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jueves, 14 de noviembre de 2024

ESTRENOS DEL JUEVES 21/11/2024

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39° FESTIVAL DE CINE 

DE MAR DEL PLATA 2024

UNDER THE

OPEN SKY

Bajo un cielo abierto.

Título original
Subarashikisekai.
Año: 2020
Duración: 126 min.
Japón Japón
Dirección:
Guion: Miwa Nishikawa, Ryûzô Saki
Reparto: Kôji Yakusho, Taiga Nakano, Masami Nagasawa, Seiji Rokkaku
Música: Hayashi Masaki
Fotografía: Norimichi Kasamatsu
Compañías AOI Pro, Bandai Co., Ltd., Bunfuku
Género: Drama | Yakuza & Triada.

SINOPSIS: Mikami, un ex-yakuza de mediana edad con la mayor parte de su vida en prisión, es liberado después de cumplir 13 años de condena por asesinato. Con la esperanza de encontrar a su madre perdida hace mucho tiempo, de quien fue separado cuando era niño, solicita ayuda a un programa de televisión y conoce a un joven director de televisión, Tsunoda. Mientras tanto, lucha por conseguir un trabajo adecuado y encajar en la sociedad. Su naturaleza impulsiva e inflexible y sus creencias arraigadas causan fricciones en su relación con Tsunoda y aquellos que quieren ayudarlo. EXCELENTE. UNDER THE OPEN SKY, de Miwa Nishikawa. El sexto film de esta realizadora y novelista que empezó su carrera como asistente de Hirokazu Kore-eda tiene algunos componentes de la obra de ese cineasta, especialmente en relación a su tono de drama personal asordinado, triste y algo sentimental. Es la historia de Mikami (Koji Yakusho, actor de muchas películas de Kiyoshi Kurosawa y protagonista de LA ANGUILA, de Shohei Imamura, entre muchas otras), un veterano convicto que sale de la cárcel tras cumplir una condena de 13 años e intenta reinsertarse en la sociedad. El hombre es un ex yakuza, con arranques de violencia y mal temperamento, al que le cuesta mucho aceptar el tipo de opciones que se le presentan laboralmente y tener que vivir de la ayuda estatal. En paralelo, su caso es seguido por un periodista de un programa de televisión interesado en su vida para un posible especial. A Mikami se le complica –más que nada por su intolerancia y su mal carácter– ser parte «normal» de la sociedad y sus conocimientos y comportamiento de entonces no le sirven para nada ahora. Más bien, le juegan en contra. Si a eso se le suman unos traumas de la infancia, no parece haber solución a su integración. Pero de a poco, y tras una serie de adversidades, Mikami parece lograr ir entendiendo cuál es su nuevo lugar allí, para lo que precisa también aceptar la ayuda de los demás. Nishikawa agrega algunos momentos cómicos que no funcionan demasiado bien –son habituales, de todos modos, en este tipo de dramas japoneses–, pero la película nunca pierde del todo ese centro que es el viaje emocional de su protagonista, la idea de que todos merecen segundas (o terceras, o séptimas, como es su caso) oportunidades para lograr tomar distancia de una manera de hacer las cosas y de relacionarse con el mundo, y a la vez comprender que también existen otras, que tienen más que ver con la empatía y la solidaridad. Una película simple y humana, sin muchas vueltas ni sutilezas, que va de todos modos al corazón de un problema que hoy se siente muy contemporáneo. IMPERDIBLE. 

2024: Festival Internacional de Mar del Plata: Foco Miwa Nishikawa. 

2020: Festival internacional de Chicago: Mejor interpretación (Kôji Yakusho)
2022: Japan Academy Awards: 7 nominaciones.

TRAILER


FOXTROT

Foxtrot.

Título original
Foxtrot
Año: 2017
Duración: 113 min.
Israel Israel
Dirección:
Guion: Samuel Maoz
Reparto: Lior Ashkenazi, Sarah Adler, Yonaton Shiray, Shira Haas
Música: Ophir Leibovitch, Amit Poznansky
Fotografía: Giora Bejach
Compañías: Coproducción Israel-Alemania-Francia; Bord Cadre Films, arte France Cinéma, arte, ZDF
Género: Drama | Ejército. Familia. Conflicto árabe-israelí.

SINOPSIS: Una familia con problemas tiene que afrontar los hechos después de un grave suceso en el lejano control fronterizo donde estaba destinado su hijo cuando realizaba su servicio militar. MUY BUENA. Foxtrot es una broma del destino contada desde el sarcasmo. Una sátira tan cruel como crítica que alterna perfectamente el humor negro con el drama. Tensión, lágrimas y carcajadas. Un objeto fílmico tan libre como fascinante. Una obra valiente que ha desatado la ira del Ministerio de Cultura israelí por su desencanto con el propio Estado, poder que se inmiscuye en la vida de la gente, cumpliendo la función de transporte a un fatal desenlace. El foxtrot es un baile que sigue un patrón bastante claro: vayas a donde vayas, siempre terminas en el mismo punto de salida. Los abuelos, los padres, los hijos: Alemania, Líbano, Palestina. La estructura de la película consiste en dos escenarios y tres actos, centrados cada uno en un personaje distinto. Además, dos intermedios hacen la función del sainete: la transición del estilo de un acto al siguiente. Maoz ha escrito y dirigido la película, lo que demuestra sus aptitudes tanto como guionista que como director, pues ha sabido diferenciar ambas tareas de forma prodigiosa. El guión y los diálogos siguen un desarrollo teatral, fácilmente podríamos ver una adaptación de la obra sobre las tablas. En cambio, el trabajo de cámara y edición son cien por cien cinematográficos, cada plano tiene un sentido, cada movimiento de cámara, también. Esto, que repetimos siempre en este blog una y otra vez, es la base del cine clásico universal mejor valorado: Welles, Hitchcock, Bresson. Maoz no se contenta con facturar un teatro filmado ni con vagar cámara en mano, sino que mezcla dos códigos distintos de manera precisa, matemática y efectiva. Un primer acto en el apartamento familiar, siguiendo la figura del padre. Un acto casi silencioso que impacta desde la primera imagen. Una puerta que se abre, una mujer que se desmaya y la cámara, avanza silenciosa por el pasillo hasta que aparece en el plano un hombre inmóvil, en shock. El shock es la clave de este episodio. El protagonista apenas habla y es el ejército quien toma el control. Desde el primer momento, desde la reacción más natural ante la injusticia de la muerte de un hijo, el grito, rápidamente los soldados se sacan del bolsillo un calmante para neutralizar cualquier rabia ante el suceso. La puesta en escena es fría, opresora, claustrofóbica: la luz de un cielo bajo nublado en Tel Aviv, un apartamento lujoso pero gélido, planos cenitales en cuartos angostos, una alarma que se repite una y otra vez. El padre intenta mantener el tipo mientras comprobamos, atónitos, hasta qué punto el Ejército toma el control no sólo de la vida, sino también de la muerte de su hijo. El funeral de Estado está estrictamente organizado y la familia apenas tiene derecho a intervenir. Mientras el rabino del ejército lo abasaya con la organización de la ceremonia, el padre, horrorizado, recupera un hilo de humanidad al ver a su perro asustado tras haberlo agredido. Arrepentido le hace seña para que se acerque y lo acaricia mientras el rabino sigue recitando sus trámites. IMPERDIBLE.

2024: Festival Internacional de Mar del Plata: Proyecciones especiales. 
2018: Premios del Cine Europeo: Nominada a Mejor dirección
2017: Festival de Venecia: Gran Premio del Jurado
2017: Festival de Valladolid - SEMINCI: Sección oficial
2017: National Board of Review (NBR): Mejor film extranjero
2017: Satellite Awards: Nominada a Mejor película de habla no inglesa
2017: Seminci de Valladolid: Sección oficial.

TRAILER


 
1978

1978

Título original
1978
Año: 2024
Duración: 78 min.
Argentina Argentina
Dirección: ,
Guion: Luciano Onetti, Nicolás Onetti, Camilo Zaffora
Reparto: Agustín Pardella, Carlos Portaluppi, Mario Alarcón, Agustin Olcese
Fotografía: Kasty Castillo, Luciano Montes de Oca
Compañías Black Mandala. Distribuidora: Black Mandala
Género: Terror. Thriller | Secuestros / Desapariciones. Años 70.

SINOPSIS: Durante la final de la Copa del Mundo entre Argentina y Holanda, en tiempos de plena dictadura militar, un grupo de torturadores irrumpe violentamente en un domicilio y secuestra a un grupo de jóvenes para llevarlos a un centro clandestino de detención. Lo que comienza como un interrogatorio inhumano, se convierte en un verdadero martirio: han secuestrado al grupo de personas equivocado. Los jóvenes resultan ser parte de un macabro culto guiado por una fuerza sobrenatural desconocida. El centro clandestino de detención se convertirá en el mismísimo infierno… MUY BUENA. Deconstruir el genocidio argentino de la década del 70 es una tarea que el arte popular, la cultura de masas, viene haciendo con cuentagotas ante los riesgos latentes de simplificar o volver superficial la discusión. Pero se puede y el cine argentino, una vez más, se encarga de la búsqueda. El datazo es que el género del terror parece haber alcanzado el punto exacto. Al menos así parece por lo que se sabe de "1978", lo nuevo de los hermanos Luciano y Nicolás Onetti, los mismos de "Abrakadabra" y "Los olvidados".La productora Black Mandala Films dio a conocer las primeras imágenes del film, que viene de haber tenido su premiere mundial en el Marché du Film del Festival de Cannes durante el Blood Window Showcase. “1978” comenzará ahora su circuito internacional de festivales en octubre próximo. ¿De qué va la película? Durante la final de la Copa del Mundo entre Argentina y Holanda, en plena dictadura militar, un grupo de torturadores irrumpe violentamente en un domicilio y secuestra a un grupo de jóvenes para llevarlos a un centro clandestino de detención. Lo que comienza como un interrogatorio inhumano se convierte en un martirio que no reconoce diferencias entre torturadores y torturados: los represores parece que secuestraron al grupo de personas equivocado. Los jóvenes resultan ser parte de un macabro culto guiado por una fuerza sobrenatural desconocida. MUY RECOMENDABLE.

2024: Festival Internacional de Mar del Plata: Nominada a Mejor película latinoamerica.
2024: Festival de Sitges: Nominada a Mejor película (Sección Midnight X-Treme).
2024: Festival de Cannes: Marché du Film.

TRAILER


 

ESTRENOS

DE LA SEMANA

IL LADRO

DI GIORNI

Los días robados.

Título original
Il ladro di giorni
Año: 2020
Duración: 105 min.
Italia Italia
Dirección:
Guion: Guido Lombardi, Luca de Benedittis, Marco Gianfreda. Novela: Guido Lombardi
Reparto: Riccardo Scamarcio, Augusto Zazzaro, Massimo Popolizio, Giorgio Careccia
Música: Giordano Corapi
Fotografía: Daria D'Antonio
Compañías: Indigo Film, Bronx Film, RAI Cinema
Género: Drama | Familia.

SINOPSIS: Salvo, de once años, vive con sus tíos en Trentino. Cierto día, mientras juega al fútbol con sus amigos, aparece inesperadamente un hombre; es su padre, Vincenzo. Salvo apenas lo reconoce porque llevaba 7 años sin verlo, desde que los carabinieri se lo llevaron cuando vivían en Puglia. Ahora Vincenzo ha salido de prisión, dice que quiere pasar unos días con su hijo y se va con él hacia el sur. Durante este viaje por Italia, marcado por muchos encuentros y recuerdos, Salvo aprenderá a conocer a su padre, pero también tendrá que lidiar con sus secretos y su pasado. MUY BUENA. Il ladro di giorni , el tercer largometraje de Guido Lombardi (Là-bas - Educazione criminale ), es una película con muchas capas: es una historia de educación, de venganza y de profundas emociones; una road movie protagonizada por un padre y su hijo, que vuelven a encontrarse después de muchos años de ausencia, y también es un melodrama con un trasfondo criminal y algunos toques de humor. Después de pasar años “en progreso” (desde que recibió el Premio Solinas en 2007), convirtiéndose primero en novela y luego en guion de cine, la historia por fin ha llegado a la gran pantalla. “¡Te dije que te quedases en el coche!”. Son las palabras que Vincenzo (Riccardo Scamarcio) le repite a su hijo de once años, Salvo (Augusto Zazzaro), cada vez que no quiere que le vea llevar a cabo algún acto criminal. Recién salido de prisión tras siete años de encarcelamiento, Vincenzo se dirige a la región italiana de Trentino para recuperar a su hijo, que está bajo la custodia de su tía, y poder pasar unos días con él. Al mismo tiempo, debe completar una misión muy específica: transportar una gran cantidad de droga camuflada como "harina" desde el norte del país hasta Bari, en Puglia, su tierra natal. Si en el camino se encuentran con algún control policial, Vincenzo lo tiene claro: "un niño es mejor que un arma", convencido de que la presencia de su hijo mantendrá a los policías a distancia. Al principio, los protagonistas son prácticamente dos desconocidos que desconfían el uno del otro. Salvo es un niño muy bien educado (el primero de su clase), pero tiene miedo de ese hombre con pinta de “pirata” y lleno de tatuajes al que tiene que llamar padre. Sin embargo, como en cualquier road movie que se precie, el viaje hará que los personajes cambien y acaben reconectando. Es comprensible pensar que no hay nada de innovador en este relato. Sin embargo, en cierto momento la historia toma una dirección completamente diferente. Empezamos a seguir las huellas del supuesto traidor, un profesor de arte (Carlo Cerciello) que, siete años antes, envió a Vincenzo a prisión. Un momento traumático en el que dos carabinieri se llevan al padre ante la incrédula mirada de su hijo, que en aquel momento apenas tenía 5 años, mientras estaban bañándose en la playa. Lo interesante aquí es la forma en que se enfatiza la banalidad del crimen de Vincenzo, que tan solo descubrimos en este momento de la trama. Vincenzo es un criminal, pero no es un gran estratega, sino un hombre bastante simple que también alberga buenas intenciones. De esta forma la película plantea cómo en algunas ocasiones, detrás de una supuesta traición, tan solo hay un simple error, un momento de descuido que, en el espacio de unos minutos, puede cambiar el curso de toda una vida con efectos irreversibles. Los "días robados" del título son los que Vincenzo ha perdido en prisión. Siete años de su vida que podría haber pasado con su hijo. Siete años durante los cuales Salvo podría haber tenido un padre que le enseñase el valor que ahora necesita. En los ojos del niño se refleja la preocupación que siente por su padre y la vida que lleva. Sin embargo, en su búsqueda de amor y aceptación, Salvo comienza a emular las acciones de su padre, a pesar de que Vincenzo le pide que no mire durante los momentos cruciales. MUY RECOMENDABLE.

TRAILER


RUMOURS

Rumores.

Título original
Rumours
Año: 2024
Duración: 104 min.
Alemania Alemania Canadá Canadá
Dirección: , ,
Guion: Evan Johnson
Reparto: Cate Blanchett, Alicia Vikander, Roy Dupuis, Charles Dance.
Música: Kristian Eidnes Andersen
Fotografía: Stefan Ciupek
Compañías Coproducción Canadá-Alemania-Estados Unidos-Reino Unido; Buffalo Gal Pictures, Maze Pictures, Aloe Entertainment, Bleecker Street, Manitoba Film & Music.
Género: Comedia. Drama | Política. Sátira.

SINOPSIS: Los líderes de siete democracias mas ricas del mundo se pierden en un bosque, al tiempo que tratan de redactar una declaración sobre una crisis mundial, enfrentándose a peligros mientras intentan encontrar la salida. MUY BUENA. Más allá de su tono de comedia, RUMOURS es muy diferente a casi todo lo que ha hecho Guy Maddin previamente. Se trata de una comedia accesible, popular, sencilla, que bromea con algunos personajes y hechos de la política reciente de una manera no muy distinta a lo que podría hacerlo un sketch de programas televisivos como Saturday Night Live. Su propuesta es lo suficientemente graciosa y contiene una cantidad de giros inesperados que le dan vida cuando todo parece agotarse, pero aún así es una película demasiado larga para lo que finalmente propone. RUMOURS es como una parodia de LA CORDILLERA, de Santiago Mitre. Lo que vemos acá es una reunión del G7, los líderes de los siete países más importantes del mundo que se reúnen en un gran caserón en un pueblo perdido de Alemania para discutir los hechos del momento, elaborar unos documentos que, ellos creen, son muy importantes y memorables, y comer, charlar y lidiar con sus complicadas situaciones personales, más amorosas y familiares que políticas. Lo que no imaginan, mientras comen, beben y debaten bajo un gazebo en medio del bosque, que de golpe los mozos dejarán de venir, nadie contestará más sus celulares y el mundo exterior parecerá haberse oscurecido por completo. ¿Qué está pasando? ¿Algún atentado? ¿Un juego perverso? ¿O algo más sobrenatural? ¿Qué onda con esas criaturas que parecen observarlos en la oscuridad? Los siete líderes del mundo podrán ser muy poderosos, pero ante la crisis y sin colaboradores a mano, no tienen idea de qué deben hacer. Maddin, que codirige con Evan Johnson y Galen Johnson, reúne a un destacado elenco en los roles de presidentes y primeros ministros, incluyendo a Cate Blanchett como la líder alemana (una versión no muy disimulada de Angela Merkel), Denis Menochet como el insoportablemente parlanchín líder francés, Rolando Ravello como el despistado mandatario italiano, Charles Dance como el presidente de los Estados Unidos (basado en Joe Biden), Nikki Amuka-Bird como la muy seria líder británica, Takehiro Hira como el silencioso primer ministro japonés y Roy Dupuis como el mandatario canadiense quien, al ser Maddin de ese país, tiene uno de los roles más importantes, burlándose un poco del carácter entre sexy y culposo de Justin Trudeau, quien tiene además un escándalo político absurdo que solo puede ser escandaloso en Canadá. La primera y más divertida parte se irá en pelas, romances ocultos entre ambos, discusiones acerca de escándalos y la obsesión por sentarse a escribir anodinos documentos de intenciones que suponen trascendentales cuando es claro que no son otra cosa que un compendio de lugares comunes. Hay romances, sexo, gente que se queda dormida y alguna otra broma que tiende a tener alguna relación con el mandatario en sí o con particularidades de las distintas nacionalidades en juego. Hasta que, bueno, empiezan a pasar cosas raras y salen los miedos, las confusiones, los heridos, los misterios y las curiosas decisiones que se toman para tratar de escapar a una amenaza indefinida y que, a juzgar por la foto que ven en esta crítica, tiene características bastante bizarras. RECOMENDABLE.

2024: Festival de Cannes: Sección Oficial (fuera de concurso)

TRAILER


LUBO

Lubo.

Título original
Lubo
Año: 2023
Duración: 175 min.
Italia Italia
Dirección:
Guion: Giorgio Diritti, Fredo Valla. Novela: Mario Cavatore
Reparto: Franz Rogowski, Christophe Sermet, Valentina Bellè, Noemi Besedes .
Música: Marco Biscarini
Fotografía: Benjamin Maier
Compañías Coproducción Italia-Suiza; Indiana Production, Aranciafilm, RAI Cinema, Hugo Film, Proxima Milano. Distribuidora: 01 Distribution.
Género: Drama | Nazismo. Años 30. Años 40.

SINOPSIS: Lubo es un nómada, un músico callejero que en 1939 es llamado al servicio militar del ejército suizo para defender las fronteras del país contra el riesgo de una invasión alemana. Poco después se entera de que su mujer ha muerto en el intento de impedir que los gendarmes se llevaran a sus tres hijos pequeños, que han sido separados de su familia en el marco del programa nacional de reeducación de los “niños de la carretera” (Kinder der Landstrasse). Lubo sabe que nunca tendrá paz hasta que recupere a sus hijos y consiga justicia. EXCELENTE. Suiza siempre ha pasado por un país discreto y ordenado, dónde es complicado encontrar un papel arrojado en el suelo gracias al civismo y responsabilidad de sus ciudadanos. Y sin embargo bajo esa superficie prístina sin duda laten historias mucho más oscuras y poco loables. Ya hace años que el cineasta suizo Alain Tanner aportó algunas visiones críticas, aunque su mirada era más amplia y europea. Por contra en los últimos años han aparecido algunos títulos que si dramatizan sobre episodios concretos de la historia moderna de Suiza, aportando luz sobre capítulos inadvertidos en la Historia del país helvético, capítulos ignorados por los foráneos y que sin embargo resultan remarcables por como demuestran que en el país alpino no han permanecido ajenos a los defectos de la política europea de los últimos siglos. Uno de esos títulos fue "Unrueh", de Cyril Schäublin, que reflejaba el soterrado sectarismo político en el siglo XIX, y luego también aparecido este "Lubo", que viene a explicar como se intentó acabar con las comunidades nómadas, especialmente al pueblo yaniche mediante un arbitrario proyecto político conocido como Kinder der Landstrasse (¿traducido quizás como los niños de la calle?), implantando políticas para separar a los niños de sus familias y así disolver comunidades, proyecto que halla numerosos puntos en común con otros emprendidos por el franquismo aquí en España, practicando políticas criminales similares. Según se puede averiguar de forma sencilla, el conocido como Kinder der Landstrasse sucedió en el siglo pasado, entre los años 1926 y 1972, sin embargo, el hecho que la historia del largometraje se enmarque en la II Guerra Mundial tiene una intención que a mí me parece concreta, parece querer establecer un juego de espejos con la Alemania nazi y sus leyes y políticas igualmente racistas y abominables, aunque de forma más taimada y discreta, con mayor disimulo y a menor escala, no por ello menos doloroso, tal y como lo refleja la historia del protagonista Lubo Moser. Todos estos elementos de crítica política se embarca en una epopeya que se alarga varias décadas, por su compromiso, por su afán de ponerse junto a los oprimidos con una historia de aire épico y dramático, me pareció una actualización de "Los miserables", adaptándose al siglo XX. Una historia dónde la maravillosa fotografía capta unas calles y unos paisajes de belleza deslubrmante pero envilecidos por el dolor y la mezquindad de la actividad humana. Me parecie pertinente su duración, de esa forma el director acapara mucho más terreno, da lugar a interesantes matices, ves como las clases acomodadas disfrutan de sus palacetes en Zürich mientras otros son reclutados para ridículos servicios militares, como unos son sometidos a circunstancias azarosas para que otros vivan despreocupados, el racismo latente en diversos personajes encarna una forma de pensar muy desdeñable, todo ello mostrado con razonable equilibrio y distancia, dejando espacio para que el espectador observe y juzgue. Por mi parte me pareció un relato conmovedor, interesante en cada tramo narrativo, que ofrecen significativos contrastes sociales y acierta a arrojar luz sobre un ángulo poco conocido de la historia europea del siglo XX y que más valdría no olvidar para no repetir sobre gentes de otros contextos sociales o nacionalidades. Cosa que para mí refuerza la vigencia y pertinencia de la visión construida por Giorgio Dritti, desde hoy otro nombre a seguir. IMPERDIBLE.

2023: Festival de Venecia: Nominada a León de Oro - Mejor película.
2023: Premios David di Donatello (Italia): Nominada a Mejor guion adaptado.

TRAILER


S L E E P

EL MAL NO DUERME

Jan.

(EN CINES)

Título original
Jam
Año: 2023
Duración: 95 min.
Corea del Sur Corea del Sur
Dirección:
Guion: Jason Yu
Reparto: Jung Yu-mi, Lee Sun-Kyun, Kim Kuk-hee, Lee Kyung-jin
Música: Jang Hyeok-jin, Jang Yong-jin
Fotografía: Kim Tae-Soo
Compañías: Lewis Pictures
Género: Drama. Terror | Familia. Sobrenatural.

SINOPSIS: Una mujer embarazada comienza a preocuparse por los hábitos de sueño de su esposo. Lo que comienza poco a poco como un sueño ligero en el que habla pronto se intensifica y se convierte en un comportamiento inesperadamente grotesco. Ambos consultan a una clínica del sueño sin éxito y, a medida que aumenta su comportamiento de pesadilla, buscan desesperadamente la ayuda de un chamán. EXCELENTE. Una historia retorcida de misterio con tintes de terror nos ofrece este film coreano que perturbo mucho a los espectadores que la pudimos ver en el Festival de Sitges. Soo-Jin y su marido Hyun-su van a ser padres dentro de pocas semanas. Él es un actor de éxito y acaba de aceptar un papel en una gran producción. Las cosas les van bien y el niño que viene de camino no tendrá problemas. O eso parece porque Hyun-su comienza a tener un comportamiento muy raro por las noches, se levanta sonámbulo y come carne cruda del frigorífico o intenta saltar al vacío por el balcón. Acuden para buscar ayuda médica, pero la cosa va a más y vivir en esa situación empieza a ser muy peligroso. Para rizar el rizo la madre de Soo-jin trae a un médium que les dice que el fantasma de alguien muerto es el verdadero culpable. Y con un bebé en camino, Soo-jin no se arriesgará a que su marido también intente dañar a su hijo. Un magnífico debut en la dirección de Jason Yu (asistente de dirección de Bong Joon-ho) que con influencias de Polanski crea un terror psicológico con una narrativa muy convincente y con escenas de terror muy inteligentes. Jung Yu-mi ("Tren a Busan") y Lee Sun-kyun ("Parasitos") han actuado como pareja en otras películas, por lo que tienen buena química y se nota.  Una escalofriante película de terror que sabe impactar, realizada con ingenio y poco dinero. IMPERDIBLE.

2023: Festival de Cannes: Semana de la crítica
2023: Blue Dragon Film Awards (Corea del Sur): Mejor actriz. 3 nominaciones
2023: Festival de Sitges: Nominada a Mejor película.

TRAILER


COUP!

Coup!

Título original
Coup!
Año: 2023
Duración: 98 min.
Estados Unidos Estados Unidos
Dirección: ,
Guion: Joseph Schuman, Austin Stark
Reparto: Peter Sarsgaard, Billy Magnussen, Sarah Gadon, Skye P. Marshall
Fotografía: Conor Murphy
Compañías Management 360, Film Constellation, Happy Bad Bungalow, Hemlock Circle Productions, Howl, Phiphen Pictures
Género: Comedia. Thriller | Años 1910-1919. Trabajo/empleo.

SINOPSIS: Durante la gripe española de 1918, un criado rebelde lidera una revuelta contra su rico patrón. MUY BUENA. Peter Sarsgaard interpreta con brillantez a un personaje que representa la clase trabajadora consciente del poder que tiene sobre la clase dominante.  Aunque la sociedad hay quienes sirven y quienes son servidos, la película nos explica que la dignidad de los seres humanos no tiene que ver con la riqueza. Cuando la naturaleza consigue que el nivel de renta no sea lo importante, descubrimos que la supervivencia no depende ni del dinero ni del prestigio social. Brillante argumento que roza la justicia poética, bien trenzado y con un excelente sentido del humor. La dignidad de los hombres puesta a examen- Excelentes interpretaciones. La lucha de clases continúa. IMPERDIBLE.

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CLASSIFIED

Clasificado.

Título original
Classified
Año: 2024
Duración: 105 min.
Bulgaria Bulgaria
Dirección:
Guion: Bob DeRosa
Reparto: Aaron Eckhart, Tim Roth, Abigail Breslin, Matt Hookings
Música: Roel Reiné
Fotografía: Roel Reiné
Compañías 50 Degrees Entertainment, Film Bridge International, Filmology, Underdogg Entertainment
Género: Acción. Thriller.

SINOPSIS: Shaw es un asesino que trabaja para la Agencia de Seguridad Nacional de Estados Unidos y que recibe sus misiones a través de anuncios clasificados. Un día recibe la visita de Kacey, una joven agente que trabaja para el Servicio de Inteligencia Secreta, quien le informa de que el departamento para el que ha estado trabajando se cerró hace tiempo. Shaw se da cuenta entonces de que le han tendido una trampa y que ha estado realizando asesinatos en nombre de alguien que desconoce. Mientras investigan quién está detrás de estas misiones, Shaw y Kacey son perseguidos por un grupo de asesinos armados. BUENA. Classified está bien filmada. Soy un fanático de los planos con poca profundidad de campo, y rara vez se ven tomas planas, que contrasta con algunos de los hermosos paisajes europeos que se muestran. El nivel técnico está tan bien logrado lo que hace que la película no pierda el hilo central logrando que el espectador se sienta cómodo con la trama. Con actores que cumpen bien su rol y escenas de acción que si bien no son espectaculares pero estab muy bien logradas, la experiencia en si es buena. Sumando todas estas características puedo decir que Classifield logra su cometido que no es mas que el de entretener al espectador. RECOMENDABLE.

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MONSTER

SUMMER

Monstruo de verano.

Título original
Monster Summer.
Año: 2024
Duración: 103 min.
Estados Unidos Estados Unidos
Dirección:
Guion: Bryan Schulz, Cornelius Uliano
Reparto: Mel Gibson, Mason Thames, Lorraine Bracco, Nora Zehetner
Música: Frederik Wiedmann
Fotografía: Larry Blanford
Compañías Nickel City Pictures, Novo Media Group, Pastime Pictures, Reserve Entertainment
Género: Thriller.| Secuestros / Desapariciones. Sobrenatural. Adolescencia.

SINOPSIS: Cuando una fuerza misteriosa comienza a perturbar su gran diversión veraniega, Noah y sus amigos se unen a un policía retirado (Gibson) para embarcarse en una monstruosa aventura para salvar su isla. MUY BUENA. Una aventura juvenil encantadora que combina a partes iguales el espíritu de Los hermanos Hardy y Escalofríos, Monster Summer presenta a Mason Thames (el joven prisionero principal de The Black Phone) enfrentándose a un peligro mucho menos perturbador como un residente de Martha’s Vineyard que comienza a sospechar de brujería en su comunidad. Este elegante ejercicio de suspense sobrenatural ligero, dirigido por David Henrie, está pensado para un público joven, aunque los padres también podrían disfrutar de la actuación de los miembros mayores del reparto, que incluye a Mel Gibson, Lorraine Bracco y Kevin James. Es una película divertida que se encuentra en el lado positivo de lo "inocuo",  ambientada en 1997, Monster Summer tiene un encantador aire retro que recuerda a clásicos como Los Goonies y Cuenta conmigo. El contenido de terror se mantiene como una posibilidad insinuada hasta la última media hora, cuando los efectos climáticos confirman que Noah tenía razón... aunque también estaba equivocado sobre el origen exacto de los hechos malvados. Sin embargo, las imágenes fantásticas que se presentan son aptas para niños, más en un estilo de Hansel y Gretel que aterradoramente gráfico. Thames es un protagonista carismático, bien respaldado por sus compañeros de reparto, que interpretan roles más unidimensionales. Gibson, por su parte, lo hace muy bien interpretando una variación del excéntrico cascarrabias que ha encarnado varias veces. Sus diálogos, llenos de bromas flojas como "Un consejo, chico: no te hagas viejo" o "Tengo calcetines más viejos que tú", no ayudan mucho. Henrie, un actor infantil que recientemente interpretó al joven Ron en Reagan, maneja el material con un equilibrio entre profesionalismo y un tono serio pero no demasiado pesado. Aunque las localizaciones de Carolina del Norte sustituyen a Nueva Inglaterra, la película cuenta con un diseño técnico logrado, destacando la cinematografía en pantalla ancha de Larry Blanford y la banda sonora orquestal de Frederick Wiedmann. RECOMENDABLE.

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DOCUMENTALES

SUPER/MAN

LA HISTORIA DE CHRISTOPHER REEVE

Super/Man: The Christopher Reeve Story.

(EN CINES)

Título original
Super/Man: The Christopher Reeve Story
Año: 2024
Duración: 106 min.
Estados Unidos Estados Unidos
Dirección: ,
Guion: Ian Bonhôte, Otto Burnham, Peter Ettedgui. Biografía sobre: Christopher Reeve
Reparto: Christopher Reeve, Robin Williams. Intervenciones de: Dana Reeve
Música: Ilan Eshkeri
Compañías: Jenco Films, Misfits Entertainment, Passion Pictures, Words + Pictures
Género: Documental | Documental sobre cine. Biográfico. Discapacidad.

SINOPSIS: Christopher Reeve era una estrella de cine mundial, pero en 1995 sufrió un accidente casi mortal motando a caballo que le dejó paralizado del cuello para abajo. Después se convirtió en activista en favor de los tratamientos para las lesiones medulares y los derechos de las personas con discapacidad.  EXCELENTE. Un 10 de octubre de 2004 fallecía Christopher Reeve, a los 52 años, a causa de una hipotensión surgido a raíz de una sepsis ("es un síndrome de anormalidades fisiológicas, patológicas y bioquímicas, potencialmente mortal asociadas a una infección." Según Wikipedia). La vida de Reeve no fue la misma desde el 27 de mayo de 1995, fecha en la que sufrió un accidente en un concurso de equitación en Culpeper (Virginia) y su cuerpo quedó paralizado de cuello para abajo. La vida de Reeve no se quedó ahí. Después del accidente apareció de nuevo a la luz pública en la 68ª ceremonia de entrega de los Oscar en marzo de 1996, realizó actividades para conseguir fondos y poder así investigar las células madre que le podrían ayudar a volver a caminar, prestó su nombre (y después, su esposa Dana también se sumó al de Christopher tras su fallecimiento por cáncer de pulmón un 6 de marzo de 2006) a una fundación para ello llamada 'The Christopher Reeve Foundation'. Sirvió aún con su accidente para ser un ejemplo de superación para su familia y gente que también sufriera de discapacidades iguales o similares a la suya. Todo eso fue Christopher Reeve tras el accidente, pero este documental tampoco olvida quien fue Reeve antes del terrible suceso. Y Reeve pasó a la historia del cine como el primer actor que interpretó a Clark Kent/Superman en el cine en 1978 en 'Superman', y sus secuelas, además de otros proyectos como 'En algún lugar del tiempo' o 'El reportero de la calle 42'. El documental sabe hacer un balance entre la vida de Reeve como actor y como activista a través de testimonios de amigos y familiares (en el que hablan sus hijos y la ex-esposa de Reeve, Gae Exton, entre otros). Ian Bonhôte y Peter Ettedgui dirigen y coescriben, junto a Otto Burnham, este repaso a su vida que sabe abarcar una imagen general de su vida en poco menos de dos horas mediante testimonios e imágenes y vídeos de archivo en el que se ve al fallecido actor y director en compañía de su familia y amigos y grabaciones caseras, dando una idea de quien era Christopher Reeve para los que no lo conociesen demasiado. Mediante un ágil montaje mezclando archivo, testimonios, imágenes hechas por ordenador y una banda sonora que acompaña eficazmente la narración se puede hacer un documental más que simplemente bueno. No es un documental para personas sensibles, porque muchas cosas narradas no son agradables, mas creo que la figura del actor nacido en Nueva York un 25 de septiembre de 1952 no debería caer en el olvido y este filme servirá para que no sea así. IMPERDIBLE.

2024: Premios British Independent Film Awards (BIFA): Nominada a Mejor documental.

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MINISERIES Y SERIES

 
L´AMICA

GENIALE

4ta TEMPORADA

La amiga genial.

FINAL DE LA SERIE. 

Disponibles las temporadas 1, 2 y 3

10 EPISODIOS

  4 DISCOS.

Título original
L'amica geniale.
Año: 2018-2024
Duración: 500 min.
Italia Italia
Dirección: (Creador), , , ,
Guion: Saverio Costanzo, Elena Ferrante, Francesco Piccolo, Laura Paolucci. Novela: Elena Ferrante
Reparto: Margherita Mazzucco, Elisa Del Genio, Gaia Girace, Ludovica Nasti.
Música: Max Richter
Fotografía: Fabio Cianchetti, Ivan Casalgrandi, Hélène Louvart, Vladan Radovic
Compañías Coproducción Italia-Estados Unidos; HBO, Wildside, Fandango Produzione, Radiotelevisione Italiana (RAI), The Apartment, UMédia, TIMvision, Regione Campania, Programme MEDIA de la Communauté Européenne, Campania Film Commission
Género: Serie de TV. Drama | Amistad. Años 50.

SINOPSIS: La veterana escritora Elena Greco descubre que Lila Cerullo, su amiga de toda la vida, ha desaparecido sin dejar rastro. Su ausencia evoca en Elena el recuerdo de su tempestuosa amistad, un vínculo inquebrantable forjado en el barrio natal de ambas, en el Nápoles en los años 50.EXCELENTE. Esta serie es un perfecto ejemplo de como los productos audiovisuales más simples, comerciales y básicos en el peor de los sentidos, barren, por desgracia, series de auténtico valor y riqueza como La amiga estupenda. No voy a dar nombres. Bueno sí, Élite, La Casa de papel, y demás series de dudosa calidad de guion e interpretación arrasan en cuanto a fama y repercusión, y series como La amiga estupenda, en mi opinión, no tienen la fama que se merecerían. La amiga estupenda es una pequeña obra de arte, porque como digo, es de esas pocas series que trasciende del simple entretenimiento, que sabe ir más allá, que ofrece gran riqueza de matices, que, en definitiva aporta algo. Una serie que no está hecha con el fin de ser consumida, sino con el objetivo de contar una historia elaborada con todo lo que conlleva, que no es poco. Para empezar, partimos de un guion original bueno, pues es la adaptación de los libros de Elena Ferrante, que ya crearon sensación. La adaptación es fiel, con diálogos y monólogos prácticamente exactos. La ambientación también es fiel, y además genial trabajada, realista, humana, consigue conmover pero sin romantizar, exagerar, ni hacer malabares lacrimógenos, es conmovedora pero simple y sin artificios como la vida misma. La fotografía es estupenda, dándole a la imagen un tono grisáceo que acompaña al espíritu y la sensación de la trama y el espacio que se trata. El tono grisáceo desaparece y otra fotografía menos opaca aparece según se avanza en el tiempo, acompañando con los nuevos escenarios de la serie y la nueva estética. La banda sonora de Max Richter ha sido una de las más alabadas por los espectadores, con motivo. Una banda sonora sutil, emocionante y adecuada a cada momento. La dirección, el uso de los planos y la elección de los mismos para cada momento, también son más que correctos. La voz en off aporta mucho en las escenas que aparece, que son las adecuadas, y ayudan al espectador a conectar todavía más con los personajes, con el ambiente, a terminar de comprender y emocionarse con lo que está pasando en pantalla. La amiga estupenda, además de aportar calidad artística, también tiene un valor histórico y documental pues hace un retrato estupendo de la Italia de los años 50, una Italia de posguerra que tiene miedo, está traumatizada, cansada y anímicamente en ruinas. No solo retrata bien esto, sino que nos cuenta como es esa Italia para una mujer, más aun, para una mujer de barrio obrero, un barrio donde soñar no es fácil, donde no hay expectativas. Y es que el barrio es un tema central en la serie, un barrio opresor y oprimido, asfixiante, sin esperanza, un barrio en el que el ambiente es tan cerrado, denso y desesperanzado que aquel que pertenece a él ya nace con un rol impuesto respecto al barrio. Un rol que le condicionará toda su vida, ya sea por intentar adaptarse a él, defenderlo, huir de él, o incluso, revelarse contra él. Sea la situación que sea, se elija la actitud que se elija, siempre ese rol perseguirá y condicionará la vida de sus habitantes, asfixiándoles, dejando heridas, oprimiendo.  La sociedad del barrio está perfectamente trabajada porque es real, con luces y sombras, pero tremendamente humana. Es una sociedad machista, violenta, agresiva, pero al mismo tiempo víctima. Es una sociedad agresiva porque no sabe actuar de otra manera, no conoce otra cosa, es una sociedad que está herida y hiere al mismo tiempo. No hay ningún personaje que no esté bien trabajado, todos tienen matices, errores, malos sentimientos, inseguridades, y son tan humanos que no es difícil empatizar con todos ellos, incluso con los que tienen las personalidades menos favorecidas en el guion. La profundidad de los personajes es una prueba más de que la serie es una obra elaborada y ambiciosa, una serie que se ha producido con la intención de contar algo, de expresar. Es una serie que no deja indiferente, que emociona y tiene fuerza sin perder la verosimilitud. Trata temas complicados sin convertirse en una 'telenovela', porque se hace desde la humanidad siempre. Tiene el equilibrio perfecto entre intensidad dramática y sutileza; es una obra costumbrista pero intensa y emotiva. Es una serie con matices porque no hay buenos ni malos, se aprecia desde el guion y sus autores y adaptadores respeto hacia cada uno de los personajes que componen la obra. IMPERDIBLE.

2018: Festival de Venecia: Sección oficial (fuera de concurso)
2022: Critics Choice Awards: Nominada a mejor serie en lengua extranjera
2018: Critics Choice Awards: Nominada a mejor serie drama
2019: Premios Gotham: Nominada a mejor serie revelación (formato largo)
2020: Premios Ondas: Premio Internacional de Televisión.
 
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viernes, 8 de noviembre de 2024

ESTRENOS DEL JUEVES 14/11/2024

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ESTRENOS

DE LA SEMANA

MARIA

María.

Título original
Maria.
Año: 2024
Duración: 102 min.
Francia Francia
Dirección:
Guion: Jessica Palud, Laurette Polmanss. Novela: Vanessa Schneider
Reparto: Anamaria Vartolomei, Matt Dillon, Giuseppe Maggio, Hugo Becker
Música: Benjamin Biolay
Fotografía: Sébastien Buchmann
Compañías: Fin Août Productions, Haut et Court, Orange Studio, Cinema Inutile
Género: Drama | Biográfico. Cine dentro del cine. Años 70. Basada en hechos reales.

SINOPSIS: La corta carrera y la trágica vida de la estrella de 'El último tango en París', Maria Schneider, a la luz del post #MeToo. La actriz de 'Happening', Anamaria Vartolomei, interpreta a Schneider mientras que Matt Dillon encarna a su compañero de reparto Marlon Brando. La película sigue en parte la controvertida producción y las desgarradoras consecuencias de la obra maestra de Bernardo Bertolucci de 1972, un hito que convirtió a Schneider en un icono al tiempo que la encerraba en una imagen sexualizada de la que nunca pudo escapar. MUY BUENA. “Eres una página en blanco, y tus heridas tienen algo que me atrae (...). Filmaremos los desnudos de la forma más artística posible, pero has de saber que la película gira en torno a una intensa relación física”. Maria Schneider (la extraordinaria Anamaria Vartolomei) tiene 19 años y su carrera cinematográfica se encuentra en una fase embrionaria cuando, en una cafetería de París, la estrella emergente italiana Bernardo Bertolucci (Giuseppe Maggio) le ofrece el papel de Jeanne en su próxima película, El último tango en París. La película, que está basada en la novela de Vanessa Schneider Tu t'appelais Maria Schneider y ha sido adaptada por la directora junto con Laurette Polmanss, analiza meticulosamente tanto los hechos que tuvieron lugar (la parte en la que se reconstruye el rodaje es sensacional) como el lado despiadado de una industria que permite descaradamente cualquier cosa en nombre del bombo mediático y repite los mismos errores de siempre sin pararse a pensar en las personas afectadas. Evidentemente, el lugar que ocupa la mujer en el cine (“o bellas idiotas o chicas malas”, “las películas están escritas en su mayoría por y para hombres; la mayoría de directores son hombres”) constituye el núcleo de esta historia, una cuestión que resuena claramente en los tiempos que corren actualmente, dado que ciertas tendencias tóxicas y machistas están aún lejos de haber sido erradicadas. Pero la mayor cualidad del largometraje de Jessica Palud es que deja que los hechos hablen por sí solos en un retrato conmovedor y elíptico que, además, se ve realzado por la excelente labor desempeñada por el director de fotografía Sébastien Buchmann. MUY RECOMENDABLE.

 2024: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)   

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ADAGIO

Adagio.

Título original
Adagio
Año: 2023
Duración: 127 min.
Italia Italia
Dirección:
Guion: Stefano Bises, Stefano Sollima
Reparto: Pierfrancesco Favino, Toni Servillo, Valerio Mastandrea, Adriano Giannini
Música: Subsonica
Fotografía: Paolo Carnera
Compañías The Apartment, AlterEgo, Vision Distribution. Distribuidora: Vision Distribution
Género: Thriller | Crimen. Familia.

SINOPSIS: Manuel tiene dieciséis años e intenta disfrutar de su vida todo lo que puede, mientras cuida de su anciano padre. Sometido a un chantaje, acude a una fiesta para hacer fotos a un misterioso individuo pero, al sentirse engañado, decide huir, viéndose envuelto en asuntos que le superan. Los chantajistas que le persiguen resultan ser extremadamente peligrosos y están decididos a deshacerse de lo que consideran un testigo incómodo y el chico tendrá que recurrir para protegerse a dos antiguos delincuentes, viejos conocidos de su padre. MUY BUENA. Un thriller negro de polis corruptos que quieren eliminar a un chaval que sabe demasiado y que pude ver el año pasado en el Festival de cine Italiano de Madrid, la tenéis ahora en Netflix, pensaba que tendría estreno en salas de cine, ya que el film tiene actores importantes y calidad suficiente para poder estrenarse, pero no ha sido así. El hijo de Daytona (un anciano que de joven fue un conocido por ser un reputado mafioso) tiene 16 años y delinque trapicheando con drogas, tras ser detenido por tres polis corruptos, estos le obligan a que se introduzca en una fiesta gay con menores para que haga fotografías a un político que anda travestido y esnifando coca en esos lugares. El chaval huye asustado tras hacer las fotos y se refugia en casa de un criminal amigo de su padre, un tío peligros llamado “Camello” que acaba de salir de prisión tras ser diagnosticado con cáncer... Dirige Stefano Sollima, un director que se mueve muy bien en este género con títulos en su haber muy importantes como "Sicario el dia del soldado", "Suburra" o series de TV como "Zero, Zero, Zero" o "Gomorra". Mafia, tráfico de drogas, polis corruptos, ese oscuro lado que infringe la ley y que en el fondo, ese tipo de vida nos revuelve las tripas y nos fascina a la vez. Irreconocible el gran actor Pierfrancesco Favino, asi como otro de los grandes del cine italiano, Toni Servillo la pareja interpreta a la perfección a dos mafiosos ancianos que en su día en Roma fueron muy respetados, pero que hoy permanecen olvidados, uno de ellos con demencia senil. Los dos enemigos en el pasado unirán sus fuerzas por defender a un chaval que está en peligro de muerte. Sollima que ha realizado películas norteamericanas, sabe dirigir muy bien cine de acción, por lo que hay  tiroteos y persecuciones muy bien filmadas. Un film entretenido y recomendable que sabe mantenerte en vilo hasta el final. IMPERDIBLE.

2023: Festival de Venecia: Nominada a León de Oro - Mejor película.
2023: Premios David di Donatello (Italia): Mejor música. 5 nominaciones.

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MIDAS

MAN

El hombre con el toque de Midas.

Título original
Midas Man
Año: 2024
Duración: 112 min.
Reino Unido Reino Unido
Dirección:
Guion: Jonathan Wakeham. Historia: Brigit Grant
Reparto: Jacob Fortune-Lloyd, Ed Speleers, Eddie Izzard, Jay Leno.
Música: Alex Baranowski
Fotografía: Birgit Dierken
Compañías: Studio Pow, Trevor Beattie Films, Fourth Culture Films
Género: Drama | Biográfico. Música.

SINOPSIS: El 9 de noviembre de 1961, un hombre llamado Brian entró en el Cavern Club de Liverpool para ver actuar a Los Beatles, vio algo en ellos que nadie más podía ver. MIDAS MAN es la historia de cómo Brian Epstein pulió a cuatro chavales desaliñados que no iban a ninguna parte y en cuestión de meses los convirtió en un fenómeno mundial. MUY BUENA. Jacob Fortune-Lloyd protagoniza a Brian Epstein, el difunto mánager de los Beatles, en este sólido biopic que podría haber sido más satisfactorio si hubiera dedicado menos tiempo a la banda en sí. Epstein, por supuesto, fue fundamental para el éxito del grupo hasta su muerte en 1967, a los 32 años. Aunque los primeros encuentros (y tensiones) entre el empresario de clase media y los roqueros de clase trabajadora aportan mucho a la narrativa, el ascenso meteórico del grupo es una historia ya bien conocida que no necesita ser reiterada. Sin embargo, los detalles de época están bien logrados, y Fortune-Lloyd está magnífico en el papel principal como el empresario atribulado y atormentado. No obstante, el guion rara vez va más allá de abordar superficialmente su tensa relación con sus estrictos padres judíos (interpretados por Eddie Marsan y Emily Watson), la culpa por sus encuentros homosexuales clandestinos o su creciente dependencia de las drogas mientras los "chicos" se convierten en superestrellas. Una escena que muestra la estrecha amistad de Epstein con Cilla Black (Darci Shaw) es un momento íntimo y bellamente montado, y más momentos así habrían ayudado a que Midas Man se elevara por encima de las normas biográficas convencionales. MUY RECOMENDABLE.

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THE

CRITIC

El Crítico.

Título original
The Critic
Año: 2023
Duración: 95 min.
Reino Unido Reino Unido
Dirección:
Guion: Patrick Marber. Novela: Anthony Quinn
Reparto: Ian McKellen, Gemma Arterton, Mark Strong, Lesley Manville
Música: Craig Armstrong
Fotografía: David Higgs
Compañías: BKStudios, Culmination Productions, Fearless Minds, Seven Stories Productions, Mark Gordon Pictures. Distribuidora: BKStudios
Género: Thriller | Teatro. Años 30.

SINOPSIS: En el Londres de 1934, una actriz se ve envuelta en una oscura situación que involucra a un crítico teatral gay y al director del periódico en el que éste escribe. MUY BUENA. Si quieres darle a un gran actor un papel en el que pueda deleitarse con descaro, pocas opciones son mejores que hacerlo interpretar a un crítico en un melodrama de época. Esa, al menos, parece ser la premisa detrás de The Critic, la historia de Anand Tucker sobre un infame crítico de teatro en el Londres de los años 30, protagonizada por Ian McKellen en el rol de un personaje despreciable que sin duda ha sido muy divertido de interpretar. Quizás no sea un papel que represente un reto para el magnífico McKellen, pero, ¿quién necesita un desafío cuando puede lanzar mordaces frases ingeniosas vestido con trajes elegantes y siempre iluminado para maximizar el efecto dramático? Y aunque Jimmy Erskine, el personaje de McKellen, es un villano memorable, no es un malvado unidimensional. Es un hombre orgullosamente gay que podría ser arrestado por ser quien es, y que prefiere usar su mordacidad como una armadura antes que vivir en el miedo o el ocultamiento. A diferencia de Living, la película de época del año pasado sobre un caballero británico que era sobria y delicada, esta historia se convierte en un drama apasionante que se vuelve más oscuro y desquiciado conforme Jimmy se torna más depravado y vengativo. A menudo filman a McKellen desde arriba, su rostro bañado en sombras artísticamente dispuestas, mientras el sonido de cuerdas tensas e insistentes sugiere que las cosas están tomando un giro muy serio. La película abraza el melodrama, tomándose su tiempo y sacándole el mayor provecho a la situación. Y mientras Jimmy comienza a encarnar realmente su apodo, “el Monstruo,” la historia introduce a unos verdaderos monstruos en la figura de la Unión Británica de Fascistas, una facción violenta antisemita y anti-gay que comenzaba a ganar fuerza en Inglaterra en los años 30. Es un poco extraño que estos simpatizantes nazis se inserten en lo que se ha convertido en un melodrama sensacionalista, pero The Critic no parece estar demasiado preocupado por mantener un tono coherente; el director Tucker y el guionista Patrick Marber (Notes on a Scandal) se divierten jugando con el exceso y dándole a la película una elegancia noir. El elenco de apoyo también se divierte: Arterton mantiene el ritmo como una mujer que debe descubrir el precio literal de la fama, mientras que Lesley Manville, aunque no tiene muchas escenas como la madre de Nina, es una presencia a la vez sólida y desgarradora cuando aparece. Pero, seamos realistas, este es el espectáculo de Ian McKellen, y convierte a Jimmy en un personaje simultáneamente despreciable, comprensible y totalmente entretenido. Cuando se adueña de este papel, no queda más que asentir con aprobación. MUY RECOMENDABLE.

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KEVIN SMITH´S

THE 4:30 MOVIE

La película de las 4:30.

Título original
The 4:30 Movie
Año: 2024
Duración: 88 min.
Estados Unidos Estados Unidos
Dirección:
Guion: Kevin Smith
Reparto: Austin Zajur, Nicholas Cirillo, Reed Northrup, Siena Agudong
Música: Bear McCreary
Fotografía: Yaron Levy
Compañías Three Point Capital, View Askew Productions. Distribuidora: Saban Films
Género: Comedia | Años 80. Adolescencia.

SINOPSIS: En el verano de 1986, tres amigos de dieciséis años pasan los sábados colándose en las películas del cineplex local. Cuando uno de ellos invita a la chica de sus sueños a ver una película para adultos, un director de cine engreído y las rivalidades entre adolescentes interfieren en sus planes.MUY BUENA. Filmada durante la huelga de SAG-AFTRA en 2023, The 4:30 Movie fue rodada en el cine Smodcastle Cinemas, una sala que Smith co-propietario. Al mantener la producción en un entorno local, Kevin Smith evoca el estilo indie de sus primeras películas mientras rinde homenaje a los filmes que marcaron su adolescencia. Las películas de Kevin Smith siempre han mostrado su corazón abiertamente, con Clerks, Mallrats y Chasing Amy teniendo un centro emocional que da sentido a los momentos cómicos más ridículos. Pero The 4:30 Movie puede ser la película más sincera de Smith desde Chasing Amy y es aún más auténtica al estar basada en sus propias vivencias. Claro, algunos chistes pueden ser previsibles para quienes compartimos las mismas referencias cinematográficas, pero todos se sienten genuinos y ganan frescura gracias al elenco juvenil en lugar de los habituales actores de Smith, quienes ya han envejecido para papeles de este tipo. The 4:30 Movie es la película más auténtica en la carrera de Kevin Smith como director y se alinea perfectamente con los clásicos del cine adolescente de los años 80. Llena de reverencia por el cine de esa década y con una banda sonora de temas icónicos, esta película es un cambio refrescante frente a las secuelas de Jay and Silent Bob y Clerks. Aunque quiero seguir viendo a esos personajes y sigo esperando la secuela de Mallrats que lleva años en desarrollo, The 4:30 Movie es lo mejor que ha hecho Smith en casi treinta años. No te pierdas el detalle escondido al final de la película, y disfruta de esta oda a las chaquetas de mezclilla y a una era sin redes sociales, a través del humor de uno de los cineastas de cultura pop más distintivos. MUY RECOMENDABLE.

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39° FESTIVAL DE CINE DE MAR DEL PLATA 2024

THE

OUTRUN

El Retorno.

Título original
The Outrun
Año: 2024
Duración: 118 min.
Reino Unido Reino Unido
Dirección:
Guion: Nora Fingscheidt, Amy Liptrot. Libro: Amy Liptrot
Reparto: Saoirse Ronan, Stephen Dillane, Paapa Essiedu, Nabil Elouahabi
Música: John Gürtler, Jan Miserre
Fotografía: Yunus Roy Imer
Compañías: Brock Media, Arcade Pictures, Sarah Brocklehurst Productions, MBK Productions, BBC Film, Screen Scotland
Género: Drama | Biográfico. Alcoholismo.

SINOPSIS: Una mujer regresa a su viejo hogar tras haber superado con éxito su proceso de rehabilitación por problemas de alcoholismo. Un recorrido que invariablemente la hará repasar su pasado con la intención de construir un mejor futuro... Adaptación de las memorias de la periodista y escritora Amy Liptrot. EXCELENTE. Saoirse Ronan, la actriz nominada al Oscar ofrece una de sus mejores interpretaciones como una joven que lucha contra la adicción en una adaptación emotiva y delicada de las memorias de Amy Liptrot. Contar una historia sobre la adicción es moverse en terreno de clichés. “Siempre es una historia que ya se ha contado”, escribe Leslie Jamison en su memoria de adicción The Recovering, una que se reduce “al mismo núcleo demolido y reciclado: deseo, consumo, repetición”. La recuperación se apoya en sus propias frases gastadas: tocar fondo, vivir día a día, “Soy X, y soy alcohólico”. The Outrun, la hipnótica adaptación de las memorias de Liptrot de 2016 dirigida por Nora Fingscheidt, acepta esas bases trilladas como un punto de partida. Rona, interpretada por Saoirse Ronan en un papel en el que está mejor que nunca, sigue un patrón familiar de desesperación y renovación: relaciones rotas, apagones destructivos y resacas devastadoras. Desviada por el alcohol a los 30 años, regresa a Orkney, un archipiélago de unas 70 islas en el extremo norte de Escocia donde creció, para encontrarse a sí misma en la sobriedad. No es la primera en iniciar este viaje, y no será la última. Es un deleite ver cómo Fingscheidt, trabajando con un guion coescrito con Liptrot, logra plasmar este proceso tan poco glamuroso con tanta belleza, especificidad y curiosidad sobre cómo una persona aprende a reconciliar su pasado con su futuro. The Outrun es una de esas raras películas de dos horas que logran hacer que uno se olvide del tiempo. Y lo logra evitando muchos de los clichés de las adaptaciones de memorias en el cine, películas que suelen convertir la complejidad de la vida en una secuencia clara de escenas definitivas. Esto es un logro en sí mismo, gracias al material original y a la tremenda interpretación de Ronan, que aprovecha todos los recursos cinematográficos para aproximarse a la experiencia de dos vidas: borracha y sobria, ciudad y campo. Desde el principio, los polos son evidentes, mientras las imágenes de las focas en la costa de Orkney —las selkies de las leyendas, según Rona en una voz en off que se asienta en la historia— se mezclan con sus recuerdos de salir de fiesta en Londres. La primera hora alterna de forma libre entre el pasado y el presente (convenientemente diferenciados por el cabello de Rona, que tiene la costumbre de teñirse de colores vivos). Es un retrato increíblemente eficaz de una mente tambaleante, el lenguaje visual de pensamientos intrusivos y profundos. Los flashbacks se acumulan como las botellas en el suelo de Rona. Hay un temor familiar en su descenso, ya que confunde el ciclo repetitivo de excesos con libertad, lo extremo con estar vivo, y rechaza a cualquiera que intente darle estabilidad. Para ella, la sobriedad sería el peor crimen: aburrida. Fingscheidt presenta los primeros meses de Rona en Orkney —gris, azotada por el viento, aislada— en gran contraste con la vívida vida nocturna de Londres, cuyos recuerdos se van desvaneciendo, manchados por la vergüenza. Sin embargo, conforme su historia avanza, Orkney se abre; Rona se muda aún más al norte, a la isla remota de Papa Westray (de una población de unas 70 personas), para enfrentarse sola a la tormenta (aunque con wifi y habitantes amables). La forma en que su vida se ve definida por el internet, rastreando vuelos y barcos en el mar, bombardeada con las llamadas sobre la enfermedad mental de su padre, diciéndole a su amiga en Londres por FaceTime que está mejor de lo que ha estado en mucho tiempo, contribuye a un retrato convincente de una verdadera recuperación. En resúmen "The Outrun" es un excelente drama excelentemente interpretado por Ronan que sumará varias nominaciones a los Oscar 2025 incluyendo "Mejor actriz principal". IMPERDIBLE.

2024: Festival de Berlín: Nominada a Sección Panorama -  Ganadora Premio del Público (Film).
2024: Premios Gotham: Nominada a Mejor interpretación protagonista.
2024: Festival de cine de Mar del Plata: Sección Autoras y Autores.  

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BETWEEN

THE TEMPLES

Entre templos.

Título original
Between the Temples
Año: 2024
Duración: 111 min.
Estados Unidos Estados Unidos
Dirección:
Guion: Nathan Silver, C. Mason Wells
Reparto: Jason Schwartzman, Carol Kane, Dolly De Leon, Robert Smigel.
Fotografía: Sean Price Williams
Compañías: Ley Line Entertainment, Fusion Entertainment
Género: Comedia | Religión.

SINOPSIS: Un cantor de sinagoga en crisis de fe se encuentra con su mundo patas arriba cuando su profesora de música de la escuela primaria vuelve a entrar en su vida como su estudiante adulta de Bat Mitzvah. MUY BUENA. En un tranquilo pueblo del norte del estado de Nueva York, Ben Gottlieb (interpretado por Jason Schwartzman), el protagonista de la excéntrica comedia judía Between the Temples, dirigida y escrita por Nathan Silver, no está pasando por su mejor momento. Su esposa, una novelista alcohólica, murió un año antes tras resbalar en una acera helada. Ben trabaja como cantor en el templo local, pero ha perdido su voz. Desaliñado, sin afeitarse, con la mirada baja, Ben deambula por la vida en una especie de trance, desilusionado con su fe y desinteresado por los obvios intentos románticos que sus dos controladoras madres judías (Caroline Aaron y Dolly De Leon) insisten en organizarle. "Hasta mi nombre está en pasado", se lamenta Ben, en un comentario que es tan una queja como un chiste, algo recurrente en la película, llena de humor mordaz. En un momento, al inicio del filme coescrito por C. Mason Wells, Ben se acuesta frente a un camión y le pide que siga su camino. A pesar de lo que parece, Between the Temples no es un filme sombrío ni mucho menos. Rodada con la nostalgia que imprime la cámara en 16mm del director de fotografía Sean Price Williams, la melancolía de Ben resulta cálida y atractiva. Estar vivo es complicado, divertido, incómodo y vergonzoso, y Silver capta con precisión esos desvíos extraños de la vida y las conexiones inesperadas. Between the Temples irradia una visión irónica y cautivadora de la existencia, desde su título lleno de juego de palabras hasta sus personajes excéntricos y singulares, especialmente cuando Ben, tras beber demasiados "mudslides" (algo humillante) y con el rostro golpeado, se reencuentra con su antigua maestra de música de la escuela, Carla Kessler O'Connor (interpretada de manera encantadora por Carol Kane). Ben recuerda a la señora O'Connor como una profesora excéntrica e inspiradora; ella, sin embargo, no tiene ni idea de quién es él. Ben se siente atraído por su humor, curiosidad y una pasión por la vida que rivaliza con la de personas mucho más jóvenes; por su parte, Carla queda conmovida por el corazón herido y la fe que aún quedan en Ben. Ambos han perdido a sus cónyuges. Ella siempre quiso tener un bat mitzvá, pero como sus padres eran comunistas judíos antirreligiosos y su marido era católico, nunca fue al templo. Pronto, los roles se invierten y Ben se convierte en su maestro para las lecciones de bat mitzvá para adultos, para disgusto del hijo ateo de Carla (Matthew Shear) y de la intimidante Judith (Dolly De Leon), quien desearía que Ben mostrara más entusiasmo por su plan de emparejarlo con Gabby, la hija veinteañera del rabino Bruce (Robert Smigel), interpretada por Madeline Weinstein. La mayor parte del filme narra, con dulzura, el vínculo entre Carla y Ben a través de lecciones de hebreo, reflexiones sobre sus antiguos "yo", hamburguesas no kosher y té de hongos. Su relación castísima —que ni ellos mismos logran entender del todo— camina por una delgada línea entre el romance, la amistad y una dinámica madre-hijo; como muchas de las mejores conexiones inesperadas, su relación es una mezcla indefinida de emociones, momentos y algo de alquimia. Schwartzman y Kane mantienen un ritmo ajustado de titubeos y reacciones en cascada que impulsan la película, con Kane como un contrapeso etéreo y genuinamente divertido al tipo de autocompasión masculina y neurótica que ha definido gran parte de la comedia judía.Schwartzman, en un papel de perdedor que contrasta con sus personajes más formales en las películas de Wes Anderson, se inclina hacia la comedia física de un hombre cargado por el peso del duelo y que ha renunciado a las normas sociales, incluso a la atención de la bella Gabby, una actriz en apuros que busca validación y se siente desconcertada por el desinterés torpe de Ben. Ella percibe algo extraño en el vínculo entre Ben y Carla, una relación inusual y conmovedora alrededor de la cual se construye la película, que más bien se compone de viñetas agudas en lugar de una trama fluida. Estos momentos excéntricos pueden resultar gloriosamente extraños, como cuando Ben, bajo los efectos de las drogas, ve un vídeo de su bar mitzvá y se comunica con su yo más joven, o en una de las escenas más emotivas, cuando Carla le ordena a Ben que repita la historia de por qué nunca tuvo un bat mitzvá, como si fuera uno de sus alumnos de música durante una lección. Otras veces, como ocurre con la mayoría de los recuerdos fragmentados de Ben sobre su esposa (también interpretada por Weinstein), la distorsión de la realidad puede sentirse alienante. Algunas confrontaciones cruciales, todas durante comidas incómodas hasta el extremo, resultan también un poco exageradas, con todos los personajes atrapados en un bucle que no siempre logra impactar del todo. Aun así, a pesar de la miseria y los errores de los personajes, Between the Temples es un viaje entrañable. Es un poco rara, un poco dulce y muy incómoda, un testimonio no solo de la tradición judía, sino de la fe que podemos aprender a tener en los demás. IMPERDIBLE.

2024: Festival de Berlín: Nominada a Sección Panorama - Premio del Público (Film).

2024: Festival de Sundance: Nominada a Gran Premio del Jurado - Mejor película Usa.

2024: Festival de cine de Mar del Plata: Sección Autoras y Autores.
 
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TRATAMOS

DEMASIADO

BIEN A LAS

M U J E R E S

Tratamos demasiado bien a las mujeres.

Título original
Tratamos demasiado bien a las mujeres
Año: 2024
Duración: 93 min.
España España
Dirección:
Guion: Miguel Barros. Novela: Raymond Queneau
Reparto: Carmen Machi, Antonio de la Torre, Julián Villagrán, Luis Tosar.
Música: Nacho Masttreta, Marina Sorín
Fotografía: Imanol Nabea
Compañías: Ficción Producciones, Noodles Production, RTVE, Televisión de Galicia (TVG)
Género: Comedia | Comedia negra. Años 40. Posguerra española.

VERSIÓN SUBTITULADA EN CASTELLANO.

SINOPSIS: Remedios Buendía defiende su patria y luchará por ello por encima de todos. Un fatídico día del otoño de 1945, un grupo de maquis a la fuga tiene la mala idea de tomar la estafeta donde Remedios, ilusionada, se prueba su vestido de novia. Hoy será el día en el que demostrará hasta donde puede llegar defendiendo sus valores. Y nadie podrá pararla. Ni siquiera este batallón de rebeldes con fusiles humeantes y puños en alto. MUY BUENA. Esta galardonada ópera prima de "Clara Bilbao" recoge el best seller francés "On est toujours trop bon avec les femmes" (Siempre somos demasiado buenos con las mujeres) escrito por "Raymond Queneau". Al frente del guion está "Miguel Barros". Por su parte, el reparto lo encabezan "Carmen Machi" y "Antonio de la Torre", acompañados por algunas otras caras conocidas como "Luis Tosar", "Oscar Ladoire", o "Gonzalo De Castro". Solo una actriz sobre el planeta sería capaz de hacer lo que hace Carmen Machi con un personaje desaforado, divertido, trágico, violento y muy cándido. Todo a la vez. Y esa actriz es, en efecto, Carmen Machi. La película, en verdad, depende enteramente de ella porque toda la película se mueve exactamente en el registro, tono y afinación que ella marca. Es comedia, pero con la forma y estructura de la mayor de las tragedias; es drama, pero tan delirante que sonroja; es aventura bélica, pero el absurdo que preside cada línea de diálogo desactiva cualquier llamamiento a las armas. Es, en definitiva, 'cuerdista', de José Luis Cuerda, por surrealista, por rural, por surrural y por los cuatro costados. El que junto a actriz aparezcan Antonio de la Torre, Julián Villagrán, Isak Férriz, Óscar Ladoire, Diego Anido y hasta Luis Tosar, además de vestir bien cada secuencia da una idea hasta qué punto Bilbao es querida en la profesión. "Más allá de los ideales de mi protagonista que, obviamente, no comparto, lo que me parece determinante, y sí comparto plenamente, es su capacidad de lucha para no pararse ante las adversidades, de arremeter con soltura contra cualquier forma de machismo, especialmente contra ese machismo paternalista y condescendiente que no parece machismo, pero lo es. No es una mujer que tenga que sobreponerse a ningún trauma, simplemente es una mujer que tiene claro que las cosas o las hace ella o no las hace nadie", dice Clara Bilbao en lo que se antoja un homenaje a su apellido que, claro está, también es su lugar de nacimiento. 'Tratamos demasiado bien a las mujeres' acaba por ser una película de humor, pero también de amor; de guerra, pero para ser disfrutada en paz; de nostalgia, pero sin exagerar. Tiene algo de 'Amanece que no es poco' sin renunciar al eco de 'Plácido' o 'La vaquilla' incluso. Pero todo ello desde otro lado, del lado de una novia con el vestido ensangrentado. Pocas imágenes tan cinéfilas. "Las nuevas directoras han abierto una brecha que admiro y respeto, pero corren el peligro de convertirse en un género. Estoy convencida de que llegará el día en que las mujeres dirijamos 'Tiburón'. Mi aspiración es ser Sidney Lumet, porque no creo en que haya directores y directoras, creo que hay cineastas. Y ya. Creo en las películas unisex". Queda claro. Se acabaron los prejuicios. MUY RECOMENDABLE.

2024: Festival de Málaga: Nominada a Mejor película - Biznaga de Oro. 

2024: Festival de cine de Mar del Plata: Sección España en movimiento.

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LA CASA

La casa.

Título original
La casa
Año: 2024
Duración: 83 min.
España España
Dirección:
Guion: Álex Montoya, Joana M. Ortueta. Novela gráfica: Paco Roca
Reparto: David Verdaguer, Óscar de la Fuente, Luis Callejo, Lorena López
Música: Fernando Velázquez
Fotografía: Guillem Oliver
Compañías: RAW Producciones, Nakamura Films, Haciendo la casa, RTVE
Género: Drama | Familia.

VERSIÓN SUBTITULADA EN CASTELLANO. 

SINOPSIS: Tras la muerte de su padre Antonio (Luis Callejo), tres hermanos y sus familias se reúnen en la casa de campo familiar en la que pasaban los fines de semana y las vacaciones de su infancia. Toca decidir qué hacer con la vivienda, lo que resultará más difícil de lo esperado. Basada en la novela gráfica homónima de Paco Roca, ganadora de un premio Eisner en 2020. EXCELENTE. La casa encierra una gran reflexión sobre una sociedad cada vez más envejecida, y lo hace a través de una estructura dramática sensacional. Partiendo del punto de vista de cada uno de sus hijos, establece la relación que habían tenido con su padre, lo que había significado la casa para ellos y la relación que mantienen con sus hermanos, todo ello atravesado por una serie de recuerdos ilustrados en formato analógico, buscando aportar una amplitud de mirada a la historia. Consigue crear una casa argumentalmente sostenida sobre tres paredes, representadas por cada uno de los hijos, encarnados maravillosamente por David Verdaguer, Óscar de la Fuente y Lorena López y apoyados por unos secundarios excepcionales, Luis Callejo, Olivia Molina, María Romanillos, Marta Belenguer, Jordi Aguilar y Miguel Rellán y Tosca Montoya. No me he querido dejar el nombre de ninguno, porque todos ellos conforman esta familia que ha logrado emocionarnos a todos, y convertir esta película en una de las grandes obras españolas de la historia reciente. Además de las actuaciones, tenemos un empleo de la cámara y de la planificación excepcional, con planos que acompañan a los personajes y detalles que son sacados a la luz, llenos de nostalgia y belleza, con signos característicos de las familias de clase media españolas. Tanto el elenco, como la dirección que lleva a cabo su director están impecables y proyecta sobre nosotros experiencias que estamos viviendo, es por ello que recomiendo a todos los espectadores que la vean con sus familias y se abran a sentir la capacidad purificadora del cine. Este texto está dedicado a todas las familias que están pasando por un momento similar al narrado por la película y que sienten que nadie les comprende, pero viendo esta obra en el cine uno es consciente de que no estamos solos en este proceso.Una maravilla de película. Atención: seguir viendo los títulos de crédito porque hay una escena final !!!!! y es genial !!!! IMPERDIBLE.

2024: Festival de Málaga: Mejor guion, Música y Premio del Público.
2024: Festival de cine de Mar del Plata: Sección España en movimiento.  
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CINE NACIONAL

UNA JIRAFA

EN EL BALCÓN

Una jirafa en el balcón.

Título original
Una jirafa en el balcón
Año: 2024
Duración: 90 min.
Argentina Argentina
Dirección:
Guion: Diego Yaker
Reparto: Andrea Frigerio, Diana Gómez, Artur Busquets, Mingo Rafols.
Música: Claudia Lively
Fotografía: Mauricio Heredia, Juan Carlos Lausín
Compañías Coproducción Argentina-España; Balance Media Entertainment, Bourke Films, Buen Destino Films. Productor: Miguel Torrente. Distribuidora: Filmax
Género: Thriller | Venganza. Dictadura argentina.

SINOPSIS: Lidia Muñoz es una jubilada que vive en Barcelona desde 1978. Lidia se vio forzada a exiliarse de Argentina después de que la dictadura militar que gobernaba el país en esos años, intentó secuestrarla y hacerla desaparecer. Embarazada de su única hija, Valeria, logró huir con destino a España. Cuarenta años después, recibe por correo una citación del Ministerio de Justicia argentino para declarar en el juicio por el secuestro y desaparición de Oscar Medina, su novio de entonces y padre de Valeria. MUY BUENA. La culpa y la búsqueda de respuestas, dos temas tan esencialmente humanos, conforman el eje transversal de Una jirafa en el balcón, ejercicio cinematográfico a cargo del realizador Diego Yaker que funde presente y pasado en pos de una construcción del ser.Lidia (Andrea Frigerio) disfruta el otoño de su vida en España. Divertida, independiente y con la ilusión de que su única hija, Valeria (Diana Gómez), está a punto de convertirla en abuela. Una carta de notificación la enfrenta con un pasado que creía muerto y enterrado: en la Argentina se va a realizar un juicio de reparación para su marido Oscar, desaparecido durante la última dictadura cívico-militar, y la convocan a ella como testigo.Por pedido expreso de su hija, que quiere saber lo que realmente pasó con su padre, Lidia regresa al país del que se exilió en 1978 con pasaporte falso, para encontrarse con fantasmas propios y ajenos, compañeros de militancia que guardan más de un secreto, historias contadas a medias, y una suma de responsabilidades que también la atañen. Quizás la verdad no sea tal cual ella la recuerda, o haya sido un mecanismo de defensa de su propia memoria para dejar atrás el horror y un proyecto de vida que se vio destruido de un minuto para otro. El relato que propone Una jirafa en el balcón se construye a partir de diferentes puntos de vista, yendo del presente al pasado, como una forma de completar un rompecabezas del que faltan muchas piezas. Si bien Lidia, que debió huir embarazada para salvar su vida y la de su hija, se percibe como una sobreviviente, es vista por lo que quedaron acá como una cobarde, una persona que abandonó la lucha colectiva en beneficio de su propio bienestar. Mientras ella rehacía su vida en otro país, el resto de sus compañeros eran secuestrados y torturados. Ella lo sabe, pero durante cuarenta años utilizó la negación de ese pasado como motor de su nueva vida, por eso al principio duda si vale o no la pena remover heridas que nunca cicatrizaron. ¿Lo hace por ella? ¿Lo hace como una deuda para con su hija? Recién cuando emprenda el camino podrá contestar esas y otras preguntas. En ese viaje interior a partir de sucesos externos, la película juega con algunas segundas intenciones en forma de golpes de efecto, que si bien no desentonan en cuanto a la construcción del personaje principal, tampoco aportan al devenir esperado y su consecuente resolución. Especialmente siendo una propuesta cuya estructura se apoya en la contundencia de sus diálogos.Andrea Frigerio se carga en los hombros la historia, reafirmando lo bien que le han hecho los años a su ductilidad como actriz. Su Lidia se muestra decidida, implacable, vulnerable o frágil, conforme avanza la historia, como un reflejo de lo que pasa en su interior. A la estrella la acompaña un elenco impecable conformado por Juan Leyrado, Mimí Ardú, Mirta Busnelli, Claudio Gallardou y la española Diana Gómez. Como dato de color, quien interpreta a la protagonista en su etapa adolescente es Josefina “Fini” Bocchino, hija de Frigerio y Lucas Bocchino.La jirafa en el balcón, que le da título al film, era un peluche utilizado por Lidia y su marido como una señal de peligro. Si estaba presente no había que entrar a la casa, había que huir. La Lidia adolescente huyó, aterrorizada por un enemigo omnipresente, mientras que su versión adulta volvió para enfrentar la verdad, más allá de cualquier consecuencia o circunstancia. Se lo debía a su hija, se lo debía a su nieta. Se lo debía a ella misma. MUY RECOMENDABLE.

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