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Productora: Les Films du Worso / Les Armateurs / Orange Studio / Scope Pictures / Rectangle Productions
Género: Drama. Bélico | Venganza. Años 40. Colonialismo
SINOPSIS: Robert Tassen, un joven soldado francés, es el único superviviente de
una masacre en la que su hermano fue asesinado ante sus ojos. Cegado por
su venganza, Robert se embarca en una búsqueda secreta y solitaria de
los asesinos. Pero conocer a la joven Maï, alterará sus creencias. MUY BUENA. Formalmente impresionante, grandes actuaciones, dirección y fotografia. El resultado es una pesadilla bélica con suficiente textura y detalles táctiles para seducir al espectador. MUY RECOMENDABLE. 2019: Festival de Gijón: Sección oficial largometrajes a concurso. TRAILER
SINOPSIS: Roy Courtnay (Ian McKellen) es un estafador profesional que no puede
creer su suerte: ha conocido online a la adinerada viuda Betty McLeish
(Helen Mirren). A medida que ella le abre su corazón, Roy se sorprende a
sí mismo al darse cuenta de que alberga sentimientos hacia ella,
convirtiendo lo que debería ser una estafa fácil y sencilla en una de
las situaciones más complejas de su vida. MUY BUENA. Situado en un Londres refinado, y con sólidas cuentas bancarias de telón
de fondo, La Gran Mentira nos regala dos estupendas y seductoras
actuaciones en una carrera por la búsqueda de la raíz de todo el
planteamiento. Mirren y McKellen van entregándonos pistas a su debido
tiempo, y apretando las tuercas de la trama con revelaciones que nos
involucran mientras gozamos de sus diálogos bañados de sabor inglés. ¿Es
una historia de seducción? Sí, ¿de mentiras, intriga decepción y
suspenso?, sí, ¿de venganza y crimen?… también… con un ritmo de suspenso
exquisito. Pero sobre todo de buenos actores que vienen a dejar en
claro que el “glamour de la edad de oro” puede dar mucho en pantalla, no
simples abuelitas que hacen galletas o abuelos que se sientan en el
porche. Porque después de todo: Más sabe el diablo por viejo… Realmente geniales las actuaciones de Helen Mirren y Ian McKellen. MUY RECOMENDABLE. 2019: Satellite Awards: Nominada a mejor actriz (Helen Mirren) TRAILER
DOCTOR SUEÑO CORTE DEL DIRECTOR Doctor Sleep: Director´s Cut.
Este nuevo corte cuenta con 3 horas de duración (182 minutos), 32 minutos más que la versión que vimos en cines (150 minutos). “Hay mucho material nuevo a lo largo de toda la película. Parte de este
material son cosas jamás vistas en la versión de cine y hay un montón de escenas extendidas (o alteradas)".
SINOPSIS: Secuela del film de culto "El resplandor" (1980) dirigido por Stanley
Kubrick y también basado en una famosa novela de Stephen King. La
historia transcurre algunos años después de los acontecimientos de "The
Shining", y sigue a Danny Torrance (Ewan McGregor), traumatizado y con
problemas de ira y alcoholismo que hacen eco de los problemas de su
padre Jack, que cuando sus habilidades psíquicas resurgen, se contacta
con una niña de nombre Abra Stone, a quien debe rescatar de un grupo de
viajeros que se alimentan de los niños que poseen el don de "el
resplandor". MUY BUENA+. Oídos sordos. Oídos sordos es lo que recomiendo, espectadores, que van a ver la secuela de la mejor película de terror. Oídos sordos aquellos críticos y espectadores que echan por tierra el
gran y esfuerzo trabajo de Mike Flanagan, haciendo una comparación nada
realista entre Kubrick y Flanagan, un esfuerzo por mantener alejado a
Kubrick y que solamente se vea su visión, lo consigue, y con gran
mérito. Flanagan, viene de dirigir la mejor serie del pasado año, Hill House,
cuya serie, se ganó a todos y cada uno de los que la han visto, serie
alejada de lo visto recientemente en el género, donde predomina el foco
de adolescentes y comercial, mientras que otros, añoramos lo que era
disfrutar una auténtica obra de terror. En Doctor Sueño lo consigue y lo consigue de manera asombrosa. Primero,
dando un homenaje a Kubrick, sabe la importancia que tiene esta película
en el terror, pero también, a la obra de King. Segundo, no por andarse
contento, Flanagan invita al espectador a ver ciertos guiños a otras
películas del género. Y tercero, Flanagan se corona como uno de los
directores actualmente que da respeto a la obras originales y la plasma
lo mejor posible al cine, pocos lo hacen, pero él, lo logra. Doctor Sueño recicla al completo cada aprendizaje que ha tenido el
director desde que rodó Oculus, mezclando momentos dramáticos con el
terror, dando una visión de que, el verdadero terror, nuestros mayores
miedos, somos nosotros mismo o solamente están en nuestra cabeza. Con
eso lo logra, lo muestra con Danny Torrance, una persona traumada por su
pasado, hasta que comprende la razón de su don. El trabajo actoral es simplemente único, Ewan McGregor ha estado de 10,
pero quien se lleva todo el peso narrativo, es Rebecca Ferguson, quien
se consagra como la versión más terrorífica de uno de los personajes de
King a una película. Es sencillamente aterradora. Puede que a la gente no le agrade esta secuela, como ocurrió con Blade
Runner 2049, que, a mucha gente, no le entusiasma aún. Pero Doctor
Sueño, no intenta estar a la altura de Kubrick, en ningún momento lo
intenta, solamente nos da una grandísima película de terror y otra gran
adaptación de King compaginada con la película de Kubrick. Se nota mucho en esta versión la película que quiso hacer Flanagan, contra la estrenada en cine cuyo corte pertenece a lo productores que solo buscan una menor dureción del film para poder pasarla varias veces en el cine y así aumentar la taquilla, de esta manera estropean casi todo lo que tocan. Espero con ansias el próximo proyecto de Mike Flanagan. IMPERDIBLE.
TRAILER
MIENTRAS DURE LA GUERRA Mientras dure la guerra.
GANADORA DE5 PREMIOS GOYA 2020 INCLUYENDO: "MEJOR ACTOR DE REPARTO: Eduard Fernaández" "MEJOR PRODUCCIÓN" "MEJOR VESTUARIO " "MEJOR MAQUILLAJE" "MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA"
Productora: Mod Producciones / Movistar+ / Himenóptero / K&S Films. Distribuida por Buena Vista International
Género: Drama | Guerra Civil Española. Años 30.
SINOPSIS: España. Verano de 1936. El célebre escritor Miguel de Unamuno decide
apoyar públicamente la sublevación militar que promete traer orden a la
convulsa situación del país. Inmediatamente es destituido por el
gobierno republicano como rector de la Universidad de Salamanca.
Mientras, el general Franco consigue sumar sus tropas al frente
sublevado e inicia una exitosa campaña con la secreta esperanza de
hacerse con el mando único de la guerra. La deriva sangrienta del
conflicto y el encarcelamiento de algunos de sus compañeros provoca que
Unamuno empiece a cuestionar su postura inicial y a sopesar sus
principios. Cuando Franco traslada su cuartel a Salamanca y es nombrado
Jefe del Estado en la zona nacional, Unamuno acude a su Palacio,
decidido a hacerle una petición. EXCELENTE. Una de las cosas que más me ha gustado de esta película es que es una
cinta profundamente molesta. De las que causa picadura y ciertos
sarpullidos. Ahora que por fin se va a proceder a la exhumación del
dictador perjuro Franco, con acuerdo de los tres poderes del Estado,
esta película viene de perlas. Y viene de perlas porque tiene los aciertos de presentar a los
sublevados no como un bloque monolítico, si no como un cúmulo diverso de
gente con diversas motivaciones y causas que no fueron lo
suficientemente hábiles para superar a Franquito yendo a lo suyito, y
que al final, la pura real politik y el confiar en la cadena de mando es
lo que llevó a Franco a ser el generalísimo de los ejércitos y
obstentar la jefatura del Estado y del Gobierno. Amenabar se documenta
bien y las escenas del film beben directamente de la documentación de
grandes historiadores como Ángel Viñas, Paul Preston o Ian Gibson. También tiene acierto, al mostrar en la figura de Unamuno que la
República no era ni mucho menos perfecta y que dictaba de serlo, pero al
menos trataba de construir una democracia en un contexto geopolítico
cuanto menos convulso. Sea como fuere, el resultado fue que acabamos con casi 40 años de
dictadura militar en torno a la figura de Franco. Que este señor ha
condicionado el destino del país en su pasado, presente y futuro y que
sus iras sanguinolentas no conocían de variaciones sobre su melodía. Amenábar tiene el acierto de no mostrar la violencia gráfica, pero de
sugerirla. La fotografía de la película y las localizaciones empleadas
para ello transmiten un tono de increíble veracidad y el elenco escogido
es sencillamente perfecto. Karra Elejalde se convierte literalmente en
Unamuno desapareciendo el actor y emergiendo el literato. Les podrá
extrañar la forma en la que se ha tratado a Millán Astray, pero la
verdad es que ese tipo era un esperpento con patas en sus modos y formas
de ser y comportarse, bravatas encolerizadas incluidas. Mientras dure la guerra es una película necesaria por las dudas que
muestra, por la óptica en la que se enfoca y por centrar al personajes
de Unamuno en esta etapa convulsa y tumultuosa de nuestra Historia.
Además de reivindicar la figura y condición de la intelectualidad, que
cada vez se muestra más atacada y más impopular en estos tiempos y días.
PD: Por cierto, añado que el diario ABC ha publicado una lista con 18
errores históricos de la película, en un burdo intento de
desligitimarla. Los errores más bien responden a cambios en post de la
dramatización más que a errores en si mismo y que por supuesto no
cambian en absoluto el tono de la cinta. Y hay que incidir que aunque
una película sea histórica, no deja de ser una obra de creación y
siempre va a haber un punto de inventiva. No es un documental ni una
tesis doctoral, tampoco es un manual de Historia. Es un filme que busca
relatar un acontecimiento histórico y que lo hace de excelente manera. IMPERDIBLE.
2019: Premios Goya: 5 premios incluyendo mejor actor sec. (Fernández).
2019: Festival de San Sebastián: Sección oficial
2019: Premios Feroz: 4 nominaciones, incluyendo mejor actor y actor de reparto
2019: Premios Forqué: 2 nominaciones, a mejor película y actor (Elejalde)
2019: Premios Gaudí: Mejor actor (Elejalde). 2 nominaciones.
SINOPSIS: Nadie espera a Amador cuando sale de la cárcel tras cumplir condena por
haber provocado un incendio. Regresa a su casa, una aldea perdida de las
montañas lucenses, donde volverá a convivir con su madre, Benedicta, su
perra Luna y sus tres vacas. Sus vidas transcurren al ritmo sosegado de
la naturaleza, hasta que todo cambia cuando un fuego violento arrasa la
zona. EXCELENTE. Pocos comienzos de una película podrían fijar tanto al espectador a la
butaca como el que se nos presenta: la aniquilación nocturna de un
bosque, unos árboles desplomándose uno tras otro, la destrucción de la
naturaleza majestuosamente filmada, llevada a cabo por unos buldócers
que, junto a los árboles, se manifiestan como un personaje más. Aquí uno
comienza a percibir el gran talento de Laxe como director, la necesaria
y lograda calidad de la imagen junto con el sonido confeccionan una
cuarta dimensión que emerge en forma del olor de las vacas, la lluvia,
la tierra mojada, el calor provocado por el fuego o el sonido de las
corrientes de aire junto a éste. El fuego es filmado directamente, de la
forma más cruda y hermosa posible. El ritmo es pausado pero tan intenso y lírico como la tan bien elegida
música que la acompaña. El rural gallego se muestra avejentado, lleno de
personajes resilentes, que hablan poco, del silencio como conversación o
de los animales y el entorno como una parte más del elenco actoral. El film alude también algunas cuestiones relacionadas con el germen de
los numerosos incendios forestales en la región, como la plaga de los
eucaliptos, el abandono de los bosques o la falta de medios y efectivos
para combatir el fuego. En mi opinión, aparecen no como denuncia
política, sino como una parte más de la que se rodea realidad que se
pretende retratar. Si la película es marcadamente poética o posee una intencionalidad
política detrás queda en manos del espectador, como lo abierto de su
final. ¿Qué importa quién fuese el causante del incendio tras los 90
minutos de puro cine que acabas de ver? IMPERDIBLE.
2019: Festival de Cannes: Un Certain Regard - Premio del jurado
2019: Premios Goya: Mejor fotografía y actriz revelación. 4 nominaciones
2019: Festival de Mar del Plata: Mejor película y guion
2019: Premios Feroz: 5 nominaciones, incluyendo mejor película y director
2019: Premios Forqué: Nominada a Mejor película
2019: Premios Gaudí: Mejor film europeo y fotografía.
TRAILER
BUÑUEL en el laberinto de las tortugas Buñuel en el laberinto de las tortugas.
GANADORA DE 1 PREMIO GOYA 2020 INCLUYENDO: "MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN"
Género: Animación | Cine dentro del cine. Años 30. Cómic.
SINOPSIS: París, 1930. Salvador Dalí y Luis Buñuel son las principales figuras
del movimiento surrealista, pero Buñuel ve cómo se le cierran todas las
puertas después del escandaloso estreno de "La edad de oro", su
primera película. Sin embargo, su buen amigo, el escultor Ramón Acín,
compra un billete de lotería con la loca promesa de que, si gana,
pagará el documental que su amigo quiere rodar sobre Las Hurdes, una de
las regiones más pobres y olvidadas de España... Película sobre el
rodaje en la región extremeña de Las Hurdes, a cargo del maestro Luis
Buñuel, de su película "Las Hurdes, tierra sin pan", en 1933. Adapta el
cómic homónimo de Fermín Solís. EXCELENTE. La òpera prima de Salvador Simo se adentra en una de las grandes figuras
del cine español Luis Buñuel pero tambien es un homenaje a Ramón
Acin...Un Buñuel apesadumbrado tras las negativas criticas a la edad de
oro... Su amigo Ramón compra un décimo a lo que le dice que si toca le
financia su próxima película... El caso es que ocurre. Y se van a las
hurdes...A rodar una de las grandes películas de Buñuel.. Simo retrata a
un Buñuel acosado por sus propios fantasmas a un hombre muy poco cabal a
diferencia de Acin..Pero se termina de dejar llevar...La animación esta
hecha de manera sencilla y nitida... Con una historia inmensa que
combina la animación con momentos reales de la película las hurdes....
Un maravilloso homenaje a Buñuel. IMPERDIBLE.
2019: Premios del Cine Europeo: Mejor film de animación
2019: Premios Goya: Mejor película de animación. 4 nominaciones
2019: Premios Annie: Nominada a mejor película independiente
2019: Festival de Annecy: Mención del Jurado y mejor banda sonora
2019: Satellite Awards: Nominada a mejor película de animación
Género: Drama | Thriller / Secuestros / Desapariciones.
SINOPSIS: Es verano, en un campamento en algún lugar de Dordoña, varios jóvenes
desaparecen. Los rumores más salvajes circulan, se habla de una pantera
al acecho. Una sensación de peligro permanente en el corazón de la joven
Laura (Lily-Rose Depp), que busca descubrir el misterio. El encuentro
con Paul (Laurent Lafitte), un escritor que la atrae tanto como la
asusta, la molesta. Se crea entonces una relación ambigua. Hasta que un
pretendiente de Laura a su vez desaparece. BUENA+ "Un thriller con acentos fantásticos, obsesionado por el deseo." RECOMENDABLE. TRAILER
DEMAIN ET TOUS LES AUTRES JOURS Mañana y todos los otros días.
Productora: F Comme Film / France 2 Cinema / Gaumont
Género: Drama | Familia. Comedia dramática. Infancia. Enfermedad. Realismo mágico.
SINOPSIS: Mathilde tiene nueve años. Es una niña inteligente con pocos amigos.
Mathilde es distinta o, más bien, lo es su vida. Cuando regresa a casa,
es ella quien debe preocuparse de su madre, con quien vive a solas desde
el divorcio de sus padres. La suya no es una madre como las demás:
frágil, a caballo entre la locura y la hipersensibilidad, su madre se
agarra como puede a una realidad que no consigue decodificar instaurando
con su hija una relación fusional que se parece a una verdadera
historia de amor. MUY BUENA+. Poética manera de visibilizar a los enfermos mentales y el sufrimiento y
la desestabilización que esta patología provoca en los demás miembros
de la familia. Peor aún si quienes sufren las consecuencias son los
niños. Recomiendo su visión. MUY RECOMENDABLE. TRAILER
Productora: Coproducción
Reino Unido-Alemania-Dinamarca; Danish Documentary Production / BFI
Film Fund / Majade filmproduktion / Aconite Productions / Louverture
Films
Género: Documental
SINOPSIS: Aquarela lleva a la audiencia a una profunda aventura cinemática sobre la poderosa y transformadora belleza del agua. MUY BUENA+. Mencontré cautivado cuando terminé de ver este film. La apertura es narrativamente atractiva, sí, con los humanos y la historia. Eso es fascinante, pero la película realmente comienza cuando supera cualquier promesa de narración general, y comienza con su verdadero propósito: ofrecer una ventana privilegiada a la verdadera maravilla del agua en este planeta. Congelado, quieto, turbulento, elegante, violento, hermoso, todo está allí, cuidadosamente capturado con los mejores equipos y cinematografía. Es un poema cinematográfico y de gloria visual, poder impresionante e increíbles sonidos naturales. El sonido es inmersivo de una manera que ninguna otra película que he visto ha sido, e invita a uno a rendirse y sumergirse en la película. No es un viaje narrativo, sino visual y sensual, que permite que el tiempo y el espacio contemplen parte del mundo en que vivimos, tanto para celebrar como para contemplar el impacto humano. No es una película abiertamente ambientalista, que no sea para recordarnos el poder y la belleza de la naturaleza, y para mostrarnos cómo interactuamos con ella. Hay momentos en los que se puntúa la película, con heavy metal finlandés. Esto funcionó muy bien. Tuve la impresión de que los acordes de potencia y la distorsión pueden ser la única textura adecuada para obtener imágenes de potencia bruta como miles de toneladas de olas turbulentas de agua. Las imágenes a veces se vuelven abstractas de una manera hermosa que me recuerda a las películas de Stan Brakhage, específicamente a Mothlight y Window Water Baby Moving. No es un documental sobre el agua, es un poema cinematográfico a escala épica. IMPERDIBLE.
Productora: Coproducción Italia-Francia-Chile; Sacher Film Rome / Le Pacte / Storyboard Media / RAI Cinema
Género: Documental | Dictadura chilena. Años 70
SINOPSIS: Existe una historia poco conocida sobre el papel de Italia durante un
momento crucial en la historia chilena, en concreto tras el
derrocamiento del gobierno democrático de Salvador Allende en septiembre
de 1973. Entremezclando imágenes de archivo de los años 70 con
entrevistas registradas durante 12 días en el año 2017, el documental
reconstruye el papel de la embajada italiana en Santiago de Chile en los
meses siguientes al golpe de Estado de 1973, en particular como asilo
para cientos de refugiados opositores a la dictadura militar de Augusto
Pinochet, ofreciéndoles la posibilidad de ayudarlos a abandonar el país.MUY BUENA+. Me gustó mucho este nuevo film de Nanni Moretti, el
director italiano aclamado por Caro Diario (1993), La Habitación del
hijo (2001) y esa maravilla del 2015 que fue Mia Madre. Su cine ha
estado en permanente mutación. En la década del `90, Moretti era un
cómico que ensayaba en forma fílmica. A partir del cambio de siglo,
comienza a hacer una introspección, y aparece con La habitación del
Hijo, un drama familiar de características mayúsculas. Un film donde la
muerte de un miembro de la familia deja sin sentido la vida de los
demás. Su film resulta ser ganador de la Palma de Oro en Cannes. Hace
tres años volvió a deslumbrar con un tema similar con Mi Madre. Ese
mismo" yo" de Moretti reaparece ahora en un film intimista, emotivo y
personal que pareciera ser la segunda parte de su "Caro Diario", pero
con una gran diferencia. La propuesta es ahora un paseo interior que
mueve su conciencia política, que produce en él sentimientos encontrados
que lo llevan a pensar acaso, sobre la idea de la “muerte del
ciudadano” y “la migración”. Estamos, ante todo, analizando un documental de carácter político que
analiza un hecho muy especial, de carácter humanista y clandestino,
ocurrido durante la dictadura de Pinochet en Chile después de la caída
del gobierno popular de Salvador Allende, ello es la instalación de un
centro de refugiados chilenos creado en la propia embajada italiana en
Chile. Con mucho tacto, casi con un espíritu didáctico, Moretti divide su film
en tres momentos diferentes: 1) Los sucesos que originan la caída de
Salvador Allende, 2) La enorme represión iniciada por el General Augusto
Pinochet, a cargo del nuevo gobierno chileno, y 3) la intervención de
Italia en el conflicto chileno dando refugio a perseguidos políticos. El film se nutre de diferentes fuentes, entre las cuales están las
opiniones y recuerdos de diferentes perseguidos políticos entre los
cuales se encuentran Patricio Guzmán y Miguel Littin, ambos directores
de cine chilenos cuyas obras cinematográficas han dado un gran
testimonio de lo ocurrido. Moretti usa parte de ese material no solo
para recordar aquella época sino para reivindicar la acción humanitaria
que generó el gobierno italiano amparando a cientos de militantes
comunistas. Con gran lucidez narrativa el director italiano culmina su análisis
narrando un pequeño episodio ocurrido en medio de aquella gran tragedia.
Partiendo de una situación de alta conflictividad política y social, se
cae en una represión sangrienta de una ferocidad inusitada, que, no
obstante, da lugar a una intervención de carácter clandestino de la
propia Embajada de Italia en Santiago. Aquello permitió el asilo de unas
800 personas, las cuales, en su mayoría, terminaron por exiliarse,
tomando la ciudadanía italiana, y se radicaron en aquel país que los
recibió con solidaridad y trabajo. Una luz en medio de la oscuridad. Un
soplo de vida entre la desaparición y la muerte. Una historia tremenda
sobre la pérdida de un sueño, el desarraigo y el volver a empezar en un
país extranjero. No obstante ello, lo interesante del film de Moretti es resalta la
aventura humana. La mirada que termina prevaleciendo es la de un
humanista, más allá de las nacionalidades, del exilio, de las etnias,
del lenguaje, del pensamiento político, la del hombre que solo busca un
bienestar, para él y su familia, integrarse a la sociedad y ser parte de
ella. Vivir en una sociedad que garantice la igualdad y sobre todo, la
libertad. IMPERDIBLE.
2018: Premios David di Donatello: Mejor documental
2019: Festival de Gijón: Sección oficial
TRAILER
RETROSPECTIVA CICLO: BOONG JOON-HO Bong Joon-hoDecidió convertirse en cineasta mientras cursaba la escuela media,
quizás influenciado por una familia artística (su padre fue diseñador y
su abuelo un notable autor). Se recibió en sociología en la Universidad Yonsei a finales de 1989 y fue miembro del club de cine allí. Le gustaban Edward Yang, Hou Hsiao-hsien y Shohei Imamura en ese entonces. A comienzos de 1990 completó un programa de dos años en la Academia Coreana de Artes Fílmicas.
Mientras estaba allí hizo muchos cortos de 16 mm y su trabajo de
graduación "Recuerdo en el Cuadro e incoherencia" fue convocado a
proyectarse en los festivales internacionales de cine de Vancuover y Hong Kong.
En 1994 dirigió el corto Gente Blanca. Su primer largometraje, Barking Dogs Never Bite, parte comedia y parte cruel sátira social, fue lanzado alcanzando bajos números de taquilla. Su siguiente film del 2003 Memories of Murder,
basado en el primer asesino en serie conocido en la historia del país,
alcanzaron éxito comercial y de crítica. Su film del 2006 The Host
fue un gran éxito tanto en su país (es el film surcoreano de mayor
recaudación hasta la fecha) como internacionalmente, con aceptación
crítica tras su proyección no competitiva en el Festival de Cine de Cannes.
En 2008, participó en la película ómnibus Tokyo! (segmento "Sacudiendo Tokyo") con Michel Gondry y Leos Carax.
En 2008 realizó Mother,
la historia de una complaciente madre que lucha para salvar a su hijo
discapacitado de una acusación de asesinato. Se estrenó en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes de 2009. En 2013 realizó Snowpiercer, una adaptación de la novela gráfica francesa Le Transperceneige.
En 2011, Bong fue miembro del Jurado de Drama Mundial en el Festival de Cine de Sundance y jurado principal de la sección Caméra d'or del Festival de Cannes.
Compitió en el Festival de Cannes de 2017 con Okja y en el de 2019 con Parasite, que ganó la Palma de Oro, con lo que se convirtió en el primer director coreano en ganar este premio
Su último film, Parasite acumula a nivel mundial más 20 premios internaciones y tiene 6 nominaciones al oscar 2020, siendo también el primer film coreano en recibir tantas nominaciones.
En 2017, Metacritic lo clasificó en el puesto 10.º de su lista de los 25 mejores directores de cine del siglo XXI. Sus películas presentan temas incómodos, humor negro y cambios repentinos de humor.
MEMORIES OF MURDER Salinui chueok. Crónica de un asesino en serie.
Género: Intriga. Thriller | Crimen. Años 80. Policíaco. Asesinos en serie. Neo-noir. Basado en hechos reales
SINOPSIS: Corea del Sur, 1986. Una joven aparece brutalmente violada y asesinada.
Dos meses después, se producen una serie de violaciones y asesinatos en
circunstancias similares. Para buscar al asesino, se organiza un
destacamento especial, encabezado por un detective de la policía local
(Park Doo-man) y un detective de la policía de Seúl (Seo Tae-yoon), que
ha solicitado ser asignado al caso. EXCELENTE. “Crónica de un asesino en serie” no es solo una buena película, sino
también un modelo de pericia argumentativa y técnica, con una mezcla de
géneros (desde la comedia con tintes pseudo Jackie Chan al cine negro y
el thriller) y de registros de indudable buen resultado. En un pueblo de Corea del Sur a mediados de los años 80 hay una serie de
asesinatos a mujeres jóvenes que tiene en jaque al sistema policial. Un
detective llega enviado desde Seúl para intentar resolver el caso. Basada en hechos reales, ante todo, la película se ajusta en la
recreación de un ambiente que poco a poco acaba por convertirse en
sórdido, negro y decadente, entre la mezcla de la lluvia insistente, el
paisaje rural y salvaje y la impotencia de los personajes por resolver
el caso, y es ahí donde reside el fuerte de este film, en la evolución
de los personajes sobretodo la del protagonista que vera como todo lo
aprendido en una academia no le va a servir de nada con la pertinente
frustración por sentirse limitado. Destacan la elegancia y la belleza de las escenas de carreteras
solitarias en noches de luna llena y constante lluvia, con la mezcla de
incertidumbre y desasosiego, y todo ello para revelar la impotencia, la
doble realidad de los crímenes y de los que los investigan, situándoles
en una peligrosa línea donde apenas es separable la locura y la cordura. La película comienza con tintes cómicos y acaba en una tragedia
inevitable, extraña esta mezcla y estos cambios de giro, pero hilados y
fundidos con una pericia inusitada. El tono, la fotografía y el intimismo con que está contada esta parte
del film parece que nos va a llevar a una película de género negro con
visos de diario sombrío de un detective mitigado por la realidad. Pero
entonces llega otro detective desde Seúl para reforzar la investigación y
la película cambia de registro.De nuevo cambiará el tono hasta adueñarse totalmente de un ambiente
oscuro, pesadillesco, más propio del thriller psicológico, con una
intensificación en los planos, salvajemente bellos unidos al sonido de
la noche: viento, lluvia, hiervas…“Crónica de un asesino en serie” es una de esas películas que al
principio te desconcierta, luego te atrapa y al final se te acaba
grabando a fuego en la retina. IMPERDIBLE. 2003: Festival de San Sebastián: Concha de Plata: Mejor director. TRAILER
SINOPSIS: Los habitantes de Seúl observan sorprendidos un extraño objeto que
cuelga de un puente sobre el río Han. El objeto es, en realidad, una
monstruosa criatura mutante que al despertar devora a todo aquel que se
cruza en su camino. En medio de tanto horror, la criatura mutante rapta a
la hija del dueño de un quiosco que vive felizmente a la orilla del
río. Mientras el ejército fracasa una y otra vez en sus intentos de
destruir al monstruo, este hombrecillo anónimo y su familia intentan
recuperar a su hija. MUY BUENA+. La publicidad ha hecho mucho daño a las películas. En diversas
ocasiones, las productoras promocionan una película con expectativas
idealistas de éxito, olvidando que tiene que haber una coherencia entre
lo que se anuncia y lo que se vende. Y considerando las críticas acerca
de esta película, creo que Host ha sido víctima de dicha
malinterpretación. The Host no es horror. Es tensión. The Host no es comedia. Es absurdo desencarnado. Concibo la película como una crítica-reflexión-parodia acerca del cine
de acción estadounidense, plagado de tragedia épica y heroismo
apocalíptico. En esta película el monstruo no es una amenaza de los terroristas o los
alienígenas, sino un producto de la contaminación y la incompentencia de
la administración, tanto farmacéutica como gubernamental. Los
protagonistas son patéticos, torpes, pero también valerosos y tenaces,
como seguramente nos comportaríamos nosotros ante una situación límite. Una trama trepidante aderezada con humor disparatado, angustia y un
final agridulce que hace de esta película excéntrica, pero única. El fim obtuvo un enorme éxito en su país de origen, convirtiéndose en la
película coreana más taquillera de la historia en su propio país hasta
la fecha. IMPERDIBLE. 2006: Festival de Cine Fantástico de Sitges: Mejor Película. Mejor Director.Mejores efectos especiales. TRAILER
SINOPSIS: Hye-ia es una madre soltera. Do-Joon, su hijo de 27 años, es tan ingenuo
e inmaduro que sigue dependiendo de ella. Su conducta es estúpida o
simplemente peligrosa. Es una constante fuente de preocupación para
todos. Un día, aparece una joven muerta en un edificio abandonado y
Do-joon es acusado de su muerte. Seleccionada por Corea del Sur como
candidada al Oscar 2010 en la categoría de película de habla no inglesa. EXCELENTE. Creo que es de recibo comenzar esta crítica diciendo que quien la
redacta no es objetivo con el cine coreano. Es superior a mis fuerzas:
Me entusiasma su desdén por los convencionalismos y el incuestionable
sello estético que imprimen a todas sus producciones. No debo de ser el
único porque en la última década la cinematografía de Corea del Sur ha
ganado innumerables seguidores gracias a nombres como Park Chan-wook,
Kim Ki-duk o el director que ahora nos ocupa, un Joon-ho Bong que con
tan solo cuarenta años y tres brillantes largometrajes a sus espaldas es
uno de los valores más destacados de todo el cine asiático. Haciendo honor a su procedencia, Joon-ho Bong gusta de confundir e
incluso subvertir los géneros cinematográficos. Si en The Host se sacaba
de la manga una combinación imposible de Movie Monster y tragicomedia,
aquí rueda un thriller policíaco que es al mismo tiempo un poderoso
drama familiar con ciertas pinceladas de humor negro. Después de un
comienzo pausado, el guión y sobre todo la habilidad del director para
mostrarnos los diferentes puntos de vista de la trama van haciendo
grande la película y enganchando al espectador en un laberinto de
preguntas y giros argumentales resuelto en un final imprevisible. Una Inmensa Hye-ja Kim (insisto, inmensa) absorbe por completo la
pantalla con su presencia. El director ha tenido que esperar varios años
para poder trabajar con esta veterana de la comedia televisiva de su
país pero una vez visto el resultado entendemos que su paciencia estaba
justificada. Menos complejos pero también brillantes son los trabajos de
Bin Won dando vida al alelado y desquiciante protagonista y de Jin Ku
como su terrible pero leal amigo, otra cara bonita del cine coreano
sorprendente en un papel en absoluto amable. En lo cinematográfico y la
fotografía, el realizador sigue siendo intachable. Uno solo puede
maravillarse ante escenas como la del accidente o el plano
maravillosamente patético de la mujer danzando en mitad del trigo
mientras la guitarra de Lee Byeong-woo le pone un excéntrico contrapunto
sonoro. Joon-ho Bong vuelve a las andadas filmado un sólido drama como
solamente él podía hacerlo, a través de una ironía desmedida que no
renuncia a la intriga ni a la sorpresa. Rodada con la habitual
brillantez del director, Mother es una obra que muchos han querido
calificar de menor comparándola injustamente con esa joyita que es
Memories of Murder pero aunque los paralelismos entre ambas son
evidentes lo cierto es que éste trabajo no tiene nada que envidiarle a
aquel noir alternativo. Da la impresión de que éste hombre puede
absolutamente con todo, posiblemente también con la ciencia-ficción de
su nuevo proyecto. De momento, otra película magnífica que añadir a una
filmografía sin mácula. IMPERDIBLE.
2010: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor actriz (Hye-ja Kim).
2010: Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a Mejor película extranjera
2010: Satellite Awards: Nominada a Mejor película de habla no inglesa
2009: Festival de Mar del Plata: Selección oficial largometrajes a concurso
2009: Premios Independent Spirit: Nominada a Mejor película extranjera.
Productora: Lewis Pictures / Plan B Entertainment / Netflix / Kate Street Picture Company
Género: Fantástico. Aventuras. Drama | Amistad
SINOPSIS: Durante diez idílicos años, la pequeña Mija (An Seo Hyun) ha sido la
cuidadora y compañera de Okja, un gigantesco cerdo, en su granja de la
montaña, en Corea del Sur. Pero todo cambiará cuando la gran
multinacional familiar Mirando Corporation se intente llevar a Okja a
Nueva York, donde la narcisista y egocéntrica Lucy Mirando (Tilda
Swinton) tiene otros planes para la mejor amiga de Mija. MUY BUENA+. Tenía muchísimas ganas de ver la nueva película del coreano Joon-ho Bong.
Ya le seguía la pista desde hace un tiempo, pero la polémica suscitada
en la edición del Festival de Cannes de este año no hizo más que
aumentarlas. Okja se erige como una película de las que hacía tiempo que no veía. Una
de esas obras que te hacen salir del cine (o en este caso, del salón de
tu casa) con una sonrisa de oreja a oreja. Es entrañable, tierna y
bonita, con todas las letras. Contándonos un importante mensaje. El film cuenta la trepidante aventura de una niña (Mija) y su, para nada
convencional mascota (Okja). Mija vive con su abuelo en una pequeña
cabaña en las montañas, alejados de la civilización, cerca de Seúl.
Desde el principio queda patente la profunda conexión existente entre la
criatura y Mija, viviendo ambas en paz y armonía. Sin embargo, un día
sus vidas dan un vuelvo cuando una importante industria americana centra
su atención en Okja. La trama de la película va discurriendo a medida que nos va deleitando
con unas imágenes idílicas en unos escenarios de ensueño. La historia te
atrapa, de manera que no deja lugar a la distracción. El reparto es
fabuloso, con un papel protagonista muy realista a cargo de la
jovencísima coreana Seo-Hyun Ahn. Ni que decir tiene que juntar en una
misma película a dos de los actores más camaleónicos del cine actual
puede generar una combinación explosiva. Y así resulta, Tilda Swinton y
Jake Gyllenhaal se vuelven a reinventar para dar vida a la empresaria
codiciosa comedida y al veterinario excéntrico venido a menos,
respectivamente. Realmente geniales estos dos papeles, que aportan un
tono caricaturesco a la obra. El trasfondo del film no deja de ser una crítica hacia nuestro actual
sistema de producción alimenticio, por lo que se hace necesaria en los
tiempos que corren. Un sistema del que formamos parte y en el que nos da
igual la procedencia del alimento, siempre y cuando éste cumpla una
serie de requisitos, diferentes según el tipo de consumidor, véase que
sea bajo en grasas, bajo en azúcares, que sea sabroso, y así un largo
etcétera de exigencias. Sin embargo con lo que realmente deberíamos
mostrarnos intransigentes es con la procedencia del producto y sobre
cómo se ha obtenido. Esta película es merecedora de ocupar un puesto al lado de sus hermanas,
el resto de creaciones de Joon-ho Bong. En cuanto a la polémica
suscitada sobre dónde se deben estrenar las películas y dónde puede las
pueden ver el público, decir que las opciones que están ofreciendo las
actuales plataformas me parecen muy atractivas y muy legítimas. Prefiero
no poder ver una película en una sala de cine y sí hacerlo por otros
medios, a que vomiten otra película manufacturada y nos la lancen para
que la engullamos en la gran pantalla. MUY RECOMENDABLE.
Productora: Universal Cable Productions. Distribuida por YouTube Red
Género: Serie de TV. Ciencia ficción. Acción.
SINOPSIS: Cent es una adolescente de 16 años que siempre ha sentido que era
diferente del resto. Desde pequeña, ha anhelado escapar de su pequeña
ciudad y tener una vida lejos de allí. Un día, un extraño incidente
ocurre: un conocido traficante de drogas intenta atracarla y, por la
tensión del momento y sin saber muy bien cómo lo ha hecho, Cent se
teletransporta a otro lugar para estar a salvo. Tal y como ella siempre
había pensado, era distinta. Tiene una extraordinaria habilidad que la
permite ser libre. Sin embargo, todo poder tiene un precio y el suyo es
convertir a Cent en el centro de atención de todo tipo de personas que
buscan ayudarla, controlarla o destruirla. Impulse se basa en la tercera novela de la saga Jumper escrita por Steven Gould. La adaptación viene de la mano de Doug Liman (saga Bourne), que ejerce como director y productor ejecutivo junto a David Bartis (Al filo del mañana) y Gene Klein (Suits). Jeffrey Lieber (Perdidos) es el guionista de esta ficción de Universal Cable Productions. MUY BUENA+. No soy especialmente amante de la temática de super heroes, pero un
amigo de gustos seriéfilos generalmente coincidentes me recomendó esta
serie, de la que yo nunca había oido hablar, así que decidí darle una
oportunidad. Me aconsejó también ver previamente la película Jumper, de
temática similar, la cual me pareció interesante pero floja. Así que me
puse a ver Impulse predispuesto para lo peor. Quizás sea por eso que me sorprendió lo buena que es. La temática
principal es la misma que en Jumper, pero infinitamente mejor contada y
tratada. A mí en absoluto se me hizo lenta ni me sobró trama alguna como
he leido en alguna otra crítica por aquí. Al contrario, se me hizo
corta y disfruté todas y cada una de las tramas sin excepción. Me
pareció muy bien contada, con unos personajes bien dibujados a lo largo
de toda la temporada y bien interpretados, y con una densidad argumental
suficiente como para mantener un altísimo interés hasta el final,
dejándome con un mono considerable a la espera de la T2 por la cantidad
de temas prometedores que quedan abiertos. Qué más se puede pedir? IMPERDIBLE. TRAILER
SINOPSIS: 1886. Verloc, el propietario de una tienda de mala muerte en el Soho
victoriano, trabaja en secreto para una potencia extranjera, espiando a
un peligroso grupo de anarquistas. MUY BUENA+. Interesante y bastante entretenida adaptación de la novel de Joseph
Conrad (autor de Lord Jim entre otras) muy bien ambientada en el Londres
Victoriano con buenas interpretaciones entre las que destaca Toby Jones
en el papel del funesto agente doble Verloc, el siempre solvente David
Dawson o el "Al Capone" de Boardwalk Empire Stephen Graham. Calidad BBC , nada más que agregar, está todo dicho. MUY RECOMENDABLE. TRAILER
DIGITAL MOVIES
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