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ESTRENOS DELA SEMANA
Vortex.
El Nuevo Film Del Director de Irreversible.
- Título original
- Vortex
- Año: 2021
- Duración: 142 min.
Francia- Dirección: Gaspar Noé
- Guion: Gaspar Noé
- Fotografía: Benoît Debie
- Reparto: Dario Argento, Françoise Lebrun, Alex Lutz
- Productora: Coproducción Francia-Bélgica-Mónaco;
- Rectangle Productions, Wild Bunch, Les Cinemas de la zone, KNM, Artemis Productions, Srab Films, Les Films Velvet, Kallouche Cinéma
- Género: Drama | Vejez / Madurez. Enfermedad
SINOPSIS: La historia sigue a una pareja de ancianos. Él tiene problemas de
corazón y ella padece Alzheimer. Una mirada cercana a la realidad de
este matrimonio que trata de lidiar con sus enfermedades y el paso del
tiempo. EXCELENTE. Vortex fue anunciada a escasos días de la inauguración del Festival.
Poco se sabía de ella: una divisa ("Life is a short party that will soon
be forgotten"), un protagonista (el consagrado director de giallo Dario
Argento) y una imagen (un rostro cubierto, quizá asfixiado, por una
sábana). Su estreno mundial —el más vespertino de todo el certamen—
estaba programado para las 11h de la noche en el Teatro Debussy. Sin
embargo, la alegría habitual de Bill Murray, ocupado repartiendo rosas
entre el público al terminar la proyección que precedía a Vortex,
retrasó su inicio hasta la madrugada. Mientras tanto, masas ingentes de
fanáticos de Gaspar Noé (el cuello de la chica de delante rezaba
IRREVERSIBLE en tinta negra) se amotinaban impacientes en la entrada.
Pero, ¿acaso la nocturnidad y posible alevosía no hacían sino añadir
expectación al último crimen del enfant terrible del cine francés
actual? Cuando por fin ocupo mi asiento —solo a unos metros por encima
del propio Noé, Dario y Asia Argento, Françoise Lebrun o Tilda Swinton,
entre otros— comienzo a inquietarme, embriagado por el sudor, los
aplausos y los gritos de emoción que presidían el auditorio. Sabía que
esto era lo más cercano que estaría a un espectáculo de gladiadores en
el s. XXI. ¿Quién sería el protagonista esta vez? ¿La sangre, el sexo,
la adicción, el incesto? Las luces se apagan y la pantalla se funde en negro. En la primera
escena, dos ancianos entrañables se comunican de ventana a ventana para
reunirse minutos más tarde y copa de vino en mano en el patio de su
inmueble parisino. La vida es bella y el mundo un lugar amable y
hermoso, así que me pregunto qué le esperará a nuestra pareja
octogenaria. ¿Una brutal violación de 9 minutos como en Irreversible?
¿Un angustioso viaje psicotrópico como en Climax? ¿O una muerte infeliz
como en Enter the Void? Pero nada de esto ocurre. Nos sorprendemos (creo
hablar asimismo por el resto de la audiencia) cuando lo único que se
cierne sobre los protagonistas es la vejez y sus inescapables miserias:
la enfermedad, la muerte, el olvido. A excepción de su magnífica primera escena, la pantalla de Vortex queda
dividida en dos durante la totalidad del metraje. Noé, influido por los
últimos días de su madre, transmite así su visión fatalista del trayecto
vital: un espacio reducido y bien acotado de soledades compartidas. De
esta forma dedica grosso modo una mitad a Argento y la otra a Lebrun.
Sus actuaciones, que recuerdan al Harry Dean Stanton de Lucky en tanto
que leyendas del cine que se interpretan a sí mismas en el epílogo de
sus vidas, son apabullantes. También merece una mención el papel de hijo
de Alex Lutz, próximo al camello desdichado de Enter the Void. Aunque Gaspar Noé recurre a medios más ortodoxos que de costumbre,
Vortex resulta tan demoledora y liberadora como cualquier otra de sus
películas. Sus similitudes evidentes al Amour de Haneke funcionan más
como homenaje que como copia. Es sincera, personal e inesperadamente
bonita. Cuando abandoné la sala tras una ovación de varios minutos,
recuerdo respirar el aire húmedo de la madrugada con el mar de fondo. Me
sentí feliz. IMPERDIBLE.
2021: Festival de San Sebastián: Mejor película.
TRAILER
DE LA CAVE
El hombre del Sótano.
- Título original
- L'homme de la cave.
- Año: 2021
- Duración: 114 min.
- Francia
- Dirección: Philippe Le Guay
- Guion: Philippe Le Guay, Gilles Taurand, Marc Weitzmann
- Música: Bruno Coulais
- Fotografía: Guillaume Deffontaines
- Reparto: François Cluzet, Bérénice Bejo, Jérémie Rénier, Martine Chevallier, Jack Claudany, Antoine Levannier, Jonathan Zaccaï, Denise Chalem, Ambroise Di Maggio, Sharif Andoura, François-Eric Gendron, Laëtitia Eïdo, Patrick Descamps.
- Productora: France 2 Cinema, Les Films des Tournelles, Big Sur Films, Cinémage 15, La Banque Postale Image 14, Sacem, Sofica Manon, France Télévision, Canal+, Ciné+, CNC
- Género: Thriller. Drama | Thriller psicológico. Basado en hechos reales.
SINOPSIS: En París, una pareja de orígenes judíos decide vender un sótano insalubre en el edificio donde viven. Un hombre normal y corriente, el señor Fonzic (François Cluzet), aparece para comprarlo. Hasta aquí nada inusual, pero el hombre, que resulta ser un negacionista del holocausto, se muda al sótano y lo convierte en su residencia permanente. La pareja, intenta desesperadamente cancelar la venta, sin éxito. Poco a poco, su presencia cambiará la vida de la pareja. MUY BUENA. Parece que tras la pandemia de COVID-19, la palabra "negacionista" tiene un significado más claro para nosotros y nosotras. Pero no son únicamente personas que no creen en la existencia del coronavirus, evidentemente. Abarcan todo un abanico de posibilidades que puede ir desde negar la existencia de las palomas –sí, has leído bien, dicen que las palomas son drones del gobierno para controlarnos– hasta desestimar acontecimientos globales como el 11S, entre otros. Y entre esos otros se encuentran los negacionistas del holocausto, quienes consideran que murieron muchísimas personas menos de las que se cuenta. El antisemitismo es una tendencia que destaca dentro de estos grupos, ya que las narrativas conspirativas se centran en señalar a ciertas personas o grupos sociales como creadores del mal. Este es el caso que presenta El hombre del sótano, además basado en las vivencias de un amigo del director. La manera en que se presentan las creencias de Jacques Fonzic (el comprador del sótano), un magnífico François Cluzet (Intocable, En un lugar de Francia) no hace más que plantar una semilla de duda tanto en torno a su persona como a sus pensamientos. Siempre se escuda en el derecho a la libertad de expresión para soltar por su boca cualquier comentario de lo más polémico. El juego del gato y del ratón, esos cambios de dinámicas entre dominante y dominado con el Simon (Jérémie Renier), quien le vende la propiedad, guían la trama por un camino enrevesado donde la moral es degradada y vejada de una manera que nada de aleja de lo que podemos encontrar en nuestro día a día. Si bien es cierto que en el filme prima el thriller y el suspense en torno a la situación con el inquilino negacionista del Holocausto, se suceden diferentes secuencias que pertenecen a otros géneros cinematográficos que pueden tener reminiscencias de la trayectoria del director (Normandía al desnudo, Las chicas de la sexta planta, Paseando con Molière). De esta manera, la intriga en relación a Cluzet se fragua de manera relativamente rápida, siendo mucho más progresiva la forma en que este acaba calando en la vida de la familia protagonistas, quienes ven su realidad completamente alterada. Asimismo, aparecen secuencias que podrían calificarse como dramáticas y otras que tienen un componente histórico importante, sobre todo al tratar el tema del Holocausto y el nazismo. Por otra parte, El hombre del sótano deja pequeñas salpicaduras de un humor de lo más ácido entre tanto malestar. Así se consigue hacernos digerir diferentes situaciones y conversaciones que, de otra manera, podrían incomodar y asquear a cualquiera. El sótano, desde siempre, ha sido protagonista de multitud de historias de terror. Y es que, siendo sincera, ¿Quién no le tendría miedo a un sótano? La puesta en escena de El hombre del sótano es muy acertada y siempre cuadra con la narrativa, de modo que la tensión se ve afectada por la imagen: lo que se muestra y cómo se muestra. Parece que tener a un señor casi anciano en un espacio cerrado sin ventilación y aparentemente sucio es una injusticia y esta es la manera en que el antagonista consigue hacerse con parte de la complicidad de quienes le rodean. Utiliza la pena como modo de infringir compasión. Y la compasión es un punto clave en la historia. Muy poca gente estaría de parte de Cluzet si no fuese porque este se presenta como un señor mayor en condiciones de pobreza. Obliga a los personajes a sentirse superiores a él, más afortunados, para así situarse por encima de ellos. Que su vivienda sea un sótano no es más que una argucia para conseguir que le escuchen. Y una vez se le da voz, ya no hay vuelta atrás. Además, cada ataque del propietario para intentar echarle no sirve para nada más que revictimizarle. La primera mitad de El hombre del sótano cumple a la perfección con su cometido, sin embargo en la segunda parte las cosas empiezan a complicarse. Y esa complicación entraña una especie de locura transitoria donde la narración pierde el sentido por momentos. Cuando las decisiones y acciones de las personas cuerdas son tan inverosímiles como las palabras de un negacionista, mala señal. Algunas de las Tener vecinos es complicado. Tener vecinos negacionistas del Holocausto es una faena. Pero es que tener vecinos negacionistas del Holocausto siendo judío es una movida, y de las gordas. Con sus sombras y sus luces, El hombre del sótano es un disfrutable thriller que cuenta con unas inquietantes y espléndidas interpretaciones que consiguen hacernos reflexionar sobre el amplificador social con el que cuentan los portavoces de estas ideas y la manera en que las aceptamos. IMPERDIBLE.
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GIRL
PICTURE
Tytöt tytöt tytöt.
- Título original
- Tytöt tytöt tytöt
- Año: 2022
- Duración: 101 min.
Finlandia- Dirección: Alli Haapasalo
- Guion: Ilona Ahti, Daniela Hakulinen
- Fotografía: Jarmo Kiuru
- Reparto: Aamu Milonoff, Eleonoora Kauhanen, Linnea Leino, Mikko Kauppila, Elias Westerberg, Oona Airola, Jantsu Puumalainen, Amos Brotherus, Pietu Wikström, Oksana Lommi, Cecile Orblin, Fathi Ahmed, Yasmin Najjar.
- Productora: Citizen Jane Productions
- Género: Drama. Romance | Amistad. Adolescencia.
SINOPSIS: Mimmi, Emma y Rönkkö son chicas en la cúspide de la feminidad, que intentan dibujar sus propios perfiles. En tres viernes consecutivos, dos de ellas experimentan los efectos conmovedores del enamoramiento, mientras que la tercera se lanza a la búsqueda de algo que nunca ha experimentado: el placer. MUY BUENA. Si esta descripción parece un tanto desordenada, es porque la película lo es, ya que Haapasalo pasa de escenas bastante realistas, que deberían tener un gran impacto emocional, al drama deportivo (probablemente la subtrama menos interesante de la película) y a una especie de maratón por la ciudad en busca de sexo. Mientras Rönkkö se centra en sus extraños ligues, decidida a ser admirada (Kauhanen es maravillosa en el papel, protagonizando historias absurdas e interminables dignas de Rose Nylund en Las chicas de oro), Emma y Mimmi comienzan una relación. Aquí es donde las cosas empiezan a fallar, ya que, aunque las intérpretes de Haapasalo están más o menos bien en sus papeles, no convencen cuando están juntas, especialmente en un contexto romántico. Sencillamente, es demasiado. En parte podría atribuirse a las protagonistas, anunciando constantemente que "quieren una nueva polla" para luego desmoronarse cuando sus padres ausentes las ignoran. Sin embargo, gran parte de la culpa recae sobre el ambicioso guion, que trata de retratar tantas experiencias como sea posible. Aunque el resultado final es desigual, estamos ante una película que claramente ha prestado atención a las voces actuales, ofreciendo lo que muchos han estado pidiendo: la orientación sexual de alguien no es un problema, el sexo es consensuado y no tiene por qué significar nada, y si alguien ve demasiada pornografía, se le llamará la atención. También es divertido ver cómo las historias sobre adolescentes han tenido que ponerse al día en cuanto a moda y maquillaje después del fenómeno de Euphoria. Si bien las cejas decoloradas de Mimmi y el labio rojo de Rönkkö transmiten el mensaje adecuado, no hay forma de prepararse para la imagen de un niño finlandés vestido como (lo siento) un proxeneta de los años 70. Por otra parte, lo que sí funciona es que, a pesar de todo el drama, Haapsalo presenta un mundo muy acogedor para las chicas. No hay una amenaza constante acechando a la vuelta de la esquina mientras deambulan por la ciudad, ni encuentros violentos. Honestamente, es un alivio. Considerando la cantidad de películas que emplean la agresión sexual como excusa para hacer avanzar la trama, o las que comienzan con el cadáver de otra chica en el maletero de un coche, uno podría llegar a creer que cuando una mujer regresa a casa sana y salva, la situación merece una celebración con champán. Este es probablemente el mayor logro de Girl Picture: resulta agradable ver a chicas que no tienen que lidiar con este tipo de problemas, sin pensar demasiado si pueden ir a un lugar y hablar con cierta persona. La película invita a probar cosas nuevas, en lugar de aconsejarte que tengas cuidado. Y si esto coloca a esta cinta en el reino de la fantasía, que así sea. Ser una chica debería ser divertido, y deberían poder verlo en pantalla. MUY RECOMENDABLE.
2022: Festival de Sundance: Premio del Público - Drama (World Cinema)
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F E M M I N A
THE CODE OF SILENCE
Femenina- Código de Silencio.
- Título original
- Una femmina
- Año: 2022
- Duración: 120 min.
Italia- Dirección: Francesco Costabile
- Guion: Lirio Abbate, Serena Brugnolo, Adriano Chiarelli, Francesco Costabile. Historia: Lirio Abbate, Edoardo De Angelis. Libro: Lirio Abbate
- Música: Valerio Camporini Faggioni
- Fotografía: Giuseppe Maio
- Reparto: Lina Siciliano, Fabrizio Ferracane, Anna Maria De Luca, Simona Malato, Luca Massaro, Vincenzo Di Rosa, Mario Russo, Pina Turco
- Productora: O' Groove, Tramp, Ministero della Cultura, Calabria Film Commission
- Género: Drama | Familia
SINOPSIS: Rosa es una joven rebelde que vive con su abuela y su tío en un lugar remoto de Calabria, en el extremo sur de Italia. La prematura muerte de su madre, cuando Rosa era una niña, ensombrece su vida actual. EXCELENTE. La rebelión de una joven contra su propia familia y contra la 'drangheta: esta tierra desconcertante llamada la propia mafia de Calabria. Una visita obligada para los amantes del género policíaco y dramático: representa un pueblo aislado dirigido por la organización criminal posiblemente más poderosa de la actualidad, WW. Sin glamour, descarnada, mostrando la enfermedad (¿y la debilidad?) de este mundo primitivo fundado en la ignorancia, la familia, la violencia, el silencio y el machismo. A la altura de los mejores en este tema (por ejemplo, el "Anime nere", menos original/visionario pero posiblemente más sólido en cuanto a la trama), es evidente la artesanía y el cuidado de la producción (es el debut de los directores). Gran cinematografía, música y al menos una docena de secuencias y escenas poderosas, hipnóticas e incluso de suspenso. En particular, la protagonista femenina tiene una mirada desafiante única y extremadamente expresiva de ojos negros (que supongo que podría haber usado un poco menos a menudo). Finalmente: ninguna palabra puede hacer justicia adecuadamente a la maravillosa escena final. IMPERDIBLE.
2022: Festival de Berlín: Competencia Oficial.
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Darkling.
- Título original
- Mrak
- Año: 2022
- Duración: 104 min.
Serbia- Dirección: Dusan Milic
- Guion: Dusan Milic
- Música: Kristian Eidnes Andersen
- Fotografía: Kiril Prodanov
- Reparto: Danica Curcic, Darren Pettie, Slavko Stimac, Nikola Kent, Nikola Rakocevic, Flavio Parenti, Nikola-Kole Angelovski, Slavisa Curovic, Miona Ilov, Sladjana Bukejlovic, Milica Miladinovic, Bojana Petkovic, Jovana Mihajlovic.
- Productora: Coproducción Serbia-Dinamarca-Bulgaria-Grecia-Italia; A_Lab, Eurimages, Film Deluxe International, Film Deluxe International, Filmski centar Srbije, Firefly Productions, Graal, RFF International, Space Rocket Nation, This and That Productions
- Género: Drama | Familia. Política
SINOPSIS: Se lee en las Naciones Unidas la carta de una niña de Kosovo, dedicada a su padre desaparecido, en la que aborda públicamente la difícil vida de los serbios, especialmente de los niños serbios que viven en los enclaves. MUY BUENA. En el rural al norte de Kosovo solo quedan algunas pequeñas comunidades serbias, dispersas por el territorio. Los protagonistas son una familia compuesta por el abuelo Milutin (Slavko Štimac), su nuera Vukica (Danica Ćurčić) y su nieta Milica (Milona Ilov). El hijo de Milutin desapareció hace casi un año, y mientras las otras familias están abandonando el lugar, ellos se quedan para esperarlo. Las tropas de la KFOR, encargadas de mantener la paz y proteger a los serbios en esta zona remota, están representadas por dos soldados italianos (Ivan Zerbinati y Flavio Parenti). Estos tienen una relación cercana con la familia: Vukica ha aprendido algo de italiano con un diccionario y los soldados pueden comunicarse con algunas palabras básicas de serbio. La mayor parte del tiempo no hay electricidad, por lo que los italianos cargan el móvil de Vukica en su base y les llevan baterías para la radio. Todas las mañanas, llevan a Milica y a otros niños a la escuela en un monasterio cercano, montados en su vehículo blindado. Pero cada vez hay menos niños que vayan todos los días. La película comienza en la oscuridad de la decrépita casa familiar. Unos fuertes golpes en el exterior y el ruido agitado de su vaca llevan a Milutin y Vukica a apartar un montón de muebles que habían apilado para bloquear la puerta, con la intención de ver qué está pasando. Milutin encuentra al animal muerto junto al alambre de espino que había colocado, así como huellas de botas en el barro. Por su parte, los soldados, cuya jurisdicción está limitada por innumerables trámites burocráticos, solo pueden sacar una foto y redactar un informe. Cuando un funcionario serbio visita a la familia, queda claro que incluso su propio gobierno los ha abandonado. A pesar de los miedos reales a los ataques albaneses y los lobos en los bosques cercanos, la película sugiere que hay fuerzas más oscuras involucradas. En varios momentos, el director de fotografía Kiril Prodanov filma a los protagonistas desde el bosque, entre las hojas, en una especie de visión circular, creando la impresión de que hay algo observándolos, y posiblemente no sea humano. Una noche, Milica sale corriendo de casa y se adentra en el bosque. El juego de luces y sombras, reforzado por encuadres variados y creativos, la música amenazadora y el diseño de sonido, intensifican esta sensación. La construcción del universo de la película es casi inmaculada. El guion de Milić eleva gradualmente el terror y la atmósfera opresiva, tanto en la oscura y claustrofóbica casa como en los alrededores, donde puede haber todo tipo de amenazas al acecho. Sin embargo, es una lástima que el cineasta no llegue a decidirse finalmente entre el drama y el terror. MUY RECOMENDABLE.
2022: Festival de Berlín: Competencia Oficial.
TRAILER
ANIMALS
Animals.
- Título original
- Animals
- Año: 2022
- Duración: 91 min.
Bélgica- Dirección: Nabil Ben Yadir
- Guion: Nabil Ben Yadir, Antoine Cuypers
- Música: François Aubinet
- Fotografía: Frank van den Eeden
- Reparto: Soufiane Chilah, Gianni Guettaf, Vincent Overath, Serkan Sancak, Lionel Maisin, Camille Freychet
- Productora: Coproducción Bélgica-Francia; 10.80 Films, A Team Productions, Les Films du Fleuve, Maje Productions. Distribuidora: Cinéart
- Género: Drama | Crimen. Homosexualidad
SINOPSIS: Brahim es un hombre joven que vive su homosexualidad secretamente en su
familia musulmana. En la fiesta de cumpleaños de su madre, las tensiones
en torno a su sexualidad se vuelven insoportables. Brahim huye de su
opresivo ambiente familiar en plena noche, lanzándose a la vida nocturna
de la ciudad. MUY BUENA. Animals, preestrenada en el la edición 76 del Festival de Cannes, está inspirada en una historia real que conmocionó a muchas personas, la muerte de Ihsane Jarfi,
considerada jurídicamente como el primer crimen homófobo de Bélgica. La
película arrastra al espectador a un viaje hacia el infierno. En su
cuarto largometraje, Nabil Ben Yadir toma una decisión cinematográfica radical: rechaza evitar la violencia para enfrentarse a ella, tanto él como nosotros. La historia se construye poderosamente en tres tiempos. El primer
tiempo es una empresa viviente que da a conocer a Brahim; da vida,
cuerpo y alma a la víctima. Seguimos de cerca, de muy cerca, a un joven
muy bien interpretado por Soufiane Chilah. El cineasta
trabaja con largos planos secuencia en formato 4:3 que nos sumergen en
la vida de Brahim. Comprendemos sus fortalezas y sus debilidades, vemos
el amor que lo rodea y las dudas que lo invaden. Encontramos a un hombre
joven, sometido a interrogatorios que podrían ser los nuestros, los de
nuestros hermanos, nuestros amigos. El formato cambia por completo
cuando empieza la muerte. El final será inevitable, nadie puede
ignorarlo, ni el público, ni los asesinos. Lo que impresiona no es tanto
la violencia sino la indiferencia, no son tanto los golpes sino las
risas burlonas, risas deshumanizantes, que celebran el nacimiento de los
monstruos. De eso también habla Animals, de la fábrica de monstruos. Y
del después. En un tercer movimiento asombroso, como un espejo, nos
preguntamos: ¿Hay vida después del crimen, o mejor dicho, cómo puede
haber una vida después del crimen? La película plantea varias preguntas,
sobre todo esta: ¿Cómo escribir la violencia cinematográficamente?
Difícil decirlo sin arriesgarse a disminuir el poder de decisión de la
puesta en escena planteada por el director, pero éste, radical, crea
repulsión al mismo tiempo que reflexión, enfrentando al espectador a una
violencia sin filtro bastante incómoda. Animals, valiéndose de un arco narrativo potente, también
nos interroga sobre los estragos de la masculinidad tóxica, y la
dificultad de vivir en grupo, cuando tenemos pocas palabras para
expresarnos, cuando hemos crecido en tierras quemadas por la violencia
familiar y social. Nos enfrentamos al nihilismo total de una sociedad
gangrenada por la violencia, una violencia tan incontrolable que suele
ser puesta en escena como un espectáculo. En este contexto, resulta
difícil definir cuáles son nuestros límites, cuáles son los del cineasta
y cuáles son los de los actores. En su mayoría, actores no
profesionales que aportan un realismo casi palpable, reforzado por el
efecto “tiempo real” de los planos secuencia. Animals supone un
shock, que no puede dejar indiferente, que desagradará a algunos y
conmocionará a otros, y que primero sorprenderá antes de volver a la
mente del público y (re)iniciar la reflexión. IMPERDIBLE.
2022: Festival de Cannes: Competencia Oficial.
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Honja saneun saramdeul.
- Título original
- Honja saneun saramdeul
- Año: 2021
- Duración: 91 min.
Corea del Sur- Dirección: Hong Seong-eun
- Guion: Hong Seong-eun
- Fotografía: Youngki Choi
- Reparto: Jeong Da-eun, Park Jeong-hak, Seo Hyun-Woo, Kim Hae-na, Ju Seok-tae, Gong Seung-yeon, Kim Mo-beom, Kwak Min-kyu
- Productora: Korean Academy of Film Arts, Korean Film Council
- Género: Drama
SINOPSIS: Jina es la mejor empleada del centro de atención al cliente de una empresa de tarjetas de crédito. Evita entablar relaciones estrechas y, por eso, elige vivir y trabajar sola. Jina se siente cómoda en su estilo de vida solitario hasta que su irritante vecino, que intentaba acercarse a ella, aparece muerto a los pocos días. A partir de ese momento, muchas personas que había decidido ignorar empiezan a molestarla: su padre, que la acosa por la herencia de su madre; Sujin, un nuevo compañero que es pesado pero simpático, y el despreocupado Seonghun, su nuevo vecino. EXCELENTE. Notable ópera prima de la coreana Hong Sung-eun, que expone con una sutileza tan extraordinaria como contundente la crisis de una joven que eligió la soledad como modo de vida. Una joven lleva adelante una existencia solitaria hasta que ciertos eventos comienzan a poner en cuestión ese modo de vida. Jina (o Jin-ah) trabaja en el call center de un servicio de asistencia al cliente de una tarjeta de crédito. Ella es una holojok, término que define en Corea del Sur a las personas que viven solas en las ciudades, sin familiares, parejas o amigos. Ella rehúye en lo posible cualquier contacto y comunicación verbal, salvo que le resulte ineludible. La película relata cómo ciertas circunstancias empiezan a resquebrajar esta fortaleza emocional: el reencuentro con su padre, verse obligada a entrenar a una empleada nueva, la muerte de un vecino, circunstancias que la obligan a socializar y que en algunos casos constituyen un espejo incómodo. La notable opera prima de Hong Sung-eun va exponiendo con una sutileza extraordinaria lo que va sintiendo Jina (no es la única solitaria del relato), frente a ese juego de espejos que le hablan de su presente y acaso de su futuro y esas interacciones que vive como intrusiones en su mundo dominado por el trabajo eficiente y desapasionado y la conexión permanente a las pantallas. El relato no se contenta con ceñirse al drama, sino que aporta algunos elementos inquietantes y pocos pero certeros toques de humor, creando un clima que captura al espectador. Y siempre con lo que yo llamo la “elegancia” de las ficciones surcoreanas. Todo esto no podría funcionar sin la extraordinaria actuación de Gong Seung-yeon como Jina, dueña de una máscara de infinitos matices que describen a la perfección lo que expresa y sugieren lo que oculta. IMPERDIBLE.
TRAILER
Presidentes.
- Título original
- Présidents
- Año: 2021
- Duración: 100 min.
- Francia
- Dirección: Anne Fontaine
- Guion: Anne Fontaine
- Fotografía: Yves Angelo
- Reparto: Jean Dujardin, Grégory Gadebois, Doria Tillier, Pascale Arbillot, Jean-Charles Clichet, Pierre Lottin, Roxane Bret, Jean-Michel Lahmi, Denis Podalydès, Cyril Couton, Jean-Chrétien Sibertin-Blanc, Olivier Descargues, Sandrine Alexi. intervenciones de: Patrick Poivre d'Arvor
- Productora: Ciné@
- Género: Comedia | Política
SINOPSIS: Nicolas es un antiguo presidente de la República a quien le cuesta dejar la vida política. Cree que puede volver, pero para ello necesita un aliado. Va a ver a François, que vive jubilado tranquilamente en el campo, en Corrèze, e intenta convencerlo para que ambos formen equipo y vuelvan a la escena política. MUY BUENA. Los presidentes son muy divertidos, 2 ex presidentes, uno de la derecha y uno de la izquierda, que deciden combinar sus fuerzas para derrotar a la Marina fascista en las próximas elecciones, basándose en el hecho de que el titular actual es un muerto político... un Aníbal Fernández.... una evaluación política en la que la mayoría de los ciudadanos de nuestro país estaría de acuerdo. Dujardin aquí pretende ser Nicolas Sarkozy y "lo hace" a la perfección; completo con lenguaje corporal hombros encorvados gestos con las manos; debe haber visto cientos de horas para hacerlo tan bien. El actor que interpreta a Hollande físicamente es muy parecido al original. Esta película puede todos pero aquellos que han estado siguiendo la vida política de Francia durante los últimos 20 años, más. Tantos toques inteligentes tachonados en esta astuta representación de los exgobernantes visibles de Macronia. Esta comedia de poder es irresistiblemente divertida y llena de mordaces réplicas, donde Jean Dujardin y Grégory Gadebois juegan con sus modelos con un talento cómico que nace de la evocación poética. No cuenten el final. IMPERDIBLE.
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CINE NACIONAL
Excasados.
- Título original
- Excasados
- Año: 2021
- Duración: 95 min.
Argentina- Dirección: Sabrina Farji
- Guion: Sabrina Farji, Daniel Guebel
- Música: Gustavo Pomeranec
- Fotografía: Hugo Colace
- Reparto: Jorgelina Aruzzi, Roberto Moldavsky, Celina Font, Martín Campilongo, Matías Desiderio, Gabriel Corrado, Michel Noher, Liz Solari, Florencia Viterbo
- Productora: Zoelle Producciones
- Género: Romance. Comedia
SINOPSIS: Roberto y Sonia son un matrimonio con un vínculo en el que la moneda corriente es la pelea verbal hasta límites hilarantes. Las diferentes miradas que tienen sobre los estereotipos, machismo vs feminismo, y cómo quieren vivir sus vidas los lleva a tomar la decisión de separarse. Luego de dos años se reencuentran para dividir sus bienes. Cada uno con una vida nueva. Sin embargo, un accidente hará que Sonia tenga que ocuparse de cuidar a Roberto, volviendo a convivir en el departamento en el que vivían y viajar juntos al viñedo de sus sueños que tenían en La Rioja. BUENA. Esta comedia de Sabrina Farji, que parece hecha con toda comodidad, se hizo luchando contra viento, marea y pandemia. Justo cuando empezaba a rodarse le tocó la cuarentena. Se interrumpió, se retomó con variadas precauciones, se trasladó hasta Chañarmuyo, La Rioja, que era territorio libre de covid, y al fin se completó y encaminó felizmente al estreno. Aunque quizá no esté del todo completa. Por ejemplo, a cierta altura del relato una pareja que se lleva pésimo coincide en cuidar amorosamente al perro del vecino, pero ese capítulo no termina de cerrar, quizás el animal se cansó de tanto protocolo y abandonó la filmación, quién sabe. En todo caso, la moraleja queda más o menos clara, y el episodio, que ocurre a mitad de la película, orienta el camino hacia un posible final feliz de nuestros personajes, ya veremos si juntos, rejuntados, o cada uno por su cuenta. No corresponde entrar en detalles. Digamos apenas que, desde cierto punto de vista, el marido luce como un troglodita, al menos al comienzo de la historia. Y la mujer luce como una histérica, harta del marido desde cualquier punto de vista. Se impone la separación con todas sus consecuencias, y la posterior reconciliación con todos sus condicionantes (quien impone es la mujer, por supuesto). Roberto Moldavsky da justo con el personaje, y es una lástima que sus diálogos sean algo breves. Jorgelina Aruzzi empieza dos cambios más arriba de lo necesario pero en el transcurso del relato se va haciendo cada vez más convincente. Los rodean Liz Solari (la rubia aprovechadora), Campi, Celina Font (cómplices en una relación singular), Michel Noher, Matías Desiderio, Gustavo Corrado. Y el perro. RECOMENDABLE.
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PIPA
Pipa.
- Título original
- Pipa
- Año: 2022
- Duración: 116 min.
- Argentina
- Dirección: Alejandro Montiel
- Guion: Mili Roque Pitt, Alejandro Montiel, Florencia Etcheves. Novela: Florencia Etcheves
- Fotografía: Guillermo Nieto
- Reparto: Luisana Lopilato, Mauricio Paniagua, Inés Estévez, Ariel Staltari, Paulina García, Malena Narvay, Aquiles Casabella, Benjamín del Cerro, Santiago Artemis, Benjamín del Cerro, Laura González, Ivone Quispe, Mercedes Burgos, Javier Flores
- Productora: FAM Contenidos, Corinthian Argentina. Distribuidora: Netflix
- Género: Thriller. Drama | Secuela. Crimen.
SINOPSIS: Manuela Pipa Pelari ya no es la misma. La mujer dura y aguerrida que sobrevivió a su paso por la Policía a fuerza de romper las reglas y guardar secretos oscuros decidió cambiar de vida. Después de abandonar su trabajo como investigadora y dejar en libertad a la tratante Cornelia Villalba, cayó en picada. Su tía, Alicia Pelari, la rescata y la lleva a La Quebrada, un pueblo pequeño y sencillo del Norte Argentino en el que vive aislada hace años. Hasta que la aparición de un cadáver la arrastra, otra vez, a los lugares de los que creía haber escapado. REGULAR. Netflix retoma el personaje de la detective Manuela Pipa Pelari ya planteado en películas anteriores "La corazonada" (2020) y "Perdida" (2018) constituyendo así una trilogía de bazofias infumables en donde una historia mal planteada se conjuga con un guión mucho más complicado que inteligente que es representado por un plantel actoral irregular. La película es como un episodio monótono de una serie de investigación criminal, si bien hay en el guión demasiadas subtramas para una sola película, esto lo único que hace es complicar las cosas desorientando al espectador. Parece una película que se ha hecho con episodios de series policiales ensamblados de cualquier manera y sin mucha razón aparente. La producción en cuanto a fotografía y ambientación luce cuidada, casi impecable. Pero... el plantel actoral combina actores famosos (no por ello buenos, la fama no es sinónimo de calidad) con pésimos actores. Luisana Lopilato es sencillamente de madera (de la más dura que hay) por lo tanto es imposible creer en el personaje que interpreta. En fin... esta película tiene su marca Netflix: buena producción desperdiciada en una película pésima en donde su falta de vuelo creativo y total ausencia de creatividad hacen que cada "Original Netflix" sea algo tan intrascendente como soso. VOS DECIDÍS.
TRAILER
DOCUMENTALES
ENNIO
EL MAESTRO
Ennio: The Maestro.
- Título original
- Ennio: The Maestro
- Año: 2021
- Duración: 156 min.
- Italia
- Dirección: Giuseppe Tornatore
- Guion: Giuseppe Tornatore
- Música: Ennio Morricone
- Fotografía: Giancarlo Leggeri, Fabio Zamarion
- Reparto: Documental, intervenciones de: Ennio Morricone, Quentin Tarantino, Clint Eastwood, Oliver Stone, Hans Zimmer, Terrence Malick, John Williams, Wong Kar-Wai, Barry Levinson, Dario Argento, Bernardo Bertolucci, Quincy Jones.
- Productora: Coproducción Italia-Bélgica-Japón; Piano b Produzioni, Gaga, Potemkino, Fu Works, Blossoms Island Pictures, Eurimages
- Género: Documental | Documental sobre música. Biográfico
-
2021: Premios David di Donatello: Mejor documental, montaje y sonido2021: Festival de Venecia: Premio del Público "Mejor Película".
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CINE CLÁSICO
CICLO: MIS FAVORITAS
L´ARTE DI
ARRANGIARSI
El Arte de Apañarse.
- Título original
- L'arte di arrangiarsi
- Año:1954
- Duración: 95 min.
- Italia
- Dirección: Luigi Zampa
- Guion: Vitaliano Brancati, Luigi Zampa
- Música: Alessandro Cicognini
- Fotografía: Marco Scarpelli (B&W)
- Reparto: Alberto Sordi, Marco Guglielmi, Franco Coop, Luisa Della Noce, Franco Jamonte, Elena Gini, Elli Parvo, Armenia Balducci
- Productora: Documento Film
- Género: Comedia | Años 1910-1919. Años 20. Años 30. Años 40
VERSIÓN REMASTERIZADA.
SINOPSIS: La policía se ha presentado en el domicilio del honorable don Rosario con la inexplicable intención de detenerle. Don Rosario está convencido de que se comete con él una grave injusticia y para convencerse a sí mismo, su memoria retrocede hasta los primeros años del siglo. MUY BUENA. Típica y notable "comedia a la italiana", dónde grandes comediantes (aquí un recital de Sordi), un buen director y un notable guión se fusionaban para hacer un cine liviano y divertido, pero a la vez conscientemente reflexivo y ambicioso. Así, con "El arte de apañarse" no solo se cuenta la vida y milagros de un fallido Casanova, sino que además se cuenta una ágil, desinhibida y divertida crónica histórica de 40 años de Italia, demostrándose que ambos elementos se atraen y complementan firmemente. IMPERDIBLE.
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NANNY
A Merced del Odio.
- Título original
- The Nanny
- Año: 1965
- Duración: 93 min.
Reino Unido- Dirección: Seth Holt
- Guion: Jimmy Sangster. Novela: Evelyn Piper
- Música: Richard Rodney Bennett
- Fotografía: Harry Waxman (B&W)
- Reparto: Bette Davis, Jill Bennett, William Dix, James Villiers, Wendy Craig, Pamela Franklin, Maurice Denham, Jack Watling, Alfred Burke, Nora Gordon
- Productora: Hammer Productions
- Género: Intriga. Thriller
VERSIÓN REMASTERIZADA.
SINOPSIS: Joey Fane, un niño de diez años, regresa a casa después de haber pasado una temporada en un colegio especial, al que fue enviado tras matar a su hermana pequeña. Desde su llegada, se dedica a hacer la vida imposible a su familia, en especial a su niñera, a quien llega a acusar de intentar matarlo. Todo indica que Joey sigue gravemente perturbado. MUY BUENA. Algo extraño pasa en el hogar de los Fane, el niño de 11 años a punto de salir de un psiquiátrico donde había sido mandado 2 años antes por hechos relacionados con su comportamiento en relación con una hermana pequeña muerta en accidente domestico, la madre aterrorizada por la inminente llegada de su hijo al hogar familiar, y el padre, diplomático que se ve obligado a viajar con frecuencia, lidiando como puede con esposa, recién llegado hijo al que vemos como un angelito maleducado y déspota, y en medio de todos ellos, la nanny, una señora recia e inmutable que lleva años en la casa, crío a la madre del niño y a la hermana, y vemos como es repudiada por el inquietante chaval que no la quiere ver ni en pintura. Con estos mimbres adaptando una novela de Evelyn Piper (también autora del guión junto a Jimmy Sangster y de la novela que dio lugar a aquella joyita de Otto Preminger llamada "El rapto de Bunny Lake 1964"), el semidesconocido y poco prodigo director ingles Seth Holt cumpliendo dignamente en cuanto a sencillez en el correr de la trama (algunos primeros planos y enfoques son todo un hallazgo) cumple con creces con la coproducción Hammer que le ha tocado lidiar, y ayudado por una buena banda sonora, una magnifica fotografía en blanco y negro, la soberbia actuación del niño William Dix, y de una Bette Davis mucho mas contenida en principio que en las anteriores obras maestras, "¿Que fue de Baby Jane? 1962" y "Canción de cuna para un cadáver 1964", se come la pantalla cada vez que esta la enfoca y con la composición de su personaje carga con todo el suspense de la película (desde su primera escena y sin saber todavía nada de su personaje transmite inquietud al espectador), nos brinda un buen y perturbador thriller psicológico que te mantiene intrigado durante todo su metraje, y aunque no seré yo el que diga que es una obra maestra, realmente merece la pena ver. IMPERDIBLE.
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BRING
ME THE
HEAD OF
ALFREDO
GARCÍA
Traíganme la Cabeza de Alfredo García.
- Título original
- Bring Me the Head of Alfredo Garcia
- Año: 1974
- Duración: 112 min.
Estados Unidos- Dirección: Sam Peckinpah
- Guion: Gordon T. Dawson, Sam Peckinpah
- Música: Jerry Fielding
- Fotografía: Alex Phillips
- Reparto: Warren Oates, Isela Vega, Gig Young, Kris Kristofferson, Jorge Russek, Don Levy, Robert Webber, Helmut Dantine, Emilio Fernández, Chano Urueta, Mónica Miguel, Whitey Hughes, Janine Maldonado, Chalo González, Enrique Lucero
- Productora: Coproducción Estados Unidos-México; United Artists, Estudios Churubusco, Optimus Films
- Género: Acción. Aventuras. Thriller. Romance | Crimen. Road Movie. Película de culto
VERSIÓN REMASTERIZADA.
SINOPSIS: La hija adolescente de un rico hacendado mexicano se ha quedado
embarazada. El padre es, al parecer, Alfredo García, un antiguo
colaborador y amigo de la familia, por cuya cabeza se ofrece una
recompensa de un millón de dólares. EXCELENTE. Sam Peckinpah no volvería a firmar un guión después de “Quiero la cabeza
de Alfredo García” y como si ya se lo imaginara no quiso desperdiciar
dicha oportunidad. Con esta película, el director regresa con el tipo de
violencia que convirtió a Peckinpah en un nombre rentable
económicamente para las Majors. Mantiene todo el poder lírico presente
en la obra de Peckinpah y el nihilismo que suele acompañar a sus
protagonistas. Pero “Quiero la cabeza de Alfredo García” es también la
película más romántica de cuantas hizo el californiano y esa mezcla da
como resultado una de las mejores películas de este autor: enemigo del
mundo y amante del alcohol. Warren Oates es el encargado de resumirnos el mundo peckimpaniano
haciendo de Bennie, el mejor personaje (junto con Pike de “Grupo
Salvaje”) de toda la filmografía del director. En “Quiero la cabeza de
Alfredo García” no existen medias tintas ni existen sutilezas. Es una
película sucia, llena de polvo que el director retrata sin miramientos.
Es una historia de perdedores cuyas esperanzas siempre renacen con el
siguiente trago. En la película, Bennie ha cerrado un trato. El
mercenario le dice:
-Un fracasado –refiriéndose a Bennie
- Nadie fracasa todo el tiempo –responde este sin enojarse.
Es Sam Peckinpah quien habla, claro.La evolución de Bennie durante la cinta es magistral. Cuando la historia
arranca Bennie cree encontrar en el dinero la posibilidad de cambiar de
rumbo, pero acaba por darse cuenta que su único amigo es la cabeza de
Alfredo García (la amistad era un tema al que Peckinpah daba bastante
importancia. En lugar de retratar dicha relación de manera jocosa, el
director describe esta inusitada relación como el nacimiento de una
fuerte y sentida amistad), y que lleva muerto mucho más tiempo del que
creía.Lo que no es tan habitual en el cine de Peckinpah es el romanticismo que
existe en esta película. Cualquiera diría que un director que fue capaz
de filmar una violación sin tapujos a principios de los setenta (Perros
de paja) no puede tener un ápice de romanticismo. Pero lo cierto es que
Sam Peckinpah, tenía una forma de narrar el romanticismo tan especial
como su forma de mostrar la violencia. Aunque en “La huida” el
reencuentro (sexual) de McQueen y MacGraw está dotado de mucha miga, no
es superable a la escena en la que Bennie y Elita (Isela Vega) toman un
picnic bajo la sombra de un árbol. Existe el amor y el espectador lo
siente por completo. Es la escena más importante de la película porque
sin esa escena, no entenderíamos el cambio de Bennie. Existe más adelante otra escena que destila nihilismo cuando los dos
están en una cochambrosa habitación cercana al cementerio. Aquí, a
diferencia de la anterior, los diálogos son escuetos pero el espectador
no necesita de más para comprender las lágrimas de Elita. IMPERDIBLE.
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SERIES Y MINISERIES
SANTA
EVITA
MINISERIE COMPLETA
7 EPISODIOS
3 DISCOS.
- Título original
- Santa Evita
- Año: 2022
- Duración: 320 min.
- Argentina
- Dirección: Rodrigo García, Alejandro Maci
- Guion: Pamela Rementería, Marcela Guerty. Novela: Tomás Eloy Martínez
- Música: Federico Jusid
- Fotografía: Félix Monti
- Reparto: Natalia Oreiro, Diego Velázquez, Francesc Orella, Gaby Ferrero, Diego Cremonesi, Ernesto Alterio, Damián Canduci, Darío Grandinetti, Guillermo Arengo, Jenni Merla, Eugenia Alonso, Carolina Costas, Julieta Vallina, Iván Moschner, Héctor Díaz
- Productora: Buena Vista Original Productions, Non Stop, Ventanarosa Productions. Productor: Salma Hayek. Distribuidora: Star+, Disney+
- Género: Drama | Miniserie de TV. Biográfico. Años 50.
SINOPSIS: La serie sigue la intrigante historia de la primera dama de Argentina, Eva Perón, tras su muerte por cáncer cervical a los 33 años, en 1952. Y cómo sus restos embalsamados, tras ser velados ante millones de personas, fueron secuestrados por la dictadura militar en 1955. MUY BUENA. Se han filmado gran cantidad de películas y series nacionales o extranjeras que tuvieron como protagonista a Evita como personaje central. Ninguna de esas producciones sacó provecho de la increíble historia acontecida con el raid de su cadáver, una historia que no solo es fabulosa como relato per se para la producción de una ficción, sino que también es una metáfora de los odios, pasiones y complejidades de la Historia moderna de la Argentina. "Santa Evita" es una adaptación del libro homónimo de Tomas Eloy Martínez que logró sacarle todo el jugo a esta historia verídica. Además este objetivo se alcanza por medio de un gran guión (que se ajusta a los hechos históricos de manera casi biográfica), de una producción sobresaliente, de una correcta dirección y de muy buenas actuaciones. Todo lo que uno ve en esta miniserie de 7 capítulos parece increíble, parece ficción...pero así sucedió, y está narrado de manera muy lograda por esta producción argentina. MUY RECOMENDABLE.
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MARÍA
MARTA
EL CRIMEN DEL COUNTRY.
MINISERIE COMPLETA
8 EPISODIOS
3 DISCOS.
- Título original
- María Marta: El crimen del country
- Año: 2022
- Duración: 360 min.
- Argentina
- Dirección: Daniela Goggi
- Guion: Martín Méndez, Germán Loza
- Música: Juan Blas Caballero
- Fotografía: Guillermo Zappino
- Reparto: Jorge Marrale, Laura Novoa, Mike Amigorena, Carlos Belloso, Muriel Santa Ana, Guillermo Arengo, Nicolás Francella, Valeria Lois, Ana Celentano, Esteban Bigliardi, María Leal
- Productora: WarnerMedia Latin America, Pol-Ka Producciones. Distribuidora: HBO Max
- Género: Miniserie de TV. Drama. Thriller | Basado en hechos reales. Crimen
SINOPSIS: El 27 de octubre de 2002, María Marta García Belsunce fue encontrada sin vida por su marido, Carlos Carrascosa, en el baño de su casa ubicada en un exclusivo barrio privado de la provincia de Buenos Aires. Lo que en un principio parecía ser un accidente doméstico, se convierte en uno de los crímenes más emblemáticos de la Argentina. MUY BUENA. De los encubridores del asesinato de María Marta García Belsunce llega La Serie que siempre quiso hacer La Familia, para blanquear su imagen y buen nombre: "María Marta: el crimen del country". Con la curiosa participación por correspondencia y telefónicamente del Papa Francisco, desde El Vaticano, apoyando a Carlos Carrascosa (el viudo y máxime encubridor). Luego del estreno en 2020 del magnífico documental, "Carmel: ¿Quién mató a María Marta?" escrita y dirigida por Alejandro Hartmann, creía que no quedaban huecos por llenar de la historia. Por eso me llamó mucho la atención que Warner Media Latin America, y Pol-Ka (Presidente: El Chueco Adrián Suar, además de gerente de programación de Canal 13 del Grupo Clarín) se embarcaran en ficcionar los acontecimientos en formato miniserie. La miniserie está muy bien hecha, es un verdadero déjà vu, me encontré preguntándome: "...¿Yo no estuve ahí? esta historia ya la viví...", sólo que los autores muestran algunos puntos de vista fundamentales, distintos al que nos vendió la prensa y me daría a pensar que omitió El Documental. La Serie a diferencia de El Documental humaniza a la familia de María Marta. Toda la desacreditación pública que se ganaron por el estilo soberbio al dar notas (o quizá de resentimiento, al sentirse perseguidos siendo inocentes), esas voces alzadas como queriendo imponer su inocencia y la imagen que daban de desprovistos de dolor por el asesinato. Además no es casualidad que únicamente la familia aparece en La Serie con sus verdaderos nombres y apellidos, ya que deben haber conocido el guión y dieron el consentimiento. Los papeles de las blogueras Belu y Juana (Muriel Santa Ana y Valeria Lois, respectivamente, toman mucha trascendencia y están muy bien actuados, cosa que en El Documental pasaron desapercibidas y estigmatizadas. En lo personal llevado a la vida real me representan dos cholulas intelectuales ¿Que lugar le puede dar la justicia a la "investigación" paralela de dos civiles? Reconozco que la data que van a encontrar en el blog que linkee es impresionante. MUY RECOMENDABLE.
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