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ESTRENOS DELA SEMANA
EN EL
N I L O
Death on the Nile.
(EN CINES)
- Título original
- Death on the Nile
- Año: 2022
- Duración: 127 min.
Estados Unidos- Dirección: Kenneth Branagh
- Guion: Michael Green. Novela: Agatha Christie
- Música: Patrick Doyle
- Fotografía: Haris Zambarloukos
- Reparto: Kenneth Branagh, Gal Gadot, Letitia Wright, Armie Hammer, Annette Bening, Ali Fazal, Sophie Okonedo, Tom Bateman, Emma Mackey, Dawn French, Rose Leslie, Jennifer Saunders, Russell Brand, Nikkita Chadha
- Productora: The Estate of Agatha Christie, 20th Century Studios. Distribuidora: 20th Century Studios
- Género: Intriga. Thriller | Crimen. Años 30
- Grupos: Adaptaciones de Agatha Christie | Hércules Poirot
SINOPSIS: Basada en la novela de Agatha Christie, publicada en 1937. "Muerte en el Nilo" es un thriller de misterio dirigido por Kenneth Branagh sobre el caos emocional y las consecuencias letales que provocan los amores obsesivos. Las vacaciones egipcias del detective belga Hércules Poirot, a bordo de un glamuroso barco de vapor, se ven alteradas por la búsqueda de un asesino cuando la idílica luna de miel de una pareja perfecta se ve truncada de la forma más trágica. MUY BUENA. Ya con Asesinato en el Orient Express quedé muy satisfecho con esta nueva versión del famoso detective Poirot, pero con esta secuela creo que Kenneth Branagh ha sabido afianzar y consolidar aún mas la fórmula usada en su anterior película. En su conjunto se siente y se nota una película construida mas sólidamente que la anterior, sabiendo esta vez si dedicar el tiempo necesario en la presentación de todos y cada uno de los personajes antes de que las cabezas comiencen a rodar, y por lo tanto notándose una mejor distribución de los tiempos empleados para narrar la trama. Kenneth Branagh vuelve a rodearse un reparto de actores excepcional como Gal Gadot, Letitia Wright, Armie Hammer, Annette Bening, Ali Fazal, Sophie Okonedo, Tom Bateman, Emma Mackey y Dawn French por mencionar algunos, y todos y cada uno de ellos están explendidos interpretando a sus correspondientes personajes. Respecto al personaje de Poirot me ha gustado más que en la anterior película, aquí se profundiza mucho más en él, incluso se nos presenta el origen de su famoso bigote y se nos cuentas sucesos de su vida pasada. Esto ha conseguido que uno como público empatice bastante más con el personaje y todo lo que le rodea. Así mismo le he notado mas comedido y menos estrafalario y creo que eso le aporta un toque mas humano y cercano. El argumento que guía la historia esta bien, lo suficiente para mantener al espectador dando vueltas en la cabeza sobre quien es el asesino y por que se están cometiendo esos crímenes, así mismo los giros de guion están garantizados y hay ciertas escenas que uno no se las espera tal cual suceden. Se ha sabido construir una historia sólida y que mantiene el interés de principio a fin. Los escenarios son espectaculares, ya con Asesinato en el Orient Express se hizo un muy buen trabajo en este aspecto, y aquí al igual que en aquella película es una delicia moverse por ese Egipto que visualmente entra por los ojos el solito. El barco al igual que el tren se convierte en prácticamente otro personaje más y se hace muy buen uso de las distintas instancias del mismo. La dirección de Kenneth Branagh es magistral, realiza cada movimiento con la cámara que son dignos de elogio y de quitarse uno el sombrero. Además sabe muy bien dónde enfocar la acción para captar el máximo de información posible de cada fotograma. La fotografía de Haris Zambarloukos me ha parecido brutal, una delicia de planos continuos dignos de enmarcar. Y la música de Patrick Doyle es de notable alto. Todo ello elevan la película aún mucho más haciendo que técnicamente sea una delicia audiovisual y que entre ella sola por los ojos. En definitiva, una película incluso mejor que la anterior, que consolida una fórmula que en posteriores historias si se deciden a seguir puede dar mucho de sí. Con un Poirot fantastico y rodeado de un reparto de autentico lujo. Además la película no da lugar alguno al aburrimiento y sus mas de dos horas de duración se pasan en un santiamén. IMPERDIBLE.
TRAILER
A CIEGAS
See For Me.
(EN CINES)
- Título original
- See for Me
- Año: 2021
- Duración: 92 min.
Canadá- Dirección: Randall Okita
- Guion: Adam Yorke, Tommy Gushue
- Música: Joseph Murray, Lodewijk Vos
- Fotografía: Jordan Oram, Jackson Parrell
- Reparto: Skyler Davenport, Kim Coates, Jessica Parker Kennedy, Laura Vandervoort, Natalie Brown, Matthew Gouveia, George Tchortov, Pascal Langdale, Joe Pingue, Emily Piggford
- Productora: Wildling Pictures. Distribuidora: IFC Midnight, Shudder
- Género: Thriller. Drama. Intriga | Crimen. Discapacidad. Discapacidad visual
SINOPSIS: Cuando la exesquiadora y ciega Sophie cuida de un gato en una recóndita mansión, unos ladrones de árboles la invaden en busca de la caja fuerte escondida. La única defensa de Sophie es Kelly, una veterana del ejército. Kelly ayuda a Sophie a defenderse de los invasores y a sobrevivir. MUY BUENA. Desde clásicos como “Terror ciego”, con Mia Farrow como una cieguita acosada por maleantes, hasta la reciente “No respires”, en la que unos ladrones entran a robar a la casa de un ciego psicópata que los va liquidando uno por uno, el tema de los no videntes en peligro siempre rinde para generar suspenso. Esta nueva “A ciegas” que viene desde Canadá, donde hay toda una tradición de buenos thrillers como “El socio del silencio”, enfoca una variante del tema que, por un lado, repite un poco la fórmula, pero por otro se destaca por sus ideas nuevas. Empezando por el detalle de estar protagonizada por una auténtica ciega, Skyler Davenport, una actriz de un talento especial cuya sola presencia justifica la visión del film, un thriller que si bien no llega al nivel excepcional de “No respires”, de todos ofrece una tensión permanente y algunos de esos momentos fuertes que hacen saltar al espectador de su butaca. El argumento tiene sus detalles originales; Davenport es una ciega asistida para “ver”, o mejor dicho, saber qué tiene delante, por un sistema de comunicación sofisticado a través del cual una ex militar, Jessica Parker Kennedy, le va diciendo qué hacer y qué cosas evitar. Sola en una mansión alejada de todo, la protagonista queda a merced de un grupo de delincuentes, pero no piensa entregarse, sino que con la reticente asistencia a distancia de su asesora, libra una lucha despareja pero eficaz. “A ciegas” te mantiene en vilo al espectador durante prácticamente sus 90 minutos de duración. Y sobre todo se destaca por la actuación de Skyler Davenport, cuya carrera hay que seguir con atención. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
LA
H I J A
La Hija.
- Título original
- La hija
- Año: 2021
- Duración: 122 min.
España- Dirección: Manuel Martín Cuenca
- Guion: Manuel Martín Cuenca, Alejandro Hernández. Historia: Félix Vidal
- Música: Vetusta Morla
- Fotografía: Marc Gómez del Moral
- Reparto: Javier Gutiérrez, Patricia López Arnaiz, Irene Virgüez, Sofian El Benaissati, Juan Carlos Villanueva, María Morales
- Productora: La Loma Blanca PC, Mod Producciones, Movistar+, RTVE, ICAA, Canal Sur
- Género: Thriller. Drama | Adopción
SINOPSIS: Irene tiene quince años y vive en un centro para menores infractores. Se
acaba de quedar embarazada y está decidida a cambiar de vida gracias a
Javier, uno de los educadores del centro. Javier le ofrece vivir con él y
su mujer Adela en la casa que tienen en un paraje aislado y agreste de
la sierra para que pueda llevar a buen término su embarazo. La única
condición a cambio es que acepte entregarles al bebé que lleva en sus
entrañas. Este débil pacto puede verse comprometido cuando Irene empiece
a sentir como suya esa vida que lleva en su interior. EXCELENTE. El fabuloso actor Javier Gutiérrez repite rodaje con Martín Cuenca (El
Autor), dando vida esta vez a Javier, tutor en un Centro de Menores. Su
esposa, Adela, interpretada por la ganadora con un Goya Patricia López
Arnáiz, sentirá una renovada ilusión ante un plan bastante singular. En dicho proyecto va a participar también, con un brillante debut, la
joven Irene Virgüez Filippidis, en su papel de una adolescente llamada
Irene. Aceptará las reglas de ese peculiar trato, sin pensar que la vida
que lleva en su vientre la hará cambiar de parecer. Para la pareja, que no ha podido tener hijos, será una cuestión de
justicia el conseguirlo. Una arriesgada idea que conlleva una sombra,
pudiendo fracasar con un final trágico. En La Hija se pone en evidencia aquella célebre frase de Maquiavelo: “el
fin justifica los medios“. A veces, los deseos son tan firmes y
poderosos que se pierden los escrúpulos para alcanzarlos. La película comienza en la estación de primavera, una metáfora de la
esperanza, del renacer de la vida. A medida que van pasando los días,
todo se va complicando. Las circunstancias van llevando a un callejón
sin salida, ya no hay vuelta atrás. El espacio, la geografía donde transcurre el thriller psicológico de La
Hija, se convierte en otro personaje. Un personaje que se va
transformando a medida que pasan los meses de gestación. De la
fotografía, especialmente cuidada, se ha encargado Marc Gómez del Moral. Es una historia primigenia, que podía haber sucedido en una cueva hace
miles de años. Dos mujeres que pactan un acuerdo para beneficio de las
dos. Pero ¿Cómo se puede reparar una injusticia sin cometer otra? El
dolor de una de ellas, puede llegar a aplastar el dolor de la otra. En La Hija se pone de manifiesto la grandeza de la mujer al ser capaz de
crear vida. Una de las protagonistas, Adela, con un gran instinto
maternal, sentirá mucha angustia al comprobar que tiene vedada esa
capacidad. La otra, por el contrario, sentirá como una excesiva carga la
responsabilidad de estar embarazada y no contar con medios propios para
seguir adelante. Por otro lado, la figura masculina, protectora y determinante, será
vital para el desarrollo de la película. Javier incluso se verá obligado
a cometer actos deleznables para salvar el amor, el inmenso amor que
comparte la pareja. La Hija se trata de una película radical, donde todo lo superfluo queda
fuera. Una acertada historia de suspense donde sus tres protagonistas
destacan con sus magníficas interpretaciones. Al mismo tiempo sirve para hacer reflexionar sobre lo correctamente moral, si verdaderamente todo vale. IMPERDIBLE.
-
2021: Premios Goya: Nominada a mejor director y mejor actor (Javier Gutiérrez)2021: Premios Feroz: Nominada Película.2021: Festival de San Sebastián: "Mejor Guion"
TRAILER
VENUS
EFFEKTEN
The Venus Effect.
- Título original
- Venuseffektenaka
- Año: 2021
- Duración: 105 min.
Dinamarca- Dirección: Anna Emma Haudal
- Guion: Anna Emma Haudal, Marie Limkilde
- Música: Jenny Rossander
- Fotografía: Valdemar Winge Leisner
- Reparto: Johanne Milland, Josephine Park, Sofie Gråbøl, Lars Mikkelsen, Morten Hee Andersen, Anne Sofie Wanstrup, Anette Støvelbæk, Olivia Joof Lewerissa, Camilla Lau, Karoline Brygmann, Amanda Radeljak, Clint Ruben, Andrea Øst Birkkjær, Ulver Skuli Abildgaard
- Productora: Motor
- Género: Comedia. Drama. Romance | Homosexualidad. Comedia dramática
SINOPSIS: Liv tiene poco más de 20 años. Está muy unida a sus padres y trabaja en
el negocio familiar de frutería cuando, contra todo pronóstico, se
enamora de una niña enérgica y algo mayor, Andrea. Andrea afirma estar
sufriendo de estrés. Pero en realidad, tiene el corazón roto y ha
buscado refugio en la plantación de manzanas de su tío. El encuentro de
Liv con Andrea se convierte en el detonante de un divorcio, la pérdida
de una amistad y una crisis de identidad que finalmente hace añicos su
amor. Pero en una rebelión contra sus padres, Liv se da cuenta de que el
amor es mutable y que una familia puede asumir muchas formas. EXCELENTE. Me gustó mucho el ambiente, la iluminación, la estética granulada, la naturaleza, los lugares, las actividades culturales y especialmente la actuación. El film emociona hasta las lágrimas y ¿Sabes qué? estas actrices europeas se desempeñan mucho más suave y mejor que esos exagerados y antinaturales actores de Hollywood, que tal vez sean muy famosos pero que parecen acartonados en pantalla. IMPERDIBLE.
2022: Premios Danish Film´s Awawd´s: 2 Premios. Mejor Película. Mejor Interpretación.
TRAILER
Experimento.
- Título original
- Eksperimentet
- Año: 2019
- Duración: 93 min.
- Dinamarca
- Dirección: Louise Friedberg
- Guion: Louise Friedberg, Rikke De Fine Licht. Idea: Maj Rørbæk Damgaard
- Música: Ola Kvernberg
- Fotografía: Magnus Nordenhof Jønck
- Reparto: Ellen Hillingsø, Morten Grunwald, Laura Skaarup Jensen, Kurt Ravn, Laura Bro, Mads Wille, Finn Nielsen, Nukâka Coster-Waldau, Domilia Marianne Singertat, Paniaraq R. Søltoft, Najaaraq Margit Davidsen, Kristian Falck-Petersen
- Productora: Nimbus Film Productions
- Género: Drama | Años 50
SINOPSIS: Groenlandia, 1951. Gert es una enfermera encargada de dirigir un hogar de niños especiales dirigido por el estado danés en Groenlandia. El hogar está diseñado para instalar a 16 niños nacidos en Groenlandia, especialmente seleccionados tras pasar un año en Dinamarca, para ser luego presentados como modelos en su comunidad de origen. Gert no tiene familia y acepta el desafío con orgullo; es idealista y siente una enorme satisfacción al civilizar y educar a esos chicos en la cultura y el idioma danés. Pero no puede imaginar los altos costes personales de la tarea, particularmente cuando tanto los niños como el estado danés comiencen a fallarle. MUY BUENA. En primera instancia advierto que no es una película para el público sensible. El texto detrás del film tiene un título que traducido directamente sería algo así como "Con las mejores intenciones". Y el objetivo del texto original era, por un lado, describir lo que sucedió en ese entonces, pero no menos importante, señalar que lo que hoy vemos como algo horrible que el imperialismo le hizo a los nativos, se vio de una manera completamente diferente cuando ocurrió. En ese entonces, la gente realmente creía que estos pobres niños estarían mejor si estuvieran siendo 'iluminados' al recibir una educación 'occidental moderna', ya que los nativos eran vistos como 'atrasados'. Básicamente, una historia que encontramos en todo el mundo, desde Australia en el sur, pasando por los indios en las Américas, hasta Groenlandia en el norte. (y ciertamente no limitado a estos tres) Entonces la historia es un ejemplo de "El camino al infierno está empedrado de buenas intenciones"... MUY RECOMENDABLE.
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Knackningar.
- Título original
- Knackningar
- Año: 2021
- Duración: 78 min.
Suecia- Dirección: Frida Kempff
- Guion: Emma Broström
- Música: Martin Dirkov
- Fotografía: Hannes Krantz
- Reparto: Ville Virtanen, Meliz Karlge di Grado, Albin Grenholm, Kristofer Kamiyasu, Emil Almén, Charlotta Åkerblom, Cecilia Milocco, Bill Hugg, Bengt Braskered, Alexander Salzberger, Krister Kern, Christina Indrenius-Zalewski, Naida Ragimova.
- Productora: Läsk, SVT, Svenska Filminstitutet
- Género: Thriller
SINOPSIS: Una mujer deja el psiquiátrico después de un ataque de nervios y empieza a oír sonidos extraños en su apartamento. MUY BUENA. El estigma de la locura, el hambre insaciable de la soledad y el terror al distinto, es algo que nos acompaña en el día a día, y más en ciudades masificadas. Molly se reintegra en la sociedad tras haber pasado una temporada en un sanatorio mental. Sola, sin conocer a nadie de su vecindario, pronto se obsesionará con los golpes que vienen del piso superior. Descubrir el origen se convertirá en una pesadilla sin salida posible. La película de Frida Kempff muestra sus cartas desde el principio: Molly, la protagonista de Knocking, está mentalmente dañada, es inestable debido a un hecho traumático que, poco a poco, se va desplegando ante el espectador. A ritmo lento, a veces soporífero, la seguimos por su nuevo barrio, con una sociedad que ignora al débil, que tiende a formar grupos compactos aunque sean tus vecinos de rellano. La dirección de Frida Kempff acompaña a Molly, más desde el interior de su cabeza que desde su hombro: todo el inicio es cuasi documental, de cámara casi invisible sin aspavientos innecesarios, y cuando queremos darnos cuenta ya estamos sumergidos en la locura con movimientos de cámara y angulares que nos irritan. En ese sentido la cámara de Kempff tiene un gran aliado en la fotografía de Hannes Krantz que juega con los matices de la luz hasta convertirla en agobiante, incluso diría que hay algo del J-Horror en el apartamento donde se desarrolla casi toda la historia; y quiero señalar, por su alta calidad, la secuencia del hecho traumático del pasado, con una fotografía a mitad de camino entre pesadilla y lugar de ensueño. No he leído la novela de Johan Theorin en que se basa la película, así que ignoro la fidelidad de la guionista Emma Brostöm al adaptarla, pero Knocking tiene un elemento recurrente – dentro de una duración que la acerca al mediometraje – y es que siempre está moviéndose entre lo fascinante y lo rutinario, repleto de secuencias que parecen no ir a parte alguna, que no aportan a la trama… Craso error, porque Knocking no nos cuenta la historia DE Molly, sino DESDE los ojos de Molly. No hay una sola secuencia que se aparte de ella, ni siquiera los momentos finales donde llega la resolución. Aunque aparecen más actores y actrices, la dueña de la función es Cecilia Milocco. Suyas son las sonrisas forzadas, los intentos de llevar una vida normal, la tristeza, la soledad, la locura, el agobio y el terror. El de Milocco es un rostro repleto de carácter, que tan pronto se ve hermoso como anodino o que se convierte en una máscara de locura. Un gran trabajo de interpretación que, espero, sea recompensado. Knocking no es un terror al uso, sino terror social, y por ello al terminar el visionado era incapaz de saber qué nota darle; pero a la hora de haberla visto, me vino a la cabeza tal momento, y a las dos horas caí en que esta frase realmente significaba lo otro. Que una película se te agarre a la cabeza y te dé tanto que pensar es buena señal, aunque no sea terror clásico, y aunque solo sea por esto Knocking merece la pena. MUY RECOMENDABLE.
2021: European Film Festival: Gandora Mejor Actriz (Milocco).
2021: Sundance Film Festival: Competencia Oficial.
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666
Ryad 19.
(EN CINES)
- Título original
- Ryad 19
- Año: 2021
- Duración: 77 min.
Rusia- Dirección: Alexander Babaev
- Guion: James Rabb
- Fotografía: Nikolay Smirnov
- Reparto: Svetlana Ivanova, Wolfgang Cerny, Anna Glaube, Vitaliya Kornienko, Anatoliy Kot, Yola Sanko, Ivan Verkhovykh, Ekaterina Vilkova
- Productora: Central Partnership, KIT Film Studio, Monumental Film. Distribuidora: Central Partnership, Well Go USA Entertainment
- Género: Terror. Thriller | Aviones
SINOPSIS: Una joven doctora con una hija de 6 años está en un vuelo nocturno atrapada en una terrible tormenta. En una cabina medio vacía, se enfrenta a muertes inexplicables de sus compañeros de viaje, pierde el control de la realidad y revive la peor pesadilla de su infancia. MUY BUENA. Es interesante que, desde hace algunos años, estamos viendo cine de terror de varios países; sobre todo rusas. No son perfectas, pero se notan dos cosas: primero, haber comprendido que el terror funciona universalmente (es uno de los pocos géneros que siempre ganan dinero, que tiene un público muy fiel). Segundo, que hay pericia técnica. Aquí hay una mujer con una niña pequeña en viaje, un avión en plena tormenta, una serie de muertes inexplicables, y algo terrible que pone en tela de juicio la realidad tal cual la ve la protagonista. Todo está narrado con lo preciso y justo (mire la duración: menos de 80 minutos), buscando provocar en el espectador esa inestabilidad que lleva al miedo, el miedo que lleva a lo maravilloso. Por supuesto, no carece de lugares comunes, pero no está mal hacer terror con la idea de la inestabilidad o la poca confianza que despiertan nuestras percepciones. Un género que, salvo cuando se hace sin respeto, no suele defraudar al espectador. RECOMENDABLE.
TRAILER
I ONDE
DAGER
El Viaje.
- Título original
- I onde dager
- Año: 2021
- Duración: 113 min.
Noruega- Dirección: Tommy Wirkola
- Guion: Nick Ball, John Niven, Tommy Wirkola
- Música: Christian Wibe
- Fotografía: Matthew Weston
- Reparto: Noomi Rapace, Aksel Hennie, André Eriksen, Christian Rubeck, Atle Antonsen, Nils Ole Oftebro, Tor Erik Gunstrøm
- Productora: 74 Entertainment. Distribuidora: Nordisk Film Distribution, XYZ Films, Netflix
- Género: Comedia. Thriller | Comedia negra
SINOPSIS: A Lars (Aksel Hennie) y Lisa (Noomi Rapace) se les acabó el amor que los unió en un principio. Ahora luchan por mantener su matrimonio y sus ambiciones. La carrera de Lars como director de cine se ha estancado en las telenovelas, y Lisa, actriz, no ha conseguido ningún papel desde hace años. Lars se siente ignorado y pasa por dificultades económicas. Lisa cree que Lars es un cobarde egocéntrico que se ha echado a perder. Nada en sus vidas ha acabado como pensaban; mucho menos su matrimonio. Es por eso por lo que un viaje de fin de semana a una cabaña familiar en el bosque parece brindarles una oportunidad para... deshacerse del otro para siempre. MUY BUENA. Un matrimonio formado por una actriz y un director frustrados que ya no se soportan entre sí planea pasar un fin de semana de desconexión en una casa en el bosque. Eso va a ir bien a su relación, ya que es la ocasión perfecta para que resuelvan sus problemas… eliminando a uno de los dos cónyuges de la ecuación. Y que parezca un accidente. Así, «El viaje» viene a ser una especie de «Sr. y Sra. Smith» que sustituye el glamur de espías en la gran ciudad y el tono blando de Hollywood por un violento baño de sangre campestre salpimentado con humor negro nórdico. Destaca por las actuaciones de sus estrellas protagonistas (el noruego Aksel Hennie y la sueca Noomi Rapace construyen personajes carismáticos y redondos a la vez que descaradamente idiotas, y los secundarios también están a la altura), por las magníficas localizaciones en los fiordos noruegos, por un guion crudo y desenfadado que juega hábilmente con una sucesiva introducción de deus ex machina para revitalizar la trama casi cada vez que se estanca, y por la dirección de un Tommy Wirkola que demuestra saber pulirse película tras película («Zombis nazis», 2009; «Hansel y Gretel: Cazadores de brujas», 2013, «Siete hermanas», 2017). Lo cierto es que, aun así, «El viaje» se me hizo un tanto largo en su tramo final (15 minutos menos le habrían venido muy bien), y mejoraría bastante si se hubiese hecho el esfuerzo de arreglar un par de agujerillos de guion y de no acomodarse en repetir o alargar determinados recursos en las escenas más “físicas”. Pero hasta con los mencionados hándicaps estamos ante un divertimiento catártico altamente satisfactorio para quien busque una salvajada como Dios manda... o un manual de cómo no afrontar una crisis de pareja. MUY RECOMENDABLE.
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Panama.
- Título original
- Panama
- Año: 2022
- Duración: 156 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Mark Neveldine
- Guion: Daniel Adams, William Barber
- Música: Mick Fury
- Fotografía: P.J. López
- Reparto: Cole Hauser, Mel Gibson, Charlie Weber, Jackie Cruz, Kate Katzman, Victor Turpin, Simon Phillips, Mauricio Henao, Julia Sandstrom, Jai Stefan, Ramiro 'Ramir' Delgado Ruiz, Néstor Rodulfo, Jean Pierre Prats, Joksan Ramos, Kiara Liz, Julio Ramos Vélez
- Productora: Coproducción Estados Unidos-Puerto Rico; Yale Productions, SSS Entertainment, LB Entertainment, SSS Film Capital, Do More Productions, Grandave Capital, Idiot Savant Pictures. Distribuidora: Highland Film Group
- Género: Thriller. Acción
SINOPSIS: Un ex marine es contratado por un contratista de defensa para viajar a Panamá para completar un trato de armas. En el proceso, se involucra con la invasión estadounidense de Panamá y aprende una lección importante sobre la verdadera naturaleza del poder político. MUY BUENA. Si tomas una buena novela de suspenso y simplemente la filmas, este sería el resultado. Tiene un diálogo conciso y excelente que es directo y va al grano... como leer un buen libro. Las escenas no están demasiado dialogadas y muy bien logradas sobre todo las de acción. En cuanto a la actuación de Gibson y Hauser son una gran paraje al estilo la primer "Arma Mortal" Si te gusta Elmore Leonard y esos escritores tipográficos que pasan a la pantalla para contar una historia de acción y el gran manejo de cámara Neveldine, Panama es una excelente manera de pasar un par de horas con el mejor de los géneros "Acción". MUY RECOMENDABLE.
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Azor.
(EN CINES)
- Título original
- Azor
- Año: 2021
- Duración: 100 min.
Suiza 
Argentina- Dirección: Andreas Fontana
- Guion: Andreas Fontana
- Música: Paul Courlet
- Fotografía: Gabriel Sandru
- Reparto: Fabrizio Rongione, Alexandre Trocki, Stéphanie Cléau, Elli Medeiros, Yvain Juillard, Gilles Privat, Juan Pablo Geretto, Carmen Iriondo, Pablo Torre Nilson, Juan Trench
- Productora: Coproducción Argentina-Suiza-Francia; Alina Film, Local Films, Radio Télévision Suisse (RTS), Ruda Cine. Distribuidora: Be For Films
- Género: Drama. Thriller
SINOPSIS: Yvan De Wiel, banquero privado de Ginebra, viaja a Argentina en medio de una dictadura para reemplazar a su pareja, objeto de los rumores más preocupantes, que desapareció de la noche a la mañana. EXCELENTE. Esta coproducción entre Suiza y la Argentina transcurre en Buenos Aires y alrededores en 1980 y se centra en un banquero de Ginebra que viene a reemplazar a su socio y a hacer negocios con empresarios, políticos y militares locales. Con elementos de «El corazón de las tinieblas«, la novela de Joseph Conrad (con Yvan como Charlie Marrow y René como el misterioso Kurtz), es claro también para Fontana que los suizos no son solo víctimas de un grupo de ambiciosos locales sino que son también parte del perverso juego económico y tan o más responsables al habilitar ese tipo de oscuras transacciones. Con un elenco de actores en su mayoría desconocidos cuya credibilidad no siempre es la mejor (se puede ver allí a Mariano Llinás, que colaboró en el guión, en un cameo, y al realizador Pablo Torre encarnando a un siniestro monseñor), AZOR logra de todos modos superar ese problema porque funciona en un universo enrarecido que lo habilita. En ese sentido la película, cuyas peripecias acumulativas y sugerente extrañeza formal hacen recordar al cine de Hugo Santiago y descendientes, opera con una atmósfera que parece arrancada del cine de autor europeo de los años ’70. Sus climas ominosos y sutilmente perturbadores dan la sensación al espectador de estar descendiendo por los círculos del infierno inventados por algún Dante porteño. Y la película, cinematográficamente hablando, va «oscureciendo» cada vez más las desventuras de Yves, no solo por lo nocturnas que se van volviendo sus actividades sino por lo que empieza a descubrir adentro suyo. A la vez AZOR también muestra cómo se puede contar una sociedad como la porteña (en especial la ricachona/aristocrática ya que aquí, salvo algunos militares, nadie parece haber cruzado jamás del otro lado de la avenida Rivadavia salvo para ir al campo) a partir de una mirada extranjera, una que ve cómo ciertas actividades y costumbres que asumimos como cotidianas tienen mucho de siniestro. Entre el drama y el thriller, entre el pasado y el presente, entre la experimentación formal y la tensión narrativa más clásica, la película de Fontana es una verdadera sorpresa dentro del panorama del cine hecho en la Argentina. Por un realizador extranjero, sí, pero con una innegable impronta local. IMPERDIBLE.
2021: Festival de Berlín (Berlinale): Premio del Público.
2021: Festival de Mar del Plata: Selección oficial (Fuera de competencia)
- 2021: Premios Gotham: Nominada a mejor película internacional
TRAILER
PARA SIEMPRE.
Jackass Forever.
(EN CINES)
- Título original
- Jackass Forever
- Año: 2022
- Duración: 96 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Jeff Tremaine
- Guion: Spike Jonze, Johnny Knoxville, Jeff Tremaine
- Música: Joseph Shirley
- Fotografía: Dimitry Elyashkevich, Rick Kosick, Lance Bangs
- Reparto: Johnny Knoxville, Steve-O, Chris Pontius, Jason Acuña, Ehren McGhehey, Preston Lacy, Dave England, Eric André, Chris Raab, Tony Hawk, Mat Hoffman, Lance Bangs, Machine Gun Kelly,
- Productora: Paramount Pictures, Dickhouse Productions, Gorilla Flicks, MTV Films, Paramount Players
- Género: Comedia | Comedia negra. Secuela
SINOPSIS: El equipo de Jackass ha vuelto para su cruzada final. Johnny Knoxville, Steve-O y el resto de la pandilla regresan para otra ronda de divertidas, salvajemente absurdas y a menudo, peligrosos retos. MUY BUENA. La troupe de Johnny Knoxville continúa experimentando con sus proezas físicas y retos extremos matizados por divertidas parodias cinematográficas y un humor procaz que es marca registrada del ciclo, iniciado hace más de dos décadas en MTV. No es común encontrar en el cine una muestra de alegría tan contagiosa como la que expresan esos adultos, muchos de los cuales ya andan por los 50, que todavía insisten en divertirse como adolescentes y festejarse a sí mismo después de desafiar a la naturaleza y a los límites de la resistencia del propio cuerpo. La troupe original de Jackass lleva más de 20 años, primero en MTV y luego en el cine, dispuesta a cumplir toda clase de desafíos insólitos, ridículos, inexplicables y sobre todo muy dolorosos para quienes lo ejecutan. Jackass por siempre es la despedida a lo grande del grupo original que inventó este delirio, liderado por un Johnny Knoxville que ya tiene la cabellera canosa pero no pierde el timing para sorprender a sus amigos (a la vieja troupe se suma ahora una mujer y fanáticos de las nuevas generaciones) con castigos o golpes inesperados en medio de cada “proeza”. El riesgo para la integridad física puede ser muy alto. El propio Knoxville reconoció haber sufrido una hemorragia cerebral tras la embestida de un toro que lo llevó a dar una vuelta en el aire y caer pesadamente. Pero la única recompensa que recibe y acepta el grupo original que inventó este delirio (bromas pesadas, pruebas absurdas, retos escatológicos) es la ratificación de una camaradería a toda prueba. Cada festejo colectivo refuerza las ganas de ir por más y de no aflojar. Al fin y al cabo, como decía uno de los integrantes del equipo en la película original de 2002, el fracaso no existe. Aprendimos hace mucho (con Buster Keaton, con Los Tres Chiflados, con Jackie Chan) que el efecto cómico de un golpe aplicado en el momento justo puede ser insuperable. Knoxville y sus amigos lo saben muy bien y lo vuelven a poner en práctica en esta renovada sucesión de episodios breves con algún invitado también dispuesto a recibir porrazos. La película arranca con una delirante parodia de las películas de Godzilla en la que se recurre a la anatomía para sostener las miniaturas que ilustrarán la acción. Será la primera muestra del sistemático uso del aparato genital masculino como eje de algunas bromas. Sabemos desde el principio que ese recurso escandaliza y aleja a cualquiera que no esté dispuesto a aceptar semejante exposición de procacidad. Lo mismo ocurre con el muestrario habitual de groserías y vulgaridades que son marca de fábrica de Jackass. En esa aceptación hay un señalamiento claro, veladamente cuestionador, de los alcances y los límites de lo que podríamos llamar “cultura chatarra”. También la máxima demostración posible de lo que entendemos como realismo cinematográfico, sin las imposturas y los disimulos de la tecnología digital. Hace tiempo que Jackass es mucho más que un experimento extremo. Detrás de todo lo que podría resultar incómodo y desagradable hay una exaltación del mejor compañerismo, de la alegría compartida en un tiempo de penurias, de la gracia genuina que se logra a través de la comedia física y de la libertad de sentir que todo es posible. RECOMENDABLE.
TRAILER
CINE CLÁSICO
CICLO: El Padrino 50 Años.
PADRINO
50 AÑOS
Versión Restaurada 4k.
(EN CINES)
- Título original
- The Godfather
- Año: 1972
- Duración: 175 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Francis Ford Coppola
- Guion: Francis Ford Coppola, Mario Puzo. Novela: Mario Puzo
- Música: Nino Rota
- Fotografía: Gordon Willis
- Reparto: Marlon Brando, Al Pacino, James Caan, Robert Duvall, Diane Keaton, John Cazale, Talia Shire, Richard S. Castellano, Sterling Hayden, Gianni Russo, Rudy Bond, John Marley, Richard Conte.
- Productora: Paramount Pictures, Alfran Productions. Productor: Albert S. Ruddy
- Género: Drama | Mafia. Crimen. Años 40. Años 50. Familia. Película de culto
- Grupos: Trilogía El Padrino | Adaptaciones de Mario Puzo
SINOPSIS: América, años 40. Don Vito Corleone (Marlon Brando) es el respetado y
temido jefe de una de las cinco familias de la mafia de Nueva York.
Tiene cuatro hijos: Connie (Talia Shire), el impulsivo Sonny (James
Caan), el pusilánime Fredo (John Cazale) y Michael (Al Pacino), que no
quiere saber nada de los negocios de su padre. Cuando Corleone, en
contra de los consejos de 'Il consigliere' Tom Hagen (Robert Duvall), se
niega a participar en el negocio de las drogas, el jefe de otra banda
ordena su asesinato. Empieza entonces una violenta y cruenta guerra
entre las familias mafiosas. EXCELENTE. El efecto que causa en mi "El padrino" es increíble, es la potente
sensación de estar degustando auténtico cine desde el primer hasta el
último instante... muchos hablan sobre que la secuencia de la boda es
larga y algo aburrida, y a mi me parece una presentación de personajes
descomunal: Desde Don Vito hasta Johnny son definidos y caracterizados
de un modo espectacular, nada chirría, todo tiene su significado, ni un
sólo actor desentona, ni un sólo encuadre es desacertado... en
definitiva, asistimos a un arranque que te deja suspendido en su
historia, en su ambientación y en todos aquellos conflictos presentados
de forma absolutamente impecable. La elegancia y la sinuosidad con que se mueve todo, hacen que cuando
llega el auténtico clímax uno esté expectante, palpitante ante esa calma
tensa, fría, abrupta, turbia y gradual que se da cita en esos momentos
donde todo llega a extremos inhóspitos, donde la venganza permanece como
un instinto secundario con tal de proteger y cobijar todo aquello que
es propio, que nos acompaña y nos arropa. Y es que, tras un arranque
esplendoroso, su desarrollo aun se retuerce más y te envuelve en un
relato en el cual los acontecimientos empujan imprevisiblemente a sus
protagonistas y les desbordan, les oprimen, les ponen en la punta del
iceberg, en una cuerda tensa y fina que, en cualquier momento, podría
romperse, temblorosa, y dejarles inmersos en la más absoluta angustia. Los intérpretes en "El padrino" son anulados, no existen, el personaje
se desvanece y deja paso a la persona, a personas que te dejan en el
borde del abismo, que marcan tu afán por seguir sus pasos, comprender su
inquebrantable honestidad hacía todos aquellos seres a los que aman y
aprecian, en definitiva, hacía su propia familia, al lado de la cual han
medrado, han aprendido y llegado a ser lo que son, y han pulido sus
virtudes y desarrollado sus defectos, virtudes y defectos que se
destapan una y otra vez, que aparecen sin reparos, impulsivamente, y que
te dejan extasiado y en un estado de cautela sepulcral, que te hace
enmudecer y observar en el más absoluto silencio cada gesto, cada
mirada, cada movimiento con tal de comprender porqué sucede lo que
sucede y cuan intensos pueden llegar a ser los sentimientos de cualquier
ser humano. Hablar sobre planos, fotografía, movimientos de cámara, encuadres,
vestuario y demás sería quedarse en la más absoluta nada tras seres que
te dejan encogido en la butaca y sin parpadear ni un sólo momento. Y eso
que la banda sonora se te queda grabada, porque por mucho que Vito,
Sonny, Michael, Tom o Kay capten tu atención del todo, genialidades como
la de Nino Rota nunca pasarían desapercibidas. Jamás. IMPERDIBLE.
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MINISERIES Y SERIES
THE
GILDED AGE
La Edad Dorada.
TEMPORADA COMPLETA
9 EPISODIOS
3 DISCOS.
- Título original
- The Gilded Age
- Año: 2022
- Duración: 500 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Julian Fellowes (Creador), Michael Engler, Salli Richardson-Whitfield
- Guion: Julian Fellowes, Sonja Warfield
- Música: Harry Gregson-Williams, Rupert Gregson-Williams
- Fotografía: Vanja Cernjul, Manuel Billeter
- Reparto: Christine Baranski, Carrie Coon, Cynthia Nixon, Morgan Spector, John Douglas Thompson, Ben Ahlers, Denée Benton, Michael Cerveris, Linda Emond, Taissa Farmiga, Katie Finneran, Amy Forsyth, Michel Gill.
- Productora: HBO, Universal Pictures Television. Distribuidora: HBO
- Género: Serie de TV. Drama | Drama de época. Siglo XIX
SINOPSIS: La historia arranca en 1882 con la mudanza de la joven Marian Brook de la zona rural de Pensilvania a la ciudad de Nueva York después de la muerte de su padre para vivir con sus tías adineradas. Acompañada por una aspirante a escritora que busca un nuevo comienzo, Marian se ve envuelta de forma inesperada en una guerra social entre una de sus tías, hija de la vieja riqueza, y sus vecinos tremendamente ricos, un magnate ferroviario despiadado y su ambiciosa esposa. Expuesta a un mundo al borde de la Edad moderna, ¿Marian seguirá las reglas ya establecidas por la sociedad o forjará su propio camino? EXCELENTE. Una de las series más esperadas de 2022 es La edad dorada, nueva creación de Julian Fellowes. El guionista es la cabeza pensante detrás del fenómeno de “Downtown Abbey”, por lo que esta incursión histórica es un aliciente para los fans de su carrera. Por lo tanto, es lógico que mantenga esa esencia del melodrama que tanto juego le dio con dicha serie. Sin embargo, en esta ocasión, traslada la acción a la Nueva York en 1882, donde las tramas se mueven en los tejemanejes de la alta sociedad neoyorquina, el negocio y, como no, las historias personales. Además, se une una multitud de personajes que muestran la intención de ofrecer un universo amplio, en el que son varios los protagonistas. Hay temáticas que invitan al interés, como el machismo y el racismo imperante, la diversidad sexual con visibilidad inexistente y el uso del poder. La variedad de temas que se muestran en pantalla permite que haya un enriquecimiento narrativo con potencial. Por ende, se refleja un cierto interés en saber cómo continuan las tramas. No obstante, uno de los conflictos que se presentan es la falta de sustancia en Marian Brook, personaje que lidera varias tramas principales. A pesar de ser la máxima protagonista, su contexto y situaciones no logran enganchar del todo a la audiencia. En consecuencia, se resquebraja parte de la fuerza de la ficción, al no verse bien canalizada por este personaje. Aun así, hay personajes que gozan de los matices que le faltan a Marian, como las hermanas Agnes y Ada, la familia Russell al completo, Oscar y Peggy. Igualmente, a partir del tercer episodio, se empiezan a vislumbrar líneas narrativas más interesantes y también en la parte menos lujosa de las casas. Una de las razones por las que La edad dorada puede sacar pecho es la elección del elenco actoral. En primer lugar, aplaudir la excelente labor de Carrie Coon como Bertha Russell. Desde el primer episodio se puede ver la gran potencia y el desgarro que hay en su forma de interpretar. Además, al convertirse en una de las antagonistas principales de la ficción, explora una actuación aún más compleja al dotarla de detalles de total sensibilidad. Asimismo, Christine Baranski está soberbia, con una presencia en pantalla que hace que su personaje adquiera una humanidad irónica en su punto. También se valora que enseñe a fuego lento distintos perfiles. Por otro lado, Cynthia Nixon actúa desde una perspectiva más tierna y agradable. Gracias a ello, conecta fácilmente con el público. Louisa Jacobson, como principal protagonista, regala una interpretación llena de luminosidad. Pese a no verse acompañada por el libreto en algunas ocasiones, tiene una expresividad muy cándida que eleva el resultado de su propio personaje. Por ello, hay que aplaudir saber mantener la calidad de su trabajo dramático, pese a no lograr todos los frutos que debiera por el texto. Después, Denée Benton realiza un trabajo a la altura de sus compañeras, con buena química con Jacobson, siendo un tándem agradable en pantalla. Por otra parte, Taissa Farmiga y Blake Ritson comienzan demasiado tibios, faltándoles una mayor dosis de energía. Aun así, van mitigándolo con el pasar de los episodios. El elenco global de la serie es muy numeroso, destacando una sinergia natural entre todos ellos para formular este universo televisivo. La edad dorada apuesta por un drama de época, que mejora narrativamente en la forma en la que aborda ciertos temas sociales. Sin embargo, hay partes que se difuminan con el resto de historias corales, lo que provoca que haya esa sensación de opacamiento. Aun así, se valora que enganche con tramas, aparentemente, más secundarias, así como la exposición del poder y de la desesperación. A nivel actoral, se forma un elenco unido y comprometido, con una química especial y agradable. Por otra parte, a nivel técnico, es una auténtica maravilla, una factura impecable que demuestra el gran trabajo que hay detrás de las cámaras con esta serie. Los dramas del siglo XIX de las clases favorecidas, y las que no lo son, se dan cita para cautivar al espectador con sus actores y la magnitud visual que adquiere. IMPERDIBLE.
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BASADA EN HECHOS REALES
MINISERIE COMPLETA.
6 EPISODIOS
2 DISCOS.
- Título original
- Sacha
- Año: 2021
- Duración: 300 min.
Francia- Dirección: Léa Fazer
- Guion: Nicole Castioni, Léa Fazer, Mathilde Henzelin, Flavien Rochette
- Música: Nicolas Rabaeus
- Fotografía: Quentin de Lamarzelle
- Reparto: Sophie Broustal, Thibaut Evrard, Michel Voïta, Karine Guignard, Isabelle Caillat, Thierry Jorand, Estelle Bridet, Vanille Lehmann, Stéphanie Schneider, Christian Mukuna, Roland Vouilloz, Leon David Salazar, Vincent Babel.
- Productora: Coproducción Francia-Suiza; Rita Productions
- Género: Drama | Miniserie de TV
SINOPSIS: Anne Dupraz, una respetada fiscal de Ginebra, está detenida por haber disparado a un hombre, ahora entre la vida y la muerte. Admite su culpabilidad pero parece incapaz de explicar su acto. Su interrogatorio y el de sus familiares permitirán a Anne liberarse por fin de su pasado. EXCELENTE. Gracias al éxito de series estéticamente potentes y narrativamente intrigantes como la cautivadora Banking District, las series de televisión suizas han podido demostrar que saben exactamente lo que están haciendo. Sacha es uno de esos exponentes, miniserie intensa y algo desestabilizadora dirigida por Léa Fazer, es una de esas producciones televisivas con un alto potencial estético y narrativo. que promete mantener al público al borde de sus asientos a través de su innegable tensión dramática y nervio considerable. Basada libremente en la vida de la ex jueza de Ginebra Nicole Castioni, relatada por esta última en su autobiografía Le soleil au bout de la nuit (1998), Sacha es un thriller psicológico que aborda de frente temas delicados como como la prostitución, la trata de personas, el abuso sexual y psicológico, el incesto y el crimen organizado. Cincuenta días de intenso rodaje permitieron a la directora Léa Fazer (en estrecha colaboración con Nicole Castioni, que ayudó a escribir el guión) elaborar una historia que combina hábilmente la historia real de la juventud de Castioni -marcada por cinco años de manipulación y relaciones violentas- y la elemento ficticio del protagonista desmantelando una peligrosa operación de trata de personas. IMPERDIBLE.
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MINISERIE COMPLETA.
6 EPISODIOS
2 DISCOS.
- Título original
- Germinal
- Año: 2021
- Duración: 360 min.
- Francia
- Dirección: David Hourrègue
- Guion: Julien Lilti, Samir Oubechou, Chérif Sais, Loïc Barrere.
- Música: Audrey Ismael
- Fotografía: Xavier Dolléans
- Reparto: Louis Peres, Guillaume de Tonquedec, Alix Poisson, Thierry Godard, Jonas Bloquet, Stefano Cassetti, Jack Claudany, Sebastien Colaert, Sami Bouajila, Natacha Lindinger, Rose-Marie Perreault, Steve Tientcheu, Aliocha Schneider.
- Productora: GéTéVé
- Género: Miniserie de TV. Acción | Siglo XIX. Trabajo/empleo
SINOPSIS: Germinal es una miniserie drama histórico que se basa en la novela
homónima de Emile Zola y que sigue la huelga de mineros del carbón en el
norte de Francia durante 1860. La historia gira en torno a Etienne
Lantier, que con 20 años huye de Lille tras agredir a un superior. En
su fuga, encuentra refugio en la ciudad minera de Montsou. Una vez
allí, se hace amigo de un minero veterano llamado Maheu, que le consigue
trabajo en la mina de carbón. Así comienza a descubrir las duras
condiciones de trabajo de los mineros y las humillaciones diarias que
sufren, por lo que comienza a hacer una revuelta. EXCELENTE. Fiel a la obra original de 1885, la
serie sigue la historia de un joven que huye al norte de Francia para
buscar trabajo en las minas de carbón. Allí, sus sueños chocan con la
realidad de la mina: un mundo sombrío y mísero que se cobra vidas y
apenas permite tener un plato sobre la mesa. Hostigados y derrotados,
los mineros deciden alzarse y planean una revuelta social que lo
cambiaría todo. La trascendencia de la novela, de
incalculable valor histórico, ha inspirado cinco películas y un musical,
pero nunca se había adaptado en formato de serie. Era necesario hacer
una serie que diera espacio a todos los personajes y fuera fiel al
espíritu de la obra original, explica el guionista, Julien Lilti ("Hipócrates").
Con más de 12 millones de euros de presupuesto, es la superproducción
de la temporada en el país galo, donde congregó a más de 4,4 millones de
espectadores durante su estreno. Realista, épica, dramática, esta ‘Germinal’ era necesaria, revive el ritmo de la novela original. El resultado es una obra maestra. IMPERDIBLE.
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PROTECTORES
TEMPORADA COMPLETA
8 EPISODIOS
3 DISCOS.
- Título original
- Los protectores
- Año: 2022
- Duración: 400 min.
- Argentina
- Dirección: Marcos Carnevale
- Guion: Marcos Carnevale
- Fotografía: Guillermo Romero
- Reparto: Adrián Suar, Andrés Parra, Jorgelina Aruzzi, Gustavo Bermúdez, Laurita Fernández, Mercedes Scapola, Mirela Payret, Viviana Saccone, Yayo Guridi, Macarena Paz, Abril Di Yorio, Gabriel Schultz
- Productora: Kapow. Distribuidora: Disney Media Distribution, Star+
- Género: Serie de TV. Drama. Comedia | Deporte. Fútbol
SINOPSIS: La historia se centra en tres representantes de fútbol que se encuentran en decadencia, ya que están en una situación económica difícil y deberán ingeniárselas para salir de la quiebra, formando así una alianza entre los tres, sin embargo, aparecerá una estrella del fútbol internacional y empezarán a disputarse por él hasta que deciden hacer una unión transitoria: un trabajo de protectores. MUY BUENA. Los proyectos a medida, como los trajes, tienen su cuota de riesgo. La confección de esa historia que calce a la perfección con las expectativas de sus responsables puede ser un arma de doble filo, porque es probable que en el camino queden elementos, hijos del riesgo, que habrían mejorado el resultado final pero no fueron tenidos en cuenta. Los protectores es uno de estos casos. Amigos y socios por herencia recibida, Renzo “Mago” Magoya (Adrián Suar) y Carlos “Conde” Mendizábal (Gustavo Bermúdez) sienten que no están a la altura del legado paterno como representantes de jugadores. Y algo de razón tienen, porque la precariedad de su nómina habla por sí misma. Un hecho fortuito hace que un “Maradona” llamado Marcio Pérez (Lautaro Rodríguez) se enamore de la sobrina de Renzo. Sumarlo a los activos de la agencia es la luz al final del túnel para los amigos, aunque eso implique una asociación forzosa con Reynaldo “Colombia” Morán (Andrés Parra), actual representante del futbolista que no piensa perderse el negocio de una prometedora venta al exterior. Si en lo profesional el trío se presenta bastante alineado, también lo está en lo personal. De la peor manera. Mientras Mago lidia con su separación, Colombia descubre que su mujer le es infiel y Conde busca la manera de congeniar tres matrimonios fallidos que se niega a soltar. Otra coincidencia que une al grupo. Por ahí anda también Paulita (Laurita Fernández, cada vez más y mejor asentada en la actuación), secretaria de la sociedad con baja autoestima, y enamorada de uno de sus jefes. Planteado el punto de partida, los ocho capítulos de la primera temporada de Los protectores (ya está en marcha la segunda) pivotearán sobre estos temas, con las consabidas idas y vueltas que cualquier comedia que se precie ostenta, y no mucho más. El elenco es el punto más fuerte de la propuesta. Imposible pensar en otro Renzo “Mago” Magoya que no sea Adrián Suar. El actor mantiene intacto al paso del tiempo ese timing perfecto para la comedia de situaciones. En este caso acompañado por un brillante Andrés Parra en su paso de la seriedad a la caricatura. Completa los vértices de este triángulo equilátero de amistad Gustavo Bermúdez, cuyo personaje es el cable a tierra y la voz de la razón. El actor -al que es un placer volver a ver en pantalla- contrarresta la estridencia de sus compañeros con un tono medido, cercano. La amalgama de los tres es perfecta, a tono con la dirección de Marcos Carnevale, que de género sabe. Y mucho. MUY RECOMENDABLE.
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GANADORAS DEL
OSCAR 2022
SOUL
...Or, When the Revolution Could Not Be Televised.
Verano del Soul... o cuando la revolución no fue televisada.
Ganadora de 1
PREMIO OSCAR 2022
"MEJOR DOCUMENTAL"
- Título original
- Summer of Soul (...Or, When the Revolution Could Not Be Televised)
- Año: 2021
- Duración: 117 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Questlove
- Fotografía: Shawn Peters
- Reparto: Documental, Stevie Wonder, B.B. King, Nina Simone, Abbey Lincoln, Mahalia Jackson, Moms Mabley, Jesse Jackson, Mavis Staples, David Ruffin, Cal Tjader, The 5th Dimension, Sly and The Family Stone.
- Productora: Concordia Studio, Mass Distraction Media, Radical Media, Vulcan Productions
- Género: Documental | Documental sobre música. Años 60. Años 70
SINOPSIS: Explora el legendario Harlem Cultural Festival celebrado en los Estados
Unidos en 1969. En él se rindió homenaje a la cultura y música
afroamericana, además de promover el 'black pride' y la unidad entre
personas de una misma raza. EXCELENTE. Cincuenta años ha estado en un cajón la grabación del concierto “Harlem
Cultur Festival” que tuvo lugar en Nueva York en Agosto de 1969 y
coincidía en las mismas fechas con el festival de “Woodstock” que se
celebraba en una granja de ese mismo estado y se convirtió en el
festival de Rock más icónico de la historia, aunque si nos atenemos a lo
visto y oído en este documental, no tuvo nada que envidiarle ni en lo
musical, ni en lo emocionante ni en la impronta posterior, no solo para
la comunidad afroamericana, sino para la latina y el resto de minorías
étnicas que conviven en “la gran manzana”. “Summer of Sound” es un documental emocionante, vibrante y
extraordinario reflejo de la misma época que Woodstock, pero con las
características y peculiaridades de la población negra, sus ritos,
músicas y maneras de sentir que van desde el Góspel espiritual profundo,
al Funk pasando por el Blues, el Rhythm and blues e incluso música
tribal afroamericana y también latina, hay que recordar que en Harlem
había también una importante población puertorriqueña; ¡Menudo
espectáculo! y todo esto a la luz del sol porque no había ya presupuesto
para luces, ni falta que hacía. No hay ni un solo relleno entre los intérpretes, todas las actuaciones
son increíbles, pero por destacar algunas me quedaría con una
arrebatadora y reivindicativa Nina Simone, B.B. King reina en el
escenario de qué manera, Stevie Wonder, jovencísimo, da una clase
magistral como artista total, Sky & The Family Stone es una
auténtica fiesta de diversidad y multiculturalidad y si Mahalia Jackson
te puso los pelos de punta en el funeral de “juanita” en la película
“Imitación a la vida”, aquí simplemente no hay adjetivos para definirla
porque está en otro nivel. Una película imperdible para cualquier amante de la buena música o que
quiera conocer algunas claves de la lucha afroamericana en los Estados
Unidos. IMPERDIBLE.
-
2021: Premios Oscar: Mejor Documental.2021: Premios BAFTA: Nominada a mejor montaje y mejor documental2021: Sundance: Mejor documental y Premio del Público (documental)2021: National Board of Review (NBR): Mejor documental2021: American Film Institute (AFI): Premio Especial AFI2021: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor documental y montaje2021: Premios Independent Spirit: Nominado a mejor documental2021: Sindicato de Productores (PGA): Nominado a mejor documental2021: Sindicato de Directores (DGA): Nominado a mejor dirección / Documental2021: Asociación de Críticos de Chicago: Mejor documental2021: Asociación de Críticos de Boston: Mejor documental2021: Premios Gotham: Nominado a mejor documental2021: Satellite Awards: Nominado a mejor documental.
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DRIVE
MY
CAR
Drive my Car.
Ganadora de 1
PREMIO OSCAR 2022
"MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA"
- Título original
- Doraibu mai
- Año: 2021
- Duración: 179 min.
Japón- Dirección: Ryûsuke Hamaguchi
- Guion: Ryûsuke Hamaguchi, Takamasa Oe. Historia: Haruki Murakami
- Música: Eiko Ishibashi
- Fotografía: Hidetoshi Shinomiya
- Reparto: Hidetoshi Nishijima, Tôko Miura, Reika Kirishima, Sonia Yuan, Satoko Abe, Masaki Okada, Perry Dizon, Ahn Hwitae
- Productora: Bitters End, C&I Entertainment, Culture Entertainment, Asahi Shimbun. Distribuidora: Bitters End, The Match Factory
- Género: Drama | Teatro
SINOPSIS: Pese a no ser capaz de recuperarse de un drama personal, Yusuke Kafuku,
actor y director de teatro, acepta montar la obra "Tío Vania" en un
festival de Hiroshima. Allí, conoce a Misaki, una joven reservada que le
han asignado como chófer. A medida que pasan los trayectos, la
sinceridad creciente de sus conversaciones les obliga a enfrentarse a su
pasado. EXCELENTE. 'Drive my car' es la mayor cumbre que ha alcanzado el cine de Hamaguchi
hasta el momento. Una obra en la que se condensan elementos presentes en
muchas de sus primeras películas, como la introducción del teatro que
era el alma de 'Intimacies', la infidelidad de 'Passion' o la
complejidad emocional de 'Asako I y II. Por lo que tengo entendido, la obra se inspira en un relato de Murakami
pero difiere bastante del mismo. Dentro de sus tres horas de duración
podemos diferenciar claramente dos partes separadas entre sí por un
salto temporal. La primera hace hincapié en plasmar la peculiar relación
entre el protagonista y su mujer, con un tono sensual por momentos que
le sienta muy bien. Esta parte introduce la complejidad emocional que
rige su relación y que será la base para las segunda parte, que ocupa
prácticamente las dos horas posteriores del metraje. En esta segunda parte es donde se introduce por fin al personaje
principal femenino, una mujer joven poco habladora y muy diligente con
su trabajo con la que el protagonista conectará a través del dolor y de
las cicatrices que han marcado sus vidas, creando entre sí un vínculo
que conseguirá calmar y consolar el dolor que ambos arrastran de una
forma muy íntima y sincera. Hamaguchi ya había usado el coche -o el metro- en otras de sus películas
como espacio íntimo para desarrollar conversaciones profundas, pero
aquí está en otro nivel. Especialmente interesante el uso del propio
silencio para intensificar las pocas palabras que se recitan en ciertos
momentos. Hamaguchi siempre maneja esto de una manera que resulta
cautivadora. La integración de la obra de teatro es un elemento muy interesante,
tanto por el carácter multilinguístico de la obra como por la forma en
que exprime la posibilidad de introducir personajes secundarios que
alimentan la trama principal. Los ensayos y la ejecución de la obra se
llevan algunos de los mejores momentos de la película, especialmente con
la mujer coreana muda que interpreta mediante el lenguaje de signos. Todo esto hace que las 3 horas de metraje transcurran con una velocidad
pasmosa, a diferencia de lo que ocurría en 'Happy Hour' donde los
minutos pesaban más. Sorprendentemente, no es una película densa pero
tiene un calado emocional muy profundo. El contraste entre la
complejidad emocional y la sencillez con la que va poco a poco liberando
ese nudo es maravillosa. El estilo de Hamaguchi, especialmente en esas
conversaciones sin cortes donde los diálogos y el silencio se dan la
mano, me resulta completamente arrebatador. Es, sin duda, una de las mejores películas japonesas actuales que he visto en mucho tiempo. IMPERDIBLE.
-
2021: Premios Oscar: "Mejor Película de Habla no Inglesa"2021: Globos de Oro: Mejor película de habla no inglesa2021: Premios BAFTA: Mejor película en habla no inglesa2021: Festival de Cannes: Mejor guion y Premio FIPRESCI2021: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película2021: Círculo de Críticos de San Francisco: Mejor película habla no inglesa. 5 Nom.2021: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor película y guion2021: Critics Choice Awards: Mejor película habla no inglesa2021: Premios Independent Spirit: Mejor película extranjera2021: Asociación de Críticos de Chicago: Mejor película extranjera. 6 nominaciones2021: Asociación de Críticos de Boston: Mejor película, dirección, actor y guion2021: Premios Gotham: Mejor película internacional2021: Satellite Awards: Nominada a mejor película de habla no inglesa2021: Premios César: Nominada a mejor película extranjera.
TRAILER
Duna.
Ganadora de 6
PREMIOS OSCAR 2022
INCLUYENDO
"MEJOR FOTOGRAFÍA"
"MEJORES EFECTOS ESPECIALES"
"MEJOR EDICIÓN"
- Título original
- Dune
- Año: 2021
- Duración: 155 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Denis Villeneuve
- Guion: Eric Roth, Denis Villeneuve, Jon Spaihts. Novelas: Frank Herbert
- Música: Hans Zimmer
- Fotografía: Greig Fraser
- Reparto: Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac, Josh Brolin, Jason Momoa, Stellan Skarsgård, Zendaya, Javier Bardem, Sharon Duncan-Brewster, Charlotte Rampling, Chang Chen, Stephen Henderson, Dave Bautista.
- Productora: Legendary Pictures, Villeneuve Films, Warner Bros.. Distribuidora: Warner Bros.
- Género: Ciencia ficción. Aventuras. Drama | Aventura espacial. Cine épico
SINOPSIS: Arrakis, el planeta del desierto, feudo de la familia Harkonnen desde
hace generaciones, queda en manos de la Casa de los Atreides después de
que el emperador ceda a ésta la explotación de las reservas de especia,
una de las materias primas más valiosas de la galaxia y también una
droga capaz de amplificar la conciencia y extender la vida. El duque
Leto (Oscar Isaac), la dama Jessica (Rebecca Ferguson) y el hijo de
ambos, Paul Atreides (Timothée Chalamet), llegan al planeta con la
esperanza de recuperar el renombre de su casa, pero pronto se verán
envueltos en una trama de traiciones y engaños que les llevarán a
cuestionar su confianza entre sus más allegados y a valorar a los
lugareños, los Fremen, una estirpe de habitantes del desierto con una
estrecha relación con la especia. EXCELENTE. Dune
parte 1 (Aviso a navegantes, es "sólo" la adaptación de la primera
mitad de la novela. Pero que no se alarme nadie, aunque la historia se
siente que tiene mucho más que contar, la peli se siente con final y
acabada) es una de esas pelis que "ya no se hacen". La industria,
exceptuando con los superhéroes donde si hemos visto
alguna película enorme, hace años que no tiende a estos ejercicios
mastodónticos como el que tenemos en Dune. Quizás habría que remontarse
al señor de los anillos para ver una producción de este calibre. Y es
que, señoras y señores, Villeneuve ha creado (con la ayuda de la novela)
un universo para nosotros. Y lo hace de una forma MARAVILLOSA.
Visualmente Dune es increíble. Ni más ni menos. Todo lo que aparece en
la cinta, desde los distintos planetas que vemos, pasando por las
batallas y finalizando por las criaturas... son puro arte visual. Esto
demuestra que este hombre está sobrado de talento y sabía que tenía
entre manos un diamante por pulir. Todos los detalles están cuidados.
Arrakis tiene personalidad propia y, sinceramente, casi que puedes
"sentir" el calor que desprende. Pero no sólo es bueno lo estético en
Dune, que va. El guion es su gran
fortaleza. La misión de adaptar esta novela era muy complicada: son
muchos personajes, distintas culturas extraterrestres y hay muchísimo
"lore" en esas páginas. Seguramente, en otras manos, esto habría
derivado en sobre explicar de forma aburridísima o en intentar ir
deprisa y corriendo a la acción y acabar siendo un galimatías
inentendible. Villeneuve opta por la tercera vía, valorar al espectador
y, sencillamente, enseñar su creación. Simplemente, nos enseña el mundo.
Por medio de los diálogos nos permite que conozcamos a los personajes
de
primera mano y les entendamos a ellos y sus costumbres. Y, además, nos
sirve para que nos familiaricemos con toda esa información que nos debe
soltar para que no estemos perdidos a la deriva en un mar de dunas. Creo
que el manejo del hilo narrativo es una "master class". No es una
peli, para nada, lenta ni contemplativa. No es Blade Runner 2049, ni
tampoco la llegada. Los momentos más pausados son los que necesitamos
para presentaciones de mundo y personaje. El resto es pura épica,
tensiones políticas y, como no, acción trepidante (y muy bien rodada,
dicho sea de paso, usando menos CGI del que parecía y añadiendo,
incluso, ciertos momentos con aires de "terror"). En cuanto a la
construcción de personajes (y la dirección de actores) solo puedo
comentar que es brillante. Desde Timothée Chalamet hasta Zendaya (que
sale super poquito) pasando
por Oscar Isaac o Momoa y acabando en la Maravillosa Rebecca Ferguson.
Ella es la que más brilla, por derecho propio y la Dama Jessica que
interpreta es de lo mejor de la peli. Las escenas con Isaac son pura
química. Hablar sin palabras. P Realmente, todo esto lo dice alguien que
era muy escéptico a cómo
iban a adaptar este universo. Pero debo reconocer que me han callado la
boca. Podríamos entrar en sí hay más o menos cambios respecto al libro
pero, sinceramente, creo que no merece la pena. El cine tiene su propio
lenguaje y cómo tal debe funcionar (y funciona) esta cinta. Dónde han
sabido modificar de orden, añadir o suprimir lo necesario para crear
este peliculón. Gracias Villeneuve. IMPERDIBLE.
-
2021: Premios Oscar: Ganadora de 6 premios oscar.2021: Globos de Oro: Mejor banda sonora. 3 nominaciones2021: Premios BAFTA: 11 nominaciones, incluyendo mejor película y mejor reparto2021: Festival de Venecia: Sección oficial (fuera de concurso)2021: National Board of Review (NBR): Mejores películas del año2021: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año2021: Critics Choice Awards: 10 nominaciones incluyendo mejor película y dirección2021: Asociación de Críticos de Los Angeles: Nominada a mejor fotografía2021: Asociación de Críticos de Chicago: Mejores efectos visuales. 6 nominaciones2021: Sindicato de Productores (PGA): Nominada a mejor película2021: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor dirección2021: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guion adaptado2021: Sindicato de Actores (SAG): Nom. mejores especialistas acción (Largometraje)2021: Satellite Awards: 10 nominaciones, incluyendo mejor película y mejor dirección.
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Belfast.
Ganadora de 1
PREMIO OSCAR 2022
"MEJOR GUIÓN: Kenneth Branagh"
- Título original
- Belfast
- Año: 2021
- Duración: 98 min.
Reino Unido- Dirección: Kenneth Branagh
- Guion: Kenneth Branagh
- Música: Van Morrison
- Fotografía: Haris Zambarloukos
- Reparto: Jude Hill, Lewis McAskie, Caitriona Balfe, Jamie Dornan, Judi Dench, Ciarán Hinds, Lara McDonnell, Gerard Horan, Turlough Convery, Sid Sagar, Josie Walker, Chris McCurry, Colin Morgan.s
- Productora: TKBC. Distribuidora: Focus Features
- Género: Drama | Años 60. Infancia. Familia
SINOPSIS: La película, un drama de madurez ambientado en los tumultos de la Irlanda del Norte de finales de los años 60, sigue al joven Buddy mientras navega por un paisaje de lucha obrera, cambios culturales radicales y violencia sectaria. Buddy sueña con un futuro glamuroso que lo aleje de los problemas, pero, mientras tanto, encuentra consuelo en su carismático padre y su madre, y en sus alegres abuelos. EXCELENTE. Belfast requiere cierta contextualización previa sobre el conflicto en la isla esmeralda. Tras el fin de la guerra civil en 1923, Irlanda quedo dividida en dos partes, Irlanda del Norte y la del Sur. Mientras que la zona sur se independizo de Reino Unido, el norte siguió bajo su mando. Este podría considerarse el punto de partida para las tensiones entre nacionalistas reunificadores y defensores de la soberanía británica. Junto a esto, las religiones (católicas y protestantes) también acentuaron la división entre los ciudadanos del norte y el sur, donde podías ser discriminados en ciertas zonas dependiendo de tu fe. El director nacido en 1960 creció en esta Irlanda donde las diferencias eran palpables. A la edad de nueve años, como el protagonista de la historia, conoció el verdadero terror. En 1969 comenzaba el denominado conflicto norirlandés, donde fuerzas paramilitares y fuerzas del Estado se enfrentaron sin cuartel hasta 1998, aunque sin llegar a alcanzar el estatus de guerra civil. El punto de visita cercano es el gran acierto de Belfast. Dentro de su contexto, los problemas que acontecen a la familia será la necesidad de emigrar ante esta escalada de violencia. Esto será fundamental para que muchas personas, aun sin conocer la historia de Irlanda, puedan empatizar con el relato. Desde esta cercanía veremos como se derrumba poco a poco un barrio gracias a las ideas extremistas de los grupos pro Reino Unido, que acusan a los católicos de "ocupar" su barrio. Es curioso como esta idea, a día de hoy, se sigue repitiendo con los inmigrantes en España, más si profesan una religión minoritaria. Todas estas ideas de fe y nacionalismos son desconocidas para el pequeño Buddy (nuestro protagonista) y solo es capaz de ver a sus vecinos como amigos antes que como un católico o protestante. Esta visión a pesar de ser algo simplificada, considero que traslada un buen mensaje, sobre pensando que el propio director pensó igual que el tras el estallido de toda esta agresividad. Belfast no pretende ser ni original ni rompedora. Surge de la necesidad de Branagh de expresar una parte importante de su infancia, y como relato personal, cumple con creces. Valoro mucho la manera en que como pudo emocionar tanto únicamente con tan pocos personajes. La sensibilidad de la familia protagonista atraerá todas la atención. Nos permitirá conocer un poco más a Irlanda desde la mirada más realista posible. Y como siempre he sentido debilidad por los relatos intimistas, considero Belfast una muy buena opción, para aquellos que buscan emoción e historia a partes iguales. Este podría considerarse el punto de partida para las tensiones entre nacionalistas reunificadores y defensores de la soberanía británica. Junto a esto, las religiones (católicas y protestantes) también acentuaron la división entre los ciudadanos del norte y el sur, donde podías ser discriminados en ciertas zonas dependiendo de tu fe. El director nacido en 1960 creció en esta Irlanda donde las diferencias eran palpables. A la edad de nueve años, como el protagonista de la historia, conoció el verdadero terror. En 1969 comenzaba el denominado conflicto norirlandés, donde fuerzas paramilitares y fuerzas del Estado se enfrentaron sin cuartel hasta 1998, aunque sin llegar a alcanzar el estatus de guerra civil. El punto de visita cercano es el gran acierto de Belfast. Dentro de su contexto, los problemas que acontecen a la familia será la necesidad de emigrar ante esta escalada de violencia. Esto será fundamental para que muchas personas, aun sin conocer la historia de Irlanda, puedan empatizar con el relato. Desde esta cercanía veremos como se derrumba poco a poco un barrio gracias a las ideas extremistas de los grupos pro Reino Unido, que acusan a los católicos de "ocupar" su barrio. Es curioso como esta idea, a día de hoy, se sigue repitiendo con los inmigrantes en España, más si profesan una religión minoritaria. Todas estas ideas de fe y nacionalismos son desconocidas para el pequeño Buddy (nuestro protagonista) y solo es capaz de ver a sus vecinos como amigos antes que como un católico o protestante. Esta visión a pesar de ser algo simplificada, considero que traslada un buen mensaje, sobre pensando que el propio director pensó igual que el tras el estallido de toda esta agresividad. Belfast no pretende ser ni original ni rompedora. Surge de la necesidad de Branagh de expresar una parte importante de su infancia, y como relato personal, cumple con creces. Valoro mucho la manera en que como pudo emocionar tanto únicamente con tan pocos personajes. La sensibilidad de la familia protagonista atraerá todas la atención. Nos permitirá conocer un poco más a Irlanda desde la mirada más realista posible. Y como siempre he sentido debilidad por los relatos intimistas, considero Belfast una muy buena opción, para aquellos que buscan emoción e historia a partes iguales. IMPERDIBLE.
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2021: Premios Oscar: Ganadora "Mejor Guion Original"2021: Globos de Oro: Mejor guion. 7 nominaciones2021: Premios BAFTA: 6 nominaciones, incluyendo mejor película2021: Festival de Toronto: Mejor película (Premio del Público)2021: National Board of Review (NBR): Top Films y mejor actor secundario (Hinds)2021: American Film Institute (AFI): Premio Especial AFI2021: Critics Choice Awards: 11 nominaciones incluyendo mejor película y dirección2021: Sindicato de Productores (PGA): Nominada a mejor película2021: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor dirección2021: Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor reparto y actriz sec. (Balfe)2021: British Independent Film Awards (BIFA): 11 nom. incluyendo mejor actriz (Balfe)2021: Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a mejor actriz secundaria (Balfe)2021: Satellite Awards: 13 nominaciones, incluyendo mejor película y mejor dirección2021: Festival de Sevilla: Sección Oficial (fuera de concurso)
TRAILER
RICHARD
Rey Richard.
Ganadora de 1
PREMIO OSCAR 2022
"MEJOR ACTOR PRINCIPAL: Will Smith"
- Título original
- King Richard
- Año: 2021
- Duración: 138 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Reinaldo Marcus Green
- Guion: Zach Baylin
- Música: Kris Bowers
- Fotografía: Robert Elswit
- Reparto: Will Smith, Demi Singleton, Saniyya Sidney, Aunjanue Ellis, Jon Bernthal, Tony Goldwyn, Andy Bean, Kevin Dunn, Craig Tate, Dylan McDermott, Katrina Begin, Andy Hoff, Jimmy Walker Jr.
- Productora: Star Thrower Entertainment, Westbrook Studios, Warner Bros., Overbrook Entertainment. Distribuidora: Warner Bros., HBO Max
- Género: Drama | Familia. Biográfico. Deporte. Tenis
SINOPSIS: Biopic sobre Richard Williams, un padre inasequible al desaliento que
ayudó a criar a dos de las deportistas más extraordinarias de todos los
tiempos, dos atletas que acabarían cambiando para siempre el deporte del
tenis. Richard tenía una visión muy clara del futuro de sus hijas y
sirviéndose de métodos poco convencionales, elaboró un plan que llevaría
a Venus y Serena Williams de las calles de Compton, California, al
olimpo de deporte convirtiéndolas en iconos legendarios. MUY BUENA. Aunque pareció una rara avis dentro de la programación del festival, el nuevo film del director de Monsters and Men
regaló un drama deportivo de noble espíritu clásico sobre el
surgimiento de las hermanas Venus y Serena Williams al panteón del tenis
mundial de la mano de su madre Brandi y sobre todo de su padre Richard.
La película será lanzada de forma comercial en cines de la Argentina el
próximo 2 de diciembre. Will Smith es no solo el protagonista sino también el productor -junto a
su esposa Jada Pinkett Smith- de esta película. De hecho, en el video
que se exhibió antes de la proyección en el Festival de Mar del Plata,
el actor apareció agredeciendo junto a las jóvenes coprotagonistas
Saniyaa Sidney y Demi Singleton. El director -que suele ser la estrella
de todo festival- brilló esta vez por su ausencia. Es que, así como está
contada, Rey Richard es una historia muy pertinente
para estos tiempos: una épica de superación en medio de múltiples
carencias, violencia y racismo. Y el matrimonio Smith no se perdió la
oportunidad de ponerse al frente. Durante el largo reinado de las hermanas Williams mucho cuestionaron los
métodos sádicos y manipulatorios de su padre Richard (Smith), pero en
esta película es poco menos que el héroe del relato, el cerebro detrás
del éxito. Sí, se lo ve estricto y exigente, pero es quien siempre toma
cada una de las decisiones que finalmente surgirán como acertadas.
Aunque los empresarios blancos lo subestimen, aunque los pandilleros
negros de Compton casi lo maten a golpes, aunque la Seguridad Social lo
visite para constatar que no es un padre abusivo, él siempre terminará
saliéndose con la suya. Cómo una familia afroamericana de clase
media-baja terminó dominando uno de los deportes más aristocráticos (y
más blancos) del universo es lo que Rey Richard
expondrán con lujo de detalles y haciendo gala de un bienvenido
clasicisimo. Tenemos a un padre obsesivo hasta lo enfermizo, una madre
que no se quedaba atrás (Oracene "Brandi" Williams es interpretada por
Aunjanue Ellis) y cinco hijas, dos de las cuales se convertirían en
tenistas prodigio desde muy pequeñas: Venus (Saniyaa Sidney) y Serena
(Demi Singleton). Como en todo buen relato de deportes (y no solo de
deportes) es esencial para que la narración crezca en tensión y emoción
el aporte de personajes secundarios y aquí se lucen también Tony Goldwyn
y Jon Bernthal como los entrenadores Paul Cohen y Rick Macci,
respectivamente. Si bien entre los créditos finales aparecen
materiales de archivo con los grandes momentos de las carreras de las
Williams, el film opta por mostrar la infancia y adolescencia de las
chicas, justo hasta que Venus -en 1994 y con solo 14 años- enfrenta en
su segundo partido como profesional a la por entonces número uno del
mundo, la española Arantxa Sánchez-Vicario. Es una sabia decisión del
guion de Zach Baylin, por supuesto. ¿Qué sentido tiene reconstruir algo
que todo amante del tenis sabe a la perfección? Sin embargo, como se
armó el imperio Williams (porque Richard más que un padre fue un
arquitecto o un ingeniero) es algo no tan conocido y que el film expone,
más allá de algunos lugares comunes del subgénero de ficciones
deportivas y omisiones como que el matrimonio se terminaría separando en
2002, con una indudable destreza narrativa old-fashioned, notables actuaciones y nobleza de espíritu. IMPERDIBLE.
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2021:Premios Oscar: Mejor Actor: (Will Smith)2021: Globos de Oro: Mejor actor drama (Smith). 4 nominaciones2021: Premios BAFTA: 4 nominaciones, incluyendo mejor actor (Will Smith)2021: National Board of Review (NBR): Top Films, actor (Smith) y secundaria (Ellis)2021: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año2021: Asociación de Críticos de Los Angeles: Nominada a Mejor actriz sec.2021: Critics Choice Awards: 6 nominaciones incl. Mejor película y Actor (Will Smith)2021: Sindicato de Productores (PGA): Nominada a mejor película2021: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guion original2021: Sindicato de Actores (SAG): Nominada a Mejor reparto y Actor (Smith)2021: Satellite Awards: 7 nominaciones, incluyendo Mejor película y Mejor dirección.
TRAILER
Señales del Corazón
Coda.
Ganadora de 3
PREMIOS OSCAR 2022
"MEJOR PELÍCULA"
"MEJOR ACTOR DE REPARTO Troy Kotsur"
"MEJOR GUIÓN ADAPTADO"
- Título original
- CODA
- Año: 2021
- Duración: 111 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Sian Heder
- Guion: Sian Heder
- Música: Marius De Vries
- Fotografía: Paula Huidobro
- Reparto: Marlee Matlin, Ferdia Walsh-Peelo, Emilia Jones, Amy Forsyth, Eugenio Derbez, Kevin Chapman, John Fiore, Troy Kotsur, Erica McDermott, Owen Burke, Rebecca Gibel, Molly Beth Thomas, Armen Garo.
- Productora: Vendome Pictures, Pathé Films, Picture Perfect Federation. Distribuidora: Apple, Apple TV+
- Género: Drama | Remake. Discapacidad auditiva. Familia. Música
SINOPSIS: Ruby (Emilia Jones) es el único miembro con audición de una familia de sordos. A sus 17 años, trabaja por la mañana con sus padres y su hermano en Gloucester, Massachusetts, antes de ir a clase, tratando de mantener a flote su negocio pesquero. Ávida de encontrar nuevas aficiones, Ruby decide probar suerte en el coro de su instituto, donde no sólo descubre una latente pasión por el canto, sino también una fuerte atracción física por la persona con la que realiza duetos. Su entusiasta profesor (Eugenio Derbez) ve algo especial en ella y la anima a que piense en la posibilidad de entrar en la escuela de música, algo que la obligaría a tener que tomar una decisión de cara a su futuro: o sus estudios, o su familia. EXCELENTE. Al ver "CODA", el drama tierno, animado, divertido y maravillosamente conmovedor que abrió el Festival de Cine de Sundance en 2021, tuve la experiencia de ver películas más hermosas que he tenido en el año desde que cerraron las salas de cine. Siân Heder, quien surgió como escritora y editora de historias en "Orange Is the New Black", ha dirigido solo un largometraje anterior ("Tallulah"), pero tiene el don: la esencia sagrada de cómo dar forma y crear un drama. que gira y burbujea y fluye. Hay toques atrevidos en “CODA”, como la forma en que se desarrolla el concierto de la escuela (rara vez has escuchado un silencio tan dorado). Y hay escenas que te conmoverán hasta la médula, como aquella en la que Frank escucha cantar a Ruby levantando las manos sobre sus cuerdas vocales. Como Ruby, Emilia Jones actúa con una pureza de sentimiento cautivadora y auténtica. Su Ruby es una chica de impulsos vibrantes, equilibrada entre Motown y los Shaggs, y más que eso, entre actuar como comunicadora de sus padres con el mundo exterior y comunicarles lo que realmente está en su mente. Todos ellos son grandes conversadores. Pero la historia que cuenta la película trata sobre lo que necesitan para escucharse. IMPERDIBLE.
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2021: Premios Oscar: Ganadora de 3 oscar Mejor Película, guion ad. y actor sec (Kotsur)2021: Globos de Oro: Nominada a mejor película - drama y actor de reparto (Kotsur)2021: Premios BAFTA: 3 nominaciones, incluyendo mejor actriz (Jones)2021: Festival de Sundance: 4 premios, incl. Gran Premio del Jurado - Mejor película2021: National Board of Review (NBR): Mejores películas independientes del año2021: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año2021: Critics Choice Awards: 4 nominaciones incl. mejor película y guion adaptado2021: Premios Independent Spirit: Nominada a mejor actor secundario (Kotsur)2021: Sindicato de Productores (PGA): Nominada a mejor película2021: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guion adaptado2021: Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor reparto y actor sec. (Kotsur)2021: Asociación de Críticos de Chicago: 2 nom. incluyendo mejor dirección novel2021: Asociación de Críticos de Boston: Mejor actor secundario (Troy Kotsur)2021: Premios Gotham: Mejor interpretación de reparto (Kotsur) y revelación (Jones)2021: Satellite Awards: 4 nominaciones, incluyendo mejor película.
TRAILER
TAMMY FAYE
Los Ojos de Tammy Faye.
(EN CINES)
Ganadora de 2
PREMIOS OSCAR 2022
"MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL: Jessica Chastain"
"MEJOR MAQUILLAJE"
- Título original
- The Eyes of Tammy Faye
- Año: 2021
- Duración: 126 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Michael Showalter
- Guion: Abe Sylvia
- Música: Theodore Shapiro
- Fotografía: Mike Gioulakis
- Reparto: Jessica Chastain, Andrew Garfield, Vincent D'Onofrio, Cherry Jones, Sam Jaeger, Fredric Lehne, Gabriel Olds, Chandler Head, Mark Wystrach, Lindsay Ayliffe, Dan Johnson, Louis Cancelmi, Randy Havens.
- Productora: Searchlight Pictures, Freckle Films, Odd Lot Entertainment, Semi-Formal Productions. Distribuidora: Searchlight Pictures
- Género: Drama | Biográfico. Religión. Años 70. Años 80. Televisión
SINOPSIS: Biopic del extraordinario ascenso, caída y redención de la
telepredicadora evangelista Tammy Faye Bakker. En los años 70 y 80,
Tammy Faye y su marido, Jim Bakker, pusieron en pie prácticamente de la
nada la red de cadenas religiosas más grande del mundo, así como un
parque temático, y gozaron de una inmensa popularidad gracias a sus
mensajes de amor, aceptación y prosperidad. Tammy Faye era legendaria
por sus pestañas indestructibles, su original forma de cantar y su
generosidad a la hora de acoger a personas de todo tipo. Pero no pasó
mucho tiempo antes de que las irregularidades financieras, las
rivalidades e intrigas y los escándalos derrocaran un imperio construido
con gran meticulosidad. MUY BUENA. La
real Tammy Faye fue una mujer carismática y con un talento innato
para cautivar con su dulce voz. Hija de una predicadora evangélica, fría
y puritana, incapaz de demostrarle su amor desde que fue una niña.
Tammy crecerá con esa carencia y convencida del gran poder de Dios.
Rachel LaValley, la peculiar madre de Tammy, está interpretada por
Cherry Jones, ganadora de varios Premios Emmy y Tony. Caracterizada por
un tremendo desapego hacia su hija mayor, será “el ojo crítico” que
desapruebe cualquier iniciativa de la joven. En Los ojos de Tammy Faye
es Jessica Chastain quien lleva todo el peso
de la película. Su inmersión en su papel es totalmente sublime, hasta el
punto de hacer empatizar con el personaje, de justificar incluso sus
errores. Da a entender que su deseo por captar la atención y el amor de
su madre, la llevarán a aquella desenfrenada cadena de despropósitos en
nombre del Señor. Lo más curioso de todo era su convencimiento de que
estaba siendo una
herramienta para Gloria de Dios. Una brillante impostora o una ingenua
“iluminada”, o quizás ambas cosas a la vez. Un autoengaño que iba más
allá de la intimidad. Existe un lucrativo negocio que es el de la
televenta. Antaño era
aprovechado por predicadores o “pastores evangélicos” con el propósito
de recaudar fondos con fines benéficos. Aprovechando la buena fe y la
necesidad, muchos de ellos se enriquecieron escandalosamente. Fue el
caso de Tammy Faye y de su esposo Jim Bakker. Éste último,
interpretado por Andrew Garfield, conocido en su papel en El
sorprendente hombre araña, era un ambicioso hombre, aunque mediocre.
Aprovechó el talento de su esposa que tenía para la canción y de sus
originales ideas. Lo más sorprendente es que en la actualidad ese
comercio sigue en
expansión, aprovechando otras tecnologías en paralelo, como los pagos
electrónicos. La venta online llegará a superar a la venta tradicional
en los comercios. A media que el negocio iba prosperando y sus proyectos
eran más y más ambiciosos, la pareja se iba distanciando. En Los ojos
de Tammy Faye se puede apreciar lo mismo que les ocurre a
otros matrimonios en el mundo. Terceras personas aparecen aportando el
interés que se ha perdido. Valorando lo que tu pareja ha dejado u
olvidado de aportar, bien sea en forma de atención o sexo. Y ahí
comienzan los problemas. Aprovechando esa brecha que, cada vez
más, se va abriendo, el enemigo intentará hundir ese soberbio negocio
con más de 20 millones de clientes o creyentes, en este caso.Una
estupenda película biográfica. Los ojos de Tammy Faye es una valiosa
mirada hacia la América profunda. Ascenso, caída y redención de una
popular pareja de telepredicadores, ambiciosos y con pocos escrúpulos.
Una mirada desde sus largas pestañas postizas y un aspecto extravagante
que supo “explotar” muy bien. Por otro lado, su candor y convencimiento
de que lo que hacía estaba bien, la redimen e incluso despierta una gran
simpatía y comprensión tras su precipitosa caída. Un largometraje muy
del gusto americano, veremos qué ocurre con los premios Oscar. MUY RECOMENDABLE.
-
2021: Premios Oscar: Ganadora de 2 Oscar Mejor Actriz, Mejor Maquillaje.2021: Globos de Oro: Nominada a mejor actriz principal drama (Jessica Chastain)2021: Premios BAFTA: Nominada a mejor maquillaje y peluquería2021: Festival de San Sebastián: Mejor interpretación protagonista (Jessica Chastain)2021: Critics Choice Awards: Nominada a mejor actriz (Chastain) y maquillaje2021: Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor actriz (Chastain)2021: Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a mejor actriz (Jessica Chastain)2021: Satellite Awards: Nominada a mejor actriz drama (Jessica Chastain)
TRAILER
OF DOG
El poder del Perro.
Ganadora de 1
PREMIO OSCAR 2022
"MEJOR DIRECTORA: Jane Champion"
- Título original
- The Power of the Dog
- Año: 2021
- Duración: 128 min.
Australia- Dirección: Jane Campion
- Guion: Jane Campion. Novela: Thomas Savage
- Música: Jonny Greenwood
- Fotografía: Ari Wegner
- Reparto: Benedict Cumberbatch, Jesse Plemons, Kirsten Dunst, Kodi Smit-McPhee, Thomasin McKenzie, Frances Conroy, Keith Carradine, Peter Carroll, Adam Beach, Karl Willetts, Geneviève Lemon, Yvette Parsons, Tatum Warren-Ngata.
- Productora: Coproducción Australia-Reino Unido-Nueva Zelanda; See-Saw Films, Max Films Productions, BBC Films, Brightstar Films, Max Films International, Cross City Films.
- Género: Western. Drama
SINOPSIS: Los acaudalados hermanos Phil (Cumberbatch) y George Burbank (Plemons) son las dos caras de la misma moneda. Phil es elegante, genial y cruel, mientras George es impasible, quisquilloso y amable. Juntos son copropietarios de un enorme rancho en Montana. Es un lugar donde la rápida modernización del siglo XX se mantiene y en el que la figura de Bronco Henry, el mayor cowbow que Phil ha conocido jamás, es venerado. Cuando George se casa en secreto con una viuda del pueblo, Rose (Dunst), Phil, sorprendido y furioso, lleva a cabo una guerra sádica e implacable para destruirla por completo usando a su afeminado hijo, Peter, como peón. EXCELENTE. El nuevo trabajo de la veterana cineasta neozelandesa Jane Campion (la responsable de "El piano (1993)"), que adapta la novela de Thomas Savage, es una película que viene avalada por sus premios en Venecia (mejor dirección) y Toronto (segunda película en la votación del público), cuya historia se desarrolla hace 100 años, en concreto en 1925, en un western moderno alejado de esas grandes películas clásicas del género de espacios abiertos. El protagonista es Phil Burkank, un vaquero con carácter, que vive en un rancho en Montana (aunque la película se ha filmado en Nueva Zelanda) junto a su hermano George. Su vida aparentemente tranquila cambiará cuando llega a ese lugar una mujer llamada Rose y su hijo Peter, lo que provocará la separación definitiva de los dos hermanas y el enfrentamiento, ya que George cambia su modo de comportarse para adaptarse a una vida más arcaica como la que lleva la recién llegada. Nos encontramos con un buen western, de gran nivel en aspectos visuales y con una historia de tensión que se va cociendo a fuego lento, con un tercio final que es magnífico en donde terminas de entender algunas situaciones que quedaban en el aire. Me costó entrar en la película, en la presentación de los personajes, pero una vez que la historia se vuelve más oscura con una atmósfera enigmática, sobre todo por un personaje secundario clave como el de Peter. Hay un gran trabajo en la dirección, en un proyecto muy bien planificado, a lo que podemos sumar una fotografía que sabe sacar el máximo partido de esos paisajes de Nueva Zelanda, con una gran recreación de época en una Montana neozelandesa, cuidando al máximo cada uno de los detalles para hacer creíble el relato. Otro de los aspectos más destacados es la banda sonora compuesta por Jonny Greenwood, una música de fondo que no es excesiva y que acompaña perfectamente al recorrido de los personajes por los diferentes escenarios, en la que seguramente sea la mejor banda sonora de lo que llevamos de año (muy diferente a la compuesta por el miembro de Radiohead para "Spencer", que requería un sonido más potente). El reparto está bastante bien, aunque no me termina de convencer la actuación de Jesse Plemons, con un Benedict Cumberbatch que está magnífico en una de las mejores interpretaciones de su carrera. Kodi Smit-McPhee interpreta a Peter, en el personaje más interesante de la película, y el actor australiano demuestra que es el joven intérprete ideal para un western como "El poder del perro". Kirsten Dunst está bien y cumple como Rose, en una de las mejores actuaciones de su carrera. IMPERDIBLE.
-
2021: Premios Oscar: Mejor Directora.2021: 3 Globos de Oro, incluyendo mejor película - drama y dirección. 7 nominaciones2021: Premios BAFTA: 8 nominaciones, incluyendo mejor película y mejor dirección2021: Festival de Venecia: León de Plata - Mejor dirección2021: Festival de Toronto: 2ª finalista a Mejor película (Premio del Público)2021: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año2021: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor dirección, actor y actor sec.2021: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor dirección, actor sec. y fotografía2021: Critics Choice Awards: 10 nominaciones incluyendo mejor película y dirección2021: Sindicato de Productores (PGA): Nominada a mejor película2021: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor dirección2021: Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor actor, actriz sec. y actor sec.2021: Asociación de Críticos de Chicago: 7 premios, incluyendo mejor película. 8 nom.2021: Asociación de Críticos de Boston: Mejor película en habla no inglesa y fotografía2021: Satellite Awards: Mejor reparto. 13 nominaciones, incluyendo mejor película.
TRAILER
SIDE
STORY
Amor sin barreras.
Ganadora de 1
PREMIO OSCAR 2022
"MEJOR ACTRIZ DE REPARTO: Ariana DeBose"
- Título original: West Side Story
- Año: 2021
- Duración: 156 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Steven Spielberg
- Guion: Tony Kushner. Libro: Arthur Laurents. Musical: Jerome Robbins
- Música: Leonard Bernstein
- Fotografía: Janusz Kaminski
- Reparto: Rachel Zegler, Ansel Elgort, David Alvarez, Ariana DeBose, Rita Moreno, Mike Faist, Josh Andrés Rivera, Corey Stoll, Brian d'Arcy James, Maddie Ziegler, Ana Isabelle, Reginald L. Barnes, Jamila Velazquez.
- Productora: Amblin Entertainment, 20th Century Studios. Distribuidora: 20th Century Studios
- Género: Musical. Romance. Drama | Drama romántico. Bandas/pandillas callejeras. Años 50
SINOPSIS: Los adolescentes Tony y María, a pesar de tener afiliaciones con
pandillas callejeras rivales, los Jets y los Sharks, se enamoran en la
ciudad de Nueva York en la década de los 50. Nueva versión del
legendario musical 'West Side Story', a su vez adaptación de una famosa
obra de teatro de Broadway, que modernizaba la historia de 'Romeo y
Julieta', de Shakespeare. EXCELENTE.
No hay muchos cineastas de categoría con agallas para escoger un
clásico
intocable de la historia del cine, atreverse a hacer un remake y salir
airoso. Aún menos salir triunfante. Pero Steven Spielberg está hecho de
otra pasta, es un genio redomado que ha vuelto a salirse con la suya y
vuelve a regalarnos una maravilla cinematográfica. La nueva versión de
West Side Story, que llega a las salas 60 años después del estreno de
Robert Wise que revolucionó la industria, es un viaje deslumbrante de
colores y alegrías, de homenajes al clásico, además de brindar una nueva
mirada a una historia que necesitaba un lavado de cara -en este caso
literal para la mayoría de intérpretes. Aunque los oráculos críticos que
rebuznan que la historia original de
Wise "era intachable" o "no necesitaba de nuevos maquillajes", Spielberg
por fin sitúa la historia en un contexto y escenarios completamente
creíbles. Los puertorriqueños son interpretados por actores y actrices
latinos, además de introducir de manera verosímil los diálogos en
español (y sus acentos). A Anybody se le deja de tratar como a un
monstruo y por fin es reconocido como un hombre trans. Los elementos del
guión original que habían hecho que la película caducara por los bordes
y en su corazón por fin han sido corregidos. La música del genio
Leonard Bernstein y todas las canciones de Stephen
Sondheim -quien falleció hace pocas semanas- se mantienen frescas, vivas
y deslumbrantes gracias a una puesta en escena excelente, unas
coreografías renovadas que recuerdan a los mejores números de la
original y a la modernidad que te permiten los recursos actuales como se
vió en La La Land. En el momento en que arranca la película, Spielberg
consigue una mística que abraza el espectador desde el primer minuto.
Además, el elenco escogido por el director es milimétrico: Ansel Elgort i
Rachel Zegler -que es su primer papel en cualquier proyecto- lo bordan.
Pero el reparto de secundarios es increible, destacando David Álvarez,
Ariana Debose y Mike Faist. El broche de oro es la aparición de Rita
Moreno (la Anita original) en un nuevo papel que vertebra la trama a la
vez que homenajea el film antiguo. Es inevitable analizar que esta
historia de amor, de un amor verdadero que capea temporales familiares y
raciales, esta construido en un romanticismo prácticamente dependiente y
tóxico. En eso Spielberg no se aleja de Wise ni del musical, pero se
enmarca en una corriente que pasa el filtro de la mirada actual. Y eso
es una satisfacción inmensa, dadas las circunstancias en las que falló
la anterior de hace seis décadas. Con todos estos elementos sobre la
mesa, la West Side Story de 2021 es
directa a la hora de calar su mensaje entre canciones: el amor siempre
debe prevalecer por encima del odio. Es preciso recalcar que la película
no es ni una versión alejada del clásico, ni tampoco una calcomanía
digna de los peores remakes de la historia -saludando a Gus Van Sant con
su horrible Psycho, por ejemplo-. Es una nueva mirada a una historia
marcada por el racismo, por la inmigración que inundó las calles de la
Costa Este de Estados Unidos y la violencia que estallaba entre los
barrios de Nueva York. Todo, envuelto en la esencia de la tragedia
shakesperiana. Spielberg rescata de Robert Wise esa alegría por celebrar
la vida que
nos brindan la mayoría de musicales, aunque bailen alrededor de una
historia dramática. Su capacidad innata por crear un estilo clásico de
cine, sumada a un talento inigualable por crear relato cinematográfico
dan un resultado estético, musical y interpretativo de alta categoría.
La nueva West Side Story es una verdadera maravilla que reclama que
miles de personas acudan a las salas de cine a enamorarse. IMPERDIBLE.
-
2021: Premios Oscar: Ganadora Mejor Actriz de Reparto.2021: 3 Globos de Oro,. incl. mejor película comedia o musical. 4 nominaciones2021: Premios BAFTA: 5 nominaciones, incluyendo mejor reparto2021: National Board of Review (NBR): Top Films y mejor actriz (Zegler)2021: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor actriz sec. (DeBose)2021: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor fotografía2021: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año2021: Critics Choice Awards: 11 nom., incluyendo mejor película y dirección2021: Sindicato de Productores (PGA): Nominada a mejor película2021: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor dirección2021: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guion adaptado2021: Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor actriz sec. (DeBose)
TRAILER
NO TIME
TO DIE
Sin tiempo para morir.
Ganadora de 1
PREMIO OSCAR 2022
"MEJOR CANCIÓN"
- Título original
- No Time to Die
- Año: 2021
- Duración: 163 min.
- Reino Unido
- Dirección: Cary Joji Fukunaga
- Guion: Neal Purvis, Robert Wade, Cary Joji Fukunaga, Phoebe Waller-Bridge.
- Música: Hans Zimmer. Tema: Billie Eilish
- Fotografía: Linus Sandgren
- Reparto: Daniel Craig, Léa Seydoux, Rami Malek, Lashana Lynch, Ralph Fiennes, Naomie Harris, Christoph Waltz, Ben Whishaw, Ana de Armas, Jeffrey Wright, Rory Kinnear, Dali Benssalah, Billy Magnussen.
- Productora: Danjaq, EON Productions, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Universal Pictures
- Género: Thriller. Acción. Aventuras | Espionaje. Secuela. James Bond
- Grupos: James Bond
SINOPSIS: Bond ha dejado el servicio secreto y está disfrutando de una vida
tranquila en Jamaica. Pero su calma no va a durar mucho tiempo. Su amigo
de la CIA, Felix Leiter, aparece para pedirle ayuda. La misión de
rescatar a un científico secuestrado resulta ser mucho más arriesgada de
lo esperado, y lleva a Bond tras la pista de un misterioso villano
armado con una nueva y peligrosa tecnología. EXCELENTE. En
Sin tiempo para morir Daniel Craig consiguió dos logros importantes
que no llegaron a tener ninguna de las encarnaciones previas de 007. Una
despedida por la puerta grande y el cierre de un ciclo argumental que
culmina una era en la historia de esta saga. En el pasado, al margen que
las películas no solían estar conectadas
entre sí, cuando un actor se retiraba de la franquicia por lo general lo
hacía con la producción más floja de ese período. Craig tuvo la suerte
de poder desarrollar un personaje que pudo
evolucionar con el paso del tiempo y se despide con una propuesta que se
animó a tomar riesgos artísticos. Un tema que no es menor para una
serie que siempre se sintió muy cómoda con sus tradiciones. Si tenemos
en cuenta todos los problemas que hubo con esta producción y
las numerosas escrituras que tuvo el guión, el resultado final más que
positivo es milagroso. El director Cary Fukunaga sorprende con el film
más emocional de James
Bond en las últimas décadas. Para encontrar un antecedente similar
habría que remontarse a 1969 con Al servicio secreto de su majestad que
fue pionera en retratar un perfil diferente de 007. En ese sentido la
canción con la que termina la nueva producción
establece un vínculo espiritual con aquella película y representa mucho
más que una simple referencia para el fandom. El gran aporte de Fukunaga
pasa por retratar un aspecto inédito de la
personalidad de Bond con un mayor sentimentalismo que se opone a ese
glaciar impenetrable que se había introducido en Casino Royale. Este es
un tema muy importante porque más allá de finalizar con este
perfil el ciclo Craig, la película también establece una transición de
lo que será el próximo Bond en la era post Me Too. Era inevitable que
esto ocurriera en algún momento ya que la existencia
de la saga siempre dependió de su adaptación a los cambios culturales.
La obra de Fukunaga da un paso importante a la hora de redefinir los
roles femeninos y una masculinidad menos tóxica en la relación de Bond
con las mujeres. Lashana Lynch en la trama asume el rol de la nueva
agente 007 cuando el protagonista pasa a retiro y luego forma una muy
buena dupla con Craig que logra ser divertida por las constantes
chicanas entre los personajes. Pese a todo es Ana de Armas, quien
acapara toda la atención con una de
las mejores chicas Bond que se concibieron en los últimos años. La
química que tiene con Craig (previamente establecida en Knives Out)
junto con la energía y el sentido del humor que ella le aporta al
personaje de una agente novata dejan una muy grata impresión.
Lamentablemente tiene un rol muy limitado porque el film luego se
concentra en Léah Seydoux que es de gran importancia dentro de la trama.
El director Fukunaga hace un gran trabajo con el suspenso y
sentimentalismo que le aporta a la historia, pero nunca se olvida que
esto es un film de la saga 007 y tampoco decepciona con la acción. En
esta cuestión sobresale la labor del chileno Alexander Witt, quien
colaboró previamente con Sam Mendes en los filmes previos dentro de este
campo. La secuencia inicial que elaboró donde pone toda la carne al
asador y finalmente hace lucir al Aston Martin en la era Craig es
impactante. Después incluye algunas persecuciones sólidas y hacia el
final su labor
se vuelve un poco más genérica, ya que el relato opta por darle más
espacio al drama. Sin tiempo para morir representaba la producción
número 25 de esta
franquicia y se esperaba que hicieran algo diferente y en ese sentido
los productores no defraudaron. Tomaron el riesgo de conducir a Bond por
otro camino y la despedida de
Craig en este rol tiene un impacto emocional notable, donde además él
consigue lucirse como actor. Pese a todo, el film no está exento de
algunas objeciones y
debilidades. En principio la gran decepción es Rami Malek del quien se
esperaba muchísimo más por el buen momento que atraviesa su carrera. El
villano que compone es terriblemente olvidable y el guión no lo
termina de aprovechar como artista. Aparece muy tarde en la trama y no
tiene espacio para sobresalir como lo hicieron en el pasado Javier
Bardem (el mejor antagonista del ciclo Craig) y Mads Mikkelsen, en un
rol más limitado en Casino Royale. Malek deja sabor a poco y queda la
sensación que cualquier actor
desconocido habría podido encarnar el mismo rol y no afectaba en
absoluto esta película. En lo personal también me decepcionó el modo en
que desaprovecharon a la organización Spectre que tenía un enorme
potencial y acá sus miembros terminaron reemplazados de un modo
humillante por una nueva facción de villanos. También le sobran 20
minutos al film que entra en un bache narrativo
antes de llegar del inicio del clímax pero tampoco es algo grave que
genere alguna molestia. Al margen de esas minucias Sin tiempo para morir
brinda una gran
conclusión del ciclo Craig con un espectáculo concebido para ser
disfrutado en una pantalla de cine. Cary Fukunaga, el primer director
americano en realizar una entrega de
esta saga, encuentra en este proyecto su gran introducción a las
producciones mainstream, luego de algunos proyectos fallidos y una labor
decente en la serie True Detective. Creo que su gran aporte reside en
adaptar el concepto de James Bond a
los nuevos paradigmas culturales con una transición orgánica que no se
siente forzada y era inevitable que ocurriera en algún momento. En
cuanto a Craig se despide un gran Bond que tuvo algunos altibajos en
el comienzo pero luego cuando el actor se soltó y se comprometió más
como productor ofreció momentos excepcionales. Los créditos finales
informan que 007 (el original, no la agente Nomi)
regresará en el futuro y queda la expectativa por conocer lo que nos
deparará el próximo ciclo de esta saga histórica del cine de acción. IMPERDIBLE.
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2021: Premios Oscar: Nominada a mejor canción, sonido y efectos visuales2021: Globos de Oro: Mejor canción original2021: Premios BAFTA: 5 nominaciones, incluyendo mejor film británico2021: Critics Choice Awards: Nominada a mejores efectos visuales y canción2021: Sindicato de Actores (SAG): Nom. mejores especialistas de acción (Largometraje)2021: Satellite Awards: Nominada a mejor canción.
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