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la página o ir a "ARCHIVOS DEL BLOG"a la derecha de la página) PEDIDOS Y CONSULTAS: LATINTASINSOMBRAS@GMAIL.COM
Productora: Coproducción
Irlanda-Estados Unidos; Anonymous Content / Sidney Kimmel Entertainment
/ Lawrence Bender Productions / Little Wave Productions. Distribuida
por Focus Features
Género: Thriller. Drama | Thriller psicológico.
SINOPSIS: Frances es una dulce e ingenua joven que, tras la muerte de su madre, se
muda a Manhattan. Cuando encuentra en el metro un bolso extraviado,
decide entregárselo a su legítima dueña, Greta, una pianista viuda con
una desesperada necesidad de compañía. Rápidamente se convierten en
amigas, pero su amistad cambia cuando se descubren las siniestras
intenciones de Greta. MUY BUENA. Hay dos formas de enfrentarse a Greta (The Widow), la primera película de Neil Jordan desde que el director irlandés estrenara el drama vampirício Byzantium en
2012 sin pena ni gloria. Uno puede tomársela en serio (y encontrar en
ella la historia de una chica traumatizada con la muerte de su madre que
entabla una nociva relación con una mujer solitaria marcada a su vez
por la pérdida de su hija) o dejarse llevar por los giros de guion
constantes y las escenas rocambolescas que recuerdan a la moda del
psycho thriller iniciada a finales de los 80 por Atracción fatal y continuada por cintas tan míticas como pasadas de rosca, como Instinto básico, La mano que mece la cuna y Mujer blanca soltera busca. En Greta pasan muchas cosas y todas ellas antes de lo que el espectador lo espere.
Lo que en otra película sería el giro que desencadena el gran final, en
el thriller de Neil Jordan sucede al final del primer acto,
desencadenando una matrioshka de situaciones imposibles con las que la
actriz francesa parece divertirse como nunca. MUY RECOMENDABLE. TRAILER
SINOPSIS: António (Vítor Norte), un conductor que transporta a
personas de forma ilegal desde Europa del Este hasta el rural portugués.
Hombres y mujeres que han pagado por comenzar una nueva vida en
Occidente, pero cuya situación empeora drásticamente. Los hombres son
asesinados, mientras que las mujeres son violadas y esclavizadas como
parte de una red de prostitución liderada por un repulsivo miembro de la
mafia rusa (Dmitry Bogomolov) y su igualmente desagradable hermana (Kim Grygierzec). Entre las mujeres se encuentra una joven, Viktoriya (Michalina Olszanska), que se niega a convertirse en víctima. MUY BUENA. El director portugués Bruno Gaston trata el tema del tráfico humano en
una violenta ópera prima que reúne a un reparto internacional. En su primer largometraje, Gaston ha decidido tratar un tema muy
delicado optando por el thriller, en lugar de presentar un drama
psicológico. Como consecuencia, al personaje principal de Carga
le falta profundidad emocional. La película es bastante gráfica en lo
que se refiere a la violencia, pero desgraciadamente resulta un tanto
difusa cuando se trata de explorar las motivaciones de los personajes
secundarios que, a partir de cierto momento, empiezan a rebelarse. El
personaje de Norte es un ejemplo perfecto de esta dinámica. Entendemos
parte de su pasado y sabemos que su familia se encuentra bajo amenaza,
pero la complejidad de sus dilemas morales se reduce a un par de
escenas. Por el contrario, nos encontramos con muchas secuencias
violentas marcadas por una banda sonora que refuerza de manera
exasperante la tensión de la película, de por sí elevada debido a la
propia naturaleza de la historia. En una película tan oscura, con poco espacio para la compasión, tan solo
un personaje logra aportar algo de luz a la trama: la mujer de António.
Rita Blanco sobresale una vez más en su papel de mujer
sencilla y generosa, casi una variación de los personajes de clase
trabajadora que ha interpretado en el pasado, pero en esta ocasión
resulta absolutamente conmovedora e impresionante. MUY RECOMENDABLE. TRAILER
A CASA TUTTI BENE En casa todo bien. There is no place like Home.
SINOPSIS: Todos los miembros de una gran familia se reencuentran para celebrar las
bodas de oro de los abuelos en la isla donde éstos se han trasladado a
vivir. Una tormenta repentina hace imposible la llegada de los
transbordadores, obligando a todos a quedar atrapados en la isla. Juntos
deberán enfrentarse con un pasado no silenciado por los celos, la
ansiedad, la traición, el miedo e incluso los repentinos e inesperados
rayos. MUY BUENA+. A casa tutti bene es la undécima película de Gabriele Muccino (El último beso), y supone un regreso definitivo a Italia tras una temporada en Estados Unidos (En busca de la felicidad, Siete almas, Un buen partido, De padres a hijas.) Es una película verdaderamente Mucciniana, convulsiva, visceral y, en
ocasiones, exagerada, que pretende sondear la complejidad del alma y las
relaciones humanas –entre las vidas incompletas, la búsqueda de la
felicidad, la hipocresía y la conciliación– a través de la unidad
familiar, un lugar del que huimos pero al que siempre volvemos, donde
las personas que deberían conocernos mejor que nadie en realidad no nos
conocen en absoluto, y donde es fácil esconder la verdad y luego
escupirla de vuelta en la cara del otro de la peor manera posible. Lo que Muccino parece decirnos es que mantener la paz, el equilibrio y
las sonrisas de todos cuando nos reunimos en familia depende por
completo de la sincronía. MUY RECOMENDABLE.
2018: Premios David di Donatello: Premio del público. 4 nominaciones. TRAILER
SINOPSIS: El psicoterapeuta Ruben Brandt sufre pesadillas violentas inspiradas en
13 obras de arte famosas, incluidas "Retrato del cartero Joseph Roulin"
de Van Gogh, la "Venus of Urbino" de Tiziano y "Mujer con libro" de
Picasso. Cuatro de sus pacientes, que son ladrones expertos, se ofrecen
para robar las obras, ya que creen que una vez que las posea
desaparecerán las pesadillas. Él acepta el plan y ellos se cuelan en
museos y galerías de arte de todo el mundo. Brandt se convierte en "El
colector”, uno de los criminales más buscados. Gangsters y
cazarrecompensas le buscan para ganar los 100 millones de dólares que se
pagan por su captura. Un grupo de compañías de seguros contrata a Mike
Kowalski, un detective privado y experto en robos de arte, para resolver
el caso. EXCELENTE. Desde que se anunció "Ruben Brandt", los amantes del Arte marcaron la
fecha del estreno como un gran evento. A lo largo de la Historia del
Cine han sido múltiples películas las que han decidido retratar este
mundo, desde "La Mujer del Cuadro" de Fritz Lang hasta la insípida
"Velvet Buzzsaw" de Dan Gilroy. Por eso tampoco es de extrañar que hayan
realizado un film de animación en torno al mundo del Arte. Sin embargo,
lo que si sorprende, es su enorme enfoque. Nunca una película había estado tan cerca de las obras como lo ha estado
el film de Milorad Krstic. Con unos tintes surrealistas —a la altura
del mejor Luis Buñuel—, el equipo de "Ruben Brandt", introduce una
historia que sirve como homenaje al Film Noir, y que se completa de
manera perfecta con el enfoque correcto del mundo del Arte. Referencias
al mercado del Arte (sobre todo al mercado negro); guiños continuos, sin
exagerar, en cada plano del film, ya sea al mundo de la pintura, la
escultura, la arquitectura, el cine o la música; y una plasmación
psicológica de los personajes bastante interesante. A la original propuesta hay que sumarle un apartado técnico de lujo, con
un diseño artístico brutal, que recoge la pintura cubista de Picasso y
la mezcla con una ambientación que es una simbiosis entre surrealismo,
dadaísmo y futurismo. Todo ello llevado a cabo con una animación
mezclada entre planos bidimensionales y tridimensionales, logrando un
efecto bastante interesante. Una excelente obra de este director esloveno, pintor y artista que ya puede ser considerada un film de culto. IMPERDIBLE.
SINOPSIS: El doctor Louis Creed (Clarke) se muda con su mujer Racher (Seimetz) y
sus dos hijos pequeños de Boston a un pueblecito de Maine, cerca del
nuevo hogar de la familia descubrirá un terreno misterioso escondido
entre los árboles. Cuando la tragedia llega, Louis hablará con su nuevo
vecino, Jud Crandall (Lithgow), desencadenando una peligrosa reacción en
cadena que desatará un mal de horribles consecuencias. BUENA+. Si quieres ver una película de terror, ve a ver Pet Sematary. Los
directores Dennis Widmyer y Kevin Kölsch logran construir escenas que
harán que más de uno esconda la cara detrás del cojín. A pesar de tan elogiable virtud, la película no alcanza el anhelado
nivel de trascendencia al que debería aspirar una película que habla
sobre la muerte y la pérdida. Un arranque terriblemente flojo
(curiosamente el primer capítulo es el mejor de la novela de nuestro
amigo Stephen) nos pone sobre aviso de lo que vendrá a continuación: un
drama de telefilm de por la tarde con una opresiva atmósfera in
crescendo desde el primer plano. Da lo que promete. Cumple. Pero no se
atreve a ir más lejos. La habilidad de los directores para crear secuencias de auténtica
pesadilla es inversamente proporcional a su habilidad para retratar a
los personajes. Estos no tienen fuerza, ni magnetismo, ni nada de nada.
Todo el esfuerzo está orientado a crear una película de miedo. Porque es
de Stephen King, maestro del terror. Pero les diré algo que quizás escandalice a los amantes de King. Stephen King no escribe
terror. Escribe drama. Sus mejores novelas y relatos no tienen ni un
ápice de terror. Hablo de las magistrales "Cadena perpetua" (The
Shawshank Redemption), "Cuenta conmigo" (Stand by Me) o "La milla verde"
(The Green Mile), todas llevadas a la gran pantalla con maestría. Aún
digo más. Obras tan conocidas como "Carrie", "It", o "Pet Sematary"
tampoco son novelas de terror (por mucho que digan los fan´s más
impresionables). RECOMENDABLE.
Productora: Warner Bros. / DC Entertainment / DC Comics / New Line Cinema
Género: Fantástico. Comedia. Ciencia ficción. Acción | Superhéroes. Cómic. DC Comics. Familia.
VERSIÓN CON AUDIO EN INGLÉS Y SUBTITULO EN ESPAÑOL.
SINOPSIS: Todos llevamos un superhéroe dentro, solo se necesita un poco de magia
para sacarlo a la luz. Cuando Billy Batson (Angel), un chaval de acogida
de 14 años que ha crecido en las calles, grita la palabra 'SHAZAM!', se
convierte en el Superhéroe adulto Shazam (Levi), por cortesía de un
antiguo mago. Dentro de un cuerpo musculoso y divino, Shazam esconde un
corazón de niño. Pero lo mejor es que en esta versión de adulto consigue
realizar todo lo que le gustaría hacer a cualquier adolescente con
superpoderes: ¡Divertirse con ellos! ¿Volar? ¿Tener visión de rayos X?
¿Disparar un rayo con las manos? ¿Saltarse el examen de sociales?
Shazam va a poner a prueba los límites de sus habilidades con la
inconsciencia propia de un niño. Pero necesitará dominar rápidamente
esos poderes para luchar contra las letales fuerzas del mal que controla
el Dr. Thaddeus Sivana (Strong). MUY BUENA+. Otro acierto de DC y van 3; contando con Aquaman y Mujer Maravilla. Desde los trailers se vislumbraba el toque cómico del proyecto, solo
quedaba dilucidar con el visionado si los diálogos, el casting y la
química entre los personajes se concretaría. Y si señores, se concretó,
nada mas escuchar en la sala las risas y las carcajadas da por sentado
que han cumplido la misión de ser una peli divertida. Es increíble que desde una simple premisa como: ¿que haría un adolescente de 14 años si obtiene super-poderes? el narrado del relato sea tan hilarante y a la vez intrigante. Este proyecto se concretó con un presupuesto modesto pero cumple lo que promete. La recomiendo a los adultos amantes de los super-heroes y a todos los
padres que quieran llevar a pequeños para entretenerlos un rato. MUY RECOMENDABLE. TRAILER
Productora: Coproducción Polonia-República Checa; Axman Productions / MD4 / Polish Film Institute / Zentropa International Köln
Género: Drama Psicológico.
SINOPSIS: Alicja no sabe cómo ha perdido la memoria. En dos años, consigue
construir una vida nueva e independiente de casa. No quiere recordar el
pasado. Pero, cuando su familia la encuentra, es forzada a encajar en
los roles de madre, hija y mujer, rodeada de lo que parecen completos
desconocidos. MUY BUENA+. "Fugue", un melodrama ansioso de tormenta de la directora polaca Agnieszka Smoczyńska, aunque podría tan fácilmente describir el resurgimiento de su talentoso director: Gravely compuesto y tocado en una clave menor apropiadamente atonal, es el último -podríamos haber esperado "The Lure", el desquiciado musical de sirenas adultas con el que Smoczyńska debutó de manera notoria en 2016. Algunos se sentirán decepcionados por la falta de destello y fantasía en "Fugue", pero su controlada expansión de tono, psicología y la cámara marca a su interlocutor, ayudada invaluablemente por la escritora Gabriela Muskała, como una estilista de una delicadeza considerable e impredecible. Ella podría ir a cualquier parte desde aquí; Sería prudente seguir a los selectores de festivales, distribuidores y audiencias. Un puesto en la competencia en la Semana de la Crítica de Cannes, generalmente el dominio de cineastas nuevos o no reconocidos, es un lugar sorprendente para el festival de un director cuyo debut fue tan rápido y devoto que ya se incluyó en la Colección Criterion. La "fuga" podría, y con suerte, resistir un foco de atención más grande, incluso si es poco probable que inspire tanta fascinación internacional como "The Lure". Si el último de Smoczyńska es un asunto más sobrio, también es accesible: la premisa de un amnésico confrontado con su propia identidad desconocida ha sido el tema de los lacrimógenos y los psicodramas casi siempre que ha existido el cine, aunque "Fugue" lo refresca con políticas domésticas convincentemente desorganizadas y un firme punto de vista feminista. MUY RECOMENDABLE. 2018 - Polish Film Festival: Mejor película, Mejor guión y Estrella de cristal 2018 - Festival internacional de Cine de Sitges: Premio Méliès de plata. TRAILER
SINOPSIS: En el 9177, mil años arriba, mil años abajo -que tampoco hay que
pillarse los dedos con estas minucias-, el mundo entero (y según
algunos, el universo también) se ha visto reducido a un solo Edificio
Representativo y a unas afueras cochambrosas habitadas por todos los
parados y hambrientos del cosmos. Entre todos estos desgraciados está
José María, un tipo que decide que salvando ciertas dificultades, y
mediante la venta en el Edificio Representativo de una riquísima
limonada que él mismo manufactura, otro mundo es posible. MUY BUENA+. Película muy divertida, en la que al humor
surrealista (o inclasificable) y brillante de Amanece, que no es poco se
suma un excelente retrato de la lucha de clases. De sobra es conocida
la ideología de Cuerda, que quiso exiliarse a la URSS en su juventud, y
en esta película consigue caricaturizar a los elementos representativos
del orden establecido hasta el extremo, así como destapar las vergüenzas
de la izquierda (y de la juventud), dejando reflexiones políticas y
referencias a la historia de España de gran calado. En el último edificio en pie del planeta, el sistema capitalista
sobrevive, liderado por un Rey que impone su ridícula voluntad
haciéndose valer de las fuerzas vivas: Iglesia, Benemérita, Marina,
Policía Municipal y alcalde. En las afueras, un poblado chabolista donde
se juntan los parados de todo el mundo bajo una constante locución de
megafonía alienante y clerical. Un parado entra en el edificio a vender
su limonada, y un conflicto en el interior del mismo desencadenará una
guerra entre clases. Las actuaciones principales están a gran nivel. Miguel Rellán
sobresaliente (sin llegar a ser, pero aproximándose, a José Sazatornil
en su papel de guardia Civil), Roberto del Álamo (parado líder) y Blanca
Suárez (jefa de gabinete) resuelven sus papeles protagonistas con
excelencia, y actuaciones muy destacadas como las de Antonio de la Torre
(cura), Manolo Solo (alcalde), Gabino Diego (Rey), o Carlos Areces
(conserje del edificio). La trama principal de la película se centra en
el confrontamiento entre clases, alternada acertadamente con subtramas
como la de los barberos o los eclesiásticos, y sketches efectivos. El
primer tercio de la película se carga excesivamente de lenguaje
filosófico y retórico, que junto con el habitual surrealismo de Cuerda
puede resultar excesivo para el espectador que desconoce su obra, como
han expresado en una crítica anterior, es necesario ver la película con
la mente abierta y sin prejuicios. Sin embargo, a medida que avanza la
historia el tono se relaja y se acopla perfectamente al desarrollo. La
banda sonora es extraordinaria, sosteniendo el ritmo de la película y
retomando la trama principal y el tono cómico después de los discursos
de más calado y las reflexiones más ácidas. Aunque la película no
destaca por su imagen, la estética del edificio y sobre todo la del
poblado están muy acertadas. Se aprecian referencias cinematográficas a películas como Dr.
Strangelove de Kubrick, en la que ni un escenario postapocalíptico
supondría la eliminación del sistema, y unas marcadas referencias
visuales a Plácido de Berlanga, con los parados entre el polvo o la
subida de las escaleras. En comparativa con el tótem Amanece que no es poco, a la que se dedican
algunos guiños, la filosofía humorística y la forma principal se
mantienen, pero la carga política aumenta en explicitud y peso en Tiempo
Después por la propia naturaleza del argumento. El ya mítico “En
resumen, hemos ganado los de siempre” se convierte en el mensaje
principal, derrotista y subyacente, del global de la película como
analogía de la situación política actual, aunque con un hilo de
optimismo al final. Película llena de matices, al igual que Amanece, que no es poco, en la
que en cada nuevo visionado captaremos algo nuevo. MUY RECOMENDABLE. 2018: Premios Feroz: Nominada a Mejor película (Comedia) TRAILER
LOS GIGANTES NO EXISTEN The Gigant they do not exist.
Productora: Coproducción
Guatemala-España; Producciones Sin Un Duro / Icónica Producciones / PTP
Mundo Maya / Dos Lunas / Atlantia Media Producciones / Casa Comal
Género: Drama | Años 80
SINOPSIS: Guatemala, años 80. Andrés tiene 9 años y mucho miedo. Vive con María y
Pedro, el hombre que mató a su hermano, uno de los hombres que
masacraron a todas las mujeres y niños de su aldea. Son los peores días
de la guerra. Él ha sobrevivido, pero tiene miedo. La esposa de Pedro,
María, también tiene miedo, miedo de salir de casa, miedo de perder a su
nuevo hijo… hasta Pedro tiene miedo, miedo de sí mismo. Andrés quiere
huir, o quizás no. Tiene demasiado miedo para saberlo. MUY BUENA. La segunda mitad del siglo XX fue una época sumamente conflictiva en la
mayoría de los países de la región centroamericana; en el caso de
Guatemala, el militar José Efraín Ríos Montt llegó al poder mediante un
Golpe de Estado en 1982, momento en el que comienza a perseguir a sus
detractores abalanzándose contra la población indígena. Uno de los eventos más tristemente recordados de esta Dictadura es la
masacre de Río Negro, donde 177 mujeres y niños fueron asesinados. Este
filme toma la historia real de Jesús Tecú Osorio, quien en el filme es
llamado Andrés (José Martínez), un niño de unos 9 años de edad que
sobrevive a este evento y es llevado por uno de los que perpetraron la
masacre para que viva con él y su esposa. Este hombre es Pedro (Rafael Rojas), quien no es militar, pero sí
paramilitar, que eran ciudadanos armados que apoyaban al régimen, y por
ende, las acciones del ejército, motivo por el que participaron de la
masacre. La trama de la película se centra en la relación de estos tres
personajes, y va girando en torno a la presión obvia que recibe Pedro al
llegar el rumor de que acogió a ese chico. ¿Qué es lo que mueve a este personaje a realizar esto? ¿Vale la pena el
riesgo? ¿Entiende Andrés todo lo que sucede a su alrededor? Son algunos
de los interrogantes que se van respondiendo a lo largo de los casi 80
minutos de metraje; importante señalar que la idea de la que parte el
filme es una historia real pero, sin embargo, se desenvuelve por
completo como ficción. La película, filmada en una zona rural de Guatemala, parte como se ha
hecho mención de conocer la convivencia del trío protagonista, de ahí
que se vea mucho del costumbrismo propio de una comunidad alejada, lo
cual para un espectador de otras latitudes pueda apreciarse como algo
exótico. Esto pronto comienza a maquillarse en el momento en que empieza
la parte más compleja del relato, ¿qué hacer con este chico? El sevillano Chema Rodríguez es el director de esta película, siendo
este su quinto largometraje, segunda obra de ficción y tercer trabajo
centrado propiamente en Centroamérica, específicamente en Guatemala,
tras Estrellas de la línea (2006), que aborda la prostitución, y Coyote
(2009), acerca de la temática de la migración ilegal a Estados Unidos. Como se ha determinado, en Los gigantes no existen se toca un tema
complejo dentro de la historia guatemalteca, que por más lejano que
parezca, tras cuarenta años aún está latente, no en vano el juicio a
Ríos Montt se inició en 2013, muriendo en abril pasado de forma impune
por una anulación a su sentencia. E incluso, más específico en la
historia de la película, la lucha actual de Tecú por llevar a la cárcel a
quienes perpetraron dicha masacre. Como aspectos positivos del filme se desvelan la intención de Rodríguez,
la apuesta arriesgada por como maneja la historia, como busca que se
sienta empatía por Pedro, a pesar de que fue parte de las personas que
realizaron la masacre, objeto donde entran en juego los interrogantes
planteados inicialmente, sus motivos. Las actuaciones son otro de los
puntos altos, naturales y bien logrados en los protagonistas; como
curiosidad, mencionar que el verdadero Tecú actúa en el filme. Por otro lado, se puede apreciar que hay una tendencia a realizar
escenas muy cortas, lo que hace parecer el filme muy segmentado; estas
no se desarrollan del todo, y surge además una reiteración de ideas, en
las que comprender rápidamente las amenazas que sufre Pedro por tener al
chico. Aún con estos detalles, Los gigantes no existen resulta una buena
producción, un trabajo esforzado con una historia bastante digna de
contar, con buenas intenciones, que busca desde la ficción retomar parte
de la historia guatemalteca y de eventos que, en palabras de su propio
director, son desconocidos por buena parte de la población joven de este
país. MUY RECOMENDABLE. TRAILER
SINOPSIS: En el año 1986, el padre de Facundo tenía un almacén de barrio en pleno
corazón de Saavedra. Todos los vecinos iban a comprar ahí, porque a
pesar de que era chico, lo tenía todo. Sin embargo, a inicios de los
noventa, con la llegada de los supermercados chinos, el almacén no pudo
competir y tuvo que cerrar. Treinta años después, Facundo viaja al otro
extremo del planeta con el único objetivo de vengarse abriendo el primer
supermercado argentino en China. MUY BUENA. Lo logrado por Federico Marcello y Pablo Zapata -director y productor, respectivamente, de De acá a la China;
ambos protagonistas- es destacable por partida doble. Por un lado, su
largometraje ultra independiente, que anduvo circulando por el país en
la mejor tradición de los cines ambulantes de comienzos del siglo XX,
vuelve a demostrar que -no sin esfuerzos de por medio- es posible
producir cine en nuestro país siguiendo caminos alternativos. Por el
otro, aquello que, en un primer momento, aparentaba ser apenas un relato
costumbrista y superficial sobre un particular método de venganza
deviene en una fábula sobre los dolores de los migrantes que aterrizan
en tierras extrañas para comenzar una nueva existencia, signada por el
trabajo arduo y el sacrificio personal y familiar. La vida de Facundo
(Marcello) está envenenada por un trauma del pasado: el almacén de su
padre en el barrio de Saavedra, otrora floreciente en sus propios
términos, debió cerrar durante los años 90, cuando los supermercados
chinos comenzaron a florecer de forma exponencial.El recuerdo de Fuckland, la película de José Luis
Márques que imaginaba una recuperación de las Islas Malvinas a partir
del embarazo masivo de isleñas, puede llegar a presentarse como una
desafortunada sombra durante los primeros minutos de proyección. Minutos
después, resulta claro que el tono y las intenciones de De acá a la China
son bien distintos: las dificultades de todo tipo (lingüísticas y
económicas, además de aquellas ligadas al desarraigo) que Facundo sufre
en carne propia del otro lado del planeta comienzan a acercarlo, cada
vez más, hacia aquellos a quienes consideraba sus enemigos naturales. Y lo hace con humor y una capa de melancolía que le suma profundidad a
la historia. A poco de instalarse, el dúo de argentinos sale a matear a
la vereda con la intención de llamar la atención de los posibles
clientes. En momentos puntuales, el protagonista entra en una suerte de
trance, al tiempo que el ciudadano chino más cercano le recita algún
retazo de sabiduría confuciana. Cerca del final, poco antes del
desenlace, uno de los personajes secundarios -un chino algo bohemio al
cual todos llaman Momo- termina zapando una versión en mandarín de “El
país de la libertad”, de León Gieco, puente metafórico entre dos
culturas muy diversas. Rodada con un reparto binacional de actores no
profesionales -incluido, desde luego, el propio Federico Marcello-, la
película, que comenzó como un proyecto de largometraje documental sobre
la inmigración china en nuestro país, fue transformándose lentamente en
otra cosa, un relato ficcional que nunca llega a ocultar por completo su
carácter de fantasía bajo una capa de realismo formal. Si algo le sobra
a De acá a la China, verdadero objeto artesanal, es honestidad intelectual y ganas de hacer cine. MUY RECOMENDABLE. TRAILER
LA LARGA NOCHE DEFRANCISCO SANTIS The Long night of Francisco Sanctis.
SINOPSIS: Adaptación de la novela homónima de Humberto Costantini, situada en
Buenos Aires en 1977. Un hombre recibe, en plena dictadura, la
información del paradero de dos personas buscadas por los militares.
Ahora tiene la posibilidad de salvarlas, aunque eso implica arriesgar su
propia vida. MUY BUENA+. En la Buenos Aires de los 70s, Francisco Sanctis desayuna con su
familia, camina al trabajo, intenta conseguir un ascenso, termina su día
laboral y regresa a casa. Podría haber sido un día rutinario, pero
desde el comienzo de "La larga noche de Francisco Sanctis" sentimos que
hay algo podrido en alguna parte y que es cuestión de esperar a que se
destape. Ese punto de quiebre sucede al caer la noche, la larga noche del título,
cuando Sanctis recibe inesperadamente una información que parece no
concernirle directamente. En una tensa escena dentro de un auto, el
hombre se entera de que esa misma noche los militares se llevarán a dos
personas, que se sumarán a la lista de desaparecidos por la dictadura
militar argentina. Ahí está lo podrido. De ahí en adelante, la cámara acompaña a Sanctis en una larga travesía
nocturna por Buenos Aires en la que debe escoger cómo lidiar con esa
información. Pero "La larga noche de Francisco Sanctis" no es una
travesía cualquiera, y a veces parece que Sanctis camina más por los
recovecos de su mente que por las calles de la ciudad. Y su mente es una
mezcla de nostalgia, remordimientos, culpa y paranoia. Los directores, Francisco Márquez y Andrea Testa, encuentran una manera
de mostrar cómo, durante la dictadura argentina, la censura y la
persecución había sido interiorizada por todos los ciudadanos,
independientemente de sus ideas o acciones. La paranoia inflitraba cada
uno de sus movimientos, destruyendo su libertad desde la raíz y
alterando su percepción de la realidad. Puede que no haya agentes de la
CIA en cada esquina, puede que no haya autos persiguiéndolo en cada
calle, pero en los ojos de Sanctis, el mundo está contra él y sólo
contra él. Esta terrorífica atmósfera no sería lograda sin una gran destreza en la
realización de la película. La ciudad está desierta y es oscura. Detrás
de Sanctis, las personas aparecen anónimas, fuera de foco. La música es
como un ronroneo casi imperceptible, dando la sensación de un desbalance
en la realidad, una desconfianza en la imagen. El uso de "Un beso y una
flor" de Nino Bravo evoca a los perseguidos, tanto los desaparecidos
como los exiliados, y es un momento de aire fresco en un momento crucial
de la historia. Si "Son of Saul" le dio nueva vida hace un año al sub-género del
Holocausto, con la visión íntima de un miembro de un Sonderkommando--un
prisionero de un campo de concentración obligado a trabajar para los
Nazis--, puede decirse que "La larga noche de Francisco Sanctis" hace lo
mismo con el sub-género de la dictadura militar argentina, con la
historia de otro hombre que, lanzado al fuego contra su voluntad, debe
decidir actuar. Breve, sobria pero nunca aburrida, "La larga noche de Francisco Sanctis"
es una película realizada con firmeza, un impresionante debut y una de
las mejores películas del año. MUY RECOMENDABLE.
Productora: Pantalla Partida Producciones / Imval Producciones
Género: Documental | Biográfico
SINOPSIS: Félix Viscarret ha querido realizar un retrato fílmico del gran maestro
Carlos Saura, y nos muestra al Saura más íntimo a través de
conversaciones del cineasta aragonés con sus siete hijos. Todos aceptan.
Pero a Saura no le gusta mucho hablar del pasado. Viscarret insiste. A
Saura le gusta pintar. Y la fotografía. Viscarret no se rinde. Lo
intenta. EXCELENTE. Si alguien intenta aproximarse a la obra del realizador aragonés más
famoso después de Luis Buñuel, pierde el tiempo. Saura(s) trenza un
bosquejo del director, siempre reacio a mirar atrás y a permitir que
invadan su intimidad, con la ayuda de los hijos (7), que son quienes
acaban de redondear un retrato forzosamente limitado y difuso del autor
de Elisa, vida mía. Lo que sí queda de manifiesto es que Saura ha
antepuesto siempre su trabajo (cine, fotografía) a todo lo demás,
incluida la vida familiar. En este sentido, es más importante lo que se
omite que lo que se expresa con palabras. Sus hijos lo saben, y así han
tenido que aceptarlo. Lo que de verdad me gusta es el trabajo de
Viscarret, que penetra literalmente en el rodaje para intentar diluir el
hermetismo de su protagonista, al que en ocasiones se le adivina algo
incómodo. Viscarret, desde detrás y desde delante de la cámara, fuerza
las situaciones para extraer alguna confidencia, algo que humanice la
fría disección de Saura de su vida y sus circunstancias. Es el autor lo
que importa, no su obra, aunque por supuesto hay referencias a ella,
pese a que a Saura "no le gusta hablar del pasado". Encomiable trabajo
del director navarro, un paso adelante importante en su filmografía. Imprescindible para estudiosos y admiradores de Carlos Saura. IMPERDIBLE. 2017: Premios Goya: Nominada a Mejor documental. TRAILER
Productora: Coproducción Francia-Italia; Lira Films / President Produzioni
Género: Drama | Amistad
SINOPSIS: Claude Sautet grabó Tres amigos, sus mujeres y... los otros en
1974. Tres hombres inseparables se enfrentan a la vida de los 50. Un
pequeño mundo de mujeres, niños y amigos de diferentes edades y
procedencias sociales gravita a su alrededor. Mostrando la agitación de
los hombres y la emancipación de las mujeres, esta película se convirtió
en el mayor éxito de la carrera de Claude Sautet.. En sus películas, él
representó una toma íntima y sin complejos en las pequeñas empresas,
los suburbios, cafés, y fines de semana de distancia, en el campo. EXCELENTE. Tres Amigos está considerada como el mejor trabajo de Claude Sautet, y
es sin duda un ícono del más excelente cine europeo, una pieza de
colección sin duda. Uno tiene el privilegio de asistir a una verdadera
instantánea de la vida misma a través de la magnífica luz, fotografía y
dirección de este film, coronado por fantásticas actuaciones y, claro,
por un maravilloso Yves Montand alrededor de cuyo personaje, Vincent,
gira esa historia que es en realidad la nuestra, la de todos nosotros en
el mundo moderno que nos toca vivir. El hombre y sus amigos, hermanados
ante la fascinación de la vida -durante los buenos momentos- y ante el
desasosiego que inevitablemente deparan sus inesperados giros. Ya en los
primeros momentos presenciamos el incendio accidental de un cobertizo
durante una de las típicas reuniones en la casa de campo de Paul. No es
un evento casual ni de relleno, sino más bien un presagio y un símbolo.
Tan precarias como ese cobertizo son las vidas de estos hombres, que
también sabrán de cosas que se derrumban: familias, amores, ideales de
juventud, trabajo y posición económica, la salud por supuesto... y en
finiquito el tiempo de ese sueño frágil y fugaz que es la vida del
hombre. Pero también nos deja ver la amistad perdurable, el
reacomodamiento ante la adversidad, la necesaria reconstrucción -como
ocurre con el cobertizo- la virtud y la fuerza de los nuevos comienzos, y
la saludable humildad de todo eso. Una película memorable,
paradójicamente poco recordada pero muy recomendable. IMPERDIBLE. TRAILER
SINOPSIS: Marie, una exitosa diseñadora, divorciada y madre de un adolescente, se
encuentra en un momento crucial de su vida: tras romper con su amante y
abortar el bebé que esperaba, decide volver con su ex marido, a pesar de
que éste mantiene una relación con una mujer mucho más joven.
Paralelamente su círculo de amistades también afronta sus propios
problemas sentimentales que les conducen a inesperadas y dolorosas
situaciones. MUY BUENA+. Sautet centra esta “historia simple” en un círculo de mujeres francesas
de 1978, cuya portavoz es una Romy Schneider a la que los años apenas
parecen haber rozado (la procesión iba por dentro). Entrando en los
cuarenta, esa mujer era todavía capaz de detener el tráfico. Sus ojos
desprendían una intensidad aguamarina en su sereno azul que no podía
pasar desapercibida, y sus facciones perfectas en ese cutis de porcelana
serían el ideal de belleza clásica para cualquier escultor. Y ese
portento refleja la vida de una mujer corriente de su tiempo y de su
situación geográfica. Nada proclive a malgastarse en una convivencia sin
chispa con hombres a los que no ama para siempre, divorciada y con
relaciones fallidas a sus espaldas, buscando la ilusión de sentirse
enamorada de nuevo, liderando sus jornadas de urbanita independiente que
trabaja, acoge a su hijo adolescente que alterna las estancias con su
madre y con su padre como casi todo hijo de divorciados, se reúne con su
grupo de amigas/os, mantiene relaciones esporádicas sin compromiso, y
en suma es la dueña de sus días. Marie no pertenece al gremio de las que
languidecen a perpetuidad en un matrimonio agotado, no es de las que se
conforman. También se decanta por la libertad irresponsable de las que
disfrutan del sexo sin precauciones habiendo ya en el mercado
suficientes métodos anticonceptivos, porque lo del aborto no les crea un
dilema moral de los de quitan el sueño. En plena era de la liberación
femenina, se cometieron y se cometen tantas barbaridades como las que se
cometen en todas las revoluciones, sean del tipo que sean. Marie vuela libre, reencontrándose con su ex-marido desde fuera de la
asfixia de la vida en común que dejaron atrás, y observando a la gente
que está a su alrededor. Su hijo, su madre, su más reciente novio con el
que acaba de romper, sus amigas y las parejas de éstas. Es una
compañera leal, se involucra en los problemas de los que le importan y
trata de comprenderlos y ayudarlos. A punto de ser una cuarentona, no está ni mucho menos caduca. Un nuevo
comienzo se anuncia esperanzador para una mujer que se niega a
permanecer en la monotonía. Sautet rodó un drama de sobria apariencia, diálogos naturales y
fotografía reposada, que estudia con calma la psicología de sus
personajes y de una época. MUY RECOMENDABLE.
SINOPSIS: Describe los logros de varios famosos médicos y científicos
alemanes en el prestigioso hospital Charité de Berlín hacia finales del
siglo XIX. La serie se ha convertido en un auténtico fenómeno en Alemania, cuya emisión ha superado los 8 millones de espectadores. EXCELENTE. Se trata de una serie muy cuidada y muy bien documentada que,
centrándose en “Le Charité”, el hospital más famoso de Berlín de la
época, nos muestra un amplio retrato de la sociedad alemana de finales
del siglo XIX. En esos años, con el impulso de la industrialización, se producen en
Europa transformaciones socioeconómicas, tecnológicas y culturales como
nunca antes habían ocurrido. Sorprenden la sumisión a la autoridad (ya
sea el emperador o la jefa de las enfermeras), las terribles condiciones
laborales en el hospital, los prejuicios y las dificultades a los que
se tenían que enfrentar las mujeres, la exhibición de seres humanos como
animales de zoológico, la ausencia absoluta de derechos de los
pacientes, la dedicación fanática de los científicos, los sentimientos
antisemitas de buena parte de la población….y nos muestra la agitación
social que todas ellas ocasionan y las grandes transformaciones que
comienzan a producirse. La trama gira alrededor de Ida, una joven que es operada primero y
trabaja después en ese hospital y que no se resigna al papel que se
reserva a la mujer en la sociedad de la época. Un muy buen guion muestra
buena parte de la vida del hospital y muy especialmente la de cuatro
médicos que coinciden en él y que revolucionaron la medicina. Tres de
ellos estuvieron entre los diez primeros premios Nobel de Medicina de la
historia y el cuarto falleció cuando ya había sido nominado pero antes
del fallo (el premio Nobel solo se puede conceder a científicos en
vida). Esto hace esta serie aún más imprescindible para todo aquel que
sienta curiosidad por el progreso científico y por la forma de pensar y
de comportarse de grandes genios que colaboraban entre sí, pero que
también competían ferozmente y que, como el resto de los seres humanos,
junto a enormes virtudes mostraron también importantes defectos. IMPERDIBLE.
Productora: DC Comics. Distribuida por Warner Bros. Television
Género: Serie de TV. Acción. Fantástico | Crimen. Superhéroes. Cómic. DC Comics
SINOPSIS: Reimaginación de uno de los grupos de superhéroes más emblemáticos de
DC: Robotman, Negative Man, Elasti-Girl y Crazy Jane, liderados por el
científico loco Dr. Niles Caulder. Los miembros de esta peculiar
patrulla rememoran las circunstancias que les llevaron a obtener sus
habilidades sobrehumanas, causando toda clase de cicatrices y
desfiguraciones que les impiden llevar una vida normal. Desesperados,
proponen a su Caulder defender el planeta Tierra de los mayores peligros
que jamás se hayan conocido. Siguiendo con los acontecimientos que
tienen lugar en "Titans", la patrulla recibe un encargo de Cyborg que no
podrán rechazar, aunque cumplirlo implica que sus vidas nunca volverán a
ser como antes. EXCELENTE. Generalmente, jamás valoro una serie sin haber visto al menos una
temporada. Pero ya se tendrían que torcer mucho las cosas para que la
Doom Patrol (la Patrulla Condenada en cristiano) no acabara siendo la
mejor serie de súper héroes de estos últimos años, y probablemente de
todos los tiempos. Y esto que parece hipérbole, no lo es tanto si consideramos que la serie
sigue fielmente el espíritu que el mejor escritor de cómics en activo
(Alan Moore ya no lo está, o casi no, que de vez en cuando se descuelga
con alguna que otra maravilla, pero en todo caso de forma esporádica),
Grant Morrison, imprimió a este equipo de lunáticos y rarezas. El
espíritu de lo extraño y lo imaginativo, lo grotesco, lo paródico y lo
sublime. Parecía imposible de lograr, pero desde el primer episodio la serie toma
unos derroteros escabrosos y arriesgados, presentando unos personajes
escasamente heroicos pero extraordinariamente tridimensionales y
creíbles. Este puñado de fenómenos de feria, claustrofóbicamente
«protegidos» (más bien enjaulados) por el enigmático Jefe, resultan
patéticos a pesar de (o más bien precisamente por) sus súper poderes, y
esto es aprovechado sabiamente por los responsables de la producción
para llegar al corazón del público, que no puede evitar sentir compasión
por ellos. En esa misma línea, cada episodio ahondará en el trágico (o
tragicómico) pasado de cada uno de los protagonistas, que resultarán ser
criaturas profundamente falibles y, por tanto, humanas, muy alejadas de
arquetipos de perfección como Superman, Batman o Wonder Woman. En cuanto a la narración, resulta francamente difícil ponerle peros:
además de gozar de un ritmo impecable, el viejo recurso de la voz en off
es puesto al día al cedérsele el puesto de narrador al desequilibrado y
psicodélico villano de la serie, Mr. Nobody, cuyos inclasificables
poderes le permiten gozar de una suerte de omnisciencia. Su voz irónica,
distanciada y despreciativa resulta un verdadero acierto, poniendo de
relieve de manera sangrante la diferencia entre este grupo de freaks y
los apolíneos justicieros al uso. Y si los tres primeros episodios logran equilibrar de manera ejemplar
las posibilidades trágicas, cómicas, heroicas, antiheroicas y
deliciosamente surrealistas del extraordinario material del que parten,
el cuarto logra el más difícil todavía al introducirse con pasmoso
desparpajo y aún más pasmoso acierto en terrenos ya puramente
Grantmorrisianos (perdonen el neologismo), al abordar los límites de lo
que es o no real en una magnífica adaptación de la saga del «Culto del
libro no escrito», la cual recomiendo encarecidamente a todo aquel que
desconozca esta obra maestra del cómic. La impresión que me merece lo hasta ahora visto de la Doom Patrol es que
es este el camino que necesitan las series de súper héroes (o de tipos
con súper poderes) para reinventarse y no morir, puesto que el
adocenamiento formulaico que se ha apoderado de casi todos estos
programas solo puede acabar con su progresiva desaparición de la
parrilla. El género de súper héroes es una moda, y, como tal,
intrínsecamente pasajera: las series Marvel de Netflix (con sus virtudes
y sus defectos; en mi opinión, más de los segundos que de las primeras)
han pasado a la historia, Agentes de Shield, Arrow y Gotham tienen los
días contados y auguro que pronto gozarán de abundante compañía en su
destierro. Tan solo propuestas novedosas y de calidad, como esta Doom
Patrol, la también excelente Legión, o la menos disfrutable pero en
absoluto desdeñable Umbrella Academy, pueden llegar a un público
diferente del ya sobresaturado consumidor habitual de Punishers,
Supergirls y Titanes y, por tanto, marcar la ruta a seguir para un
género que, como ya hemos comentado, muestra claros signos de
agotamiento en los últimos tiempos. Solo queda esperar a ver si las
audiencias acompañan la calidad de la propuesta y tenemos Doom Patrol
para rato. Ojalá que sí. IMPERDIBLE. TRAILER
Género: Serie de TV. Drama. Thriller. Fantástico | Policíaco. Sobrenatural. Asesinos en serie.
SINOPSIS: Andrés Vargas es un inspector de policía que muere persiguiendo al
Carnicero de Medianoche, un asesino en serie que ya ha matado a cinco
mujeres. Vargas tendrá la oportunidad de regresar a la vida, pero cinco
años más tarde y en el cuerpo de Manuel Márquez (Javier Gutiérrez). En
su empeño por detener al Carnicero de Medianoche, Vargas, ahora Márquez,
tendrá como compañera a Susana (Anna Castillo). Entre ellos tiene lugar
una relación muy especial y juntos se enfrentarán a este asesino que
vuelve a actuar cinco años después. Vargas no estará sólo en su regreso
al mundo de los vivos. Un sorprendente personaje (Alejo Sauras) será su
compañero en estas circunstancias tan especiales. MUY BUENA+.
La historia está protagonizada por el agente Vargas, personaje
interpretado por Javier Gutiérrez. El actor es conocido por su
interpretación en Águila Roja y ha ganado el premio Goya a mejor actor protagonista por su papel en La isla mínima. De la mano de Daniel Écija (responsable de, entre otras, enormes éxitos
como "Médico de Familia", "Periodistas", "Los Serrano" o "Los hombres de
Paco") tenemos un producto curioso, original, mezcla de varios géneros y
destinado para toda la familia (hay un personaje para cada segmento de
edad), a medio camino entre la comedia, el drama, el melodrama, la
intriga criminal y lo fantástico. Lo mejor sin duda es el reparto, encabezado por el competente Javier
Gutiérrez, quien demuestra de nuevo lo gran actor que es, con su
capacidad tanto para emocionar como para hacer reír; la joven Anna
Castillo no se queda atrás, haciendo gala además de la química patente
con el anterior. Alejo Sauras tiene el personaje más "surrealista" y
complicado, ya se verá. También hay rostros habituales de la pequeña y
la gran pantalla, como Fele Martínez, Alfonso Bassave o Roberto Álamo,
mientras el guión aporta momentos jugosos e interesantes, y la
fotografía anota otro punto a su favor; las escenas de acción serán
presumiblemente espectaculares. En resumen un producto bastante digno y esforzado, algo diferente que en
ciertos aspectos se aleja bastante de lo que se entiende en España por
una serie, especialmente si viene a través de Atresmedia o Mediaset, y
que a poco que discurra bien y la gente la aprecie, puede suponer un
bombazo. De momento un 7 alto, rozando el notable. MUY RECOMENDABLE. 2017: Premios Feroz: Nominada Mejor serie dramática y Mejor actor sec. (Sauras) TRAILER
SINOPSIS: Un grupo de adolescentes trata de sobrevivir en una réplica exacta de su
pueblo de Nueva Inglaterra a la que han llegado de forma misteriosa y
en la que no hay ni rastro de sus padres. Su nueva libertad será
divertida…pero también será muy peligrosa. Mientras luchan por entender
lo que ha pasado y cómo volver a casa, deberán establecer un orden y
formar alianzas si quieren sobrevivir. MUY BUENA. Netflix publica una cantidad tan asombrosa de contenido (más de 60 títulos originales solo en mayo) que puede ser difícil discernir qué nuevos programas realmente valen su tiempo, o si va a sacar una serie completa solo para descubrir que no tiene uno para discutirlo porque se enterró bajo las sugerencias de "Watch It Again" para The Office and Friends. Pero un programa como el nuevo drama para adultos jóvenes de Netflix, The Society, es uno que merece ser discutido. Desde el creador de Party of Five, Christopher Keyser, The Society sigue a un grupo de estudiantes de secundaria que, en lugar de ser llevados a las Smokey Mountains como esperan, se encuentran en una réplica exacta de su ciudad de Connecticut de clase alta. Solo cuando van a sus hogares, los adolescentes se dan cuenta de que no se encuentran a todos sus padres, hermanos e incluso a sus mascotas. Tecnológicamente y literalmente aislados del resto del mundo (los caminos fuera de la ciudad simplemente giran hacia el bosque justo fuera de la frontera de la ciudad), los niños aterrorizados deben descubrir cómo sobrevivir solos, o si se destruirán entre sí antes. pueden averiguar cómo. MUY RECOMENDABLE. TRAILER
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