradicciones, capaz de hacer visible cada grieta interior. El film encuentra en la fotografía de Oleg Mutu un respaldo visual magistral: planos panorámicos de movimiento imperceptible, luz natural y una composición que privilegia los rostros como mapas emocionales. A esto se suma la banda sonora de Chiara Costanza, discreta pero decisiva, que acentúa los momentos de mayor densidad afectiva. Sikhuralidze exhibe una notable sensibilidad cinéfila: los ecos de Truffaut y de El graduado se integran con elegancia, nunca como cita vacía, sino como diálogo vivo con la tradición. El montaje de Giorgia Villa es otro acierto, pues permite que la alternancia entre realidad y fantasía fluya con plena claridad, manteniendo al espectador orientado incluso en los pasajes más subjetivos. Y en el trasfondo, la película ofrece una mirada crítica —pero jamás panfletaria— sobre la manipulación ideológica y el vacío que empuja a los jóvenes hacia extremismos. La transformación final de Sandro, dolorosa y catártica, cierra el relato con un golpe de autenticidad que confirma a Panopticon como una obra intensa, madura y sorprendentemente humana.
2025: Festival de Karlovy Vary: Nominada a Grand Prix - Mejor película.
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Núremberg: El juicio del siglo.
- Título original
- Nuremberg
- Año: 2025
- Duración: 148 min.
- Estados Unidos
- Dirección: James Vanderbilt
- Guion: James Vanderbilt. Libro: Jack El-Hai
- Reparto: Russell Crowe, Rami Malek, Leo Woodall, John Slattery.
- Música: Brian Tyler
- Fotografía: Dariusz Wolski
- Compañías: Bluestone Entertainment, Walden Media. Distribuidora: Sony Pictures Classics
- Género: Thriller. Drama | Drama judicial / Abogados. Basado en hechos reales. Nazismo. Años 40.
SINOPSIS: Tras el fin de la II Guerra Mundial, con ocasión de los cruciales juicios de Nuremberg de los Aliados contra el derrotado régimen nazi, el psiquiatra estadounidense Douglas Kelley (Malek), encargado de determinar si los prisioneros oficiales nazis son aptos para ser juzgados por sus crímenes de guerra, se ve inmerso en una compleja batalla de ingenio con Hermann Göring (Crowe), mano derecha de Hitler. Basada en el libro "El nazi y el psiquiatra" de Jack El-Hai.
James Vanderbilt regresa a la dirección con un film de tono clásico que recupera la solemnidad del gran drama judicial estadounidense, acercándose al mito del Juicio de Núremberg desde una perspectiva menos transitada: la psicológica. Su apuesta por explorar los juegos mentales, las estrategias de manipulación y las tensiones previas al juicio aporta frescura a un tema tantas veces revisitado. El guion, fiel al espíritu literario de El nazi y el psiquiatra, encuentra un equilibrio entre rigor histórico y narración accesible, logrando que sus dos horas y media fluyan con sorprendente ligereza. La puesta en escena, sobria y elegante, remite al clasicismo de Kramer, pero con una factura técnica contemporánea que potencia el impacto emocional sin caer en artificios. La música de Brian Tyler eleva cada secuencia, ofreciendo una banda sonora envolvente que acompaña con precisión el viaje moral que propone la película. Y aunque el reparto es amplio, es Russell Crowe quien se erige como el verdadero ancla del relato: su interpretación, intensa y matizada, es quizá la mejor que ha ofrecido en años. La recreación histórica resulta convincente, desde la ambientación hasta la textura visual, y permite al espectador sumergirse en un momento crucial del siglo XX sin renunciar al entretenimiento. Vanderbilt firma así un film sólido, respetuoso y eficaz, que logra revisitar un capítulo conocido con mirada renovada y la ambición narrativa del mejor cine estadounidense.
2025: Festival de San Sebastián: Nominada a Concha de Oro: Mejor Película.
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OIL
El petróleo de Sarah.
- Título original
- Sarah's Oil
- Año: 2025
- Duración: 103 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Cyrus Nowrasteh
- Guion: Betsy Giffen Nowrasteh, Cyrus Nowrasteh. Libro: Tonya Bolden
- Reparto: Zachary Levi, Naya Desir-Johnson, Sonequa Martin-Green, Garret Dillahunt.
- Música: Kathryn Bostic
- Fotografía: Johnny Derango
- Compañías: Amazon MGM Studios, Kingdom Story Company.
- Género: Drama | Basado en hechos reales.
SINOPSIS: La historia real de Sarah Rector, una niña afroamericana nacida en el Territorio Indio de Oklahoma a principios del siglo XX, que cree que hay petróleo bajo la tierra estéril que se le ha asignado y cuya fe se demuestra acertada. Cuando los codiciosos tiburones del petróleo se acercan, Sarah recurre a su familia, a sus amigos y a algunos cazadores salvajes de Texas para mantener el control de sus tierras ricas en petróleo, y pronto se convierte en una de las primeras mujeres afroamericanas millonarias del país, con sólo 11 años.
Sarah’s Oil emerge como un cálido y valioso homenaje a uno de esos capítulos olvidados de la historia estadounidense, donde el cine encuentra su mejor forma: iluminar figuras silenciadas con emoción y respeto. Cyrus Nowrasteh construye un relato inspirador que combina pedagogía y humanidad, acercando al público general —y especialmente a los más jóvenes— la sorprendente vida de Sarah Rector. La película triunfa en su capacidad de mostrar cómo la fe, la familia y la solidaridad pueden transformar lo improbable en posible. La interpretación de Naya Desir-Johnson es el corazón del film: serena, poderosa y auténtica, encarna a una niña cuya determinación deja huella. Zachary Levi aporta calidez y carisma, convirtiendo su personaje en un contrapeso adulto lleno de humanidad. La puesta en escena brilla por su tono clásico y accesible, envolviendo la historia en un aura de aventura histórica sin perder su sentido social. El film ofrece imágenes sólidas, una ambientación cuidada y un ritmo emocional que conecta de inmediato con el espectador. Y aunque evita cargar excesivamente la trama con explicaciones históricas, logra transmitir un mensaje perdurable: incluso la persona más pequeña puede desafiar un sistema injusto. Sarah’s Oil es, ante todo, una celebración del coraje, la resiliencia y la capacidad transformadora de una niña frente al mundo.
TRAILER
EL PRIMER
ASESINATO
Rejseholdet - det første mord.
- Título original
- Rejseholdet - det første mord
- Año: 2025
- Duración: 127 min.
Dinamarca- Dirección: Christoffer Boe
- Guion: Lasse Kyed Rasmussen, Christoffer Boe. Libro: Jacob Jonia
- Reparto: Alex Høgh Andersen, Nicolaj Kopernikus, Mathilde Fock, Lars Ranthe.
- Música: Jon Ekstrand
- Fotografía: Lasse Frank Johannessen
- Compañías Coproducción Dinamarca-Polonia; Nordisk Film, Det Danske Filminstitut.
- Género: Thriller. Intriga | Policíaco. Crimen. Años 20.
SINOPSIS: "El primer asesinato" es el nuevo film del director de la exitosa saga "El departamento Q". Dinamarca, 1927. El ambicioso policía Otto Himmelstrup dirige la
recién creada Unidad Especial, encargada de ayudar a la policía local a
resolver crímenes especialmente difíciles. Cuando se encuentra un
cadáver en una casa de verano incendiada en Esbjerg, desentraña un
asesinato, que revela luchas de poder y corrupción entre la élite de la
ciudad.
En este sólido thriller de investigación, Christoffer Boe demuestra nuevamente su pericia para modelar atmósferas densas y sugestivas, logrando que la Dinamarca de 1927 respire vida propia. La película destaca por su consistente recreación histórica y por un pulso narrativo que mantiene la atención sin fisuras, apoyado en un trío actoral que aporta presencia y naturalidad: Alex Høgh Andersen, Nicolai Kopernikus y Mathilde Fock. El film se mueve con soltura entre la intriga criminal y la crítica social, mostrando los entresijos de una época donde la justicia lidiaba con los poderes fácticos. El personaje de Otto Himmelstrup, tan austero como vulnerable, enriquece el relato con un trasfondo emocional que añade capas al misterio. La estética expresionista, combinada con una cuidada reconstrucción de los años 20, crea un universo visual magnético donde luces y sombras se convierten en parte activa de la narración. La banda sonora de Jon Ekstrand subraya con elegancia cada hallazgo, potenciando la tensión sin estridencias. Aunque inspirada en una novela, la película adquiere personalidad propia y dialoga con lo mejor del cine policíaco escandinavo. En suma, un thriller sobrio, atmosférico y eficaz, capaz de equilibrar entretenimiento, estilo y densidad temática con admirable soltura.
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TOUCH
Un toque familiar.
- Título original
- Familiar Touch
- Año: 2024
- Duración: 90 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Sarah Friedland
- Guion: Sarah Friedland
- Reparto: Kathleen Chalfant, Carolyn Michelle Smith, H. Jon Benjamin, Andy McQueen.
- Fotografía: Gabe Elder
- Compañías: Rathaus Films
- Género: Drama | Vejez / Madurez.
SINOPSIS: La transición de una mujer octogenaria a la vida en una residencia asistida, mientras se enfrenta a su conflictiva relación consigo misma y con sus cuidadores en medio de sus cambios de memoria, identidad con respecto a la edad y sus deseos.
En Familiar Touch, Sarah Friedland irrumpe en la Mostra con una ópera prima de insólita madurez, construida desde una autenticidad que rara vez asoma en el cine contemporáneo. Su experiencia personal con la demencia y su trabajo como cuidadora se filtran en cada plano, otorgando a la película una sensibilidad y un rigor que deslumbran sin necesidad de subrayados. El rodaje colaborativo con un asilo real —cuyos residentes integran elenco y equipo— refuerza esa impresión de verdad que atraviesa todo el relato. En el centro del film brilla Kathleen Chalfant, monumental en su encarnación de Ruth, una mujer atrapada entre lapsos de lucidez y desconcierto. Friedland acompaña esas oscilaciones con una puesta en escena de admirable sobriedad, capaz de hallar humor, angustia y ternura en los gestos aparentemente mínimos. La directora evita la condescendencia y el melodrama, optando por un retrato íntimo y respetuoso que ilumina la fragilidad humana sin recurrir a clichés. Cada escena está impregnada de observaciones sutiles que, sin alardes, revelan un mundo emocional complejo y profundamente humano. Por la precisión de su mirada, la elegancia de su narrativa y la potencia de su protagonista, Familiar Touch se erige como una de las revelaciones más valiosas de la edición y una ópera prima destinada a perdurar.
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LONE
SAMURAI
El Samurai solitario.
- Título original
- Lone Samurai
- Año: 2025
- Duración: 95 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Josh C. Waller
- Guion: Josh C. Waller
- Reparto: Shogen, Keigo Sunagawa, Yuma Sunagawa, Sumire Ashina.
- Música: Bartlomiej Gliniak
- Fotografía: Noah Greenberg
- Compañías Coproducción Estados Unidos-Japón-Indonesia;Tunnel Post, Vested Interest.
- Género: Acción. Drama | Samuráis. Siglo XIII. Supervivencia.
SINOPSIS: Un samurái náufrago del siglo XIII considera el suicidio ritual hasta que es capturado por caníbales en una isla aparentemente desierta. Su voluntad de vivir despierta.
Lone Samurai emerge como una reinvención poderosa del film samurái, donde la introspección espiritual y la épica visceral conviven con una audacia visual poco común. Su primera mitad, de belleza naturalista y carga ritual, construye un retrato magnético de un guerrero desgarrado entre la culpa y la supervivencia, creando una atmósfera hipnótica. La fotografía de Noah Greenberg y el cuidado diseño de producción convierten la isla en un personaje más, un paisaje que respira, amenaza y guía. Cuando irrumpe la acción, el film despliega su faceta más contundente: coreografías magistrales, secuencias complejas y un uso del espacio que potencia la brutalidad sin perder elegancia. La mezcla de sonidos y música sostiene una tensión constante, mientras que la presencia de Yayan Ruhian y del propio Shogen eleva cada enfrentamiento a un nivel de intensidad memorable. Pese a su estructura dual, la película encuentra cohesión en su atmósfera sensorial y su ambición estética, entregando un viaje feroz y espiritual que se recuerda por su belleza salvaje y su fuerza emocional. Una obra ideal para quienes buscan un cine de acción con alma y una identidad visual inconfundible.
TRAILER
CINE CLÁSICO
EXPRESS
Café express.
- Título original
- Café Express
- Año: 1980
- Duración: 94 min.
Italia- Dirección: Nanni Loy
- Guion: Nanni Loy, Elvio Porta, Nino Manfredi. Historia: Nanni Loy, Elvio Porta
- Reparto: Nino Manfredi, Adolfo Celi, Vittorio Caprioli, Vittorio Mezzogiorno.
- Música: Giovanna Marini
- Fotografía: Claudio Cirillo
- Compañías: Vides Cinematografica
- Género: Comedia. Drama | Comedia dramática. Trenes / Metros.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HD 1080P.
SINOPSIS: Michele Abbagnano (Nino Manfredi) es un inválido napolitano de mediana edad que, para sobrevivir y mantener a su hijo de catorce años en un internado, se convierte en un vendedor de café sin licencia, viajando clandestinamente en el tren nocturno de Vallo della Lucania a Nápoles. He perseguido, por esta razón, continuamente por las autoridades ferroviarias pero él tras tanto viaje, se conoce al detalle los entresijos del tren y casi a todos los pasajeros que le van echando una mano entre una historia y la otra. Pero quizá la más importante es la suya; Michele tiene un brazo ortopédico y un hijo enfermo.
En esta joya del cine italiano, heredera directa de la tradición que supo equilibrar comedia, crítica social y humanidad, el viaje nocturno en tren se convierte en un microcosmos vibrante de la posguerra. El guion —astuto, fluido y lleno de observaciones certeras— despliega una galería de pícaros, funcionarios y supervivientes que encarnan con precisión el pulso de una época. Al frente, Nino Manfredi ofrece una interpretación soberbia: su vendedor ambulante de café, ingenioso y vulnerable, se transforma en el alma del relato. El virtuosismo del rodaje dentro de los vagones imprime dinamismo y autenticidad, permitiendo que las escenas fluyan con naturalidad entre risas, sobresaltos y melancolías. La película alterna con elegancia la ligereza de la comedia y las sombras de un drama silencioso, sin perder nunca su calidez humana. A través de este protagonista entrañable —un pícaro con principios, movido por el amor a su hijo enfermo—, la historia revela un universo donde la supervivencia se mezcla con la ternura y el ingenio se vuelve herramienta de vida. Deliciosa, emotiva y llena de vida, esta obra demuestra cómo el cine italiano supo convertir lo cotidiano en algo extraordinario, regalándonos un viaje que conmueve y entretiene a partes iguales.
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MINISERIES Y SERIES
THE LAST
FRONTIER
Alaska: la última frontera.
MINISERIE COMPLETA
10 EPISODIOS
4 DISCOS.
- Título original
- The Last Frontier
- Año: 2025
- Duración: 500 min.
- Canadá
- Dirección: Jon Bokenkamp (Creador), Richard D'Ovidio (Creador), Sam Hargrave, John Curran, Dennie Gordon, Jessica Lowrey.
- Reparto: Jason Clarke, Haley Bennett, Dominic Cooper, Alfre Woodard.
- Música: Ariel Marx
- Fotografía: Anthony Wolberg, Bernard Couture, Mike Carraciolo, Patrick Murguía.
- Género: Miniserie de TV. Drama. Thriller | Naturaleza. Zonas frías/polares.
SINOPSIS: Cuando un avión que transporta presos se estrella en una remota zona salvaje de Alaska y docenas de reclusos violentos quedan libres, el único policía de la región debe proteger el pueblo que juró mantener a salvo.
The Last Frontier: Conspiración en Alaska se revela como una serie que, desde su arranque, seduce por la potencia de su escenario: las vastas y gélidas tierras de Alaska, convertidas en un personaje más gracias a una ambientación cuidada y sugerente. Sus creadores, Jon Bokenkamp y Richard D’Ovidio, imprimen al relato un atractivo cruce entre western y thriller, logrando momentos de tensión que se sostienen en una puesta en escena eficaz y una dirección que sabe aprovechar la singularidad del entorno. La premisa inicial —un accidente aéreo que libera a peligrosos reclusos y obliga a un policía local a proteger a su comunidad— funciona como un motor narrativo de impacto inmediato. Jason Clarke destaca con un desempeño sólido y matizado que da profundidad y credibilidad al eje dramático, convirtiéndose en el verdadero ancla emocional de la serie. El vestuario y la utilería, especialmente los vehículos adaptados al clima extremo, aportan autenticidad y enriquecen la inmersión en estos parajes inhóspitos. En conjunto, la serie propone un universo visual robusto, un personaje central poderoso y un tono híbrido que la distingue dentro de las producciones de suspenso contemporáneas.
TRAILER
INSTANTE
ESPAÑA AL BORDE DEL ABISMO.
MINISERIE COMPLETA
4 EPISODIOS
2 DISCOS.
- Título original
- Anatomía de un instante
- Año: 2025
- Duración: 220 min.
España- Dirección: Alberto Rodríguez, Paco R. Baños
- Guion: Rafael Cobos, Fran Araújo, Alberto Rodríguez. Novela: Javier Cercas
- Reparto: Álvaro Morte, Eduard Fernández, Manolo Solo, Miki Esparbé.
- Música: Julio de la Rosa
- Fotografía: Alex Catalán
- Compañías Coproducción España-Francia; DLO Producciones, Movistar Plus+.
- Género: Drama | Miniserie de TV. Basado en hechos reales. Histórico. Política. Años 80. Ejército. Secuestros / Desapariciones.
VERSIÓN HABLADA Y SUBTITULADA EN ESPAÑOL.
SINOPSIS: Partiendo del golpe de Estado del 23F, que tuvo lugar en España el 23 de febrero de 1981, 'Anatomía de un instante' disecciona uno de los momentos cruciales de la historia reciente española: la transición democrática. Cuando el teniente coronel de la Guardia Civil Antonio Tejero entró en el Congreso pistola en mano, solo tres hombres se mantuvieron sentados en sus asientos mientras el resto se agachaba para ponerse a salvo: Adolfo Suárez, Santiago Carrillo y Gutiérrez Mellado.
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