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ESTRENOS
DE LA SEMANA
Jugada Maestra.
Mastergame.
- Título original
- Mesterjátszma
- Año:2023
- Duración: 90 min.
Hungría- Dirección: Barnabás Tóth
- Guion:Barnabás Tóth, Tibor Fonyódi. Historia: Stefan Zweig, Linda Lisztes, András Gábor Szöke
- Reparto: Károly Hajduk, Pál Mácsai, Gergely Váradi, Varga-Járó Sára.
- Música: Gábor Keresztes
- Fotografía: András Gábor Szöke
- Compañías: Sparks
- Género: Drama | Espionaje. Años 50.
SINOPSIS: Adaptación libre de Sakkanovella de Stefan Zweig, Márta (Sára
Varga-Járó) e István (Gergely Váradi) intentan abandonar el país en el
último tren de refugiados. La campeona de ajedrez Márta ( Sára Varga-Járó ) y el revolucionario
István (Gergely Váradi) son jóvenes amantes que se suben a uno de los
últimos trenes de refugiados mientras las calles de Budapest están
cubiertas por tanques rusos. En el tren, conocen a algunos personajes extraños, entre ellos un
caballero misterioso (Pál Mácsai), la dama de la perdición (Péterfy
Bori) y un sacerdote genio del ajedrez (Károly Hajduk).
Las historias de los personajes se cruzan durante una partida decisiva
de ajedrez en el tren, en la que no sólo está en juego el destino de los
tesoros, sino también la vida de los amantes. EXCELENTE. Esta película es una adaptación de "La novela de ajedrez" de Stefan Zweig, también conocida como "Historia de ajedrez" (1941), ambientada en Budapest, Hungría, en 1956. Mastergame es un psicothriller lleno de
giros inesperados, como los espectadores aún no han visto de un
director húngaro. Contiene algunas combinaciones de ajedrez interesantes, favoreciendo a los amantes y aficionados del ajedrez, pero toda la película es, por supuesto, mucho más profunda que eso y es disfrutable para todos. La trama se desarrolla en varios hilos, y todos los personajes principales tienen una pasión por el ajedrez. Los actores dan una excelente interpretación, y la película tiene algunos efectos especiales que tratan de visualizar cómo los grandes jugadores de ajedrez pueden pensar simultáneamente, y (a veces) rozan una delgada línea de cordura. Este psicothriller tiene un gran giro argumental al final, lo que lo hace no solo especial sino también inolvidable. IMPERDIBLE.
TRAILER
Repercusión.
Dinamarca
Título internacional: RIPPLE
Año: 2024.
Género: Thriller.
Duración: 90 Minutos.
Reparto:
Ida Nielsen (Marrit)
Diêm Camille (Lotus)
Rasmus Hammerich ( Erneeraq Korneliussen)
Gustav Marzetta Gleerup (Martin(Gustav Gleerup Jeppesen))
Ulrich Thomsen (Hammer)
Ella Josephine Lund Nilsson (Marrit (Joven))
Director: Joey Moe.
Guión: Joey Moe.
SINOPSIS: "Ripple” es un thriller psicológico inspirado en hechos reales que repercuten en un efecto dominó en nuestros días a través de medio siglo de asesinatos. EXCELENTE. Ulrich Thomsen (“Festen,” “Banshee”), Rasmus Hammerich (“On My Mind”), Ida Marie Nielsen (“Vikings”) y Diêm Camille (“Washington Black”) serán los protagonistas de “Ripple,” un cortometraje de graduación del prometedor nuevo director Joey Moe y la productora Jasmin Jiramani. Moe y Jiramani, ambos estudiantes de la prestigiosa escuela de cine danesa Super8, dijeron que “Ripple” explora por qué la gente pasa tanto tiempo obsesionada con los macabros relatos de crímenes reales. “Creo que ambos somos la pieza faltante de nuestros respectivos rompecabezas. La energía, la ambición, la determinación,” dijo Moe, refiriéndose a su colaboración creativa con Jiramani. “Nos conectamos instantáneamente y aprovechamos el impulso y la llamada para hacer algo extraordinario, y ahora tenemos una increíble película de 90 minutos,” continuó el director. “Durante el último año, hemos enfocado toda nuestra energía en esta película, y hemos sido completamente audaces al respecto,” añadió Jiramani. Thomsen dijo que “'Ripple' es “algo especial” y agregó que “participé en él como un proyecto escolar ambicioso y lo vi crecer más allá de sus propios límites.” Scandinavian Film Distribution, que firmó con los dos estudiantes durante una visita a su escuela, dijo que “'Ripple' ha sido una “muestra de pasión y talento puro.” “Jasmin y Joey son la próxima generación de cineastas, y estoy emocionado por la futura colaboración. Su energía y mentalidad de que todo es posible son tan admirables como evidentes. Ha sido un viaje seguirlos en su ascenso de un proyecto escolar a un largometraje debut de clase internacional,” dijo Michael Fleischer de Scandinavian Film Distribution. Moe y Jiramani sorprendieron a Cannes con la presentación de Ripple fuera de concurso y por lo bien que se vendió la película seguramente en poco tiempo la tendremos por Argentina. IMPERDIBLE.
2024: Festival de Cannes: Presentación Fuera de concurso.
TRAILER
VIDA Y MUERTE
DE UN ACTIVISTA
POLÍTICO
Śmierć Zygielbojma.
- Título original
- Śmierć Zygielbojma
- Año: 2022
- Duración: 87 min.
Polonia- Dirección: Ryszard Brylski
- Guion: Ryszard Brylski, Wojciech Lepianka
- Reparto: Jack Roth, Wojciech Mecwaldowski, Karolina Gruszka, Will Brown.
- Música: Jan A.P. Kaczmarek
- Fotografía: Piotr Sliskowski
- Compañías: Polska Fundacja Narodowa, Polski Instytut Sztuki Filmowej, WFDiF
- Género: Drama | Espionaje. Holocausto. WWII. Años 40.
SINOPSIS: En mayo de 1943, Szmul Zygielbojm, miembro del gobierno polaco en el
exilio, se suicida en Londres. Entre quienes se apresuran tras este
suceso se encuentra Adam, un joven periodista que, al darse cuenta de lo
mucho que el caso podría interesar a la opinión pública, decide seguir
la investigación. EXCELENTE. La
película de Brylsky equilibra inteligentemente el thriller con la
realidad, transformando la investigación en pura adrenalina como un verdadero film de espionaje. Sin embargo nunca se desvía de la historia original y eso es posible gracias a un guion muy bien armado del cual se nutre la historia. Las actuaciones y la dirección son excelentes al igual que la producción y la música que integra a la perfección los items previamente mencionados. Hay muchas películas sobre la Segunda Guerra Mundial, y
particularmente la persecución que enfrentaron los judíos, pero "La vida y muerte..."es un film de género puro, más que una biopic donde el espionaje y el suspenso predominan transformándose en el núcleo central de la historia. Para terminar les pido que no se pierdan esta joya polaca ya no suelen verse este tipo de películas. IMPERDIBLE.
TRAILER
DEMASIADO
BIEN A LAS
M U J E R E S
Tratamos demasiado bien a las mujeres.
- Título original
- Tratamos demasiado bien a las mujeres
- Año: 2024
- Duración: 93 min.
España- Dirección:Clara Bilbao
- Guion: Miguel Barros. Novela: Raymond Queneau
- Reparto: Carmen Machi, Antonio de la Torre, Julián Villagrán, Luis Tosar.
- Música: Nacho Masttreta, Marina Sorín
- Fotografía: Imanol Nabea
- Compañías: Ficción Producciones, Noodles Production, RTVE, Televisión de Galicia (TVG)
- Género: Comedia | Comedia negra. Años 40. Posguerra española.
VERSIÓN SUBTITULADA EN CASTELLANO.
SINOPSIS: Remedios Buendía defiende su patria y luchará por ello por
encima de todos. Un fatídico día del otoño de 1945, un grupo de
maquis a la fuga tiene la mala idea de tomar la estafeta donde Remedios,
ilusionada, se prueba su vestido de novia. Hoy será el día en el que
demostrará hasta donde puede llegar defendiendo sus valores. Y nadie
podrá pararla. Ni siquiera este batallón de rebeldes con fusiles
humeantes y puños en alto. MUY BUENA. Esta galardonada ópera prima de "Clara Bilbao" recoge el best seller
francés "On est toujours trop bon avec les femmes" (Siempre somos
demasiado buenos con las mujeres) escrito por "Raymond Queneau". Al
frente del guion está "Miguel Barros". Por su parte, el reparto lo
encabezan "Carmen Machi" y "Antonio de la Torre", acompañados por
algunas otras caras conocidas como "Luis Tosar", "Oscar Ladoire", o
"Gonzalo De Castro". Solo una actriz sobre el planeta sería capaz de hacer lo que hace Carmen
Machi con un personaje desaforado, divertido, trágico, violento y muy
cándido. Todo a la vez. Y esa actriz es, en efecto, Carmen Machi. La
película, en verdad, depende enteramente de ella porque toda la película
se mueve exactamente en el registro, tono y afinación que ella marca.
Es comedia, pero con la forma y estructura de la mayor de las tragedias;
es drama, pero tan delirante que sonroja; es aventura bélica, pero el absurdo que preside cada línea de diálogo desactiva cualquier llamamiento a las armas. Es, en definitiva, 'cuerdista', de José Luis Cuerda, por surrealista, por rural, por surrural y por los cuatro costados.
El que junto a actriz aparezcan Antonio de la Torre, Julián Villagrán,
Isak Férriz, Óscar Ladoire, Diego Anido y hasta Luis Tosar, además de
vestir bien cada secuencia da una idea hasta qué punto Bilbao es querida
en la profesión. "Más allá de los ideales de mi
protagonista que, obviamente, no comparto, lo que me parece
determinante, y sí comparto plenamente, es su capacidad de lucha para no
pararse ante las adversidades, de arremeter con soltura contra
cualquier forma de machismo, especialmente contra ese machismo paternalista y condescendiente que no parece machismo, pero lo es.
No es una mujer que tenga que sobreponerse a ningún trauma, simplemente
es una mujer que tiene claro que las cosas o las hace ella o no las
hace nadie", dice Clara Bilbao en lo que se antoja un homenaje a su
apellido que, claro está, también es su lugar de nacimiento. 'Tratamos demasiado bien a las mujeres'
acaba por ser una película de humor, pero también de amor; de guerra,
pero para ser disfrutada en paz; de nostalgia, pero sin exagerar. Tiene
algo de 'Amanece que no es poco' sin renunciar al eco de 'Plácido' o 'La vaquilla' incluso. Pero todo ello desde otro lado, del lado de una novia con el vestido ensangrentado. Pocas imágenes tan cinéfilas. "Las nuevas directoras han abierto una brecha que admiro y respeto, pero corren el peligro de convertirse en un género. Estoy convencida de que llegará el día en que las mujeres dirijamos 'Tiburón'. Mi aspiración es ser Sidney Lumet, porque no creo en que haya directores y directoras, creo que hay cineastas. Y ya. Creo en las películas unisex". Queda claro. Se acabaron los prejuicios. MUY RECOMENDABLE.
2024: Festival de Málaga: Nominada a Mejor película - Biznaga de Oro.
TRAILER
Svetlonoc.
- Título original
- Svetlonoc.
- Año: 2022
- Duración: 110 min.
Eslovaquia- Dirección: Tereza Nvotová
- Guion: Barbora Namerova, Tereza Nvotová
- Reparto: Natalia Germani, Eva Mores, Juliana Olhová, Iva Bittová.
- Música: Robin Coudert, Pjoni
- Fotografía: Federico Cesca
- Compañías: Coproducción Eslovaquia-República Checa;
- Género: Drama. Intriga | Vida rural. Brujería.
- SINOPSIS: Una joven regresa a su aldea natal en las montañas, buscando respuestas sobre su dramática infancia. Pero a medida que intenta desvelar la verdad, las viejas leyendas empiezan a invadir la realidad moderna, llevando a los aldeanos a acusarla de brujería. EXCELENTE. Lo que Tereza Nvotová está describiendo en esta obra es la batalla implacable entre dos mentalidades diferentes: una íntimamente ligada a creencias diseñadas para fortalecer un poder patriarcal tan intransigente como tranquilizador, y otra decidida a deconstruir estas mismas creencias para revelar su carácter absurdo. Demonizada desde tiempos inmemoriales, la comprensión que tienen las mujeres de la naturaleza, las propiedades de las plantas y la influencia de las estrellas en nuestra mente, que ellas mismas han transmitido de generación en generación, se revisita desde un punto de vista diferente: no como un conocimiento “de segunda”, sino como un don a preservar y valorar al mismo nivel que la ciencia “oficial”, que está custodiada por la hegemonía masculina. La historia narrada en Nightsiren (cuyo guion fue escrito por la directora junto a Barbora Námerová) es la de Šarlota (interpretada por Natália Germáni), una enfermera de treinta años que regresa a su pueblo natal en las montañas eslovacas para reclamar su herencia tras la muerte de su madre. La joven se ha visto "obligada" a regresar a este lugar hostil, junto a personas que creían que llevaba años muerta. Despertando una violencia latente que se cierne de forma silenciosa y ominosa sobre las montañas, Šarlota recupera gradualmente el control de su vida con el apoyo de una misteriosa herbolaria llamada Mira (Eva Mores), que la ayuda a reconstruir una existencia partida en dos. Como hija de una mujer considerada bruja debido a su profundo conocimiento de la naturaleza y su determinación a la hora de vivir según sus propias reglas, Šarlota es tratada con recelo, y esta distancia se ve amplificada por la misteriosa muerte de su hermana, que cayó por un barranco cuando eran niñas, mientras Šarlota corría tras ella al intentar escapar de la furia de su madre. Mira se convierte en amiga, cómplice y confidente, y parece conocer a Šarlota mejor que ella misma. ¿Cuál es el origen de esta empatía y simbiosis tan increíblemente naturales? Finalmente, cuando Mira le habla sobre una vieja "bruja" y una niña que vivía con ella, aprendiendo antiguos rituales, las imágenes ocultas en la memoria de Šarlota parecen cobrar vida. A medio camino entre una película de género y un contundente relato de la violencia que se transmite de padres a hijos como un virus incurable, Nightsiren demuestra lo importante que es poder vivir nuestra vida con libertad, al margen de las convenciones sociales. A través de sus interpretaciones directas y precisas (casi clínicas), las protagonistas de la película se convierten en portavoces que señalan el absurdo de los prejuicios sobre las mujeres que todavía perduran en la actualidad, aunque de manera más sutil. Como una especie de historia de violación y venganza, Šarlota y Mira se rebelan, personificando un contrapoder catártico. Encontramos todos los tropos habituales de las películas de brujas, pero la directora logra forjar un vínculo realista entre el pasado y el presente, creando un diálogo coherente y perspicaz sobre el género y la libertad. IMPERDIBLE.
- TRAILER
- EL ÚLTIMO
- ESCAPE
The Great Escaper.
(EN CINES)
- Título original
- The Great Escaper
- Año: 2023
- Duración: 96 min.
Reino Unido- Dirección: Oliver Parker
- Guion: Billy Ivory
- Reparto: Michael Caine, Glenda Jackson, John Standing, Danielle Vitalis.
- Música: Craig Armstrong
- Fotografía: Christopher Ross
- Compañías Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Ecosse Films, Filmgate Films, BBC Film, Ingenious, Film I Väst.
- Género: Drama | Vejez / Madurez. II Guerra Mundial.
SINOPSIS: En el verano de 2014, Bernard Jordan, un veterano de la Segunda Guerra Mundial de 89 años, se escapa de su residencia en la que vive junto a su mujer Rene, para unirse a sus compañeros veteranos de guerra en una playa de Normandía, conmemorando a sus camaradas caídos en el 70 aniversario del Desembarco del Día D. MUY BUENA. La nueva película de Oliver Parker, El gran escape, que está basada en hechos reales, reconstruye el viaje emprendido por este anciano soldado de la Segunda Guerra Mundial, un viaje en el que se vio obligado a lidiar con fantasmas y con la culpa que sentía por su papel en el conflicto. Asimismo, la cinta también da a conocer la extraordinaria historia de amor entre Bernie y su esposa René, que comenzó setenta años antes entre los numerosos bombardeos y constituye un verdadero amor profundo, una de las pocas cosas que realmente pueden mantenerte vivo tras los traumas de la guerra. Y es precisamente la complicidad que mantiene con su anciana y tenaz esposa, que espera el regreso de Bernie en la residencia de ancianos en la que ambos viven, la que resulta crucial para el éxito de su nueva "misión" en Normandía. El gran escape, que se ha estrenado a nivel internacional en el Bif&st de Bari, es una película para todos los públicos que se apoya en un guion bien estructurado y sin retórica —escrito por William Ivory—. Sin embargo, se trata ante todo de un largometraje cuyo éxito casi asegurado se debe al excepcional dúo de actores que lo encabeza, formado por nada más y nada menos que los gigantes del cine Michael Caine y Glenda Jackson (Bernie y René), que deslumbran, asombran y conmueven. La última vez que trabajaron juntos fue hace casi 50 años en Una inglesa romántica, y esta será definitivamente la última aparición en la gran pantalla tanto de Jackson —tras su fallecimiento en junio del año pasado— como de Caine, dado que ahora tiene 91 años y anunció su retirada del cine tras el rodaje de esta película. Parker los retrata con empatía y los encuadra en espléndidos primeros planos que captan todas y cada una de las líneas y expresiones de sus rostros. También se muestran planos de los personajes de jóvenes mediante las interpretaciones de Will Fletcher y Laura Marcus, a través de varios flashbacks de cuando eran guapos, llenos de pasión y se acobardaban bajo las bombas. Estos mismos flashbacks sirven para recomponer poco a poco el rompecabezas del trauma que Bernie experimentó durante el desembarco, al tiempo que arrojan luz sobre la razón de este obstinado viaje que está haciendo setenta años después. "Algunos sobreviven a la guerra, pero nadie sale ileso", advierte. Al abordar el trastorno de estrés postraumático de un modo profundamente humano y lleno de matices, Parker e Ivory reelaboran una noticia sensacionalista y un tema que, de otro modo, podría haber resultado exagerado, para acabar por convertirlo en una obra increíblemente conmovedora y perspicaz, una película equilibrada y sentida. IMPERDIBLE.
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LA
INOCENCIA
Kaibutsu.
(EN CINES)
- Título original
- Kaibutsu.
- Año: 2023
- Duración: 126 min.
Japón- Dirección: Hirokazu Koreeda
- Guion: Yuji Sakamoto
- Reparto: Soya Kurokawa, Hiiragi Hinata, Sakura Ando, Eita.
- Música: Ryūichi Sakamoto
- Fotografía: Ryûto Kondô
- Compañías: Toho, Gaga Communications Inc, AOI Pro, Fuji TV, Bun-Buku. Productor: Genki Kawamura. Distribuidora: Gaga Communications Inc, Toho.
- Género: Drama | Familia. Infancia. Colegios & Universidad. Enseñanza.
- SINOPSIS: Cuando su joven hijo Minato empieza a comportarse de forma extraña, su
madre siente que algo va mal. Al descubrir que el responsable de todo
ello es un profesor, irrumpe en la escuela exigiendo saber qué está
pasando. Pero a medida que la historia se desarrolla a través de los
ojos de la madre, el profesor y el niño, la verdad va saliendo a la luz,
poco a poco. EXCELENTE. Hirokazu Koreeda es uno de esos directores que siempre suelen traer
películas interesantes. Cintas que, bajo una premisa más o menos
compleja, suelen crecer conforme avanzan creando reflexiones sociales
sobre temas tan diversos como la soledad, la familia, el sexo o la
violencia. La multipremiada y ganadora de la palma de oro “un asunto de
familia” -Filmin, HBOMax- es el mejor ejemplo de lo que cito
anteriormente, pero luego otras cintas dentro de su filmografía como
“Air doll”, “nuestra hermana pequeña” o “el tercer asesinato” -Todas
disponibles en Filmin- demuestran y confirman que estamos ante un
director con una sensibilidad muy especial para tratar temas espinosos y
complejos y que siempre lo hace con mucho saber hacer, tacto y maestría
tras las cámaras. En “La inocencia” Koreeda decide
meterse en el territorio “Rashomon” y nos cuenta una historia
sobre unos sucesos que se producen en un colegio y que, aunque a simple
vista parecen muy claros, se van a ir embarrando poco a poco conforme
avance el metraje y la información de la que disponemos como
espectadores vaya aumentando. La película, como podéis suponer si habéis visto Rashomon, está narrada
desde distintos puntos de vista, pero centrándose prácticamente en los
mismos hechos concretos. Y, obviamente, se va armando un puzle conforme
avanzamos en la trama que nos quieren explicar. Esto, en otras manos, podría haber acabado siendo un tiro en el pie -no
todo el mundo se puede acercar con éxito al maestro Kurosawa-, que
cayese en las redundancias propias de contar una misma situación con
pequeñas variaciones según la perspectiva que tengamos, pero que Koreeda
esquiva esa bala gracias a su enorme talento tras la cámara. Lo que el director japonés realiza aquí es un ejercicio complejo pero
muy efectivo y que se basa en evitar “la pereza” de conformarse con
muchas de las escenas rodadas para sustituir eso al volver a rodar esas
escenas que ya hemos visto, pero cambiando por completo la perspectiva y
la forma donde coloca la cámara. Algo que, por ejemplo, no hacia Ridley
Scott en “el último duelo” prácticamente nunca y que era el principal
problema de su película. Aquí simplemente con la forma en que rueda las
escenas “repetidas” ganan un nuevo enfoque y, con él, nosotros ganamos
una nueva forma de mirar y entender lo que hay en pantalla. Obviamente, no solo de una brillante dirección vive la película y tiene
su otro principal valedor en el guion de Yuji Sakamoto -premiado en
Cannes este mismo año- y que es el alma de la cinta. Sin entrar en
muchos detalles, ya que creo que es importante que este viaje se realice
con la menor información previa posible, la historia se construye desde
lo pequeño hacía lo grande. Desde esos pequeños detalles que
desconectados pueden parecer apuntar en una dirección pero que cuando
los vamos colocando poco a poco encima de la mesa podemos ver el dibujo
que realmente muestran y, con ello, enfrentarnos a una historia dura y
profunda que no da puntada sin hilo ante los temas que decide tocar. Al final, la cinta de Koreeda pretende ser un largometraje que ponga al
espectador contra la espada y la pared. Y que nos habla sobre lo que
creemos saber y lo que realmente sabemos. Además, gracias a contar con
una brillante dirección y con un guion excelso se convierte en una de
esas cintas brillantes que me hacen, al menos a mí, amar este arte con
toda mi alma. Quizá no es una cinta para cualquier espectador. Por los
caminos que decide transitar y por cómo afronta algunas de las
temáticas. Pero, lo que tengo claro, es que, si decidís asumir el reto y
transitar esos caminos, vais a asistir ante una de esas películas que
merecen todos y cada uno de los elogios que se le puedan hacer. IMPERDIBLE.
-
2023: Festival de Cannes: Mejor guión.2023: Premios British Independent Film Awards (BIFA): Nominada a Mejor película internacional independiente.2024: Japan Academy Awards: 3 premios. 11 nominaciones.
TRAILER
LA VIDA
DE JAGNA
Chlopi.
The Peasants.
(EN CINES)
- Título original
- Chlopi.
- Año: 2023
- Duración: 115 min.
- Polonia
- Dirección: DK Welchman
- Guion: DK Welchman, Hugh Welchman. Novela: W.S. Reymont
- Reparto: Animación, Andrzej Konopka, Julia Wieniawa-Narkiewicz, Robert Gulaczyk.
- Compañías: BreakThru Films, Polski Instytut Sztuki Filmowej
- Género: Animación. Drama | Años 1900 (circa). Paint-on-glass.
SINOPSIS: La historia de una campesina, Jagna, obligada a casarse con un granjero
rico y mucho mayor, Boryna, a pesar de que ella está enamorada de su
hijo, Antek. Con el tiempo, Jagna se convierte en objeto de la envidia y
el odio de los aldeanos, y tiene que luchar para preservar su
independencia. Ambientada en la campiña polaca en la cúspide de los
siglos XIX y XX, los giros dramáticos de la historia se relacionan con
los cambios de estación, el trabajo duro en el campo y las fiestas
tradicionales locales. EXCELENTE. Después de ver esta película no puede haber ninguna duda de que el cine
es el séptimo arte, una maravilla visual que estremece en todos los
sentidos. En 2017"Loving Vincent" fue un film de animación asombroso
simulando las obras de arte pintadas por Van Gogh. Quizá un guion flojo
hacía que la historia no fuera lo buena que se merecía, pero el
resultado era asombroso. Los dos directores de esta hermosa película
eran el matrimonio polaco DK y Hugh Welchman. Seis años después nos traen esta nueva película con una rotoscopia
pintada al óleo increíble, un logro artístico que te deja con la boca
abierta. El guion está basado en la novela "Los campesinos" (que es el
título original) de Władysław Reymont, que se publicó a principios del
siglo pasado y que ganó el Premio Nobel de Literatura en 1924. En ella
se describía durante las cuatro estaciones del año la vida dura de un
pueblo campesino en Polonia durante el siglo XIX. Aparte de mostrar muy bien las tradiciones culturales de la época, todo
se centra en una joven guapísima llamada Jagna que su padre la vende a
un viejo rico para que se case con él, pero ella mantiene en secreto una
relación amorosa con su hijo Antek. Después de los altibajos de "Loving Vincent" se han superado claramente
en esta nueva producción que tuvo muchos problemas de financiación
durante la pandemia y con un guion más sólido y una animación más
trabajada han conseguido una de las mejores películas del año. IMPERDIBLE.
LOS
EXTRAÑOS
Capítulo 1
The Strangers: Chapter 1.
(EN CINES)
- Título original
- The Strangers: Chapter 1
- Año: 2024
- Duración: 91 min.
Estados Unidos- Dirección: Renny Harlin
- Guion: Alan R. Cohen, Alan Freedland, Amber Loutfi
- Reparto: Froy Gutierrez, Madelaine Petsch, Gabriel Basso, Rachel Shenton.
- Música: Justin Caine Burnett
- Fotografía: José David Montero
- Compañías: Fifth Element Productions, Frame Film. Distribuidora: Lionsgate International
- Género: Terror | Home Invasion. Reboot
SINOPSIS: Durante una parada en un viaje por carretera, en una remota casa de alquiler en el bosque, una joven pareja se convierte en la presa de una misteriosa banda de tres extraños enmascarados que atacan sin previo aviso ni motivo. BUENA. Crímenes violentos y en masa son un mal social endémico que Estados Unidos no puede extirpar de su territorio, siquiera disminuir, y, según los créditos iniciales anuncian, el más cruel de todos se avecina. Tal es la premisa argumental de “Los Extraños”, basado en el film homónimo estrenado en 2008, y, a su vez, adaptado de la historia autoría de Bryan Bertino, quien se inspiró en los asesinatos perpetrados por el clan Manson hacia fines de los ’60. Un viejo artesano del cine de acción como Renny Harlin (“Duro de Matar”, “El Largo Beso del Adiós”) se coloca detrás de cámaras para un film de estilizada factura visual y sustento. Los extraños: Capítulo 1 es la primera parte de una trilogía en ciernes que supone la actualización de aquella fórmula, sin demasiadas variantes narrativas, con menos desparpajo en la puesta en escena del ahora director Renny Harlin, aunque efectiva en la definición de sus modestas aspiraciones. Todo comienza de manera similar: una pareja de jóvenes enamorados tiene un accidente camino a Portland y debe hacer una parada de emergencia en un pequeño pueblo de la región de Oregón. La idea de los tortolitos es celebrar su quinto aniversario de novios, sin vistas todavía de casamiento, y el pecado original parece perseguirlos desde su llegada al pintoresco pueblito llamado Venus: lugareños con ceños fruncidos, reuniones religiosas admonitorias, y un mecánico oportunista que les arregla el auto con la condición de pasar una noche en ese inquietante paraíso. La suerte no está de su lado: una simpática mesera conoce una cabaña de troncos en los alrededores, con su chimenea y su decoración autóctona, que deparará a los visitantes la noche más agitada de sus vidas. En el universo de Bertino (cuya responsabilidad en esta versión acaba en el germen de la historia), el asedio de los extraños recogía algo del horror rural que hizo eclosión en los 70, desde sus versiones más líricas como Badlands (1973) de Terrence Malick, hasta las más salvajes, como La masacre de Texas (1974) de Tobe Hooper. La excursión al mundo bucólico de las afueras de la ciudad, como escapatoria del bullicio y el trajín urbano, propiciaba el encuentro con la irracionalidad de una matanza que hundía sus raíces en un mal inexplicable, sin motivos ni justificación. En esta nueva versión, esa idea se amalgama con cierto espectro del rencor, que puede rastrearse en los relatos afectos a explicaciones en el orden del trauma, las tensiones raciales o la desigualdad social. RECOMENDABLE.
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CINE NACIONAL
INDEFINIDAS
Las cosas indefinidas.
(EN CINES)
- Título original
- Las cosas indefinidas
- Año: 2023
- Duración: 81 min.
Argentina- Dirección: María Aparicio
- Guion: María Aparicio
- Reparto: Eva Bianco, Ramiro Sonzini, Pablo Limarzi, Vera Aparicio.
- Fotografía: Ezequiel Salinas
- Género: Drama | Cine dentro del cine.
SINOPSIS: Eva se dedica a editar películas. Mientras trabaja junto a su asistente Rami en un largometraje sobre personas con ceguera, parece haber perdido el entusiasmo por el cine. A esto se suma la reciente muerte de su amigo Juan, un director de cine cuyas películas ella editaba. MUY BUENA. Entre Las calles (2016) y Sobre las nubes (2022) pasaron seis largos años; entre Sobre las nubes (una de las películas argentinas más premiadas de los últimos tiempos) y Las cosas indefinidas, apenas uno. Y, más allá de que para quien esto escribe este nuevo trabajo es un poco menos consistente que su largometraje inmediatamente previo, se trata de un film lleno de ideas, matices, búsquedas, alcances y derivaciones (quizás demasiadas para sus menos de 80 minutos netos). De la coralidad de Sobre las nube pasamos a la concentración en casi dos únicos personajes en Las cosas indefinidas: por un lado, Eva (Eva Bianco, a esta altura una suerte de actriz-fetiche de Aparicio), una mujer que ya en sus 50 años siente una creciente frustración con la vida en general y con su oficio de editora en particular; y, por otro, su colega, confidente y asistente Rami (Ramiro Sonzini, reconocido crítico y compaginador que además de actuar se encargó de esa tarea en el film). En ese sentido, Las cosas indefinidas es una película sobre el cine y más puntualmente sobre el oficio de editar (y aún más específicamente sobre los riesgos, desafíos y desatinos a la hora de manipular materiales de archivos); sobre el duelo (el film está inspirado en y dedicado a la figura de Pablo Baur, documentalista cordobés fallecido en 2019 a los 53 años), la memoria, la ausencia y la posibilidad de cierta redención; sobre la para muchos dolorosa transición de un mundo analógico al avasallante universo digital (Aparicio rodó bastante material en Súper 8); y también sobre historias de vida de jóvenes no videntes. Múltiples capas que Aparicio -quien también apela por momentos a la voz en off- articula casi siempre con destreza, inteligencia y sensibilidad. Más allá de cierta dimensión reflexiva, casi teórica, Las cosas indefinidas jamás pierde su intensidad emocional gracias a los aportes de esa inmensa actriz que es Eva Bianco o los íntimos testimonios de los muchachos y muchachas con ceguera (varios han perdido la visión siendo ya bastante grandes por lo que guardan recuerdos -imágenes- de su etapa previa). En cambio, la presencia de un no actor como Sonzini genera cierto distanciamiento en sus interacciones con Bianco y la inclusión de canciones de Miguel Saravia al inicio y al final resultan subrayados, anabólicos que la austera, delicada y siempre bella narración no requería. IMPERDIBLE.
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DE FUEGO
INCENDIOS EN LA PATAGONIA
Tormenta de fuego: Incendios en la Patagonia.
(EN CINES)
- Título original
- Tormenta de fuego, incendios en la Patagonia
- Año: 2023
- Duración: 62 min.
- Argentina
- Dirección: Luciano Nacci, Axel Emilien
- Guion: Luciano Nacci, Axel Emilien
- Reparto: Documental
- Música:BLuciano Nacci, Orlando Méndez
- Fotografía: Luciano Nacci
- Compañías: Kun Sur Films, Caillet Bois Films
- Género: Documental.
SINOPSIS: Retrata los hechos ocurridos a partir de los incendios ocurridos el 9 de
marzo de 2021 en la provincia de Chubut. El incendio arrasó con más de
14 mil hectáreas de bosques, más de 300 viviendas y la vida de varias
personas. A través de varios testimonios de los sobrevivientes, las
brigadas, la comunidad mapuche y los municipios, se indaga sobre el
incendio mas grande de la historia Argentina. MUY BUENA. El documental de Luciano Nacci y Axel Emilien da cuenta del siniestro que arrasó Chubut en marzo de 2021. Cuando se produce una catástrofe, los medios las cubren
invariablemente recurriendo a tres elementos: las imágenes del hecho –si
se las tiene- o las de las consecuencias producidas; la voz de las
víctimas; el registro de la eventual presencia de funcionarios que
prometen ayuda a los damnificados. Esa conjunción, cuando se trata de
una tragedia evitable, tiende a centrar la tensión en el registro de lo
ocurrido mediante la repetición interminable que tiende a generar un
efecto de continuidad. Lo hace a costa de diluir otra tensión: la de las
víctimas y los representantes del Estado –que son percibidos en muchos
casos como parte de los propiciadores de la tragedia por inacción-, en
el contraste entre el saber popular o el sentido común y un pensamiento
(supuestamente) articulado como política de estado. Disuelven así las
responsabilidades públicas para situarlo en el ámbito de la casuística
natural. Ese planteo es, en fin, una trampa para el televidente y un
desapego por cualquier tipo de empatía con los damnificados. Tormenta de fuego: Incendios en la Patagonia (Nacci,
Emilien, 2024) rompe con esa trampa. Construye el discurso despegándose
de la espectacularidad que podría dar una filmación del incendio en las
cercanías de El Hoyo en la provincia de Río Negro. A cambio de ello,
opta por el registro minucioso de la destrucción provocada: árboles y
bosques quemados, esqueletos de autos, casas destruidas o directamente
desintegradas, restos de algo que fue y ya no será. Una tierra arrasada
por el fuego, un bosque perdido en parte y que necesitará años para
recuperarse. En esos planos aéreos se elige el silencio como
complemento. Cuando se enfoca en los elementos quemados o destruidos, la
voz que se escucha de fondo es la del relato de los entrevistados. La
decisión de que las imágenes hablen por sí solas –terrenos vacíos donde
hubo una casa; la supervivencia de algunas vigas que emergen del suelo
como vestigios- solo se quiebra en el relato de una de las
entrevistadas. Esa mujer se encuentra en las ruinas de la casa familiar,
donde vivían su madre y su hermana. Una parte de las paredes de lo que
parece haber sido un enorme caserón, es la cáscara que logro subsistir.
Dentro de ese espacio vacío, abierto, ella describe qué había en cada
lugar. Lo que falta en las imágenes –el incendio, lo que estaba antes-
plantea en el espectador la necesidad de recurrir a la reconstrucción
imaginaria de lo que ya no puede verse para dimensionar la catástrofe. Lo mismo ocurre con el incendio en sí mismo. Los relatos de los
entrevistados lo rememoran desde las experiencias personales, que apenas
pueden dar una idea de lo real –el avance de las llamas, los que no
estaban y llegaron cuando ya no quedaba nada-. En ese recorrido en el
que se pone de relieve el mantenerse con vida antes que las pérdidas
materiales, algunas historias tienen peculiaridades que las despegan del
resto. Allí está el hombre que se salvó refugiándose con su vecina y
los hijos en una pileta que no fue alcanzada por las llamas. O el hombre
que algo más arriba en la montaña pudo salvar su casa porque el fuego
llegó hasta el borde (aunque admite que el único momento de miedo fue
cuando pensó que las llamas se metían por el piso). O el que no puede
evitar quebrarse y pensar que “en esos momentos dejás de ser hombre y se
te viene todo abajo”. En lo que unos y otros coinciden es en la
descripción del escenario: el calor, el viento, la sequía y las llamas
avanzando por diferentes lugares hasta dejarlos sin nada en cuestión de
minutos. Donde se manifiesta la voluntad del documental de quebrar la trampa
periodística es en la decisión de focalizar en el relato de las víctimas
y dejar de lado todo intento de intervención estatal. Esa voz es la que
también reconstruye la escena política que rodeó al incendio (hay que
notar que solamente se aparta de ese lugar para una breve muestra de los
titulares en medios web y para una entrevista radial a Miguel Angel
Pichetto). Lo que los relatos van organizando es una escena en la que
confluyen la especulación inmobiliaria (son zonas que en el pasado
fueron objeto de tomas populares para evitar las construcciones), la
desidia del Estado antes y después del incendio (un tendido eléctrico
sin mantenimiento y con 50 años de antigüedad; la ausencia de asistencia
oficial y el desprecio de los organismos comunales), la ofensiva
mediática para sindicar como culpable a la RAM mapuche (con Pichetto y
Weretilneck señalados como responsables de la maniobra) y la solidaridad
popular. Lo interesante es que el documental no vuelve al lugar después de un
tiempo: su registro es en caliente, menos de un mes después de
producidos los hechos. Ello le permite no solo observar la magnitud del
desastre antes de que empiecen a manifestarse los primeros cambios, sino
la urgencia de los pobladores que resisten y subsisten en sus terrenos
con carpas y construcciones precarias. Pero también ese es el momento en
el que la pérdida se cuantifica de otras maneras: desplazada la
destrucción de la casa, de los objetos que les permitían una vida más o
menos confortable, ese es el momento en el que se advierte que lo
perdido está en otro lugar, en las imágenes grabadas que ya no están, en
los objetos que evocaban a seres queridos, en las mascotas que no
pudieron salvarse. “Lo que se pierde es el sueño, el proyecto”, dice una de las parejas, dando cuenta que lo intangible es más fuerte que cualquier pérdida material. IMPERDIBLE.
TRAILER
CINE DE CULTO
BAD
LIEUTENANT
Un maldito policía.
Teniente corrupto.
- Título original
- Bad Lieutenant.
- Año: 1992
- Duración: 96 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Abel Ferrara
- Guion: Zoë Lund, Abel Ferrara
- Reparto: Harvey Keitel, Victor Argo, Frankie Thorn, Paul Hipp.
- Música: Joe Delia
- Fotografía: Ken Kelsch
- Compañías: Edward R. Pressman Production. Distribuidora: Aries Films
- Género: Drama | Drogas. Policíaco. Cine independiente USA. Película de culto.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HD 1080P.
SINOPSIS: Dura y polémica película sobre la corrupción policial. Un policía
(Harvey Keitel) agobiado por las enormes deudas contraídas en el juego y
que comete toda clase de abusos de autoridad, decide replantearse su
vida y su profesión cuando investiga el caso de una joven monja que ha
sido violada. EXCELENTE. A veces pienso que "Teniente corrupto" es la película que le hubiese
gustado filmar a Paul Schrader. El descenso a los infiernos del
protagonista, unido a una carga religiosa nada disimulada, creo que
encajaría en el personal mundo del atormentado Paul. Pero, por si a él
se le olvidó, ahí estaba el provocador, iconoclasta e insobornable Abel
Ferrara para llevar el proyecto a buen término. "Teniente corrupto" se ha convertido en un film fetiche para una
"inmensa minoría" de cinéfilos; no parece haber alcanzado, sin embargo,
ni el reconocimiento masivo ni el estatus de obra importante del cine
americano de los noventa que, a mi juicio, merece. No es cómodo, claro está, el cine de Ferrara y en esta ocasión llega a
los límites del desasosiego presentándonos con total aspereza y sin
concesiones los avatares de un teniente corrupto en toda la extensión
del término. Seguramente, este "realismo sucio" con que se capta un
sórdido submundo de drogas y abusos sexuales, es ya un freno para el
amplio público "familiar" que llena los cines. Me arriesgo, sin embargo,
a aventurar algunas razones en virtud de las cuales esta película no ha
calado entre otros públicos aparentemente más favorables a una
propuesta de este tipo. Mi hipótesis es la siguiente: probablemente, buena parte de ese sector
de público al que sí le van las emociones fuertes y que contempla sin
dificultad e incluso gozosamente los excesos de toda índole del
protagonista, se siente algo descolocado ante la entrada en escena de
Cristo. Que todo cuanto han visto hasta ese momento se reformule de
pronto en una parábola cristiana de caída y redención, es probable,
repito, que les parezca extraño, fuera de lugar o puesto con calzador. Y, por otro lado, buena parte del público creyente y, por tanto,
teóricamente más receptivo a la dimensión espiritual del trayecto del
protagonista, como acostumbra también a ser algo mojigato, posiblemente
se siente demasiado turbado ante escenas que, en su estrechez de miras,
le parecen "inmorales" o "escandalosas", lo que le lleva a rechazar a su
vez el film. Afortunadamente, hay una tercera vía —esa inmensa minoría…— que no tiene
ningún problema en conciliar la faceta "corrupta" de la historia con su
faceta "trascendente" y que incluso piensa que esa interrelación
explícita y desacomplejada es la que otorga al film su cualidad de pieza
única, valiente y punzantemente renovadora. Entre ellos me encuentro y espero que mis palabras puedan servir de
motivación para que quienes no la conozcan se acerquen a ella (y donde
podrán encontrar, justo es remarcarlo, una antológica interpretación de
Harvey Keitel). IMPERDIBLE.
TRAILER
SALVAJE
Wild heart.
- Título original
- Wild at Heart
- Año: 1990
- Duración: 125 min.
- Estados Unidos
- Dirección: David Lynch
- Guion: David Lynch. Novela: Barry Gifford
- Reparto: Nicolas Cage, Laura Dern, Diane Ladd, Willem Dafoe.
- Música: Angelo Badalamenti
- Fotografía: Frederick Elmes
- Compañías: Polygram Filmed Entertainment, Propaganda Films
- Género: Drama. Thriller | Road Movie. Crimen. Cine independiente USA. Película de culto.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HD 1080P.
SINOPSIS: Durante un permiso carcelario, Sailor va a ver a su novia Lula y ambos
deciden huir a California. La madre de la chica, que se opone a esta
relación, se pone en contacto con un mafioso para que elimine a Sailor.
En realidad, quiere deshacerse de él porque el joven presenció cómo ella
y su amante asesinaban a su marido. La huida de Sailor y Lula va
acompañada de turbios acontecimientos y sórdidos recuerdos. EXCELENTE. Corazón salvaje de David Lynch es un trabajo cinematográfico brillante.
El gran problema es que existe multitud de gente que se enfada por no
comprender el cine de Lynch que, cierto es, a veces se hace
incomprensible. Pero no lejos de la realidad, en su cine casi todo tiene
explicación. Cuando uno observa su filmografía, con obras maestras como
El Hombre Elefante o Terciopelo azul, nos podemos dar cuenta de lo que
tenemos delante: un cineasta diferente. En función de su diferencia,
como la que pueda tener un adolescente marginado, se le reprocha todo lo
demás. Su cine es marginado, en general, por la crítica y gran parte
del público por falta de entendimiento. Lo que mucha gente no percibe es que existen muchas secuencias del
maestro Lynch que, después del visionado del filme, se quedan grabadas
en la mente sin saber exactamente el por qué. Lynch utiliza como método
en su trabajo dos elementos clave: el subsconciente y el surrealismo. Y
estos dos elementos tienen en común algo: lo onírico, la ensoñación. Y
los sueños están lejos de ser reales, pero los sueños, sin embargo,
forman parte esencial en la naturaleza del hombre. Todo esto, aplicado a
un largo de Lynch se vé traducido en lo siguiente: secuencias y escenas
que se suceden, que te muestran elementos totalmente irreales pero que
en ellas habitan una esencia natural que puede convertirse incluso en
existencial para el hombre. Por tanto, en ocasiones pienso que no hay
que interpretar las películas de Lynch como películas, sino como
ensayos, siendo la cámara el vehículo con el que podemos bebernos lo que
Lynch necesita transmitir. En definitiva, que el cine es muy extenso, ya que el séptimo arte abarca
lo indecible, y no podemos tener solo una temática. Los errores
cinematográficos técnicos que se puedan observar en las películas de
Lynch no son tales, no es más que lo que él quiere que veamos. La
diversidad del cine es maravillosa porque gracias a la mirada de cada
uno, y no hay que olvidarse de que la mirada del director se cruza con
la del espectador. Corazón salvaje, le pese a quien le pese, es un inmenso trabajo
reflexivo sobre el amor, la envidia, la maldad y la bondad y el mundo
moderno, que resulta ser rápido y aterrador. IMPERDIBLE.
TRAILER
ROSE
HOTEL
New Rose Hotel.
- Título original
- New Rose Hotel
- Año: 1998
- Duración: 89 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Abel Ferrara
- Guion: Abel Ferrara, Christ Zois. Relato: William Gibson
- Reparto: Christopher Walken, Willem Dafoe, Asia Argento, Yoshitaka Amano.
-
- Música: Schooly-D
- Fotografía: Ken Kelsch
- Compañías: Edward R. Pressman Production. Distribuidora: Quadra Entertainment
- Género: Ciencia ficción. Intriga | Cyberpunk. Thriller futurista. Película de Culto.
- VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HD 1080P.
SINOPSIS: Ambientada en un futuro no muy lejano. A Horoshi, un brillante ingeniero
genético japonés, se lo disputan dos importantes empresas, la japonesa
Hosaka y la alemana Maas. Los revolucionarios descubrimientos del
científico tienen el poder de transformar el mundo y generar beneficios
billonarios. Hosaka contrata a dos espías, X y Fox, que deben ganarse la
confianza de Hiroshi en perjuicio de Maas. La estrategia de los dos
mercenarios consiste en atraer a Hiroshi utilizando los encantos de una
joven y bella prostituta. MUY BUENA. El futuro que nos espera está confuso. La globalización reestructura
nuestros esquemas perceptivos. La vida adquiere velocidad. La
información nos invade. Ya ni intentamos asimilarla. De la ofuscación de
los sentidos por la saturación surge New Rose Hotel. No es la primera historia de amor de Abel Ferrara, y aunque puede que
sea la más convencional, su formalización es nerviosa, confusa, y a la
vez ágil y sencilla. Los personajes se desenvuelven de forma improvisada
(estoy seguro de ello) por oníricos (aunque debería decir etílicos)
escenarios orientales que, una vez más, se nos vaticinan como
futuribles. Una nueva versión del Apocalipsis Corporativo, en el que las
empresas están muy por encima de los gobiernos y la moralidad. En fin,
una típica historia de William Gibson. Por bares, habitaciones hoteleras y recepciones, se mueven tres
desdichados que entre disertaciones filosóficas y alcohol creen
controlar la situación y sus vidas. Perdedores que están a punto de
conseguir uno de los mayores éxitos de los que podían imaginar.
Christopher Walken y Willem Dafoe son dos espías industriales que
contratan a una prostituta (Asia Argento) para conseguir que un gran
científico lo abandone todo y cambie de compañía. Walken es el líder, manipulador y desdichado genio. Por ello es el mayor
de los vencidos. Ferrara nos muestra otra estremecedora interpretación
del actor, soldadito de plomo roto delante de una riada. Nada que hacer
salvo bailar y probar a engañar a la corriente. Dafoe es el aprendiz, pueril adulto que aún no ha perdido la inocencia, y
no ha recibido los golpes definitivos del destino. Única esperanza en
un mal mundo. Argento es la belleza, la mentira como modo de vida, la verdadera
superviviente. Cuando todo acabe, ella estará allí. Inocente ángel
perverso. Ferrara nos muestra una vez más unos personajes envueltos en una espiral
hacia la derrota, aunque esta vez nos da esperanzas: sus personajes
luchan contra todo ello. El director filma desde el desconcierto; planos
entrecortados, flashbacks infinitos, secuencias montadas de diferentes
tomas de los actores, etc. Este último recurso constituye el alma de la
propuesta: Vemos durante el metraje una escena cualquiera. Después aparece de
nuevo, pero más larga, o ligeramente diferente, o más completa. Puede
significar muchas cosas, pero también hay que reconocer que así es la
memoria humana. Recordamos incompletamente, o aportamos afectividad a lo
recordado, o cobra sentido si lo escuchamos en nuestra cabeza con otra
entonación… Es una de las más sinceras, acertadas y mejores formas de representar la
memoria que he visto nunca. En lugar de resultar tediosa, en esta
última media hora es donde la película estalla en toda su libertad
creativa. Como si, tras haberse despojado del peso de relatar la fábula,
pudiera entregarse al placer de contar con imágenes y sonidos algo que
no necesita explicación. O de contar dos y hasta tres veces lo mismo,
sólo porque sí. Porque es un acto bello. Dafoe, entonces, se abandona a
los recuerdos, repasa lo que hemos estado viendo como una suerte de
delirio febril, nostálgico. Y con él, nosotros. Un enorme acierto a mi
entender. Más aún si no se usa a modo de trampa, ni de reclamo, ni de
lucimiento. Es simplemente la película. IMPERDIBLE.
TRAILER
SERIES Y MINISERIES
CATCH ME A
K I L L E R
SEASON 1
MINISERIE COMPLETA
11 EPISODIOS
4 DISCOS.
Reino Unido.
Título internacional: Catch Me A Killer.
Género: Asesinos Seriales. Thriller | Policíaco..
Capítulos: 11/ Duración: 560 Minutos.
Elenco:
Charlotte Hope ( Micki Pistorius)
Donna Cormack-Thomson ( Erika)
Steven John Ward (Mark)
Vaughn Lucas ( AJ Oliver)
Grant Ross (Jannie)
Sean Cameron Michael ( Robert Ressler)
Creador: Tracey Larcombe, Rene van Rooyen, .
Guión: Brett Michael Innes.
SINOPSIS: Para atrapar a un monstruo debes meterte en su cabeza. La verdadera historia de una perfiladora. Basado en el libro del mismo nombre, Catch Me A Killer cuenta la desgarradora historia real de la ex periodista convertida en perfiladora psicológica Micki Pistorius primer perfiladora de asesinos en serie. EXCELENTE. Catch Me A Killer, la serie de televisión sobre el perfilador de asesinos en serie más famoso de Sudáfrica,"'Los asesinos en serie experimentan el poder sobre la vida y la muerte como omnipotencia... Cuando interrogo a un asesino en serie, me sumerjo en el abismo de su alma.'" Basada en el libro del mismo nombre, CATCH ME A KILLER cuenta la desgarradora historia de la ex periodista convertida en psicóloga MICKI PISTORIUS, la primera perfiladora de asesinos en serie de Sudáfrica. De 1994 a 2000, cuando Sudáfrica era una democracia joven, el país fue acechado por una sucesión de brutales asesinos en serie. La psicóloga Micki Pistorius se convirtió en la primera perfiladora del Servicio de Policía de Sudáfrica, desempeñando un papel vital en la identificación e interrogatorio de estos asesinos, así como en la capacitación de detectives a nivel nacional y en otros países. Ella abrió caminos con su teoría sobre el origen de los asesinos en serie y es considerada una pionera en su campo. Catch Me a Killer detalla los casos en los que trabajó, desde Station Strangler y Phoenix Cane Killer hasta Boetie Boer y Saloon Killer. El libro también presenta a detectives legendarios como Piet Byleveld y Suiker Britz, así como a Robert Ressler del FBI. IMPERDIBLE.
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