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ESTRENOS
DE LA SEMANA
QUE
IMAGINAMOS
All We Imagine as Light.
(EN CINES)
- Título original
- All We Imagine as Light
- Año: 2024
- Duración: 118 min.
India- Dirección: Payal Kapadia
- Guion: Payal Kapadia
- Reparto: Kani, Divya Prabha, Hridhu Haroon, Chhaya Kadam.
- Música: Dhritiman Das, Topshe
- Fotografía: Ranabir Das
- Compañías Coproducción India-Francia-Países Bajos (Holanda)-Luxemburgo-Suiza-Estados Unidos; Petit Chaos, Another Birth, Chalk and Cheese Films, arte France Cinéma, Les Films Fauves
- Género: Drama | Drama social. Drama romántico. Amistad.
SINOPSIS: En Mumbai, la rutina de la enfermera Prabha se ve alterada cuando recibe un regalo inesperado de su marido, quien trabaja en Alemania. Su compañera de piso Anu, más joven, intenta en vano encontrar un lugar en la ciudad para intimar con su novio. Un viaje a una ciudad costera les permite encontrar un espacio para que sus deseos se manifiesten.
La película sigue las vidas de Prabha y Anu, dos mujeres que comparten
un espacio físico y emocional, pero cuyos viajes personales toman
caminos diferentes. Prabha, una enfermera atrapada en un matrimonio
fracturado, se enfrenta al caos emocional cuando recibe un regalo
inesperado de su esposo separado. Este evento actúa como un catalizador
para que reevalúe su vida y sus emociones reprimidas. Por otro lado, Anu lucha por encontrar un espacio en la ciudad donde
pueda intimar con su pareja, enfrentando los desafíos de una sociedad
que limita su libertad y privacidad. Su viaje culmina en una escapada a
la playa, que simboliza una tregua momentánea en su búsqueda de conexión
y estabilidad. Payal Kapadia imprime su estilo contemplativo en esta historia,
capturando las emociones internas de los personajes a través de una
dirección que prioriza los detalles y los momentos cotidianos. Las
escenas en los espacios cerrados de Bombay reflejan la opresión y el
desorden de las vidas de las protagonistas, mientras que los exteriores,
especialmente las escenas en la playa, ofrecen un contraste liberador y
lleno de esperanza. Kani Kusruti ofrece una actuación conmovedora como Prabha, capturando
con sutileza la lucha interna de una mujer que lidia con el peso del
pasado y la incertidumbre del futuro. Su interpretación equilibra
fragilidad y fortaleza, haciendo que el espectador se sienta
profundamente conectado con su viaje emocional. La cinematografía captura la dualidad de Bombay, mostrando tanto su
belleza caótica como sus limitaciones opresivas. Los planos cerrados en
los espacios abarrotados reflejan la falta de privacidad y la presión
constante que enfrentan las protagonistas, mientras que las tomas en la
playa ofrecen un respiro visual y emocional. Es un drama íntimo que destaca por sus interpretaciones sinceras y su
dirección delicada. Aunque la narrativa podría haber profundizado más en
algunos aspectos de las historias de sus personajes, el enfoque en los
detalles emocionales y la ambientación cuidadosamente construida hacen
de esta película una experiencia envolvente y reflexiva.
DRÁCULA
Dracula: A love tale.
(EN CINES)
- Título original
- Dracula: A Love Tale
- Año: 2025
- Duración: 129 min.
Francia- Dirección: Luc Besson
- Guion: Luc Besson. Libro: Bram Stoker
- Reparto: Caleb Landry Jones, Zoë Bleu Sidel, Christoph Waltz, Matilda De Angelis.
- Música: Danny Elfman
- Fotografía: Colin Wandersman
- Compañías: LBP Productions, Europa Corp, Actarus. Distribuidora: Leonine Distribution
- Género: Terror. Drama. Romance. | Vampiros
- Grupos: Drácula | Adaptaciones de Bram Stoker
SINOPSIS: Tras la muerte de su esposa, un príncipe del siglo XV renuncia a Dios y se convierte en vampiro. Siglos más tarde, en el Londres del siglo XIX, ve a una mujer parecida a su difunta esposa y la persigue, sellando así su propio destino.
Con un ritmo moderno y un elenco de lujo que incluye a Caleb Landry Jones y Christoph Waltz, esta versión privilegia el relato de amor a través del tiempo por encima de la clásica historia de vampiros. Con Drácula (Dracula: A Love Tale. 2025) Luc Besson reinventa el clásico de Bram Stoker con una versión que resalta el romance eterno del Conde Drácula, apoyado por un elenco destacado y una atmósfera cuidada que moderniza esta historia inmortal. Cada vez que se cuenta la historia del Conde Drácula, surgen múltiples perspectivas: la historia clásica y literaria basada en la novela de Bram Stoker; la figura histórica de Vlad el Empalador, inspiración para el personaje ficticio, Vlad III de Valaquia, conocido por su brutalidad; el simbolismo del vampiro como metáfora de temores sociales, la sexualidad, la mortalidad y el miedo a lo desconocido; así como el contexto histórico y político que refleja las tensiones de la época, incluyendo el miedo a la invasión o a lo extranjero. Y, en esta versión, el enfoque más importante es el lado romántico y trágico de un personaje con sentimientos profundos y una historia de amor eterno. El personaje de Van Helsing, interpretado por el siempre brillante Christoph Waltz (Django sin cadenas, 2012; Bastardos sin gloria, 2009), actúa como contrapunto, equilibrando la tensión y la violencia en todo momento. El diseño de producción y la estética de la época está absolutamente acorde con el período retratado. Tal vez la fotografía no destaque demasiado y resulte algo convencional, pero todo esto queda en segundo plano gracias a la banda sonora compuesta por el maestro Danny Elfman (Batman, 1989; Big Fish, 2003), que logra sumergir al espectador en la historia y se convierte en un distintivo de gran calidad. Cuando parece que ya no se puede hacer nada nuevo con los clásicos, este tipo de versiones revitalizan historias que han sido contadas una y otra vez. Nunca hay que olvidar que siempre hay un público nuevo con ansias de adentrarse en un mundo fantástico que trasciende el cine, la literatura, la música y el teatro. Esta historia ha sobrevivido más de cien años y nos deja la reflexión de que, tal vez, sea el amor al arte lo que vivirá para siempre, aunque intenten destruirlo.
TRAILER
NOISE
SONIDOS DEL MÁS ALLÁ
Noijeu.
(EN CINES)
- Título original
- Noijeu
- Año: 2024
- Duración: 95 min.
Corea del Sur- Dirección: Kim Soo-jin
- Guion: Lee Je-hui
- Reparto: Lee Sun-bin, Ryu Kyung-Soo, Jeon Ik-ryeong, Han Su-ah, Baek Joo-Hee.
- Compañías: Fine Cut. Distribuidora: KMBO, Provzglyad
- Género: Terror. Thriller. Suspenso.
SINOPSIS: Dos hermanas se mudan a un nuevo departamento y, tras la repentina desaparición de una de ellas y los extraños ruidos que provienen del piso de abajo, comienza una pesadilla de terror psicológico donde la realidad y lo sobrenatural se mezclan.
La ópera prima de Kim Soo-jin se presenta como una excelente opción para quienes buscan una propuesta diferente dentro de un género saturado, pero que aún tiene mucho que ofrecer. Los tiempos y las atmósferas creadas en Noise: sonidos del más allá son una de sus mayores fortalezas. Los efectos sonoros, absolutamente imprescindibles para la temática, están a un altísimo nivel técnico, como es característico del cine surcoreano.Si bien la parte visual es más convencional y no aporta grandes novedades, pasa a un segundo plano, ya que el sonido es el verdadero protagonista, elevando la experiencia en las salas de cine. Kim Soo-jin se consolida como una revelación y, al mismo tiempo, como una promesa para los amantes del género. Además, podría ser una puerta de entrada para quienes no están tan familiarizados con el terror. El director maneja las sutilezas con destreza, sin recurrir a los sobresaltos fáciles ni al exceso de sangre. Lleva la historia a un nivel más psicológico, cercano al thriller sobrenatural, pero con un manejo impecable de los sentidos, lo que convierte a la película en una experiencia fascinante para quien se deje atrapar por la destreza del director.
2024: Festival de Sitges: Ganadora Mejor película (Sección Panorama).
TRAILER
Animale.
- Título original
- Animale
- Año: 2024
- Duración: 98 min.
- Francia
- Dirección: Emma Benestan
- Guion: Emma Benestan, Julie Debiton, Vincent Le Port
- Reparto: Oulaya Amamra, Elies-Morgan Admi-Bensellam, Vivien Rodriguez, Damien Rebattel, Claude Chaballier
- Fotografía: Ruben Impens
- Compañías: Frakas Productions, France 3 Cinéma, June Films
- Género: Thriller. Drama. Suspenso.
SINOPSIS: Camargue, en Francia, es una región conocida por sus carreras de toros, un ambicioso espectáculo donde se pone a prueba la agilidad y respeto entre hombres y bestias. Rodeada de hombres, la veinteañera Nejma se entrena sin descanso para conseguir su sueño de ganar la competición anual. Pero cuando la temporada está en pleno apogeo, varias desapariciones sospechosas preocupan a los lugareños.
"Animale" explora la relación entre una mujer y un toro en un contexto
de violencia y dominación. La directora Emma Benestan crea una potente
analogía entre la violencia hacia los animales y la violencia hacia las
mujeres, destacando la crueldad y la falta de compasión en ambos casos. "Animale tiene un apartado visual intenso y expresivo, con una
ambientación que transmite la sensación de ajenidad y opresión que
siente la protagonista, Nejma. La actuación de Oulaya Amamra es
destacada, logrando transmitir la intensidad física y emocional de la
protagonista. La premisa de la película es buena, la analogía entre la
violencia hacia los animales y la violencia hacia las mujeres es
interesante. En general, "Animale" es una película que cuenta con un gran reparto, dirección y arte dinámica, logrado sorprender al público con una trama original.
TRAILER
JOHN
June & John.
- Título original
- June & John
- Año: 2025
- Duración: 92 min.
- Francia
- Dirección: Luc Besson
- Guion: Luc Besson
- Reparto: Matilda Price, Luke Stanton Eddy, Honey Lauren, Don Scribner.
- Música: Samir El Hammami, Julien Rey
- Fotografía: Tobias Deml
- Compañías: Europa Corp, Kinology
- Género: Romance. Thriller.
SINOPSIS: John, atrapado en una vida rutinaria y monótona, conoce a June, una excéntrica y misteriosa chica, que pondrá su vida patas arriba. Juntos emprenderán un alocado viaje lleno de pasión y riesgo en el que desafiarán a la justicia y las normas sociales y que cambiará la vida de ambos para siempre.
Estamos en una época “dorada” del cine que no puede juzgarse bajo las mismas normas y perspectivas del pasado clásico. Todo ha sido transgredido, incluida la concepción misma del cine: no sólo en su forma de hacerse, de verse o de contarse, sino también en la manera de apreciarlo y posicionarlo dentro de la industria. En los últimos años, grandes autores de distintas geografías han apostado por llevar su sello hacia una nueva evolución de su mirada, bien sea llevándolo al extremo —como Ari Aster con Beau tiene miedo— o avanzando en dirección opuesta, como Yorgos Lanthimos en Pobres criaturas o Alejandro Iñárritu en Bardo. En medio de este panorama revitalizado y cambiante, donde lo experimental no es exclusivo del margen, sino parte del nuevo centro del cine contemporáneo. El poliédrico y arriesgado Luc Besson, imposible de definir por géneros, estéticas o ideas fijas, dado que cada una de sus películas tiene un alma propia que las hace inolvidables, incluso cuando se trata de historias que han sido contadas cientos de veces, como Juana de Arco, o como en su próxima Drácula: A Love Tale. Nos hace imaginar qué podría representar todavía un riesgo experimental y creativo dentro de su obra. La respuesta es June & John. No sólo porque fue filmada con un iPhone, en plena pandemia, con un equipo de apenas 12 personas y dos actores principiantes, sino porque, al verla, uno se sumerge en una experiencia profundamente inusual: en todo momento se aprecia como la ópera prima de un director desconocido, con una mirada interesante, pero también con mucho por aprender. Esta experiencia nos lleva a reconsiderar muchos aspectos que solemos dar por sentados. Uno de ellos es cómo la experiencia técnica de los grandes equipos que rodean a los directores es esencial para construir su firma autoral. Muchas veces no se les da el reconocimiento que merecen por no ser la mente creativa principal detrás de una obra, pero su aporte es decisivo. En esta película, Besson no sólo cambió la cámara por un iPhone, sino que reemplazó al equipo sindicalizado por uno no sindicalizado, capaz de asumir el riesgo de rodar bajo condiciones más flexibles, sin las restricciones de horarios ni normas industriales. Y aunque esto suena profundamente romántico —como él mismo lo ha querido comercializar: “un retorno a sus orígenes”—, es también una muestra fehaciente de que las películas son organismos vivos, donde cuantas más personas ejercen su rol con excelencia, por mínimo que sea, mayor es la diferencia entre una película amateur y una de gran factura. Si bien el dinero es lo que permite que estos flujos de trabajo sean posibles, es la experiencia y la maestría de cada integrante del equipo lo que realmente los hace funcionar. No es únicamente la visión del director lo que sostiene una película, sino el entramado de saberes técnicos y artísticos que la hacen posible. Eso permite que, a medida que la historia avanza, muchas de sus imperfecciones se diluyan mientras se reviven emociones ligadas a una visión de la libertad y el amor que parecían reservadas para tiempos pasados. Queda, sin embargo, el deseo de que la película se hubiera dejado permear aún más por la fantasía que sugerían sus piezas promocionales, con las que, en sus breves apariciones dentro del relato, logra palparse con fuerza la importancia de los deseos, los riesgos y la pérdida de razón en el amor y en la vida.
TRAILER
FINO
ALLA
FINE
Ahora o Nunca.
- Título original
- Fino alla fine
- Año: 2024
- Duración: 117 min.
Italia- Dirección: Gabriele Muccino
- Guion: Paolo Costella, Gabriele Muccino
- Reparto: Elena Kampouris, Saul Nanni, Lorenzo Richelmy, Yan Tual
- Fotografía: Fabio Zamarion
- Compañías: Lotus Productions, Rai Fiction. Distribuidora: 01 Distribution, Front Row Filmed Entertainment
- Género: Mafia. Thriller. Drama.
SINOPSIS: Sophie es una veinteañera estadounidense que ha vivido aislada del mundo. De vacaciones en Palermo con su hermana, conoce a Giulio y a su grupo de amigos sicilianos en su último día antes de regresar a California. Deseosa de liberarse de un pasado siempre protegida, Sophie se embarca en un romance relámpago con Giulio, pero su aventura no tarda en adentrarse en la peligrosa clandestinidad criminal de Palermo. Atrapada entre el amor y la supervivencia, Sophie se enfrenta a decisiones que cambiarán su vida.
La decimotercera película de Gabriele Muccino es su primer thriller de acción, protagonizado por una joven americana de vacaciones en Italia, cuya vida se pone patas arriba durante una sola noche. La película explora las peligrosas derivas del deseo de aventura y de un desafío con uno mismo. La protagonista es una chica californiana de unos 20 años, Sophie (actriz neoyorquina Elena Kampouris), recuperándose de un gran dolor y que, en su último día de vacaciones en Italia, decide ir al mar a darse un baño (estamos en Palermo, en Sicilia) antes que acompañar a su hermana Raquel (Cámara de rubí), apasionado por el arte, para visitar otra catedral. Esta es la primera de una larga serie de decisiones que la joven tomará durante las siguientes 24 horas, contra todos, y que pondrán su vida patas arriba. En una roca alta para inmersiones vertiginosas, conoce al hermoso y seductor Giulio (Saul Nanni) y sus amigos Komandante (Lorenzo Richelmy), Samba (Enrico Inserra) y Sprizz (Francesco Garilli), un grupo de chicos de la zona que no son realmente recomendables, pero que conquistan a Sophie con su amabilidad y audacia. La chica, que mientras tanto se ha enamorado de Giulio, decide pasar sus últimas horas en Italia con ellos y vivir, a cualquier precio, la noche más llena de adrenalina de su vida, una noche en la que realmente suceden todo tipo de cosas.Inspirado en "After Hours" de Martin Scorsese ("una película que me ha perseguido durante años", declara el director), Ahora o nunca definitivamente te mantiene pegado a tu asiento. La parábola a la vez hipervibrante y dolorosa de esta joven es intrigante, ya que continuamente empuja el límite del riesgo para salir de su jaula emocional. También es interesante ver cómo la frontera entre el bien y el mal, lo lícito y lo ilícito, puede ser borrosa, y cómo podría ser más fácil de lo que pensamos encontrarse en el lado equivocado. Con un poco más de sentido de la proporción (no siempre es necesario gritar para comunicar entusiasmo o miedo), y aunque no es perfecta en cuanto a la credibilidad de ciertas situaciones, la película seguiría siendo buena para su género, el de la película de acción con un trasfondo sentimental. Muccino sabe dirigir y también experimenta: para esta película, utilizó, entre otros, un prototipo de cámara que se sumerge en la cabina de un automóvil en movimiento y filma a los actores en 360 grados. "Es una película que rodamos con escalofríos en la espalda", destaca el director, "una película que no simula adrenalina, sino que la vive". Y esto sin duda se puede ver en la pantalla.
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DIEU ET
SYLVIE VARTAN
Érase una vez mi madre.
- Título original
- Ma mère, Dieu et Sylvie Vartan
- Año: 2025
- Duración: 103 min.
- Francia
- Dirección: Ken Scott
- Guion: Ken Scott. Novela: Roland Perez
- Reparto: Leïla Bekhti, Jonathan Cohen, Sylvie Vartan, Milo Machado Graner.
- Música: Nicolas Errèra
- Fotografía: Guillaume Schiffman
- Compañías: Egérie Productions, Gaumont. Distribuidora: Gaumont
- Género: Comedia dramática. Familia. Maternidad. Años 60.
SINOPSIS: París, 1963. Roland, el menor de una familia de seis hermanos, sufre una malformación en un pie. Según los médicos nunca podrá caminar, pero su testaruda madre, Esther, simplemente se niega a aceptarlo. Mediante una combinación de fe inquebrantable y negación excepcional, la mujer está decidida a desafiar cualquier adversidad para conseguir que su hijo sea feliz.
Es inevitable mencionar la película "Amélie" (2001) como un referente inmediato y conocido de esta agradable mezcla de drama y comedia familiar, con acertados toques de costumbrismo social, ambientada en los años sesenta y setenta. En los primeros dos tercios de la película recorreremos la infancia autobiográfica de Roland Pérez y su intrépida madre en su peregrinación en busca de médicos o cualquier otro "profesional" que pueda ofrecer una solución a una malformación discapacitante, con un diagnóstico inicial de "crónico y de por vida", y que permita a Roland "ir a la escuela, como cualquier otro". Todo gira en torno a Esther, una madre singular y cabezota, que desafía el sentido común, ahora tan venerado, inmersa en una accidentada odisea de madre valiente, protectora en exceso y amorosa hasta la extenuación. El papel está interpretado por una magnífica Leïla Bekhti, que se convierte en el centro magnético permanente, aportando naturalidad y transparencia a un personaje con el que conectas desde el primer minuto. Gracias a mi doble cultura franco-española, me he podido fundir con la historia y su evolución pues soy sesentera, francófona, y conozco el fenómeno Sylvie Vartan. La he disfrutado mucho, sobre todo la actuación de Leïla Bekhti (la madre) que es espectacular. El film te sumerge en una época, en la que todo era posible, con esfuerzo y perserverancia, sin redes sociales. Magnífica recreación de tiempos pasados. En resúmen "Ma mére..." es un film para disfrutar con mucha emoción.
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Relay.
- Título original
- Relay
- Año: 2024
- Duración: 112 min.
Estados Unidos- Dirección. David Mackenzie
- Guion: Justin Piasecki
- Reparto: Riz Ahmed, Lily James, Sam Worthington, Willa Fitzgerald.
- Música: Tony Doogan
- Fotografía: Giles Nuttgens
- Compañías: Black Bear Pictures, Thunder Road Pictures, Sigma Films
- Género: Thriller. Intriga | Bolsa & Negocios.
SINOPSIS: Ash (Riz Ahmed) es un negociador especializado en conflictos entre grandes empresas y denunciantes. Frío, metódico y casi invisible gracias al sofisticado sistema de comunicaciones, de nombre RELAY, con el que trabaja. Pero su mundo da un giro cuando recibe la llamada de Sarah (Lily James), una exempleada de una farmacéutica que posee información peligrosa y teme por su vida. Lo que empieza como un caso más se transforma en una carrera contrarreloj: filtraciones, persecuciones y traiciones los arrastran a ambos a una peligrosa conspiración.
Afilada e inteligente de principio a fin, “Relay” de David Mackenzie es una película realizada a la vieja usanza sobre un hombre también a la vieja usanza. Se trata de un thriller paranoico moderno que remite a la época dorada del género en los años setenta (aunque su referencia más evidente sea la mucho más reciente Michael Clayton). Ese hombre es Ash, un musulmán alcohólico (un Riz Ahmed triste y huidizo, fantástico de principio a fin), que tras beberse una vida convencional se convirtió en un corredor de tratos renegado. Su mercancía son los denunciantes: se dedica a mantenerlos a salvo de las empresas que los quieren muertos. David Mackenzie es un cineasta singular que nunca repite fórmula, en los últimos once años ha dirigido un devastador drama carcelario (Starred Up), un neo-western nominado al Óscar (Hell or High Water) y una epopeya medieval (Outlaw King). Los únicos rasgos comunes en su obra son la mirada hacia la soledad masculina —a menudo en medio del caos— y la inteligencia visceral de sus construcciones, que Mackenzie lleva a la superficie aunque eso implique reajustar un proyecto después de su estreno en festivales. Podría decirse que tiende a usar una cámara en mano fluida y veloz, pero su estilo siempre está subordinado a la historia que quiere contar. Prueba de ello es que Relay está rodada con una seguridad elegante y sigilosa que da claridad a la trama sin subrayar en exceso sus engranajes. Aunque renuncie a acumular puntos de “cool” por no apostar por una estética más agresiva, el enfoque directo y sin adornos de Mackenzie mantiene la película en la línea de sus referentes, a la vez que le da la flexibilidad de escenificar secuencias clave a plena vista del público. Como Ash, la película resulta cautivadora e invisible al mismo tiempo. Además, la propia trama es lo suficientemente retorcida como para que cualquier floritura estética pareciera un adorno innecesario. Suave pero vulnerable, astuto pero anónimo, desesperado por una respuesta humana aunque dispuesto a hacer lo que sea necesario para cumplir con su trabajo, Relay no busca incendiar el mundo: solo ser un thriller artesanal que transmita una auténtica implicación personal en un tiempo en que las corporaciones prefieren eliminar a un único denunciante antes que salvar la vida de mil clientes. Y lo logra con la precisión de un experto. Muy recomendable.
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SHOTGUN
Ella tiene una escopeta.
- Título original
- She Rides Shotgun
- Año: 2025
- Duración: 120 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Nick Rowland
- Guion: Jordan Harper, Ben Collins, Luke Piotrowski, Nick Rowland. Novela: Jordan Harper
- Reparto: Taron Egerton, Ana Sophia Heger, Odessa A’zion, John Carroll Lynch.
- Música: Blanck Mass
- Compañías: Fifth Season, Makeready, Super Frog, Waypoint Entertainment. Distribuidora: Lionsgate
- Género: Thriller. Acción | Crimen.
SINOPSIS: Tras salir de prisión, Nate debe proteger a su hija Polly de una peligrosa banda que ha puesto precio a sus vidas. Juntos emprenden una huida violenta y desesperada por el desierto, mientras él le enseña a sobrevivir en un mundo brutal. En el camino, padre e hija forjan un profundo vínculo marcado por la redención y el crecimiento mutuo... Adaptación de la premiada novela de Jordan Harper.
Nick Rowland nos trae una de las grandes sorpresas de este 2025 con un
thriller dramático que explora la relación padre e hija, intensificado
por dos actuaciones impresionantes. "Ella tiene una escopeta" es el ejemplo perfecto de cómo una película puede conquistarte con la
sutileza de un guion que encaja cuidadosamente cada momento, haciéndote
parte de una relación cautivadora entre un padre perdido y una hija que
ilumina todo a su paso. La novela de Jordan Harper es adaptada de manera
intensa y envolvente por Rowland, quien entrega una puesta en escena
que complementa la fuerza de una historia que se adentra poco a poco en
tu corazón. Es una combinación magistral de elementos cinematográficos
al servicio del espectador, que se entrelazan perfectamente para
ofrecernos una película que te mantiene conectado con su historia en
todo momento, sin permitir que te alejes de sus dos protagonistas. Taron Egerton puede ser uno de los actores más subestimados del momento,
pero demuestra aquí todo su talento en lo que quizá sea la mejor
interpretación de su carrera. El actor británico regresa al cine con una
nueva solidez, dejando claro que talento no le falta, ofreciendo un
personaje lleno de matices y con un arco que conmueve al espectador. Sin
embargo, es Ana Sophia Heger quien realmente destaca con una de las
mejores actuaciones del año. La joven actriz evoca a una Natalie Portman
de 1994 con la delicadeza de una Dakota Fanning en sus inicios. Su
interpretación es sublime, se adueña de la película con gestos, miradas,
diálogos y una secuencia final que emociona profundamente. Sin duda,
estamos presenciando el nacimiento de una futura gran estrella. Una grata sorpresa y una de las mejores películas del 2025. Un thriller
dramático lleno de matices y emociones que logra tocar la fibra del
espectador, destacando especialmente a sus dos protagonistas con
actuaciones que podrían ser las mejores de sus carreras. "Ella tiene una escopeta" es una película
que vale la pena ver y reflexionar, con un mensaje poderoso que se
revela al final, acompañado de una presentación impecable de conflictos,
personajes y desenlace. Una experiencia cinematográfica para disfrutar
plenamente.
TRAILER
Pepe.
PRESELECCIONADA A LOS PREMIOS OSCAR 2026
- "MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL"
- Título original
- Pepe
- Año: 2024
- Duración: 122 min.
Rep. Dominicana- Dirección: Nelson Carlo de los Santos Arias
- Guion: Nelson Carlo de los Santos Arias
- Reparto: Jhon Narváez, Sor María Ríos, Fareed Matjila, Harmony Ahalwa.
- Música: Nelson Carlo de los Santos Arias
- Fotografía: Nelson Carlo de los Santos Arias, Roman Lechapelier, Camilo Soratti
- Compañías Coproducción Rep. Dominicana-Namibia-Alemania-Francia; Monte y Culebra, 4 à 4 Productions, Joe Vision Production CC, Pandora Film.
- Género: Drama. Fantástico | Animales. Naturaleza.
SINOPSIS: El papá de Pepe llegó a Colombia cuando apenas era una cría. En avión,
junto a jirafas, leones, tigres y avestruces. Pepe nació en Doradal
(Antioquia), aprendió español, aceptó el Río Magdalena como su nuevo
hogar y escapó con su novia Matilda para formar una familia.
Pepe, el primer y último hipopótamo asesinado en América, cuenta su
historia: Una vida llena de incertidumbre y una muerte abrupta en un
lugar que jamás llegó a conocer realmente.
Historias repletas de más historias. Imágenes y sonidos que narran la
arrolladora oralidad de estos pueblos que, como Pepe, estaban formados
por seres que murieron sin saber nunca dónde estaban realmente.
¿Una película sobre un hipopótamo? ¿Una película narrada por un hipopótamo? ¿Una película narrada por un hipopótamo que sabemos fue asesinado y
cuenta la historia de sus ancestros y sus descendientes? Viniendo de la
mente de Nelson Carlos de los Santos Arias (el Charlie Kaufman
latinoamericano) eso es posible. Y mucho más también. Hablada en
español, afrikaans, Mbukushu y alemán, con la pantalla que va cambiando
de formato (de 4:3 a uno mucho más ancho), mixturando fílmico y digital,
materiales de archivo de los '70 y los '80, elementos documentales,
ensayísticos y bastante de ficción, y rodada sobre todo en Colombia,
pero también en República Dominicana y Namibia, la nueva película del
creador de la deslumbrante Cocote
(otro de los extranjeros formados en la FUC porteña) es laberíntica,
deforme, derivativa, episódica, mutante. Una experiencia desmesurada,
fascinante en muchos pasajes e irritante en algunos pocos. El
Pepe del título es el nombre con el que los medios llamaron a uno de los
hipopótamos llevados en 1980 hasta Colombia por el zar narco Pablo
Escobar para, con muchas otras especies, claro, poblar los lagos
artificiales y las zonas selváticas y hacer de su Hacienda Nápoles de
3.000 hectáreas una reserva natural única (hoy se ha convertido en un
parque temático). Lúdica, tragicómica, trasgresora, excesivamente
canchera de a ratos (con algo del cinismo y el patetismo del cine de
Ulrich Seidl), Pepe es de esas películas que aceleran
hasta en las curvas, que van por todo sin pensar en las consecuencias. Y
esa falta de prejuicios y esa exaltación del capricho son al mismo
tiempo su razón de ser y la causa de sus traspiés parciales. Absurdo,
experimental, ridículo y alucinatorio, este patchwork visual tiene
imponentes imágenes aéreas (vemos hasta tres helicópteros volando
juntos), pero también planos detalle de animales e insectos, penurias de
pescadores, de muchachas que participan en un concurso de belleza y
temibles cazadores, una banda sonora llena de efectos, planos en blanco y
negro (y otros directamente con la pantalla en negro mientras
escuchamos una grave voz en off de fondo), hermosas imágenes y ruidos
del río cuando cae la noche, fragmentos de dibujos animados y una
presencia permanente de la fuerza agua (sobre todo del inmenso río
Magdalena). En la historia sangrienta y trágica de “Pablito” (así
se refieren a Escobar), pero también en la de sus hipopótamos, se
resume buena parte del sinsentido, la exageración y el absurdo de los
nuevos ricos, de Colombia y de América Latina en general. Y De los
Santos la construye a través de una experiencia en muchos momentos
elegíaca, una serie de revelaciones, de epifanías. Un film que es como
un trance, un viaje lisérgico que incluye humor negro y desparpajo. Que
sea desmesurada y llena de desniveles poco importa. Celebremos películas
que desborden por exceso y no tantas otras que cumplen con su limitado
propósito por defecto.
TRAILER
Turno noche.
Late Shift.
PRESELECCIONADA A LOS PREMIOS OSCAR 2026
- "MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL"
- Título original
- Heldin.
- Año: 2025
- Duración: 92 min.
Suiza 
Alemania.- Dirección: Petra Biondina Volpe
- Guion: Petra Biondina Volpe
- Reparto: Leonie Benesch, Sonja Riesen, Urs Bihlerr, Margherita Schoch.
- Música: Emilie Levienaise-Farrouch
- Fotografía: Judith Kaufmann
- Compañías Coproducción Suiza-Alemania; Zodiac Pictures, MMC Zodiac, Schweizer Radio und Fernsehen.
- Género: Drama. Thriller | Medicina.
SINOPSIS: Floria es una enfermera que trabaja con gran dedicación y profesionalidad en el ala quirúrgica de un hospital suizo. Nunca comete un error, siempre escucha a sus pacientes incluso en las situaciones más estresantes y siempre está disponible de inmediato en caso de emergencia. Pero en la dura, y muchas veces impredecible, realidad diaria del hospital las cosas pueden ser diferentes. Un día, Floria llega para trabajar en el turno de noche, la sala de urgencias está completamente llena y hay falta de personal. A pesar del ritmo frenético, Floria trabaja incansable para atender a todos los pacientes pero comete un desastroso error y el turno amenaza con desbaratarse por completo. Comienza una angustiosa carrera contrarreloj.
Definitivamente, esta es la mejor interpretación que tuve la suerte de ver en lo que va del 2025. Parece que a Leonie Benesch le sientan realmente muy bien los protagónicos en los que la cámara la sigue sin respiro, en los que debe cargarse la historia al hombro, algo que también llevó a cabo (de manera estupenda, por cierto) en 'The Teachers' Lounge'. 'Turno noche' ('Heldin', su título original) es caótica, estresante y triste a la vez. En los pasillos y en las habitaciones de ese hospital suizo en el que transcurre todo, vamos a encontrarnos con pacientes en estados sensibles, complejos y con distintas formas de manifestarse ante el cuidado de las enfermeras. Nuestra figura principal no da abasto. Hace malabares para cubrir cada solicitud y urgencia, poniendo la mejor cara pese a que del otro lado los pedidos requieran tener la paciencia de un monje. Los planos secuencia resultan sumamente acertados para imprimirle un ritmo frenético y agobiante a la narración. Pero, como citaba al principio, las palmas son para la performance de Benesch. Su nivel expresivo permite que uno sienta con ella, sufra, se agote, saque fuerzas (vaya a saber uno de dónde) y se ponga en su piel. Su personaje es empático, realista y creíble a niveles elevados. "Turno noche" es una grata sorpresa cinematográfica.
2025: Premios Oscar 2026: Preseleccionada "Mejor película internacional" (Suiza).
2025: Festival de Berlín: Special Gala.
TRAILER
CINE DE AYER
CICLO: Adiós Robert
HUMANA
The Chase.
- Título original
- The Chase
- Año: 1966
- Duración: 135 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Arthur Penn
- Guion: Lillian Hellman. Novela: Horton Foote
- Reparto: Marlon Brando, Robert Redford, Angie Dickinson, Jane Fonda.
- Música: John Barry
- Fotografía: Joseph LaShelle
- Compañías: Columbia Pictures. Productor: Sam Spiegel
- Género: Drama | Vida rural (Norteamérica). Racismo. Drama sureño. Melodrama.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HD 1080P.
SINOPSIS: Un hombre (Robert Redford) que se ha escapado de la cárcel vuelve a su pueblo, pero sus vecinos, gentes absolutamente degradadas, emprenden contra él una auténtica cacería como si se tratara de una diversión más. Sólo el sheriff (Marlon Brando), un hombre integro y cabal, tratará de evitar su linchamiento.
Es evidente que en los años 60, Hollywood quiso ponerse al día y
olvidarse de casi todo aquello de lo que siempre había alardeado, la
América feliz, educada, decente y sin problemas graves. En aquella
década que cambió el país y también el resto del mundo, favorecida por
el legado de Presidente Kennedy y la lucha de Martin Luther King, entre
otros, Hollywood, para no quedar desfasada ante la oleada de cine
europeo de maestros como Bergman, Antonioni, Truffaut y otros, decidió
volcarse en los problemas sociales del país, y a fe que lo consiguió con
la película que comentamos. “La jauría humana”, es una magistral y durísima película del genial
director Arthur Penn, del productor Sam Spiegel y con guión de la gran
escritora Lillian Hellman (La loba, La calumnia, etc.). Tomando como
base una obra de Horton Foote, Lillian Hellman realiza una dramática y
fortísima historia de clarísima denuncia social, que seguro habría
encantado a Lars Von Trier para su “trilogía USA”. Penn, Spiegel y Hellman, no hubieran podido realizar su excelente
película, sin contar con la colaboración de un magnífico Marlon Brando,
en uno de sus trabajos mas memorables, así como con un conjunto de
actores enormes (Jane Fonda, Robert Redford, Miriam Hopkins, E.G.
Marshall, Robert Duvall, James fox, etc.). Y la magnífica composición
musical del maestro John Barry. Es un film que ningún cinéfilo, debería dejar de ver. Grandiosa
película. Un impresionante drama claustrofóbico a vueltas con la miseria
de una sociedad podrida. Una historia sencilla, pero fiel reflejo de su
tiempo, exponiendo todas las miserias y vilezas de los seres humanos.
-
1967: Fotogramas de Plata: Nominada a Mejor intérprete de cine extranjero.
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IS CONDEMNED
Propiedad condenada.
- Título original
- This Property is Condemned
- Año: 1966
- Duración: 109 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Sydney Pollack
- Guion: Francis Ford Coppola, Edith Sommer, Fred Coe. Obra: Tennessee Williams
- Reparto: Robert Redford, Natalie Wood, Kate Reid, Charles Bronson.
- Música: Kenyon Hopkins
- Fotografía: James Wong Howe
- Compañías: Paramount Pictures
- Género: Drama | Gran Depresión. Años 30. Drama sureño.
- Grupos: Adaptaciones de Tennessee Williams
VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HD 1080P.
SINOPSIS: En la época de la Gran Depresión, la crítica situación de Dodson (Mississippi) empeora con la llegada de Owen Legate (Robert Redford), un funcionario del ferrocarril cuya misión es despedir a gran parte de los empleados locales. Alva Starr (Natalie Wood) es una joven guapa y coqueta, con muchos planes y ningún sitio a donde ir... hasta que Legate aparece en su vida. Su aventura sentimental enfurece a la distante y despreocupada madre de Alva (Kate Reid) y enciende el deseo de venganza del pueblo.
A que no habías oído hablar nunca de esta película? Pues estamos
hablando de una obra de Tennessee Williams, un guión nada más y nada
menos que de Francis Ford Coppola, dirigida por Sidney Pollack e
interpretada por Redford, Natalie Wood y Charles Bronson. Ahí es nada. Y
cómo es posible que con ese ramillete de nombres míticos ni siquiera me
sonara? Esto del cine es curioso. Uno no sabría explicar a veces ese nosequé
que tienen algunas películas que las convierte en clásicos y qué les falta a
otras que pasan sin pena ni gloria por la historia del celuloide sin
que la inmensa mayoría de los espectadores tenga conocimiento de ellas.
Éste es el caso de "Propiedad condenada", una cinta injustamente
olvidada y prácticamente desconocida para el gran público. Porque a mi modo de ver en ella no falla nada. Tiene el trasfondo
pasional y caliente de toda la obra de Tennessee Williams, un guión
elaborado y bien resuelto, una dirección cuidada al más puro estilo
Pollack. Y la consolidación de grandes actores, no tanto en el
caso de Wood, que ya lo era, pero sí de Redford que demuestra su alto
nivel de interpretación. Y destacar también a Charles Bronson encarnado
con excelencia a un personaje de lo más despreciable.. En fin, "Propiedad condenada" tiene todos los ingredientes para ser un clásico, pero
ahí está, inexplicablemente durmiendo el sueño de los ignorados. No se la pierdan. Es uno de esos pequeños tesoros cinematográficos que valen la pena descubrir.
1966: Globos de Oro: Nominada a Mejor actriz - Drama (Natalie Wood)
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TELL THEM WILLIE
THE BOY IS HERE
El valle del fugitivo.
- Título original
- Tell Them Willie Boy is Here
- Año: 1969
- Duración: 96 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Abraham Polonsky
- Guion: Abraham Polonsky
- Reparto: Robert Redford, Katharine Ross, Robert Blake, Susan Clark.
- Música: Dave Grusin
- Fotografía: Conrad L. Hall
- Compañías: Universal Pictures
- Género: Western. Acción. Drama.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HD 1080P.
SINOPSIS: En una América todavía llena de pioneros, un sheriff (Redford) persigue a un indio que huye de la justicia. Western de argumento sólido que se destacó por reflejar por primera vez dentro del género el punto de vista de los indios.
Lawton, llevó conviviendo tres años con los indios
morongo en su reservación, mientras trabajaba como corresponsal de The
Press-Enterprise. Lawton (1927-2005) fue un humanista opuesto a la
guerra, a los prejuicios y a la intolerancia, y pasó gran parte de su
vida luchando por la preservación de las comunidades indígenas
americanas. El caso de, Willie Boy, lo sensibilizó a tal punto que quiso
saber toda la verdad sobre los hechos, y por esto, su libro es quizás
el más objetivo que hasta ahora se haya publicado. “Willie Boy: A Desert Manhunt”, fue la base de la que partió, Abraham
Polonsky, para escribir y dirigir la que sería su segunda película… y
presiento que, el motivo de haber elegido este tema, está asociado a la
relación que puede hallarse entre la persecución del indio paiute y la
que él mismo sufriera por el Comité de Actividades Antiestadounidenses
(HUAC) que, en definitiva, fueron dos atropellos por el hecho de ser y
pensar distinto. Como es de suponerse, (EL VALLE DEL FUGITIVO) también
generó resistencias, pero, para quienes pensamos un poco a la manera de
Lawton y de Polonsky, el personaje de Willie Boy nos llega al alma por
los tristes hechos que rodearon su vida, por su integridad al
enfrentarse al enemigo, y porque, de nuevo, se demuestra cómo la
sociedad, en su ignorancia, se ha ensañado contra todo aquel que
“subvierta” el orden establecido. Polonsky, consigue un filme altamente equilibrado, en el que muestra a
seres humanos creíbles, debidamente matizados, y exponiendo los hechos
sin afanes de condena alguna y más con un firme propósito de
reconciliación, como puede adivinarse en los principios que manejan
personajes tan valiosos como el sheriff Cooper, la doctora Elizabeth
Arnold y el joven Charlie Newcombe quienes, con su talante, dignifican a
la raza blanca. Robert Blake (el inolvidable Perry de “A Sangre Fría”), logra otra
magnífica caracterización y Willie Boy luce con una potencia lejos de
toda sensiblería, dispuesto a demostrar que la raza india posee un
ímpetu inmortal. También, Robert Redford, logra tal carisma, que motivó a
que otras páginas se añadieran a su personaje en el guion; y Susan
Clark, con la belleza y el carácter que toda mujer debería irradiar. Lo sucedido en el monte Rubí de California, es un hecho que nunca se puede olvidar.
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RACER
El descenso de la muerte.
- Título original
- Downhill Racer
- Año: 1969
- Duración: 101 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Michael Ritchie
- Guion: James Salter
- Reparto: Robert Redford, Gene Hackman, Camilla Sparv, Joe Jay Jalbert.
- Música: Kenyon Hopkins
- Fotografía: Brian Probyn
- Compañías: Paramount Pictures
- Género: Drama | Deporte. Esquí.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HD 1080P.
SINOPSIS: Un atractivo y solitario esquiador (Robert Redford) de un pueblo de Colorado se ha empeñado en convertirse en el rey de las cimas. A pesar de que la tensión y las presiones son cada vez mayores, se va adaptando a la competición al tiempo que aprende lo frágil y volátil que puede ser la fama.
En pocas ocasiones el cine nos ha ofrecido un filme acerca del esquí
alpino. En éste, el atractivo Robert Redford interpreta a un esquiador
de élite norteamericano que se encuentra en el punto álgido de su
carrera deportiva y que, sumergido en ese mundo competitivo, se da
cuenta de que está solo en su misión de llegar a ser el mejor en su
disciplina, sus amigos y familiares no le dan el apoyo suficiente. Pero
con su perseverancia y sofisticado empuje, llegará tal vez hasta la cima
él solo gracias a la única persona que está detrás de él: su
entrenador. Además de la interpretación de Redford, lo impactante de
la película son la vertiginosas escenas de esquí rodadas con mucho
empeño y que suben la adrenalina a cualquiera, así como los magníficos
paisajes alpinos. Pero no solo nos hemos de retener en el aspecto
técnico, sino también en el trasfondo del film: la decadencia de un
hombre, de un deportista, de una persona que se ha hecho a sí misma y
que se ha ido tejiendo con un deporte poco conocido y nada admirado en
su país. "El descenso de la muerte" es una película que vale la pena ver para los
amantes del esquí, pero también para los amantes de la velocidad, los
apasionados de una drama deportivo poco convencional y para todos
aquellos que admiran a Robert Redford... en éste caso, en una de sus
obras menores pero 100% entretenida y peculiar.
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SNEAKERS
Héroes por azar.
- Título original
- Sneakers
- Año: 1992
- Duración: 126 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Phil Alden Robinson
- Guion: Lawrence Lasker, Walter F. Parkes, Phil Alden Robinson
- Reparto: Robert Redford, Mary McDonnell, Sidney Poitier, Ben Kingsley.
- Música: James Horner
- Fotografía: John Lindley
- Compañías: Universal Pictures
- Género: Intriga | Robos & Atracos. Espionaje.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HD 1080P.
SINOPSIS: Martin Bishop, un genio de los ordenadores, es el líder de un grupo especializado en el mantenimiento de los sistemas de seguridad de grandes empresas. Un día se ve obligado a trabajar para una agencia secreta que le encarga el robo de una caja negra. Pronto averigua que esa caja tiene la capacidad de decodificar cualquier sistema de encriptación y que la agencia que lo ha contratado no es estatal.
Robert Redford y su inmenso carisma (sin duda, uno de los actores más
carismáticos y con más presencia de la historia) protagonizan esta
agradable película que anticipó un poco la moda posterior de los equipos
de ladrones simpáticos, informáticos o no, sumidos en una gran empresa. Mezcla de aventuras y thriller policiaco, Sneakers es una opción más que
notable para entretenerse con un buen relato de espionaje y robos
cibernéticos. Guión excelente que combinan con sabiduría varios géneros, intriga,
suspense, espías y con un ritmo trepidante , que nos engaña en todo
momento y cuando quiere, y nos rendimos ante la evidencia de estar ante
una buena trama. Los personajes son muy buenos, no cuesta
nada identificarse con ellos y acompañarlos en su odisea, y menos aún si
los interpretan actorazos como Sidney Poitier, Dan Aykroyd, Ben
Kingsley, David Strathairn y River Phoenix (en uno de sus últimos
papeles antes de morir; cuántas cosas le quedaron por hacer... una
lástima).
En definitiva, "Sneakers" es una interesante y sobre
todo muy muy entretenida película llena de misterio y grandes personajes.
1994: Premios Image: Ganadora Mejor actor (Robert Redford)
TRAILER
GAME
Juego de espías.
- Título original
- Spy Game
- Año: 2001
- Duración: 125 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Tony Scott
- Guion: Michael Frost Beckner, David Arata. Historia: Michael Frost Beckner
- Reparto: Robert Redford, Brad Pitt, Catherine McCormack, Stephen Dillane.
- Música: Harry Gregson-Williams
- Fotografía: Daniel Mindel
- Compañías: Universal Pictures, Beacon Pictures, Kalima Productions GmbH & Co. KG, Metropolitan Filmexport, Red Wagon Productions, Toho-Towa. Distribuidora: Universal Pictures
- Género: Intriga. Acción | Espionaje. Años 90.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HD 1080P.
SINOPSIS: 1991. El día de su jubilación, el veterano agente de la CIA Nathan Muir (Robert Redford) recibe la noticia de que su discípulo Tom Bishop, alias "Boy Scout" (Brad Pitt), se ha metido en un buen lío: acusado de espionaje, se encuentra en una cárcel china y será ejecutado en un plazo de 24 horas. Temiendo que este incidente pueda afectar a un acuerdo comercial entre EE.UU. y China, la CIA decide no intervenir. Así pues, para salvar a Bishop, Muir no sólo deberá actuar al margen de la CIA, sino que, además, tendrá que hallar el modo de burlarla.
Pocas veces una dupla de actores fue tan bien aprovechada. Inmersos
dentro de un mundo de traiciones y verdades tergiversadas, Tony Scott,
con su gran aporte técnico, de edición y fotografía, lleva a los
protagonistas y al espectador a vivir una explosiva, dramática e intensa
experiencia cinematográfica. Otra joya de este director que sin lugar a
dudas es un referente del genero.
TRAILER
MINISERIES Y SERIES
THE
STUDIO
El estudio.
GANADORA DE 5 PREMIOS
EMMY 2025
- "MEJOR SERIE COMEDIA"
- "MEJOR DIRECTOR COMEDIA: Seth Rogen"
- "MEJOR ACTOR PRINCIPAL COMEDIA: Seth Rogen"
- "MEJOR GUION SERIE COMEDIA: Seth Rogen"
- "MEJOR ACTOR INVITADO COMEDIA: Brian Cranston"
1er TEMPORADA COMPLETA
10 EPISODIOS
4 DISCOS
- Título original
- The Studio
- Año: 2025
- Duración: 300 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Seth Rogen (Creador), Alex Gregory (Creador), Peter Huyck (Creador), Seth Rogen, Evan Goldberg
- Guion: Seth Rogen, Evan Goldberg
- Reparto: Seth Rogen, Catherine O'Hara, Kathryn Hahn, Ike Barinholtz.
- Compañías: Lionsgate Television. Distribuidora: Apple TV+
- Género: Serie de TV. Comedia | Cine dentro del cine.
SINOPSIS: Con el cine tradicional intentando mantenerse vivo y relevante, Matt y su equipo de ejecutivos luchan contra sus propias inseguridades, artistas narcisistas y grandes capos corporativos, siempre con la esquiva meta de hacer grandes películas. Vistiendo de traje para disfrazar una continua sensación de pánico, cada fiesta, visita al set, decisión de cásting, reunión de márketing y entrega de premios les presenta una oportunidad para el brillante éxito o la catástrofe definitiva.
"The Studio" sigue a un grupo de ejecutivos de Hollywood que luchan por mantener a flote la industria cinematográfica en medio de la incertidumbre y el caos. La serie es una tragicomedia que se burla del circo hollywoodiense, pero también muestra la ansiedad y el miedo que subyacen detrás de las apariencias glamurosas. "The Studio" tiene un ritmo rápido y diálogos afilados, y destaca por su equilibrio entre sátira y humanidad. El reparto, liderado por Seth Rogen, es excepcional, y la dirección es coherente y dinámica. La estética de la serie refleja el contraste entre la industria cinematográfica y la realidad detrás de las cámaras. En general, "The Studio" es una comedia inteligente que hace reír y reflexionar sobre la crisis existencial del cine y la industria que lo rodea. La serie es entretenida y cáustica, pero no cínica, y ofrece una mirada fresca y humorística sobre el mundo del cine.
-
2025: Premios Emmy: Ganadora de 5 premios. 13 nominaciones.
TRAILER
PITT
GANADORA DE 4 PREMIOS
EMMY 2025
- "MEJOR SERIE DRAMA"
- "MEJOR ACTOR PRINCIPAL DRAMA: Noah Wyle"
- "MEJOR ACTRIZ DE REPARTO DRAMA: Katherine LaNasa"
- "MEJOR ACTOR INVITADO DRAMA: Shawn Hatosy"
1er TEMPORADA COMPLETA
15 EPISODIOS
5 DISCOS.
- Título original
- The Pitt
- Año: 2025
- Duración: 750 min.
- Estados Unidos
- Dirección: R. Scott Gemmill (Creador), John Wells, Amanda Marsalis, Damian Marcano, John Cameron, Quyen Tran, Silver Tree
- Guion: R. Scott Gemmill, Valerie Chu, Elyssa Gershman, Joe Sachs, Simran Baidwan, Noah Wyle, Cynthia Adarkwa
- Reparto: Noah Wyle, Tracy Ifeachor, Katherine LaNasa, Fiona Dourif.
- Música: Gavin Brivik
- Fotografía: Johanna Coelho
- Compañías: John Wells Productions, Warner Bros. Television, Max, SKY Studios. Distribuidora: Max
- Género: Serie de TV. Drama | Medicina.
SINOPSIS: La vida cotidiana de los profesionales de la salud en un hospital de Pittsburgh hacen malabarismos con las crisis personales, la política en el lugar de trabajo y la carga emocional de tratar a pacientes en estado crítico.
Es inevitable no ver a un ahora veterano y cansado Doctor Carter en el
nuevo papel de Wyle. Quienes fuimos (y seguimos siendo) fans de
Urgencias vemos cada episodio volcados en encontrar alguna miga de pan
dejada por los guionistas para el fan service. Sin embargo, a pesar de
las coincidencias el Doctor Robby no es John Carter. Es un hombre
cansado, agotado y que sin embargo encuentra fuerzas para seguir
adelante porque su profesión es curar a los demás y haciéndolo se cura a
si mismo. Para quieres no pudieron o no supieron disfrutar de Urgencias: The Pitt
es una gran serie de "médicos". Tiene todos los ingredientes para un
receta de éxito y lo consigue. Aunque se interna menos en la contra-vida
de los personajes todos tienen un trasfondo imaginable y aunque éste no
se desarrolle no deja que esto empañe en nada el devenir de las horas.
Porque el formato es original, no se trata de una serie episódica sino
de acompañar al personal de unas urgencias sobrepasadas en un único y
frenético turno.
-
2025: Premios Emmy: Ganadora de 4 premios. 8 nominaciones.
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