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ESTRENOS DELA SEMANA
DE LAS ALMAS
PERDIDAS
Nightmare Alley.
(EN CINES)
- 4 NOMINACIONES A LOS
PREMIOS OSCAR 2022
"MEJOR PELÍCULA" - "MEJOR VESTUARIO"
- "MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN"
- "MEJOR FOTOGRAFÍA"
- Título original
- Nightmare Alley
- Año: 2021
- Duración: 150 min.
Estados Unidos- Dirección: Guillermo del Toro
- Guion: Guillermo del Toro, Kim Morgan. Novela: William Lindsay Gresham
- Música: Nathan Johnson
- Fotografía: Dan Laustsen
- Reparto: Bradley Cooper, Rooney Mara, Cate Blanchett, Toni Collette, Willem Dafoe, David Strathairn, Richard Jenkins, Mark Povinelli, Ron Perlman, Holt McCallany, Jim Beaver, Mary Steenburgen, Tim Blake Nelson.
- Productora: Searchlight Pictures. Distribuidora: Walt Disney Pictures
- Género: Cine negro. Intriga. Drama | Drama psicológico. Años 40. Circo. Alcoholismo. Remake
SINOPSIS: Finales de los años 30, Estados Unidos. Stanton Carlisle es un hombre
que trata de forjarse un futuro prometedor. Su primer destino es acabar
trabajando en un circo, donde conocerá a todo tipo de singulares
personalidades. Este lugar recoge a diferentes talentos, de los que
Stanton sabrá sacarles partido, como es el caso de Molly, una joven
extraordinaria con la que se marchará a la ciudad para crear su propio
espectáculo. Pero, no satisfecho con este triunfo, Stanto se aliará con
una misteriosa mujer llamada Lillith para crear un peligroso entramado
para alcanzar el mayor éxito posible. EXCELENTE. Gracias a una excelente y sombría puesta en escena de cuidada
ambientación de la época, asistimos a una fábula moral desgarradora,
cruel y despiadada, oscura y perversa, pesimista y ominosa. Película que
supera la original de 1947, de la que he tenido la ocasión de ver
recientemente antes de la de Guillermo del Toro, detallando y ampliando
una maldad intrínseca en modo superlativo. Un melodrama en clave de cine
negro que denigra el arribismo por su bajeza moral. Esta nueva y
lujosa producción, a diferencia de la anterior, mucho más sucinta y
modesta, amplía y enriquece los personajes mayoritariamente deleznables a
excepción de Molly (gran trabajo de Rooney Mara), cuyo físico
aparentemente vulnerable nos cautiva, llena de bondad pero absolutamente
lúcida que ve en el buscavidas y seductor Stanton Carlisle (un
excelente Bradley Cooper), la oportunidad de cambiar de rumbo junto al
hombre que ama. Escapando de la protección del segundo personaje
positivo que es el forzudo Bruno que ejerce de tutor de la joven de la
atracción eléctrica. La novela de William Lindsay Gresham “Nightmare Alley” (Callejón de
pesadilla), es el retrato en negro de unos personajes que intentan
sobrevivir a una suerte esquiva, recrea un universo de miseria moral y
social representada en esa caravana nómada de feriantes con sus
destartalados carromatos que da asilo a indigentes y prófugos, sin
preguntar su procedencia, pues está lo más típico de aquellas ferias
ambulantes pobladas de freaks, pitonisas, charlatanes y hasta “El
engendro” que se debate entre lo humano y lo animal, entre el
alcoholismo y el “delirium tremens”, una bestia construida a imagen y
semejanza de sus perverso creador (un siniestro y convincente Willem
Dafoe). Pero para que el espectáculo deprimente y sórdido funcione se
necesita al público ávido de emociones fuertes, que se deje sorprender
entre la curiosidad y el morbo por lo insólito y lo grotesco, el engaño y
la estafa más burda, que lamentablemente no entiende de clases sociales
incluyendo a los ricos, porque siempre habrá desvalidas almas
dispuestas a creer la mentira más absurda que libere sus traumas. Embaucador sin escrúpulos, mujeriego y ladrón de ideas, amoral estafador
traicionado, asesino sin vocación, charlatán de feria, pero un gran
manipulador de la psicología humana, lleno de intuición y brillante
observador de las debilidades más prosaicas que utiliza con astucia. El
gran Stanton es un presuntuoso que se sirve de sus innatas habilidades
para empatizar con el mismo diablo encarnado en esa mujer fatal que
borda la seductora y ladina Cate Blanchett. Un film de violencia extrema
y gran densidad dramática que pese a contar una historia pretérita no
deja de ser un espejo de la atemporal realidad en las relaciones
humanas. La ambición más blasfema en una obra peculiar e insólita para
estos tiempos escasos en valores, que afirma y proclama el dicho
popular… “El que juega con fuego, acaba quemándose”. IMPERDIBLE.
TRAILER
HOUSE OF
G U C C I
La casa Gucci.
(EN CINES)
1 NOMINACIÓN A LOS
PREMIOS OSCAR 2022
"MEJOR MAQUILLAJE"
- Título original
- House of Gucci
- Año: 2021
- Duración: 157 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Ridley Scott
- Guion: Roberto Bentivegna, Becky Johnson. Libro: Sara Gay Forden. Historia: Becky Johnston
- Música: Harry Gregson-Williams
- Fotografía: Dariusz Wolski
- Reparto: Lady Gaga, Adam Driver, Al Pacino, Jeremy Irons, Jared Leto, Salma Hayek, Jack Huston, Camille Cottin, Vincent Riotta, Alexia Murray, Reeve Carney, Gaetano Bruno, Youssef Kerkour.
- Productora: Coproducción Estados Unidos-Canadá; Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Scott Free Productions, Bron Studios
- Género: Drama | Moda. Basado en hechos reales. Años 70. Años 80. Años 90. Familia. Crimen
SINOPSIS: Drama criminal en torno al asesinato, en 1995, de Maurizio Gucci, nieto
del fundador del imperio de la moda Gucci, que apareció asesinado por
orden de su exmujer Patrizia Reggiani, conocida como "la viuda negra de
Italia". Adaptación del libro de Sara Gay Forden, publicado en 2001,
'The House of Gucci: A Sensational Story of Murder, Madness, Glamour,
and Greed'. MUY BUENA. Ridley Scott nos vuelve a traer en poco más de un mes, otra historia
basada en hechos reales llevada a la pantalla. En este caso, mucho más
reciente que en ‘EL ÚLTIMO DUELO’, nos remontamos al año 1978 hasta
llegar a 1995. El asesinato de un miembro de la familia GUCCI, la famosa
marca de moda. Aquí el director británico vuelve a contar con un elenco espectacular,
lleno de estrellas. Como son Adam Driver (de nuevo) encarnando a
Maurizio Gucci, Lady Gaga (Patrizia), Al Pacino (Aldo Gucci), Jeremy
Irons (Rodolfo Guci), Jared Leto (Paolo Gucci, irreconocible), Salma
Hayek (Pina, una vidente), entre otros. Aparte de ser una historia real, el director ha adaptado el libro de
Sara Gay, que narra los sucesos del asesinato y el crimen organizado a
un miembro de la familia Gucci. De primeras es cierto que quizás es la película menos Ridley Scott que
he visto desde hace años. Por momentos, me he olvidado que el británico
estaba detrás de las cámaras. Nos trae un drama familiar envuelto por un
crimen por cocer, que el cineasta nos dibuja el camino que nos lleva a
la escena inicial y final. El asesinato. Como se fragua ese crimen, los
entresijos de una familia corrompida por el poder, la codicia y el
dinero. La maldición que conlleva tener el apellido Gucci, y una marca
de lo más prestigiosa. Gracias a esto, Scott se desenvuelve con maestría
y consigue contar una historia lenta, sin aparentemente ritmo pero con
estilo. Ese estilo es gracias también a los interpretes que están
mayormente bien metidos en la cinta. Destacar a un gran Al Pacino, que
demuestra una vez más quién es, dando igual los años que tenga. Maestro.
Un Jared Leto muy bien caracterizado e irreconocible, que
sorprendentemente, es lo mejor de la película. Digo sorprendentemente,
porque hay mucho gallo en el corral. Quizás aquí el más descafeindado
sería Adam Driver, con un rol protagonista en el que no logra demostrar
todo su potencial debido al papel que no da mucho más de si. Y a una
Lady Gaga que, por momentos bien, pero por momentos la he visto
sobreactuada. Es sabido que no es actriz, pero tras su gran
interpretación en HA NACIDO UNA ESTRELLA, esperaba mucho más. En el apartado técnico, qué decir de un maestro de 84 años que nos ha
traído dos películas notables, una más que otra, en tan poco tiempo. Una
dirección magistral, un enfoque a los intrpretes con primeros planos
que es para tomar nota. El primer primer plano con Al Pacino y sus gafas
de aviador, increíble. Ambientando la velada en todo su metraje con
música pop italiana y melodías características del país. Con una
fotografía brillante y de nuevo con ese color sepia que ya había
utilizado en una de sus cintas, TODO EL DINERO DEL MUNDO. Al ser una cinta fuera de los focos épicos del director, recuerdo otro
drama familiar que envolvía un secuestro, casualmente también en Italia.
Como menciono anteriormente, TODO EL DINERO DEL MUNDO, una película que
pasó desapercibida pero muy a recomendar con muchísimas semejanzas. La Casa Gucci es una película que no dejará indiferente a nadie. Si te
gusta la historia de la moda, los entresijos de la familia GUCCI y los
dramones largos, porque dura casi 160 minutos, puede ser tu película. El
maestro Ridley Scott puede convertir la tierra en oro, y aquí lo vuelve
a hacer, sin yo tener mucho interés ha conseguido captar mi atención
durante los 160 minutos y disfrutar por momentos de un drama familiar
criminal de lo más interesante, aunque por momentos, tediosa. No cabe
duda que para mi, es una cinta irregular con altibajos pero un buen
ejercicio de cómo contar bien una buena historia. IMPERDIBLE.
-
2021: Premios Oscar: Nominada a mejor maquillaje2021: Globos de Oro: Nominada a Mejor actriz principal drama (Lady Gaga)2021: Premios BAFTA: 3 nominaciones, incl. mejor film británico y actriz (Lady Gaga)2021: Critics Choice Awards: 4 nominaciones, incluyendo mejor actriz (Lady Gaga)2021: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actriz (Lady Gaga)2021: Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor reparto, actriz y actor sec.2021: Satellite Awards: 2 nominaciones, incluyendo mejor actriz drama (Lady Gaga)2021: Premios Razzie: 2 nominaciones, incluyendo peor actor secundario (Leto)
TRAILER
SUMMER OF
SOUL
...Or, When the Revolution Could Not Be Televised.
Verano del Soul... o cuando la revolución no fue televisada.
1 NOMINACIÓN A LOS
PREMIOS OSCAR 2022
"MEJOR DOCUMENTAL"
- Título original
- Summer of Soul (...Or, When the Revolution Could Not Be Televised)
- Año: 2021
- Duración: 117 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Questlove
- Fotografía: Shawn Peters
- Reparto: Documental, Stevie Wonder, B.B. King, Nina Simone, Abbey Lincoln, Mahalia Jackson, Moms Mabley, Jesse Jackson, Mavis Staples, David Ruffin, Cal Tjader, The 5th Dimension, Sly and The Family Stone.
- Productora: Concordia Studio, Mass Distraction Media, Radical Media, Vulcan Productions
- Género: Documental | Documental sobre música. Años 60. Años 70
SINOPSIS: Explora el legendario Harlem Cultural Festival celebrado en los Estados
Unidos en 1969. En él se rindió homenaje a la cultura y música
afroamericana, además de promover el 'black pride' y la unidad entre
personas de una misma raza. EXCELENTE. Cincuenta años ha estado en un cajón la grabación del concierto “Harlem
Cultur Festival” que tuvo lugar en Nueva York en Agosto de 1969 y
coincidía en las mismas fechas con el festival de “Woodstock” que se
celebraba en una granja de ese mismo estado y se convirtió en el
festival de Rock más icónico de la historia, aunque si nos atenemos a lo
visto y oído en este documental, no tuvo nada que envidiarle ni en lo
musical, ni en lo emocionante ni en la impronta posterior, no solo para
la comunidad afroamericana, sino para la latina y el resto de minorías
étnicas que conviven en “la gran manzana”. “Summer of Sound” es un documental emocionante, vibrante y
extraordinario reflejo de la misma época que Woodstock, pero con las
características y peculiaridades de la población negra, sus ritos,
músicas y maneras de sentir que van desde el Góspel espiritual profundo,
al Funk pasando por el Blues, el Rhythm and blues e incluso música
tribal afroamericana y también latina, hay que recordar que en Harlem
había también una importante población puertorriqueña; ¡Menudo
espectáculo! y todo esto a la luz del sol porque no había ya presupuesto
para luces, ni falta que hacía. No hay ni un solo relleno entre los intérpretes, todas las actuaciones
son increíbles, pero por destacar algunas me quedaría con una
arrebatadora y reivindicativa Nina Simone, B.B. King reina en el
escenario de qué manera, Stevie Wonder, jovencísimo, da una clase
magistral como artista total, Sky & The Family Stone es una
auténtica fiesta de diversidad y multiculturalidad y si Mahalia Jackson
te puso los pelos de punta en el funeral de “juanita” en la película
“Imitación a la vida”, aquí simplemente no hay adjetivos para definirla
porque está en otro nivel. Una película imperdible para cualquier amante de la buena música o que
quiera conocer algunas claves de la lucha afroamericana en los Estados
Unidos. IMPERDIBLE.
-
2021: Premios Oscar: Nominado a mejor documental2021: Premios BAFTA: Nominada a mejor montaje y mejor documental2021: Sundance: Mejor documental y Premio del Público (documental)2021: National Board of Review (NBR): Mejor documental2021: American Film Institute (AFI): Premio Especial AFI2021: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor documental y montaje2021: Premios Independent Spirit: Nominado a mejor documental2021: Sindicato de Productores (PGA): Nominado a mejor documental2021: Sindicato de Directores (DGA): Nominado a mejor dirección / Documental2021: Asociación de Críticos de Chicago: Mejor documental2021: Asociación de Críticos de Boston: Mejor documental2021: Premios Gotham: Nominado a mejor documental2021: Satellite Awards: Nominado a mejor documental.
TRAILER
N°6
Compartment N°6.
Hytti nro 6.
PRESELECCIONADA AL OSCAR 2022 "MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL POR "Finlandia".
- Título original
- Hytti nro 6
- Año: 2021
- Duración: 107 min.
Finlandia- Dirección: Juho Kuosmanen
- Guion: Andris Feldmanis, Juho Kuosmanen, Livia Ulman. Novela: Rosa Liksom
- Fotografía: Jani-Petteri Passi
- Reparto: Seidi Haarla, Yuriy Borisov, Dinara Drukarova, Vladimir Lysenko, Galina Petrova, Dmitriy Belenikhin, Yuliya Aug, Tomi Alatalo, Nadezhda Kulakova, Polina Aug
- Productora: Coproducción Finlandia-Alemania-Estonia-Rusia; Elokuvayhtiö Oy Aamu, Achtung Panda! Media, Amrion, Kinokompaniya CTB, Eurimages
- Género: Drama
SINOPSIS: Una joven finlandesa toma un tren hacia Moscú para ir al yacimiento
arqueológico de Múrmansk. Tendrá que compartir su compartimento con un
desconocido. Esta convivencia y unos encuentros improbables unirán poco a
poco a estos dos seres completamente opuestos. EXCELENTE. Había visto con anterioridad “El día más feliz de Olli Mâki”, película
de Kuosmanen que me había encantado. En este film hay un empeño personal
y un viaje (breve). En "El compartimento nº 6" hay también un viaje en un doble sentido:
geográfico, digamos, pues la protagonista viaja de Moscú a Múrmansk para
ver unos petroglifos; y es un viaje (como casi todos) de iniciación y
conocimiento (sobre todo si se viaja solo). Estamos en Rusia, en los años noventa del siglo XX, y la protagonista
(finlandesa) coincide en su compartimento de número seis con un hombre,
ruso y de modales bruscos. Y quizá hasta peligroso. En ese pasillo móvil que es un largo tren en marcha, se desarrolla una
de las historias más bella (y reales) que haya visto. Ese viaje, es un
viaje también de reconocimiento mutuo. Ella está decepcionada por no
haber podido hacer el viaje con una amiga y amante; él es un perro
apaleado por las circunstancias (intuimos) de una sociedad dura, de
malos modos, que recurre al vodka no tanto para olvidar como para
ponerse a tono. (Una sociedad a la que respeto mucho, pues si bien es cierto que hay
gente brusca -sobre todo entre ellos- son también capaces de hacerte
favores generosamente y donde los gatos no tienen miedo en la calle.
Disculpad la digresión). El mérito de este fin es narrarnos cinematográficamente este viaje
físico y este viaje de conocimiento mutuo, manteniéndonos pendientes
sobre lo que va a ocurrir, y emocionando sin descender nunca al
melodrama. Se vive el momento porque no hay un futuro de vino y rosas ni
tiene porqué haberlo. Tengamos los pies en la tierra. Y con dos actores protagonistas en estado de gracia. Hasta la revisora
del coche cama está retratada con maestría. Una obra mayor. IMPERDIBLE.
-
2021: Globos de Oro: Nominada a mejor película de habla no inglesa2021: Festival de Cannes: Gran Premio del Jurado (ex aequo)2021: Premios del Cine Europeo: Nominada a mejor película, actriz y actor2021: Festival de Valladolid - Seminci: Mejor actor (Borisov)2021: British Independent Film Awards (BIFA): Nom. mejor película internacional2021: Premios Independent Spirit: Nominada a mejor película extranjera2021: Satellite Awards: Nominada a mejor película de habla no inglesa2021: Premios César: Nominada a mejor película extranjera.
TRAILER
La Colmena.
- PRESELECCIONADA AL OSCAR 2022 "MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL POR "Kosovo".
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- Título original
- Hive
- Año: 2021
- Duración: 84 min.
Kosovo- Dirección: Blerta Basholli
- Guion: Blerta Basholli
- Música: Julien Painot
- Fotografía: Alex Bloom
- Reparto: Yllka Gashi, Cun Lajci, Aurita Agushi, Kumrije Hoxha, Adriana Matoshi, Molikë Maxhuni, Blerta Ismaili, Kaona Sylejmani, Mal Noah SafQiu, Xhejlane Terbunja, Ilir Prapashtica, Bislim Muçaj, Blin Sylejmani.
- Productora: Coproducción Kosovo-Suiza-Albania-Macedonia; AlbaSky Film, Alva Film, Black Cat Production, Ikone Studio, Industria Film
- Género: Drama | Pobreza. Feminismo. Drama social
SINOPSIS: En un pueblo muy unido de Kosovo, las familias luchan para llegar a final de mes, ansiosas por recibir noticias de los maridos, padres e hijos que fueron a la guerra. Cuando las abejas de Fahrije dejan de producir miel, decide sacarse el carnet de conducir y se aventura a la ciudad para vender ajvar casero en una tienda de comestibles local. Su ingenuidad y ambición ponen a prueba a los habitantes de un pueblo conservador por naturaleza en el que siguen vigentes las nociones patriarcales y tradicionales de la sociedad. Para poder sobrevivir tiene que superar los insultos y los ataques físicos que tratan de impedir por todos los medios que la mujer pueda valerse por sí misma. MUY BUENA. El cuidado de unas colmenas es al a vez un hecho cotidiano y un símbolo. El hecho es que supone el sustento de una familia kosovar compuesta por una mujer y su familia (incluido a un suegro, a un patriarca) Lo simbólico podría consistir en el trabajo en común de las abejas con el objetivo, propio de naturaleza de todas las especies, de sobrevivir y conseguir lo mejor para la colectividad. A veces, por accidente, las abejeas pican (se defienden) al apicultor, pero eso forma parte del oficio, como las espinas de las rosas. En un Kosovo casi actual, una mujer trata de sobrevivir y vivir, trabajando y emprendiendo un negocio en forma de cooperativa con otras mujeres. Es la esposa (o viuda) de un desparecido de la guerra de exterminio (limpieza étnica) emprendida por el gobierno de Milosevic y el ejército serbio en 1999, y que ocasionó el asesinato de unos tres mil kosovares, que siguen siendo hoy en día, en buena parte, desparecidos. La figura de “desparecido” tiene muchas aristas a cual más dolorosa y perturbadora. El desaparecido, para una parte de su familia (a pesar de los años que se han sucedido), sigue siendo alguien que puede “regresar”, alguien que puede estar vivo; mantener la esperanza de que así sea no solo puede ser un deber ético y un asidero emocional, es también, en las sociedades tradicionales, una obligación de clan. La mujer que protagoniza esta película sabe y padece todo esto. Pero está dispuesta a no rendirse: a seguir buscando los restos de su marido y a seguir buscando una vida más digna para su familia y sus vecinas en la misma situación. En esta segunda parte, la práctica, se encuentra con las resistencias que una sociedad muy tradicional que no ve con buenos ojos que aprenda a conducir (es cosa de hombres) o que monte un negocio de conservas con estructura de cooperativa. La directora, Bierta Basholi ha sabido contornos todo esto con equilibrio, sin recurrir al melodrama, de forma sobria y con ritmo, sin obviar la dureza, pero tampoco la valentía y la capacidad de transformar los prejuicios hacia formas más abiertas a través del trabajo y de no dejarse amilanar nunca.Con una fotografía naturalista muy eficaz y unas interpretaciones convincentes de todo el elenco, en parte no profesional. IMPERDIBLE.
-
2021: Festival de Sundance: 3 premios, incl. Premio del Jurado - Mejor película (World Cinema)2021: Festival de Valladolid - Seminci: Mejor actriz (Yllka Gashi)
TRAILER
MURINA
Murina.
PRESELECCIONADA AL OSCAR 2022 "MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL POR "Croacia".
- Título original
- Murina
- Año: 2021
- Duración: 92 min.
Croacia- Dirección: Antoneta Alamat Kusijanovic
- Guion: Antoneta Alamat Kusijanovic, Frank Graziano. Historia: Antoneta Alamat Kusijanovic
- Música: Evgueni Galperine, Sacha Galperine
- Fotografía: Hélène Louvart
- Reparto: Gracija Filipovic, Danica Curcic, Leon Lucev, Cliff Curtis, Jonas Smulders
- Productora: Coproducción Croacia-Estados Unidos-Brasil-Eslovenia; Antitalent Produkcija, RT Features, SPOK Films, Sikelia Productions, Spiritus Movens, Staragara
- Género: Drama | Adolescencia
SINOPSIS: Una adolescente decide reemplazar a su padre controlador con su rico amigo extranjero durante un viaje de fin de semana al mar Adriático. EXCELENTE. La historia resulta familiar al espectador, ya que el verano parece ser el momento idóneo para los deseos más pujantes y las revoluciones personales, o al menos lo era antes de la pandemia. Sin embargo Kusijanović logra esquivar el camino más obvio y más sexualizado, y de esta manera permite que su protagonista descubra las cosas por su cuenta, por decirlo en pocas palabras. Se arriesga con Filipović, que no es lo más expresivo de la película y termina dibujando una figura más bien opaca. Julija no se permite mostrar un ápice de debilidad, especialmente frente a su padre, y sin duda vive con una máscara puesta, lo que hace que resulte menos interesante. O al menos en tierra firme, ya que se trata de una sirenita que tiene problemas con su padre, una sirenita siempre vestida con su bañador favorito, que es su armadura. El medio en el que se siente más cómoda es el acuático. Es donde se refugia, donde juguetea y donde ve su futuro con algo más de nitidez. O donde, en principio, puede plantar cara al pater familias de buenas a primeras. Julia y su joven madre se sienten más como compañeras de cautiverio que como parientes, compañeras que hacen piña contra un abusón que claramente se ha olvidado de la edad de su hija y la sigue forzando a recitar poemas delante de sus invitados. ¿Todas estas interacciones parecen auténticas? Lo cierto es que no, ya que a pesar de todos los rostros interesantes del reparto, estos no terminan de encajar. Asimismo, el toque puntual a telenovela y el ballet acuático rozan lo ridículo, teniendo en cuenta lo complicado que es expresar los sentimientos con una máscara de buceo puesta. Ahora bien, aunque no se trata de la historia más original de autoafirmación, Kusijanović crea un ambiente que resulta atractivo. Atención con los destinos de vacaciones, porque siempre hay algo acechando bajo el agua y a veces es una adolescente con genio. IMPERDIBLE.
2021: Festival de Cannes: Cámara de Oro (mejor ópera prima)
TRAILER
LAST
SURVIVORS
Últimos Sobrevivientes.
- Título original
- Last Survivors
- Año: 2022
- Duración: 98 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Drew Mylrea
- Guion: Josh Janowicz
- Música: David Deutsch
- Fotografía: Julián Estrada
- Reparto: Benjamin Arthur, Mark Famiglietti, Simon Lees, Stephen Moyer, Alicia Silverstone, Drew Van Acker, Akaash Yadav
- Productora: Yadav Productions, El Ride Productions, Fry Cook Productions, SSS Entertainment, Volition Media Partners. Distribuidora: Vertical Entertainment
- Género: Thriller. Ciencia ficción
SINOPSIS: Un padre y un hijo que llevan 20 años viviendo fuera de la sociedad encuentran a una extraña que amenaza con destruir la utopía que han construido. MUY BUENA. El pequeño elenco de Last Survivors está encabezado por Drew Van Acker, Stephen Moyer y Alicia Silverstone. En general, esta es principalmente la historia del personaje de Drew Van Acker, pero también obtendrá historias de fondo para los personajes de Stephen Moyer y Alicia Silverstone. De hecho, esta es una gran fortaleza de la película. Especialmente porque sus historias son únicas y relevantes para la trama central de sobrevivir por tu cuenta. Stephen Moyer (True Blood) y Drew Van Acker (Pretty Little Liars) interpretan a padre e hijo, mientras que Alicia Silverstone (The Lodge, Clueless) es una extraña. Y eso es todo lo que diré sobre sus respectivos roles para evitar spoilers. Sin embargo, señalaré que quedé muy impresionado con las tres actuaciones. Last Survivors no funcionaría como una historia creíble si no lo hicieran. Felicitaciones al elenco por hacer que esta trama funcione tan bien como realmente lo hace. No cuenten el final. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
HORIZONTE
Le milieu de l'horizon.
Beyond the Horizon.
- Título original
- Le milieu de l'horizon.
- Año: 2020
- Duración: 88 min.
Suiza- Dirección: Delphine Lehericey
- Guion: Joanne Giger, Roland Buti
- Música: Nicolas Rabaeus
- Fotografía: Christophe Beaucarne
- Reparto: Luc Bruchez, Clémence Poésy, Laetitia Casta, Fred Hotier, Patrick Descamps, Thibaut Evrard, Michaël Bier, Guillaume Lemarre, Lisa Harder
- Productora: Coproducción Suiza-España-Bélgica; Box Productions, Entre Chien et Loup
- Género: Drama | Años 70. Maternidad. Adolescencia. Familia. Vida rural
SINOPSIS: Verano del 76. Una ola de calor está provocando que el campo suizo se
seque a toda velocidad. En un ambiente sofocante, Gus, que tiene trece
años y es hijo de un granjero, ve cómo su entorno familiar y su
inocencia se resquebrajan: está viviendo el fin de un mundo. MUY BUENA. A primera vista Le milieu de l’horizon podría parecer un film sobre
romper la imagen idílica del mundo rural, pero va más allá. El guion
escrito por Joanne Giger y Roland Buti da las principales claves de un
relato sobre los cambios y sobre la madurez en cada etapa. A través de
los ojos de un preadolescente se puede ver esa incertidumbre de lo
desconocido y la contrariedad de sentimientos. El texto se aleja de lo
políticamente correcto y se pueden ver las imperfecciones de cada uno de
los personajes. Se aleja de un estilo maniqueo y aporta una profundidad
que se valora en los frentes abiertos que hay en el relato. Es
sorprendente cómo va dejando pequeñas pinceladas que se van
desarrollando según avanza el film. Sorprende por esa forma de atreverse
a gestionar todo ese viaje emocional. Además, hay que destacar que dentro de un ambiente rural, se revela un
micromundo en esta familia. Los secretos y errores son los principales
protagonistas, pero también, los expone con una identidad y sin tirar de
clichés de género o sexualidad. Las relaciones que se crean entre sí
son igual de analizadas y no hay una justificación del amor prohibido.
Tampoco se ve un planteamiento de culpa, sino que dota a todos sus
personajes de circunstancias y de modos de vivir. Un ejemplo de cómo lo
inesperado puede ser el comienzo de la decadencia y al mismo tiempo, el
florecer de una nueva realidad. Es una historia que se cocina a fuego
lento y por ello, se permite que cueza el efecto sensitivo sin prisas y
con la fabulosa decisión de dar ese ingrediente de contemplación activa. Es un placer ver en Le milieu de l’horizon a una figura tan reconocida
del cine francés como Laetitia Casta. La actriz francesa brilla de una
forma fulgurante. Tiene una elegancia escénica, combinada con una
frescura que enamora a los espectadores. Además, esa energía tan
enigmática provoca que el público sea incapaz de apartar la mirada del
film. Forma una energía extraordinaria con Clémence Poésy. Por su parte,
Poésy sabe mantenerse fuera del foco, aunque con su fuerza inunda la
pantalla en cada una de sus escenas. Moderada, con un simbolismo y
sensualidad en un perfecto estado. Sabe expresar sin palabras, además de
tener una candidez innata. Como se suele decir, bueno y breve, dos
veces bueno. Ambas se comen la pantalla y son las protagonistas sin
tener necesidad de aparecer tanto en ella. Por otro lado, Luc Bruchez es el alma principal del film. Con su
juventud demuestra tener un talento interpretativo excelso, tiene una
madurez sensiblemente expresiva, que se aprecia en la metamorfosis de su
personaje. Bruchez sabe mantener el foco del dramatismo en pantalla
sobre sus hombros y además, le aporta naturalidad y una potencia
orgánica. No cae en la imagen del niño pequeño, sino que muestra esos
flecos de la dificultad de crecer y entender. Por último, Fred Hotier,
Lisa Harder y Thibaut Evrard quedan en un segundo plano, pero su labor
actoral es igual de importante, ellos otorgan mayor profundidad a lo que
ocurre y dejan algo de los momentos más impactantes. Tienen mucha
vigorososidad física en sus escenas. Como detalle, la pequeña Sasha
Gravat Harsch es una colaboración delicada e inocente, que contrasta
bien con el complejo mundo de la familia protagonista. El valor artístico de Le milieu de l’horizon es bastante alto, ha habido
una planificación que se ha fijado mayormente en el impacto visual que
puede generar en el espectador. Para empezar, los colores que utilizan
son una paleta que evoca a un mundo idílico, pero saben combinarlos.
Según transcurre el film, llevan los amarillos hacia una tonalidad más
seca de la que emana esa sensación de ruptura. Luego, la dirección
fotográfica es excelente, la manera de colocar la cámara le permite
alcanzar una composición estéticamente bella, pero también con
significado en sí misma. Lo mismo ocurre con la iluminación, que se
aleja de ese prisma tan luminoso para dar un detalle realista y más
crudo. Por lo cual, ha aprovechado al máximo todos los recursos
plásticos y ha logrado un acabado impoluto. La riqueza de los espacios elegidos para rodar son totalmente acertados.
Aprovecha al máximo los exteriores y sabe exprimirlos al máximo. Se
puede ver el gran trabajo artístico que hay detrás para obtener una
buena puesta en escena. La fuerza de la propia naturaleza es lo que
ensalza con más potencia la historia principal. No se puede negar que
esta cinta consigue atrapar al espectador gracias a su gran realización
técnica. Hay que subrayar también el detalle del vestuario, han sabido
captar no sólo las consecuencias espacio-temporales, sino también la
identidad construida sobre sus personajes. Por último, la banda sonora y
la propia sonorización de cada escena termina por dar un resultado
elevado. Han sabido mezclar los componentes artísticos para hacer sentir
al espectador a través de lo visual y auditivo. Una experiencia que
merece la pena ver. Le milieu de l’horizon es una película que va desde una sencillez hasta
una profundidad visceral absoluta. Maneja bien los tiempos y realiza una
construcción llena de matices en sus personajes. Los eventos
principales se muestran con una madurez emocional destacable. Las
interpretaciones protagonistas son excelentes, destacando a Laetitia
Casta y Luc Bruchez. Técnicamente es preciosa, han sabido explotar los
exteriores y la puesta en escena utilizada. Tienen un cuidado con la
fotografía exquisita y un uso de la música muy interesante. Un cuento
que comienza como una historia idílica rural y termina siendo una
aventura directa a los cambios y a la contrariedad que, a veces, supone
el sentir. MUY RECOMENDABLE.
2020: Premios del Cine Suizo: Mejor película y mejor guion. 4 nominaciones.
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LAS COSAS
QUE DECIMOS,
LAS COSAS
QUE HACEMOS
Les choses qu'on dit, les choses qu'on fait.
(EN CINES)
- Título original
- Les choses qu'on dit, les choses qu'on fait
- Año: 2021
- Duración: 122 min.
Francia- Dirección: Emmanuel Mouret
- Guion: Emmanuel Mouret
- Fotografía: Laurent Desmet
- Reparto: Camélia Jordana, Niels Schneider, Vincent Macaigne, Émilie Dequenne, Guillaume Gouix, Julia Piaton, Jean-Baptiste Anoumon, Fanny Gatibelza, Milla Savarese, Jenna Thiam, Claude Pommereau, Louis-Do de Lencquesaing, Lise Lomi
- Productora: Moby Dick Films, Canal+, Ciné+
- Género: Romance. Drama | Drama romántico
SINOPSIS: Daphné, embarazada de tres meses y de vacaciones en el campo, acoge como
huésped a Maxime, primo de su pareja, François, que ha tenido que
volver a París para cubrir a un compañero hospitalizado. Durante cuatro
días, esperando el regreso de François, Daphné y Maxime se van
conociendo y desarrollando cierta amistad, contándose sus respectivas
experiencias sentimentales. EXCELENTE. Tomando como punto de partida un
desarrollo teórico del filósofo Rene Girard, Emmanuel Mouret estructura
una película coral tan sobria como interesante. “¿El hombre es capaz de desear por sí solo?”. Esta pregunta estructura Mentira romántica y verdad novelesca
y el desarrollo teórico de su autor, el filósofo Rene Girard, sobre el
deseo mimético donde formula que nadie desea de manera libre y nuestro
deseo es imitación del deseo de otro. Girard exponía su teoría en el
análisis de obras fundamentales de la literatura como Don Quijote o
Madame Bovary para concluir que, inevitablemente, ese impulso de
mediación desemboca en la triangulación del deseo. La aplicación de la
teoría de Girard en la comedia romántica es la base conceptual de este
film de Emmanuel Mouret que puede sintetizarse como la enunciación de
“vivir el amor a destiempo a causa de este deseo inducido”. En la historia, Daphne recibe a Maxime
(el primo de su novio, que tuvo que viajar a París por motivos
laborales), en la campiña francesa durante el verano. Maxime es un
aspirante a escritor que cuenta a Daphne historias personales de su
turbulento -y no del todo feliz- pasado amoroso. A su turno, Daphne
también confesará cómo construyó el vínculo con el primo de Maxime. Este
recurso genera un atractivo relato coral en la historia, que permite
que varias capas narrativas vayan yuxtaponiéndose, porque en la
formulación triangular que propone Mouret de la mano de Girard -a quien
evoca en algunos pasajes del film- muchos de estos novios antes de serlo
fueron amantes y, por lo tanto, tuvieron otras relaciones formales que
asimismo los llevaron a otros vínculos que, de manera sublimada o
concreta, responden a este deseo negado o abrazado con desbordante
pasión. Bajo estas premisas Mouret
realiza una sobria película inserta en el más puro academicismo francés
(incluso con su banda sonora presa de los magnificentes acordes de
Schubert, Chopin, Debussy o Satie), estructurando argumentalmente su
mirada a la naturaleza del amor de manera casi cercana a la perfección.
Por momentos evocará los cuentos morales de Eric Rohmer o se podrán
descubrir otras sutiles referencias cinematográficas en esta obra coral,
un poco acartonada en un comienzo, pero que en su estructura pasa de
una primera parte de vínculos amorosos infieles y “menage a trois” (que
tan bien le sientan al cine francés), a un drama ajustado con eje en las
turbulencias del amor, aunque su mirada agridulce no olvide que es una
comedia romántica vitalmente intelectual. El deslumbrante elenco desafía
esa mezcla de horizontes y amores contrariados respetando las
intenciones filosóficas del director, para quien el amor es tanto una
pasión inmanejable como un candoroso objeto de estudio. IMPERDIBLE.
-
2021: Premios César: Mejor actriz secundaria (Dequenne). 13 nominaciones2021: Festival de Gijón: Selección oficial a competición (Sección "Albar")
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UNDERDOG
American Underdog.
- Título original
- American Underdog
- Año: 2021
- Duración: 112 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Andrew Erwin, Jon Erwin
- Guion: David Aaron Cohen, Jon Erwin, Jon Gunn
- Música: John Debney
- Fotografía: Kristopher Kimlin
- Reparto: Zachary Levi, Anna Paquin, Dennis Quaid, Adam Baldwin, Bruce McGill, Ser'Darius William Blain, Chance Kelly, Brett Varvel, O.J. Keith Simpson, Lena Harmon, Morgana Shaw, Danny Vinson, Kevin Downes.
- Productora: Lionsgate. Distribuidora: Lionsgate
- Género: Drama | Biográfico. Deporte. Fútbol americano. Religión.
SINOPSIS: Narra la historia del legendario quarterback Kurt Warner, MVP de la NFL, que pasó de ser reponedor en un supermercado a convertirse en una estrella del fútbol americano y miembro del Salón de la Fama del deporte más popular de los Estados Unidos. MUY BUENA. “American Underdog” nos llega a través de Jon y Andrew Erwin, los cineastas hermanos que se anuncian a sí mismos como los hermanos Erwin y se especializan en películas basadas en la fe bien elaboradas como “Woodlawn”, “I Still Believe” y la película de 2018. golpe durmiente "I Can Only Imagine". Aquí, de manera inusual pero efectiva, subestiman sus temas religiosos; de hecho, las audiencias que no están familiarizadas con la producción anterior de los Erwin podrían simplemente asumir que Warner no está más ansioso por implorar y agradecer a Dios que muchos, si no la mayoría, de los jugadores de la NFL. Por otro lado, tanto Kurt como (especialmente) Brenda son retratados con total naturalidad como personas religiosas. Y es un poco divertido ver que ninguna otra película del siglo XXI que trata sobre deportes profesionales ha mostrado a tantos atletas usando un lenguaje tan limpio y chillón. Los Kurt y Brenda Warner de la vida real sirvieron como coproductores de "American Underdog", que fue adaptado a un escenario cursi pero creíble por los guionistas David Aaron Cohen, Jon Erwin y Jon Gunn de "All Things Possible", las memorias de Kurt Warner. coescribió con Michael Silver. Entonces, probablemente sea seguro asumir que, a medida que avanzan las biografías autorizadas, esta tiene una buena cantidad de hagiografía mezclada con su historia. Pero la mezcla se traga muy fácilmente y te deja con una sensación placentera. MUY RECOMENDABLE.
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El acusado perfecto.
- Título original
- Quick
- Año: 2021
- Duración: 132 min.
Suecia- Dirección: Mikael Håfström
- Guion: Erlend Loe
- Música: Karl Frid, Pär Frid
- Fotografía: Ragna Jorming
- Reparto: Jonas Karlsson, David Dencik, Alba August, Magnus Roosmann, Suzanne Reuter, Linda Ulvaeus, Christopher Wagelin, Björn Bengtsson, Johan Hedenberg, Peter Andersson, Anders Mossling
- Productora: Brain Academy, Film I Väst, Nordisk Film, Nordsvensk Filmunderhallning, TV4, Umedia. Distribuidora: TrustNordisk ApS
- Género: Thriller | Asesinos en serie. Crimen
SINOPSIS: Cuenta la historia del considerado como mayor escándalo mediático en la
historia de Suecia, en la que el reportero Hannes Råstam cuestionó el
sistema legal de un país, sacrificando su propia vida en su búsqueda de
la verdad. Råstam se dedicó a investigar la historia tras Thomas Quick,
un asesino en serie acusado de ocho asesinatos y relacionado con más de
una veintena. MUY BUENA. Si uno empieza a ver la película sin saber de qué va, le costará creer
lo que esta pasando, y es que nuestros países nórdicos, ellos tan
ejemplares para todo, no solo crearon, sino que hicieron comer con
patatas a la prensa y a su sociedad tan educada, un serial killer mas
fake que el pato Lucas, con la gravedad de que muchos de los asesinatos
prescribieron detrás de este falso asesino. ¿Quién lo diría no?. la
película no dice si tuvo consecuencias para los que montaron o
accedieron al montaje. tendré que investigarlo. Así que la peli va destapando , yo creo que bastante bien, la trama.
Cierto es que verla en Sueco con subtítulos en Ingles no hace fácil
concentrarse en muchos mas detalles, pero a mi me parece que el guion,
la trama y las interpretaciones de los protagonistas son bastante
creíbles a mi parecer , los últimos momentos de enfermedad del
protagonista incluso me resultan no solo creíbles sino emocionante
habiendo vivido algo similar cerca. Valiente producción sueca de Mikael Håfström que desnuda un terrible
caso de corrupción y mentiras sucedido en ese país que se precia de ser
uno de los más preparados para luchar contra la corrupción. Dotada de una excelente fotografía y unos excelentes actores, nos regala
dos horas vibrantes que se van volando por la intensidad del relato. Una maravilla, no se la pierdan, vale la pena!. IMPERDIBLE.
2021: Premios Guldbagge (Suecia): Mejor actor sec. (Dencik) y maquillaje. 7 nom.
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KUTHOER
La Columnista.
- Título original
- De Kuthoer
- Año: 2020
- Duración: 86 min.
Países Bajos (Holanda)- Dirección: Ivo van Aart
- Guion: Daan Windhorst
- Música: Jeffrey van Rossum
- Fotografía: Martijn Cousijn
- Reparto: Katja Herbers, Genio de Groot, Rein Hofman, Bram van der Kelen, Claire Porro, Harry van Rijthoven, Seno Sever, Antoin Peeters, Matthijs van Nieuwkerk, Merel Westrik
- Productora: NL Film & TV
- Género: Comedia. Thriller | Comedia negra. Venganza. Internet / Informática. Redes sociales
SINOPSIS: La columnista y escritora Femke sufre todos los días una interminable
cantidad de amenazas de muerte anónimas a través de las redes sociales.
Un día, cansada del acoso a que es sometida, decide vengarse. MUY BUENA. Las redes sociales han sido una de cal y otra de arena, nos han
permitido estar en contacto con cualquier persona del planeta a un golpe
de click y a mantenernos relativamente informados de todo lo que pasa
en él. Pero también nos hemos encontrado con una comunidad tóxica que
amparándose en la libertad de expresión destruyen (o la palabra de moda,
cancelan) a cualquiera que difiera de su opinión personal o no se
ajuste al punto de vista que cada uno tiene de lo que debería ser la
sociedad. No es un tema superficial en absoluto, han habido auténticos
acosos y derrumbes emocionales que han llevado al exilio virtual en
algunos casos y al suicidio en otros. Al final parecería que abrirnos al
mundo ha servido únicamente para darnos cuenta que como sociedad somos
basura. The Columnist trata el tema de cómo una mujer aparentemente
“normal” decide tomar al toro por los cuernos y hacer algo contra esta
gente. Femke Boot es una mujer de mediana edad que trabaja como tertuliana en
televisión y tiene una columna en un periódico de tirada nacional. En
ella escribe su opinión sobre temas de actualidad, algo que le ha
reportada cierta fama, pero ser un personaje mediático también le ha
llevado a labrarse una fama de persona polémica, algo que le queda bien
claro cuando empieza a recibir burlas, insultos e incluso amenazas de
muerte en las redes sociales. Al principio se siente aterrada pero
piensa que si las autoridades no hacen nada... pues lo hará ella. No todo es tan cristalino como he puesto en el primer párrafo y es que
la película también se encarga de colocar los pertinentes tonos
grisáceos. No está bien poder vomitar todo lo que se quiera en un
teclado sin tener en cuenta cómo puede encajar esto la persona afectada,
pero tampoco está bien tener la piel tan fina de no permitir cualquier
opinión contraria a la tuya, hay que saber diferenciar las críticas con
cierto poso a los llamados trolls quienes seguramente son gente aburrida
y/o adolescentes estúpidos. Pero hablemos de la película de una maldita
vez. The Columnist es una comedia negrísima con la bajada a los infiernos de
una mujer que no está preparada para el mundo que le ha tocado vivir,
una nueva vuelta de tuerca que ya nos mostró Lars Von Trier con La Casa
de Jack (2018) o sobretodo Alice Lowe y su Prevenge (2016). La película
juega con sus propias reglas en un mundo en el que se puede asesinar a
quien quieras, dejar multitud de pruebas detrás y que nadie te descubra.
Pero la historia no es un thriller detectivesco, son las peripecias de
una mujer con una doble vida, la de una madre divorciada que busca
empezar una relación con la de psicópata nocturna sin nada que la frene.
Aun así, el tema que quiere tocar queda cristalino para el espectador
y, como decía al principio, un tema en el que deberíamos reflexionar si
verdaderamente es el camino que queremos emprender. Protagoniza Katja Herbers en un personaje que parece hecho a su medida y
además interpretado de manera excelente por la actriz. Pues tiene esa
extraña dualidad de mujer inofensiva y máquina de matar. Dirige Ivo van
Aart quien debuta en un largometraje pero con experiencia en televisión y
cortometrajes, de él resaltaría sobretodo el uso de los colores, el
blanco predomina en casi todas las escenas, el cual llega a su clímax en
su última escena. Un director a tener a cuenta si sigue con historias
con cierto fundamento. Destacar, claro está, el guion de Daan Windhorst. Es una película más que recomendable y hasta cierto punto, necesaria. De
hecho me vienen a la cabeza varios nombres a los que ponerle esta
película. Tal vez no sea demasiado tarde. MUY RECOMENDABLE.
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Clean.
- Título original
- Clean
- Año: 2021
- Duración: 94 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Paul Solet
- Guion: Paul Solet, Adrien Brody
- Música: Nick Fevola, Steve Juliani, Steve Kempster, Austin Wintory
- Fotografía: Zoran Popovic
- Reparto: Adrien Brody, Glenn Fleshler, Richie Merritt, Chandler DuPont, Michelle Wilson, John Bianco, Dinora Walcott, Pat Buck, Aaron Callahan, Michael Callahan, Sonia Conlin, Gerard Cordero, Alex Corrado.
- Productora: Adrien Brody, Daniel Sollinger
- Género: Drama. Thriller | Crimen
SINOPSIS: Atormentado por su pasado, un basurero llamado Clean busca tener una vida tranquila de redención. Pero pronto se ve forzado a reconciliarse con la violencia de su pasado. BUENA. La imagen de Solet encaja bien en su ubicación: la ciudad de Utica. Justo en el medio del estado de Nueva York, Utica es un lugar específico que se siente desgastado e increíblemente actual. Mientras Clean conduce de calle en calle en su camión de basura, la cámara de Zoran Popovic captura una ciudad que lucha contra sus propios demonios. Como le dice un vecino a Limpio: “esta calle antes era de todas las familias”. Las drogas y las adicciones que traen han afectado tanto la vida, algo de lo que Clean es personalmente consciente. Sin subrayar los problemas ni sermonear al coro, la película existe con tacto en nuestro mundo actual. Este elemento añadido recuerda a las películas americanas de los años 70. Érase una vez, los vehículos estrella podían ser imágenes de género con comentarios sociales al margen. De esta manera, Clean es increíblemente refrescante. Brody está genial aquí, su cara alargada y sus ojos animados hacen mucho trabajo. Es una actuación tranquila, un escenario donde el actor siempre se ha destacado. Sin hacer mucho, conocemos a Clean: quién es y quién intenta ser. Los flashbacks son, en este sentido, innecesarios. Una actuación como esta rara vez se celebra. Quizás comprensiblemente, se le da mucha atención a la actuación que es un poco más directa y obtusa. Una suplantación. Algo con un fuerte monólogo al final. Ahora, estos son a menudo giros maravillosos en películas maravillosas. Uno espera un mundo en el que las opciones pequeñas y sutiles reciban tanto reconocimiento como las grandes y grandilocuentes. Y aunque Fleshler es memorable como el último villano, le falta suficiente desarrollo de personajes. Se nos dan vislumbres de una vida familiar complicada (eso es decirlo suavemente), pero no lo suficiente como para cuadrar algunas decisiones importantes del tercer acto. Aún así, Solet es económico en su dirección y el ritmo enérgico perdona uno o dos atajos narrativos. Clean es un retroceso ambientado en una América dolorosamente presente. RECOMENDABLE.
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CINE ANIMADO
LA FAMILIA
MONSTER 2
Happy Family 2.
(EN CINES)
- Título original
- Happy Family 2
- Año: 2021
- Duración: 103 min.
Alemania- Dirección: Holger Tappe
- Guion: Abraham Katz, David Safier
- Fotografía: Animación
- Reparto: Animación
- Productora: Coproducción Alemania-Reino Unido; Timeless Films, Ambient Entertainment GmbH, Rothkirch Cartoon Film
- Género: Animación. Comedia | Monstruos. Familia. Secuela
VERSIÓN HABLADA Y SUBTITULADA EN CASTELLANO, INGLÉS Y ALEMÁN.
SINOPSIS: Para rescatar a Baba Yaga y Renfield de las garras de la cazadora de monstruos Mila Starr, la familia Wishbone se transforma una vez más en, un vampiro, Frankenstein, la momia y el hombre lobo. Con la ayuda de sus tres murciélagos mascota, nuestra Familia Monstruo vuelve a recorrer el mundo para salvar a sus amigos, hacer nuevos mountruo-conocidos y finalmente darse cuenta que “Nadie es perfecto”… incluso aquellos con defectos pueden encontrar la felicidad. MUY BUENA. Secuela de una exitosa animación de 2017, esta nueva aproximación a la familia Wishbone se inicia con un extraño personaje que captura al conde Drácula para, después revelada como la niña Mia Star, ocurra lo mismo con Baba Yaga y con Renfield, secuestrados cuando están realizando su boda. Max, el muchacho Lobo de esta historia, busca impedir por todos los medios que se lleven a la abuela y trata de convertirse en el aguerrido lobezno para dar batalla. No lo consigue, aunque luego logre transformar a toda la familia otra vez. Así Vampiria, Frankenstein, la Momia y el Hombre Lobo van al rescate y deberán enfrentarse a la familia de Mía, Marlene y Maddox Star, quienes son los que obligan a la pequeña a capturar criaturas para plasmar un oscuro plan, teniendo como próximo objetivo al monstruo del lago Ness. Sin la originalidad de la primera, esta familia logra entretener con su inocente pasatiempo para toda la familia que combina aventuras para los más pequeños y referencias a las películas de Misión: imposible y el Universo Cinematográfico de Marvel, para los más grandes. Lo hace al precio de un guion con buenos momentos y muchos lugares comunes y una animación que no otorga nada nuevo ni de especial calidad en la materia. Por desgracia, las voces originales tampoco se escuchan en este estreno, que llega con copias exclusivamente dobladas al castellano. Con todo, el cine alemán para niños logra posicionar en tiempos posmodernos nuevamente un producto propio como lo hiciera con La historia sin fin. Los resultados son otros, pero también los tiempos son distintos. Y los niños ya no son tan niños. MUY RECOMENDABLE.
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CATWOMAN
HUNTED
Catwoman Hunted.
- Título original
- Catwoman: Hunted
- Año: 2022
- Duración: 78 min.
Japón- Dirección: Shinsuke Terasawa
- Guion: Greg Weisman
- Fotografía: Animación
- Reparto: Animación
- Productora: Coproducción Japón-Estados Unidos; DC Comics, Warner Bros. Animation, Warner Bros. Home Entertainment
- Género: Animación. Acción | Superhéroes. Cómic. DC Comics
VERSIÓN HABLADA Y SUBTITULADA EN CASTELLANO E INGLÉS.
SINOPSIS: Tras robar una valiosa joya, Catwoman se convierte en el objetivo principal de la Interpol, Batwoman y un gran número de poderosos villanos de Gotham. MUY BUENA. La película escrita por Greg Weisman cuenta con una trama muy simple que lo que busca es lucir a su personaje protagonico y lo hace estupendamente bien, el guión juega mucho con las reglas del anime y transgrede con ellas tal como lo ha hecho el personaje, no hay giros de tuerca inesperados ni flashbacks, su narrativa es lineal en tiempo real, este trabajo es muy diferente a lo que han presentado los estudios que evidentemente va más dirigido a un público mayor que no se preocupa por presentar sub tramas complicadas o que tenga como base algo que ya se haya visto o publicado, de igual manera juega con las referencias y se burla de ellas como en las primeras escenas en una fiesta de disfraces en donde podemos ver a más de un invitado caracterizado como algún personaje de este universo incluyendo a su protagonista que porta un traje clásico y del que también hacen un muy elegante chiste y que cambia hasta tener el diseño creado por Jim Lee para Batman Hush que ya todos conocemos. MUY RECOMENDABLE.
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CINE NACIONAL
Lado A:
LA NOCHE DEL HOMBRE GRANDE
Nocturna. Lado A: La noche del hombre grande.
- Título original
- Nocturna. Lado A: La noche del hombre grande
- Año: 2021
- Duración: 107 min.
Argentina- Dirección: Gonzalo Calzada
- Guion: Gonzalo Calzada
- Fotografía: Claudio Beiza
- Reparto: Pepe Soriano, Marilu Marini, Lautaro Delgado, Desirée Gloria Salgueiro, Marina Artigas, Mora Della Veccia, Jenaro Nouet, Nicolás Scarpino
- Productora: Coruya Cine, La Puerta Cinematográfica. Distribuidora: Breaking Glass Pictures
- Género: Thriller. Drama
SINOPSIS: Ulises es un hombre de cien años que lucha por la redención en su última noche en la tierra. Ante una muerte inminente, se ve obligado a repensar su pasado, su presente y su visión de la realidad. MUY BUENA. Película argentina que mezcla drama con thriller de terror, que está dirigida por el responsable de títulos como Luciferina (2018), o Resurrección (2015), y que está protagonizada por Pepe Soriano (serie Farmacia de Guardia), y Marilu Marini (El Eslabón Podrido, 2015). Ulises es un hombre de cien años que lucha por la redención en su última noche en la tierra. Ante una muerte inminente, se ve obligado a repensar su pasado, su presente y su visión de la realidad. Esta pequeña propuesta combina géneros tan dispares, pero que hacen tan buena liga como son terror y drama. Los elementos de terror resultan demasiado medidos y efectivos solo en contadas ocasiones, ya que son un acompañamiento para narrarnos una historia intimista de fantasmas sobre la vida y el fin de la misma, que nos deja momentos en los que resulta prácticamente imposible no derramar ninguna lágrima. Los personajes están dibujados de forma excelente, provocando que sea imposible que no se empatice con ellos, a esto ayudan unas interpretaciones muy conseguidas, en las que destaca un inmenso Pepe Soriano, que lleva sobre sí todo el peso del film. Nocturna. Lado A, no es una propuesta de terror al uso, pero no por esto deja de ser una película más que recomendable capaz de emocionarnos con una historia que deja un sabor agridulce en el cuerpo del espectador. IMPERDIBLE.
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Lado B:
DONDE LOS ELEFANTES VAN A MORIR.
(EN CINES)
- Título original
- Nocturna. Lado B: Donde los elefantes van a morir
- Año: 2022
- Duración: 67 min.
- Argentina
- Dirección: Gonzalo Calzada
- Guion: Gonzalo Calzada
- Reparto: Pepe Soriano, Marilu Marini, Lautaro Delgado, Desirée Gloria Salgueiro
- Productora: Coruya Cine, La Puerta Cinematográfica. Distribuidora: Breaking Glass Pictures
- Género: Thriller. Drama
SINOPSIS: Una mujer narra la última noche en la tierra de un hombre de 100 años que lucha por la redención de las fechorías de su vida. MUY BUENA. Nocturna, donde van a morir los elefantes, es la segunda parte de un díptico creado por Gonzalo Calzada. La película ganó recientemente el premio a la Mejor Película Iberoamericana, junto a Nocturna Lado A, en el XX CMX, el evento más importante del cine independiente de México. Calzada filmó Nocturna de forma narrativa, y el Lado B desde lo sensorial y haciendo evidente su formato fílmico, súper 8 y 16 mm. El Llado B se vuelve tanto en la película como en la novela una especie de reverso de la historia de Lado A, su lado inconsciente, el eco que queda cuando los hechos se fueron de los espacios. En ese sentido el Lado B no solo se mete en la cabeza de Ulises sino también de todos los espectros que lo acompañan esa noche en la que trascurre la historia. La editorial De la Fosa se encargó de darle a la novela un hermoso diseño e impresión a color con imágenes de la película. En palabras del director: “Nocturna fue una experimentación de formatos y de temas. Todas las historias de terror, hasta las más sobrenaturales, parten de un drama muy humano y real. La historia está inspirada en mis abuelos, en el tipo de relación que tenían entre ellos. Traté de contar cómo la pérdida de la memoria de una persona puede operar como una liberación de trabas emocionales y mostrarla por primera vez libre y plena, como cuando era un niño.”Así como el Lado A se vale de una narración clásica, con sus giros inesperados, el Lado B: nos muestra la misma historia, pero desde un enfoque más sensorial. Volvemos a Ulises, su microcosmos y su pasado, y podemos descubrir más sobre otros personajes decisivos, empezando por Dalia. Además, la diferencia con La noche del hombre grande es estética: el director se entrega a un lenguaje más experimental, con otros formatos y estructuras más audaces y recursos como el monólogo interno. Enriquece y presenta ángulos novedosos, pero sin sobreexplicaciones. En ambos lados, la visión de Calzada llega a su pico gracias a la soberbia interpretación de Pepe Soriano. Se pone la(s) película(s) al hombro al componer a un ser quebradizo y torturado, que experimenta una serie de descubrimientos. No menos brillante es el desempeño de Marilú Marini, en un personaje que impone su carácter pese a su delicado estado físico y esconde varias complejidades. Acompañan muy bien Lautaro Delgado Tymruk como Daniel, el encargado del edificio, y Desirée Salgueiro, que encarna a la vecina. Nocturna es una obra conceptual en la que Gonzalo Calzada se supera a sí mismo. Un tratado sobre la fragilidad humana y la soledad, pero también sobre la esperanza y la vida. MUY RECOMENDABLE.
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CINE CLÁSICO
CICLO: PESADILLAS Y SUEÑOS DE CULTO.
DE LAS
ALMAS PERDIDAS
Nightmare Alley.
- Título original
- Nightmare Alley
- Año: 1947
- Duración: 112 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Edmund Goulding
- Guion: Jules Furthman. Novela: William Lindsay Gresham
- Música: Cyril J. Mockridge
- Fotografía: Lee Garmes (B&W)
- Reparto: Tyrone Power, Joan Blondell, Coleen Gray, Helen Walker, Taylor Holmes, Mike Mazurki, Ian Keith, George Beranger, Michael Lally, Al Herman, Florence Auer
- Productora: 20th Century Fox
- Género: Cine negro. Intriga. Drama | Drama psicológico. Película de culto. Circo. Alcoholismo
VERSIÓN REMASTERIZADA.
SINOPSIS: Stanton Carlisle (Tyrone Power) es un aventurero que llega a una feria deseoso de abrirse camino y progresar. Tras sentirse impactado con el "monstruo" que allí exhiben, conocerá a Zeena (Joan Blondell), la pitonisa, y también a Molly (Colleen Gray), una joven que enseguida se siente atraída por él. EXCELENTE. Film dirigido por Edmond Goulding. Se basa en la novela "Nightmare Alley", de William Lindsay Gresham. Rodada en los estudios de la Fox, la feria ocupó 40.000 m2. La produjo George Jessell ("La mujer pirata", 1951) y se estrenó el 28-X-1947. La acción tiene lugar en una feria ambulante y Chicago, en 1946/47, a lo largo de más de un año. Narra la historia de Stanton Carlisle (Tyrone Power), joven ambicioso, embaucador y cínico, que comienza como aprendiz de charlatán de feria y asciende a protagonista de un espectáculo de adivinación en una lujosa sala de fiestas. Los trucos del número se los revela Zeena Krumbain (Jean Blondell), tras la muerte de su compañero, a quien Stanton sustituye como "partenaire". Casado con Molly (Coleen Gray), inocente, sincera y fiel, la abandona para convenir con Lilith Ritter (Helen Walker), psicóloga no titulada, un plan siniestro para explotar la buena fe de personas adineradas y crédulas. Las quejas de algunas de éstas y la inmoralidad de Lilith ponen a Stan en peligro. Zeema simboliza la honestidad, Molly la inocencia, Lilith la deshonestidad y Stan la ambición sin límites. La obra está presidida por la presencia intangible del mal, el determinismo de la degradación moral, la fuerza del destino que rige, misteriosamente e inexorablemente, la vida de las personas, imponiendo el mal y marginando la bondad de Molly y la sinceridad de Zeema. Las cartas desvelan, infaliblemente, el futuro y anticipan la tragedia. La vida colectiva y la vida individual son movidas desde un ámbito superior desconocido y poderoso, que inunda la vida de incertidumbre y ansiedad. Los seres humanos no son los rectores de su destino, sino sus marionetas de trapo y sus víctimas. La conspiración maléfica de Stan y Lilith transforma el acuerdo en duelo y la confianza mutua en triunfo del mal superior sobre el mal limitado por la capacidad de engaño y la credibilidad de las víctimas. Son escenas destacadas la sesión en que Stan ve por primera vez a Lilith, la lectura del destino de Stan por Zeena y la soberbia escena final. Pocas veces el cine de Hollywood de los 40 y 50 creó una obra en la que la pulsación del mal fuera tan intensa y profunda. Film singular y atípico como pocos, digno merecedor de su condición de obra de culto. La música hace uso de solos de piano inquetantes, melodías de feria reiterativas y fragmentos orquestales de agudos estridentes y bajos angustiosos. La fotografía se basa en luces expresionistas, claroscuros fuertemente contrastados y composiciones de gran belleza plástica. El guión crea una atmósfera de misterio, dominada por un destino siniestro e implacable. La interpretación de Tyron Power es memorable y una de las mejores de su carrera. La dirección hace uso reiterado de la elipsis, que incrementa la ambigüedad de las situaciones. Película clásica de cine negro, con magníficos toques de cine fantástico. IMPERDIBLE.
TRAILER
MINISERIES Y SERIES
REACHER
SEASON 1
TEMPORADA COMPLETA
8 EPISODIOS
3 DISCOS.
- Título original
- Reacher (TV Series)
- Año: 2022
- Duración: 400 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Lin Oeding
- Guion: Aadrita Mukerji, Lee Child, Nick Santora. Novela: Lee Child
- Música: Tony Morales
- Fotografía: Ronald Plante
- Reparto: Alan Ritchson, Malcolm Goodwin, Willa Fitzgerald, Kristin Kreuk, Bruce McGill, Chris Webster, Harvey Guillen, Max Jenkins, Currie Graham, Marc Bendavid, Willie Carpenter, Jonathan Koensgen, Leslie Fray.
- Productora: Amazon Studios, Paramount Television, Skydance Television. Distribuidora: Amazon Studios
- Género: Serie de TV. Acción
SINOPSIS: Cuando lo arrestan por un asesinato que no cometió, el oficial retirado de la policía militar Jack Reacher se ve envuelto en una conspiración letal de policías corruptos, empresarios turbios y políticos intrigantes. Solo con su ingenio, debe descubrir qué está sucediendo en Margrave, Georgia. La primera temporada de "Reacher" se basa en la exitosa novela "Zona peligrosa" de Lee Child. MUY BUENA. La serie es muy buena, y engancha de lo lindo. Y a diferencia de Tom Cruise, Ritchson sí es Jack Reacher. Al protagonista de 'Top Gun' le sobra carisma, sí, pero tiene un físico muy limitado. Es imposible que con esa estatura pueda intimidar a matones y sicarios de todo tipo y procedencia sólo con su presencia. Algunos dirán que el protagonista de la serie no es muy expresivo precisamente. Pero es que Jack Reacher era justamente así. Un gorila con gran corazón que no encaja en este mundo. Los ocho capítulos tienen una excelente trama, compleja y rebuscada, y con buenos giros. Los personajes secundarios son estupendos, y el ritmo es endiablado. Y hasta los malos son odiosos y retorcidos, como debe ser. Lo único que le falta a la serie es más presupuesto, para que hubiese sido aún más espectacular. En algunos momentos luce incluso algo cutre, aunque no lo suficiente como para arruinar la experiencia. Pero imagino que el éxito de esta primera temporada hará que la siguiente sea aún mejor. Porque habrá más, seguro. Amazon tiene una mina de oro, y lo saben. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
DR.
THORNE
MINISERIE COMPLETA
3 EPISODIOS
2 DISCOS.
- Título original
- Doctor Thorne (TV Series)
- Año: 2019
- Duración: 190 min.
Reino Unido- Dirección: Niall MacCormick
- Guion: Julian Fellowes, Anthony Trollope
- Música: Ilan Eshkeri
- Fotografía: Jan Jonaeus
- Reparto: Tom Hollander, Stefanie Martini, Harry Richardson, Rebecca Front, Richard McCabe, Ian McShane, Alison Brie, Janine Duvitski, Edward Franklin, Danny Kirrane
- Productora: Hat Trick Productions
- Género: Miniserie de TV. Drama | Siglo XIX
SINOPSIS: El doctor Thomas Thorne (Tom Hollander) vive en Greshambury, un pueblo del condado (ficticio) de Barsetshire, con su bella sobrina Mary (Stefanie Martini), una joven que posee numerosas calidades, pero que no tiene mucho dinero. Mary Thorne creció en compañía de las hermanas Gresham, Augusta (Gwyneth Keyworth) y Beatrice (Nell Barlow), y de su hermano Frank (Harry Richardson), cuya familia posee la gran hacienda de Greshamsbury Park. Contrariamente a las apariencias, la fortuna de los Gresham no existe y la familia se mantiene gracias a los préstamos más que favorables que consiguió obtener el doctor Thorne de un hombre que se hizo millonario gracias al ferrocarril (Ian McShane). Lady Arabella Gresham (Rebecca Front) está aterrorizada cuando descubre que su hijo se prendó de Mary, convencida de que el deber de su hijo es casarse con una mujer rica para salvar las posesiones familiares. Ella quiere que se case con una americana rica, Martha Dunstable (Alison Brie). MUY BUENA. Aquellos que están de luto por la pérdida de “Downton Abbey” pueden encontrar otra razón para vivir, o al menos otro espectáculo para darse un atracón. Julian Fellowes, la mente maestra detrás de ese éxito británico, regresa con otra serie sobre modales, moralidad, la búsqueda del amor, la lujuria por el dinero y, sobre todo, propiedades tan palaciegas que quizás necesites un pasaporte para hacer tu viaje de un extremo al otro. otro. Basado en la novela de 1858 "Doctor Thorne" de Anthony Trollope, "Julian Fellowes Presents Doctor Thorne" (transmitido el viernes en Amazon Prime) comienza con una muerte accidental y salta unos 20 años hacia adelante, hasta 1836, mientras Mary Thorne (Stefanie Martini) lucha para encontrar su lugar en la sociedad. Lady Arabella necesita que Frank haga un matrimonio por amor con la heredera estadounidense Martha Dunstable (Alison Brie, "Community") a pesar de su avanzada edad: podría tener 30. O, ¡jadeo!, 35. Que se las arregla para salir a la luz del sol sin explotar en polvo parece algo así como un logro para estos tontos. Martha, por su parte, tiene un magnífico sentido del sarcasmo sobre su capacidad para atraer pretendientes como moscas. Sabe que su valor reside en su cartera y disfruta sorprendiendo a los demás con su franqueza. Soy estadounidense, doctor Thorne. No conocemos fronteras”. Los verdaderos orígenes de Mary y sus conexiones con este enredado equipo de escaladores sociales se encuentran en el corazón de esta historia, y el productor ejecutivo y escritor Fellowes trabaja duro para transmitir el entrañable humor de Trollope. En escenas que parecen extraídas de los periódicos de hoy, Sir Roger se presenta a las elecciones convenciendo a la multitud de que, en el fondo, es uno de los campesinos sucios y desgarrando el carácter de su oponente, el escalador social Sr. Moffatt (Danny Kirrane). McShane podría ser la mejor parte de esta producción, dando vida al papel de un hombre que alberga oscuros remordimientos. Hollander, tan siseantemente malvado en “Night Manager”, muestra una sincera compasión cuando su sobrina es rechazada por sus “superiores sociales”. La producción parece ser un intento genuino de Fellowes de hacer que Trollope sea más popular. El prolífico novelista no es tan conocido como Charles Dickens, lo cual es una pena, porque Trollope dibujó a sus personajes con un poco más de complejidad. (“Doctor Thorne” es en realidad la tercera de una serie de seis novelas conocidas como las Crónicas de Barsetshire). Oh, sí, los trajes de época y las locaciones son de primera categoría. Después de un paseo por Greshambury, incluso los Crawley se sentirían pobres en casa. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
NOMINADAS A LOSPREMIOS OSCARS 2022NO MIREN
- ARRIBA
- Don´t look up.
4 NOMINACIONES A LOS
PREMIOS OSCAR 2022
INCLUYENDO
"MEJOR PELÍCULA"
"MEJOR MONTAJE"
"MEJOR BANDA SONORA"
"MEJOR GUIÓN ORIGINAL"
- Título original
- Don't Look Up
- Año: 2021
- Duración: 145 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Adam McKay
- Guion: Adam McKay. Historia: Adam McKay, David Sirota
- Música: Nicholas Britell
- Fotografía: Linus Sandgren
- Reparto: Leonardo DiCaprio, Jennifer Lawrence, Meryl Streep, Jonah Hill, Rob Morgan, Mark Rylance, Tyler Perry, Timothée Chalamet, Ron Perlman, Ariana Grande, Kid Cudi, Cate Blanchett, Tomer Sisley.
- Productora: Hyperobject Industries, Bluegrass Films. Distribuidora: Netflix
- Género: Comedia. Drama. Ciencia ficción | Sátira. Catástrofes
- SINOPSIS: Kate Dibiasky (Jennifer Lawrence), estudiante de posgrado de Astronomía,
y su profesor, el doctor Randall Mindy (Leonardo DiCaprio) hacen un
descubrimiento asombroso: hay un cometa en órbita en el sistema solar.
¿El problema? Que lleva un rumbo de colisión directa con la Tierra. ¿El
otro problema? Que a nadie le importa. Al parecer, advertir a la
humanidad sobre un mata planetas del tamaño del Everest resulta
incómodo. Con la ayuda del doctor Oglethorpe (Rob Morgan), Kate y
Randall emprenden una gira mediática que los lleva desde el despacho de
la indiferente presidenta Orlean (Meryl Streep) y su servil hijo y jefe
de gabinete, Jason (Jonah Hill), a la emisión de 'The Daily Rip', un
animado programa matinal presentado por Brie (Cate Blanchett) y Jack
(Tyler Perry). Solo quedan seis meses para el impacto del cometa, pero
gestionar el flujo de noticias y ganarse la atención de un público
obsesionado con las redes sociales antes de que sea demasiado tarde
resulta sorprendentemente cómico. ¡¿Pero qué es lo que hay que hacer
para que el mundo mire hacia arriba?! EXCELENTE. Una
sátira tan divertida a la estupidez humana es lo que nos muestra
esta sensacional película de Adam McKay, tratar con sentido del humor un
tema tan serio y preocupante como la extinción de la vida en la tierra
me dejo bastante asombrado. Kate Diviansky es una estudiante de
Astronomía en Michigan, por
casualidad acaba de descubrir un cometa mientras estudia con el Dr.
Randall Mindy. Al principio su descubrimiento es motivo de celebración,
pero pronto se da cuenta de que el cometa está en curso de colisión
directa con la Tierra y que el impacto provocará la extinción de la vida
en la tierra, como ocurrió con los dinosaurios. En un intento de
advertir al mundo, se les une el Dr. Clayton Oglethorpe que lleva la
Oficina de Coordinación de Defensa Planetaria de la NASA, después de
comprobar que los datos son correctos piden audición con la presidenta
de Estados Unidos para advertir de lo que se nos viene encima... Desde
el 2015 que gano el Óscar por "El renacido" Leonardo Di Caprio
solo había aparecido como actor en la película de Tarantino "Érase una
vez en Hollywood", aquí concienciado mucho por el cambio climático
acepto rápidamente el papel, al film se unieron un reparto increíble
como son Jennifer Lawrence, Mery Streep, Cate Blanchett, Jonah Hill,
Mark Rylance, Timothee Chalamet o Ariana Grande. El guion es de Adam
McKay y David Sirota los cuales abordan muy bien
esta historia complicada y enrevesada entre tantos personajes, no
pierden nunca el enfoque de que sea una comedia fluida y divertida, al
margen de la crítica social de como se podría abordar este tema de la
extinción por la humanidad. IMPERDIBLE.
-
2021: Globos de Oro: Nominada a mejor película comedia, actor, actriz y guion2021: National Board of Review (NBR): Mejores películas del año2021: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año2021: Critics Choice Awards: 6 nominaciones incluy. mejor película y guion original.
- TRAILER
THE TRAGEDY
OF MACBETH
La Tragedia de McBeth.
3 NOMINACIONES A LOS
PREMIOS OSCAR 2022
INCLUYENDO
"MEJOR ACTOR PRINCIPAL: Denzel Washington"
"MEJOR PRODUCCIÓN"
- Título original
- The Tragedy of Macbeth
- Año: 2021
- Duración: 105 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Joel Coen
- Guion: Joel Coen. Obra: William Shakespeare
- Música: Carter Burwell
- Fotografía: Bruno Delbonnel
- Reparto: Denzel Washington, Frances McDormand, Brendan Gleeson, Bertie Carvel, Alex Hassell, Corey Hawkins, Kathryn Hunter, Harry Melling, Ralph Ineson, Sean Patrick Thomas, Miles Anderson, Matt Helm, Brian Thompson.
- Productora: A24, IAC Films. Distribuidora: A24, Apple TV+
- Género: Drama | Edad Media.
SINOPSIS: El largometraje gira en torno a Macbeth (Denzel Washington), un noble que, convencido por tres brujas, cree que está destinado a ser el rey de Escocia. Ayudado por su ambiciosa esposa (Frances McDormand), intentará apoderarse de la corona de la forma que sea. EXCELENTE. Película producida por A24, esto ya es sinónimo de que buena o interesante será. Película dirigida por Joel Coen, no son los dos Coen pero ojo, eso no significa que uno solo no pueda ser EL MAESTRO. Primera peli de uno de los Coen fuera de su registro habitual, esto ya es llamativo. Actorazos, Frances McDorman y Denzel Washington de principales? Vamos allá. No dejemos como menos importante una de las mayores obras de William Shakespeare. La película mezcla cine y teatro de tal forma que es la combinación perfecta, una delicada fotografía en B&W que roza solo los grises, hay escenas en que apenas hay negros, brillante! Con una escenografía minimalista que te mete de lleno en los páramos y castillos escoceses sin darte cuenta. Las actuaciones son increíbles y hacen justicia al material original donde los monólogos de Denzel y Frances destacan en grandes textos donde pueden llevar al límite su talento. La dirección, se siente la mano del director, colocó cada cosa en su sitio y dejó que la producción en si hiciera el resto, sabía que iba a salir perfecto, sutil y concisa, se nota que junto a su hermano es uno de los grandes del cine de nuestra época. Poco más que decir, disfrútenla, déjense llevar, y métanse en la cabeza de este genial tirano escocés. IMPERDIBLE.
-
2021: Premios Oscar: Nomin. a mejor actor (Washington), fotografía y diseño de prod.2021: Globos de Oro: Nominada a Mejor actor drama (Washington)2021: Premios BAFTA: Nominada a mejor fotografía2021: National Board of Review (NBR): Top Films, Mejor guion adaptado y fotografía2021: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año2021: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actriz sec. (Hunter)2021: Sindicato de Actores (SAG): Nominada a Mejor actor (Washington)2021: Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a Mejor fotografía2021: Satellite Awards: 4 nominaciones, incluyendo Mejor actor drama (Washington)
TRAILER
FLEE
Flee.
3 NOMINACIONES A LOS
PREMIOS OSCAR 2022
INCLUYENDO
"MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL"
"MEJOR DOCUMENTAL"
- Título original
- Flee
- Año: 2021
- Duración: 90 min.
Dinamarca- Dirección: Jonas Poher Rasmussen
- Guion: Jonas Poher Rasmussen
- Música: Uno Helmersson
- Fotografía: Animación
- Reparto: Animación, Documental
- Productora: Coproducción Dinamarca-Francia-Suecia-Noruega; Final Cut for Real, Most Film, RYOT Films, Sun Creature Studio, Vivement Lundi
- Género: Animación. Documental | Inmigración
SINOPSIS: Un refugiado afgano acepta contar su historia personal con la condición
de que no se revele su identidad. Para lograr tal propósito, el director
decide emplear un estilo de animación que no sólo protege al narrador,
sino que potencia su historia, combinando el tiempo y la memoria de
forma visceral y poética. EXCELENTE. Este
notable documental realizado en animación se centra en las
dificultades de un chico afgano para emigrar a Europa en los años ’90 y
en su vida actual en Dinamarca. Fuerte candidato a ganar el Oscar en su
categoría. El documental de animación puede parecer una
contradicción en términos pero, de hecho, es uno de los formatos que más
están creciendo dentro del género, ya que –entre otras cosas– permiten
«recrear» situaciones del pasado sin la incomodidad de las
reconstrucciones con actores. No es el único motivo. A la vez se trata
de un modelo que –bien utilizado, como en los casos de WALTZ WITH BASHIR
o TOWER— permite darle a las historias un carácter poético y una
elegancia narrativa más cercana a la de la ficción. En FLEE hay, además,
una causa política: proteger la identidad de los involucrados. Esta
película danesa se apoya en este modelo para recrear una dura y
complicada historia de inmigración. Es la de Amin Nawabi (no es el
nombre real), un hombre de origen afgano que vive en Copenhagen y es
entrevistado por el propio director del film, que fue compañero suyo en
la secundaria. Amin se ha guardado durante décadas bajo llave cómo llegó
al país por motivos que se irán descubriendo con el correr de los
minutos. Rasmussen anima las entrevistas realizadas con el protagonista
y, cuando él comienza a recordar su infancia en Kabul, FLEE
va a su pasado –en el mismo formato aunque con algunas pocas imágenes
de noticieros de la época insertadas– para reconstruir sus memorias
fragmentadas de entonces. FLEE es una película sobre la identidad, sobre
la
aceptación y sobre la necesidad de «salir del closet» en un sentido que
va más allá de lo sexual. De hecho, su homosexualidad se incorpora a la
historia de una manera lúdica, simpática y no tan complicada como las
otras, ya que todas las fugas y escapes de Amin fueron cuando tenía
menos de once años. Si bien Amin recuerda que ya le gustaban los hombres
desde pequeño, la película juega con sus recuerdos, ligados a su
fascinación con Jean-Claude Van Damme y su interés por las telenovelas
mexicanas vistas con su madre y hermanas. Al llegar a Dinamarca y entrar
en una etapa adolescente de su vida el tema reaparecerá de un modo que
será clave para su futuro personal. Con un estilo de animación simple
pero muy efectivo que se torna un
tanto abstracto en las escenas más intensas y complicadas de escapes y
fugas, y una narración muy eficaz y directa que la convierte por
momentos en un relato de suspenso y aventuras, FLEE es
un notable intento por buscar nuevas maneras de narrar complicadas
historias de inmigración. La de Amin es una sola de millones –y
probablemente no de las más desgarradoras– pero Rasmussen logra que es
recorrido tan particular y específico sea, de algún modo, representativo
de ese difícil estado mental, psicológico, que implica estar mintiendo,
escondiéndose y ocultando tu propia identidad por temor a ser marginado
social, cultural o hasta políticamente. Haberse «salvado» físicamente
no resuelve todos los problemas de un refugiado. Hay otros que quedan
registrados para siempre en la memoria y quizás no se vayan del todo
nunca. IMPERDIBLE.
-
2021: Premios Oscar: Nominada a mejor film internacional, animación y documental2021: Globos de Oro: Nominada a mejor filme de animación2021: Premios BAFTA: Nominada a mejor película de animación y mejor documental2021: Sundance: Premio del Jurado - Documental (World Cinema)2021: 3 Premios del Cine Europeo: Mejor doc., film animación y Premio University2021: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor documental2021: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor film de animación2021: National Board of Review (NBR): Mejores docs. y premio libertad de expresión2021: Critics Choice Awards: Nominada a mejor película habla no inglesa y animada2021: Premios Independent Spirit: Nominado a mejor documental2021: Sindicato de Productores (PGA): Nominado a mejor documental2021: Asociación de Críticos de Chicago: Mejor film de animación. 2 nominaciones2021: Asociación de Críticos de Boston: Mejor película de animación2021: Premios Gotham: Mejor documental2021: British Independent Film Awards (BIFA): Mejor película internacional2021: Satellite Awards: 3 nominaciones, incluyendo mejor película habla no inglesa2021: Premios Guldbagge (Suecia): Mejor película extranjera.
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BEING THE
RICARDOS
Todo sobre los Ricardos.
3 NOMINACIONES A LOS
PREMIOS OSCAR 2022
INCLUYENDO
"MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL: Nicole Kidman"
"MEJOR ACTOR DE REPARTO: J.K.Simmons"
- Título original: Being the Ricardos
- Año: 2021
- Duración: 132 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Aaron Sorkin
- Guion: Aaron Sorkin
- Música: Daniel Pemberton
- Fotografía: Jeff Cronenweth
- Reparto: Nicole Kidman, Javier Bardem, J.K. Simmons, Nina Arianda, Tony Hale, Alia Shawkat, Clark Gregg, Robert Pine, Linda Lavin, Christopher Denham, Jake Lacy, Nelson Franklin, John Rubinstein
- Productora: Escape Artists, Amazon Studios, Big Indie Pictures. Distribuidora: Amazon Studios
- Género: Drama | Biográfico. Televisión. Años 50
SINOPSIS: Película sobre la actriz, pionera de la televisión, Lucille Ball
(1911-1989). La historia se desarrolla durante una semana concreta de la
producción de la exitosa serie de la época 'I Love Lucy' cuando Lucy y
su marido, Desi Arnaz, se enfrentan a una crisis que podría terminar con
sus carreras y también con su matrimonio. EXCELENTE. Lucy
and Desi está dirigida por Aaron Sorkin, quien nos habla de la
Hollywood anticomunista y cómo el comité podía hundir la carrera
cinematográfica de cualquier estrella. En esas estamos cuando Lucille
Ball (Nicole Kidman) y Desi Arnaz (Javier Bardem) temen que la prensa
acuse a esta de comunismo mientras ruedan su exitosa serie, vista por
más de 17 millones de espectadores. Junto a ellos, secundarios de lujo
como J.K Simmons y Nina Arianda, compañeros de reparto en la serie.
Mientras eso sucede, vemos cómo transcurre el matrimonio y todo lo que
se mueve alrededor de la popular serie. También asistimos a flashbacks
que nos informan sobre el éxito, o no, de Lucille Ball y Desi Arnaz.
Como todo biopic, se queda corto en algunas cosas, pues podría
profundizar más en otros asuntos, aunque es evidente que es imposible.
La vida del matrimonio es muy interesante, hasta el punto de que ella
pretende utilizar la serie para salvarlo, puesto que Desi acude a muchas
timbas y la prensa anuncia que está siendo infiel. A nivel
interpretativo, ambos están geniales, aunque sobresale Nicole Kidman. En
cualquier caso, ambos han obtenido merecidas nominaciones al Globo de
Oro. Me parece particularmente interesante todo lo que se mueve por
detrás de la televisión, como los guionistas, productores, conflictos de
intereses entre negocios, etc. De alguna manera, todo eso se aborda en
el filme. En definitiva, BEING THE RICARDOS es un buen biopic. Cuenta
asuntos
interesantes tras el gran éxito que fue I love Lucy. Un matrimonio
sustentado en el éxito y cómo llegaron Lucille Ball y Desi Arnaz a crear
su propia productora y a ser grandes influyentes en una industria tan
importante como la del cine. Muy interesante y perfecta para amantes de
los biopic. IMPERDIBLE.
-
2021: Premios Oscar: Nom. a mejor acriz (Kidman), actor (Bardem) y actor reparto2021: Globos de Oro: Mejor actriz drama (Kidman). 3 nominaciones2021: Premios BAFTA: Nominada a mejor guion original y mejor banda sonora2021: Critics Choice Awards: Nominada a Guion original, actriz (Kidman) y secundario2021: Sindicato de Productores (PGA): Nominada a mejor película2021: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guion original2021: Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor actriz (Kidman) y actor (Bardem)2021: Satellite Awards: 2 nominaciones, incluyendo Mejor actriz drama (Kidman)
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THE LOST
DAUGHTER
La hija Perdida.
3 NOMINACIONES A LOS
PREMIOS OSCAR 2022
INCLUYENDO
"MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL: Olivia Colman"
"MEJOR ACTRIZ DE REPARTO: Jessie Buckley"
- Título original
- The Lost Daughter
- Año: 2021
- Duración: 121 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Maggie Gyllenhaal
- Guion: Maggie Gyllenhaal. Novela: Elena Ferrante
- Música: Dickon Hinchliffe
- Fotografía: Hélène Louvart
- Reparto: Olivia Colman, Dakota Johnson, Peter Sarsgaard, Jessie Buckley, Paul Mescal, Oliver Jackson-Cohen, Ed Harris, Dagmara Dominczyk, Alba Rohrwacher
- Productora: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido-Israel; Endeavor Content, Faliro House, Pie Films, Samuel Marshall Productions
- Género: Drama | Thriller psicológico. Maternidad
SINOPSIS: Las vacaciones en la playa de una mujer madura toman un giro oscuro cuando comienza a obsesionarse con otra mujer y su hija, lo que la obligará a tener que enfrentarse a problemas de su pasado y de su primera maternidad. EXCELENTE. A la neoyorquina Maggie Gyllenhaal la conocemos por su portentosa carrera actoral. Cualquiera podía intuir la inteligencia que había detrás de las elecciones de sus papeles y -claro- de la ductilidad en sus muy diversas interpretaciones, pero si faltaba comprobar su talento también como guionista y directora la confirmación definitiva llega con la transposición de La hija oscura (La figlia oscura), novela de Elena Ferrante publicada en 2006, que le valió el premio a Mejor Guion en la reciente Mostra de Venecia. Con 44 años recién cumplidos, Maggie se arriesga con una historia muy compleja, áspera, incómoda, angustiante, se muestra como una cineasta segura de sus decisiones de puesta en escena y -no es sorpresa- logra de sus intérpretes, incluso de aquellos secundarios, actuaciones de una intensidad y matices poco habituales. La protagonista es Leda (otro prodigioso trabajo de Olivia Colman), una académica británica de 48 años, eminencia en Literatura Comparada, que llega a una paradisíaca isla griega en plan vacacional. Ella está sola, aunque pronto sabremos que tiene dos hijas veinteañeras y un oscuro pasado que la atormenta. Lo que en principio es puro disfrute en la playa y en una bella casona administrada por Lyle (el gran Ed Harris), un veterano galán que coquetea con ella, se transforma en creciente incomodidad cuando el lugar es invadido por ruidosos adolescentes y la presencia de una poderosa familia de la zona. Allí entra en escena Nina (Dakota Johnson), una joven madre con una tormentosa relación afectiva que en determinado momento pierde a su hija. Leda la encuentra en una playa cercana, pero sin ninguna justificación se queda con la muñeca preferida de la pequeña, que entra en crisis al perder su preciado objeto. Algo de sus extraños comportamientos y de sus repentinos ataques de angustia se irán comprendiendo cuando Gyllenhaal nos transporte a la juventud de Leda, ahora interpretada por Jessie Buckley, luchando sin demasiada fortuna contra las tensiones internas entre sus obligaciones como madre y sus ansias de libertad y éxito académico. Las transiciones entre presente y pasado, entre la versión adulta de Leda y los múltiples flashbacks son manejadas por la directora con suma elegancia. La hija oscura es un sensible y al mismo tiempo desgarrador ensayo sobre la independencia, la maternidad, la responsabilidad en los vínculos familiares, las tentaciones, los sacrificios que exige el éxito profesional y la culpa que muchas de las decisiones alejadas de las convenciones y la corrección generan. Y sobre las huellas, las heridas, los traumas que quedan con el tiempo. Más allá de la belleza del entorno, Gyllenhaal y su DF francesa Hélène Louvart no se regodean en amaneceres o atardeceres. Lejos de cualquier pintoresquismo, la directora va a lo más profundo, contradictorio e intenso de sus personajes, completamente alejados de la psicología unidimensional que impera en Hollywood, para construir así una ópera prima consagratoria. IMPERDIBLE.
-
2021: Premios Oscar: Nom. a mejor guion adapt., actriz (Colman) y actriz de reparto2021: Globos de Oro: Nominada a mejor dirección y actriz drama (Colman)2021: Premios BAFTA: Nom. a mejor actriz secundaria (Buckley) y guion adaptado2021: Festival de Venecia: Mejor guion2021: Critics Choice Awards: Nominada a mejor guion adapt. y actriz (Colman)2021: Premios Independent Spirit: 4 nominaciones, incl. mejor película y dirección2021: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor ópera prima2021: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor dirección novel2021: Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor actriz (Colman)2021: Asociación de Críticos de Chicago: 4 noms, incl. mejor dirección novel2021: Asociación de Críticos de Boston: Mejor dirección novel y actriz sec. (Buckley)2021: Premios Gotham: Mejor película, dirección, interpretación (Colman) y guion2021: Satellite Awards: 3 nominaciones, incluyendo mejor película y actriz (Colman)
TRAILER
LA
PEOR PERSONA
DEL MUNDO
Verdens verste menneske.
2 NOMINACIONES A LOS
PREMIOS OSCAR 2022
INCLUYENDO
"MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL"
- Título original
- Verdens verste menneske
- Año: 2021
- Duración: 121 min.
Noruega- Dirección: Joachim Trier
- Guion: Joachim Trier, Eskil Vogt
- Música: Ola Fløttum
- Fotografía: Kasper Tuxen
- Reparto: Renate Reinsve, Anders Danielsen Lie, Herbert Nordrum, Silje Storstein, Maria Grazia Di Meo, Hans Olav Brenner, Marianne Krogh, Vidar Sandem, Sofia Schandy Bloch, Anna Dworak, Eia Skjønsberg, Thea Stabell, Mina Elise Friesl-Stavdal.
- Productora: Coproducción Noruega-Francia-Dinamarca; Oslo Pictures, Snowglobe Films, arte France Cinéma
- Género: Comedia. Drama. Romance
SINOPSIS: Julie va a cumplir los treinta y su vida es un desastre existencial. Ya ha desperdiciado parte de su talento y su novio Aksel, un exitoso novelista gráfico mayor que ella, la presiona para que contenga su energía creativa y siente la cabeza. Una noche se cuela en una fiesta y conoce al joven y encantador Eivind. Tardará poco en romper con Aksel y embarcarse en una nueva relación con la esperanza de que su vida adquiera una nueva perspectiva. Sin embargo, tendrá que darse cuenta de que ya es demasiado tarde para ciertas opciones vitales. EXCELENTE. Joachim Trier sabe construir personajes, describir momentos cotidianos o hablar de la realidad que le rodea. En todas sus películas lo que realmente destaca es lo humano. Trier entiende que no existe tal cosa como un "individuo", pues todos somos lo que otros han hecho de nosotros. Nos dejan y dejamos huellas en los demás. Ahí reside la complejidad de Julie, y, quizás, o al menos para mí, la gracia de la película. Julie no sabe qué hacer con su vida porque nunca ha sido ese tipo de persona que se queda estancada. Julie experimenta, disfruta, sufre y se agobia con todas sus diferentes pasiones. Ese forma de existir también la traslada a su vida personal y sexo-afectiva. Si no decides qué hacer con tu propia vida, en cuanto al ámbito laboral, no pasa nada; si no te comprometes y juegas con la vida de otros, puede acabar mal la cosa. Joachim Trier consigue una dirección explosiva, llena de dinamismo, humor y lágrimas de rimel. Su manera de conducir la película hace que empatices y entiendas a todos y cada uno de los personajes, siempre dejándote claro de qué lado se sitúa él mismo, pues por algo la protagonista es Julie y no su padre, por ejemplo. Y ahí es donde reside otro punto importante del film: el feminismo del diálogo de un guion escrito por hombres. Trier te muestra que se puede hacer feminismo, sin ningún tipo de inconveniente, y de una manera mordaz y concisa. Si le sumamos ese feminismo a la gran virtud del director de crear personajes complejos, se nos queda la cosa en un estudio crítico y profundo de personajes muy interesantes. Junto con Thelma, mi película favorita de Trier, no tanto por su calidad, que la tiene y es abundante, sino porque siento que la ha hecho con cuidado, cariño y elegancia. Y porque es un ejercicio de cine libre, no en tanto en cuanto Dogma del 95 o Nouvelle Vague, que se disfruta muchísimo. IMPERDIBLE.
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2021: Premios Oscar: Nominada a mejor guion original y película internacional2021: Premios BAFTA: Nominada mejor actriz (Reinsve) y película en habla no inglesa2021: Festival de Cannes: Mejor actriz (Renate Reinsve)2021: Premios del Cine Europeo: Nominada a mejor actriz y guion2021: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película en habla no inglesa2021: Asociación de Críticos de Los Angeles: Nominada a mejor actriz2021: National Board of Review (NBR): Mejores películas extranjeras del año2021: Critics Choice Awards: Nominada a mejor película habla no inglesa2021: Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a mejor película extranjera2021: Premios Gotham: Nominada a mejor película internacional2021: Satellite Awards: 2 nom., incluyendo a mejor película de habla no inglesa2021: Premios César: Nominada a mejor película extranjera2021: Festival de Sevilla: Premio del Público2021: Festival de Valladolid - Seminci: Premio FIPRESCI.
TRAILER
MADRES
PARALELAS
Madres Paralelas.
(EN CINES)
2 NOMINACIONES A LOS
PREMIOS OSCAR 2022
INCLUYENDO
"MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL: Penélope Cruz"
"MEJOR BANDA SONORA"
- Título original
- Madres paralelas
- Año: 2021
- Duración: 123 min.
España- Dirección: Pedro Almodóvar
- Guion: Pedro Almodóvar
- Música: Alberto Iglesias
- Fotografía: José Luis Alcaine
- Reparto: Penélope Cruz, Milena Smit, Israel Elejalde, Aitana Sánchez-Gijón, Rossy de Palma, Julieta Serrano, Adelfa Calvo, Ainhoa Santamaría, Daniela Santiago, Julio Manrique, Inma Ochoa, Trinidad Iglesias, Carmen Flores.
- Productora: Remotamente Films, El Deseo, TVE
- Género: Drama | Maternidad
SINOPSIS: Dos mujeres coinciden en una habitación de hospital donde van a dar a luz. Ambas están solteras y se quedaron embarazadas por accidente. Janis, de mediana edad, no se arrepiente y está exultante. La otra, Ana, una adolescente, está asustada, arrepentida y traumatizada. Janis intenta animarla mientras pasean por los pasillos del hospital. Las pocas palabras que intercambien en esas horas crearán un vínculo muy estrecho entre las dos, que por casualidad se desarrolla y se complica, afectando a sus vidas de forma decisiva. EXCELENTE. Diferente. La manera más concisa de definir este largometraje. No soy fan de Almodóvar, pero, en esta ocasión, me ha sorprendido la forma en que ha tocado ciertos temas. En primer lugar, los diferentes puntos de vista de la maternidad: el tener, queriendo y pudiendo; el tener, pudiendo, pero no queriendo; y el tener, queriendo, pero no pudiendo; dando a cada personaje su oportunidad de explicar estas sensaciones. Por otra parte, la memoria histórica, tratada desde un punto de vista mucho más humano que político, y esta ha sido mi sorpresa, pues cometí el error de prejuzgar la forma en que tocaría este tema; así pues, la reflexión que nos brinda merece dedicarle, al menos, una oportunidad libre de prejuicios, especialmente, políticos. Por último, trata las relaciones humanas, un tema recurrente en su cine. De nuevo, maestro del color y del movimiento. El uso del rojo es particularmente destacable en esta película, así como la forma en que funde los planos que culminan cada escena. En cuanto a interpretaciones, merece la pena casi exclusivamente por Penélope Cruz, evidenciando su dominio actual de la comedia de situación y, también, de la carga dramática. Mención especial a Julieta Serrano, con una pequeña colaboración que le resulta más que suficiente para transmitir lo que el momento requiere. En resumen, bravo por la dirección de Almodóvar y la interpretación protagonista. IMPERDIBLE.
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2021: Premios Oscar: Nominada a mejor actriz (Cruz) y banda sonora2021: Globos de Oro: Nominada a mejor película de habla no inglesa y banda sonora2021: Premios BAFTA: Nominada a mejor película en habla no inglesa2021: Festival de Venecia: Copa Volpi - Mejor actriz (Cruz), Film inaugural2021: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor actriz (Cruz) y banda sonora2021: Premios Independent Spirit: Nominada a mejor película extranjera2021: Satellite Awards: 3 nominaciones, incluyendo mejor actriz drama (Cruz)2021: Premios Goya: 8 nominaciones, incluyendo mejor película y director2021: Premios César: Nominada a mejor película extranjera2021: Premios Forqué: 3 nominaciones, incluyendo a mejor película2021: Premios Feroz: Mejor actriz sec. (Sánchez-Gijón), música y cartel
TRAILER
TICK, TICK...
BOOM!
tick, tick... Boom!
2 NOMINACIONES A LOS
PREMIOS OSCAR 2022
INCLUYENDO
"MEJOR ACTOR PRINCIPAL: Andrew Garfield"
"MEJOR MONTAJE"
- Título original
- tick, tick... Boom!
- Año: 2021
- Duración: 115 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Lin-Manuel Miranda
- Guion: Steven Levenson. Libro: Jonathan Larson
- Música: Jonathan Larson
- Fotografía: Alice Brooks
- Reparto: Andrew Garfield, Alexandra Shipp, Robin de Jesus, Vanessa Hudgens, Joshua Henry, Bradley Whitford, Judith Light, Jordan Fisher, David Iacono, Joanna Adler, Alex D. Jennings, Marie Rose Baramo, Jared Loftin.
- Productora: 5000 Broadway Productions, Imagine Entertainment. Distribuidora: Netflix
- Género: Musical. Drama | Biográfico. Años 90
SINOPSIS: Basada en el musical autobiográfico de Jonathan Larson, sigue a un aspirante a compositor de obras teatrales que trabaja de camarero en Nueva York mientras escribe Superbia, que espera que sea el próximo gran musical americano y lo que finalmente le dé su gran oportunidad. Jon también se ve presionado por su novia, Susan, cansada de poner las aspiraciones profesionales de Jon por delante de su propia vida. Mientras tanto, su mejor amigo y compañero de piso, Michael, ha renunciado a sus aspiraciones por un trabajo en publicidad en Madison Avenue y está a punto de mudarse. A medida que se acerca el 30 cumpleaños de Jon, se siente abrumado por la ansiedad, preguntándose si su sueño merece la pena. EXCELENTE. Este biopic musical con tintes dramáticos, dirigido por Lin-Manuel Miranda, explora el proceso creativo y las dificultades diarias por las que muchos artistas pasan hasta conseguir el éxito. Esta obra es, entre otras cosas, un homenaje al autor teatral neoyorquino Jonathan Larson y su aportación a la industria del teatro musical. Esto transcurre en el Nueva York de los 90 con la pandemia de VIH/sida, el reverso del sueño americano y la pérdida de la inocencia como los temas latentes en esta historia. No obstante, considero que la cinta trata con vacuidad todo lo relacionado al VIH. Andrew Garfield brilla con luz propia y ofrece la mejor interpretación de su carrera, dando vida a Jonathan Larson. La enérgica actitud del protagonista se ve reflejada en la propia estructura narrativa y el montaje, pues el director trata de ofrecernos un ritmo vibrante, una constante energía visual y mucha frescura. Esto se evidencia con los cambios repentinos de escenarios o la intercalación entre monólogos y escenas musicales. La película resulta bastante entretenida aunque reconozco que en algunos momentos concretos esta energía me ha podido parecer desbordante. Personalmente, no considero que las canciones sean el elemento más relevante de la película para un espectador casual que, como es mi caso, no conozca en profundidad la obra de Larson. En mi opinión, lo más importante de esta película es que evidencia, de forma bastante creativa y original, un problema intrínseco en el sistema que rige nuestra sociedad: las encrucijadas vitales y la lucha diaria por perseguir tus sueños con el tiempo pisándote los talones. IMPERDIBLE.
TRAILER
S P E N C E R
Spencer.
1 NOMINACIÓN A LOS
PREMIOS OSCAR 2022
"MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL: Kristen Stewart"
- Título original
- Spencer
- Año: 2021
- Duración: 116 min.
- Reino Unido
- Dirección: Pablo Larraín
- Guion: Steven Knight
- Música: Jonny Greenwood
- Fotografía: Claire Mathon
- Reparto: Kristen Stewart, Jack Farthing, Timothy Spall, Sally Hawkins, Sean Harris, Richard Sammel, Amy Manson, Ryan Wichert, Michael Epp, Wendy Patterson, Niklas Kohrt, John Keogh, Shaun Lucas.
- Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos-Chile-Alemania; Fabula, Komplizen Film, Shoebox Films, Filmnation Entertainment. Distribuidora: Neon
- Género: Drama | Biográfico. Años 90
SINOPSIS: Biopic de Lady Di que cuenta la historia de un fin de semana crucial a principios de los años 90, cuando la princesa Diana -de nombre Diana Frances Spencer- decidió que su matrimonio con el príncipe Carlos no estaba funcionando, y que necesitaba desviarse de un camino que la había puesto en primera fila para algún día ser reina... El drama tiene lugar durante tres días, en una de sus últimas vacaciones de Navidad en la Casa de Windsor en su finca de Sandringham en Norfolk, Inglaterra. EXCELENTE. El mundo de los "biopics" cinematográficos es un género que a mí, particularmente, suele darme ciertos reparos a la hora de meterme dentro de él ya que suele haber cierta tendencia a no arriesgar en exceso en lo que cuentan y a ser super complacientes por no contrariar a nadie.En esta ocasión, Larraín, vuelve a coger la senda que dejó iniciada en Jackie hace cinco años para mejorarla, claramente, y traernos esta historia de Diana Spencer que, al menos a mí, me ha hecho sufrir y emocionarme con ella a todos los niveles (Y conseguir empatizar completamente con un personaje de la realeza, además). No puedo, ni estoy capacitado, para entrar en sí todo lo que se nos cuenta aquí fue así o hay mucho de cosecha propia de los guionistas. He leído durante estos días opiniones de gente que conocía a Diana para todos los gustos. Con lo que yo me voy a quedar es con lo que, al inicio de la cinta, nos dicen. Y es que esta película es "Una fábula de una tragedia verdadera". El nivel de equilibro entre ficción y realismo creo que ya cada uno juzgará con qué quiere quedarse. Una vez dicho esto, vamos con la cinta en sí. La película nos presenta e introduce desde el minuto uno en la cabeza de Diana. Y lo hace sin ningún tipo de complacencia. Vamos a vivir con ella los tres días que abarca esta historia y debemos estar dispuestos a sentir lo que ella siente. Sé que esto puede sonar muy pomposo, pero de verdad que yo me he metido tanto en la historia que he acabado tan agobiado y saturado como el personaje en esta historia de traiciones, control, despersonalización y tristeza. Creo que todo esto es algo que se consigue aunando el trabajo de mucha gente. Por un lado tenemos el director, que usa todo lo aprendido en Jackie para dar un paso más allá. En esta cinta, de nuevo, vuelve a esos planos tan cortos que casi "violan" el espacio vital del personaje. A esos juegos de miradas, de expresiones faciales y de jugar con lo que se dice y lo que se calla. Esa forma tan protocolaria y fría de tratar a las personas que tanto ha caracterizado a las familias reales de cualquier país está retratada en cada plano que vemos en la pantalla. Por otro lado, Larraín cuenta con una BSO absolutamente maravillosa. Basada en piezas de cuerda y piano, la música consigue transmitir lo que Diana está sintiendo. Hay un deje de tristeza en cada nota que es muy fácil que traspase la pantalla y llegue a nosotros. Esa forma de trabajar con las imágenes y el sonido me ha dejado absolutamente maravillado. Por último, y quizás lo más importante de todo. Tenemos a Kristen Stewart. Ella ES Diana Spencer. Yo no recuerdo una caracterización igual en muchísimos años. En los planos lejanos, literalmente, parecía que estaba viendo un fantasma. Y en los cercanos se nota cómo la actriz ha trabajado hasta el más mínimo detalle de su actuación, porque consigue no sólo hablar igual que Diana (Cosa que, sí veis la peli doblada, se perderá, lamentablemente) sino que también se mueve como ella. Si veis imágenes de la princesa, comparad. Es un trabajo digno de alabanza sólo por esto. Además, no todo está en la caracterización, ni muchísimo menos. El papel que consigue hacer Kristen (Y a la espera de ver algunas pelis candidatas) es probable que le valga un Oscar. La fragilidad que consigue transmitir a la cámara, con esa sensación de estar completamente al límite psicológicamente hablando, y la tristeza impregnada en su mirada en cada plano, es tan doloroso de ver y certero al mismo tiempo que vuelve fácil empatizar con su personaje por muy alejados que podamos estar en un inicio. Además, el guion le ayuda con ello, porque cuando la vemos con sus hijos, toda su expresión facial y su mirada cambia al otro extremo del espectro y la comparación entre escenas es muy llamativa. Poco más que añadir. Considero a "Spencer" una de las grandes películas de este año 2021 que pronto finalizará. Que es uno de esos trabajos que ya no suelen verse y con una carga de profundidad y un mimo por los detalles que ojalá viésemos más a menudo. No sé si los premios pasarán de esta película o no. Pero, sinceramente, eso no importa. Lo que importa es que, como aficionados al cine, podamos celebrar más maravillas como esta. Que grande es el cine. IMPERDIBLE.
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2021: Premios Oscar: Nominada a mejor actriz principal (Kristen Stewart)2021: Globos de Oro: Nominada a mejor actriz principal drama (Stewart)2021: Critics Choice Awards: Nominada a mejor actriz (Stewart) y banda sonora2021: Asociación de Críticos de Los Angeles: Nominada a mejor banda sonora2021: Festival de Venecia: Sección oficial a concurso2021: Asociación de Críticos de Chicago: Mejor actriz (Stewart) y vestuario. 3 nom.2021: Asociación de Críticos de Boston: Mejor banda sonora original2021: Satellite Awards: 5 nominaciones, incluyendo mejor película y actriz (Stewart)
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CYRANO
Cyrano.
1 NOMINACIÓN A LOS
PREMIOS OSCAR 2022
"MEJOR VESTUARIO"
- Título original
- Cyrano
- Año: 2021
- Duración: 124 min.
- Reino Unido
- Dirección: Joe Wright
- Guion: Erica Schmidt. Obra: Edmond Rostand
- Música: Aaron Dessner, Bryce Dessner
- Fotografía: Seamus McGarvey
- Reparto: Peter Dinklage, Haley Bennett, Kelvin Harrison Jr., Ben Mendelsohn, Bashir Salahuddin, Scott Folan
- Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Working Title Films, Metro-Goldwyn-Mayer, Mestiere Cinema. Distribuidora: United Artists Releasing
- Género: Drama. Musical | Biográfico
SINOPSIS: Adelantado a su tiempo, Cyrano de Bergerac (interpretado por Peter
Dinklage) deslumbra en cualquier enfrentamiento tanto con su afilado
ingenio verbal como con su punzante espada en un duelo. Pero, convencido
de que su apariencia lo hace indigno del amor de su gran amiga, la
brillante Roxanne (Haley Bennett), Cyrano no se decide a declararle sus
sentimientos, hasta que ella se enamora a primera vista de Christian
(Kelvin Harrison, Jr.). EXCELENTE. La
trama de “Cyrano de Bergerac” es lo suficientemente conocida como para
ahorrarse el relato de lo que sigue, excepto para señalar que Wright, a
quien considero uno de los artesanos más visionarios del medio, se ha
superado a sí mismo al idear formas originales e innovadoras desde el
punto de vista cinematográfico para poner en escena el película. Siempre
ha habido algo un poco barroco en el estilo de Wright: un enfoque
ornamentado y algo ostentoso de más es más en el que el vestuario, los
escenarios y cualquier coreografía elaborada que la cámara pueda estar
haciendo contribuyen al placer general que obtenemos al verlo. En “Anna
Karenina”, todo se volvió demasiado molesto. En el momento de "Pan",
Wright se había vuelto loco. Pero ahora se ha recuperado y no estaba
dispuesto a dejar que el COVID se interpusiera en su camino.
Cambiando el escenario a la isla de Sicilia, donde podía crear una
burbuja responsable dentro de la cual ejecutar su visión épica, Wright
embelleció el diseño de producción natural de las ubicaciones
disponibles (incluido el Monte Etna para las escenas de batalla de
primera línea). Cyrano y compañía pueden haber sido personajes de la
vida real, pero incluso Rostand (famosamente meticuloso con los detalles
históricos) se tomó una licencia considerable. Aquí sirven como
arquetipos mientras Wright actualiza los aspectos del siglo XVII para
adaptarlos a su estética, condenando a la nobleza con cintas, volantes y
rostros empolvados mientras le da a Bennett un aspecto moderno más
icónico como Roxanne.
Hijo de titiriteros, Wright entiende instintivamente cómo usar el
proscenio, pero nunca se limita a los marcos convencionales. Al final
del Acto 1, cuando Cyrano es acorralado por una multitud de matones,
orquesta la escena de lucha que sigue en una sola toma, mientras
Dinklage despacha hábilmente a 10 adversarios. Más tarde, cuando el
personaje asume sus deberes de escribir cartas, Wright superpone
ingeniosamente tomas de Roxanne y sus dos pretendientes para transmitir
la complejidad de este triángulo amoroso. Y lo que es más importante, en
la famosa escena del balcón, el momento en que Rostand supera
claramente a "Romeo y Julieta", la película ingeniosamente diseña una
forma para que su enamorado héroe se dirija directamente a Roxanne. Por
brillante que pueda ser el guión de Schmidt, Cyrano sería el primero en
admitir: "Las palabras solo pueden llevarme hasta cierto punto". La
dirección de Wright hace el resto. IMPERDIBLE.
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FUE LA
MANO DE DIOS
È stata la mano di Dio.
1 NOMINACIÓN A LOS
PREMIOS OSCAR 2022
"MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL"
- Título original
- È stata la mano di Dio
- Año: 2021
- Duración: 130 min.
Italia- Dirección: Paolo Sorrentino
- Guion: Paolo Sorrentino
- Música: Lele Marchitelli
- Fotografía: Daria D'Antonio
- Reparto: Filippo Scotti, Toni Servillo, Luisa Ranieri, Teresa Saponangelo, Marlon Joubert, Lino Musella, Renato Carpentieri, Sofya Gershevich, Enzo Decaro, Massimiliano Gallo, Elisabetta Pedrazzi, Ciro Capano, Biagio Manna
- Productora: Coproducción Italia-Estados Unidos; The Apartment, Netflix. Distribuidora: Netflix
- Género: Drama. Comedia | Años 80. Biográfico
- SINOPSIS: El oscarizado guionista y director Paolo Sorrentino presenta la historia
de un chico, Fabietto Schisa (Filippo Scotti), en el turbulento Nápoles
de los años ochenta. En "Fue la mano de Dios", hay lugar para alegres
sorpresas, como la llegada del legendario futbolista Diego Maradona, y
para una tragedia igual de imprevista. El destino interpreta su papel,
la alegría y la desdicha se entrelazan y el futuro de Fabietto echa a
rodar. Sorrentino vuelve a la ciudad que lo vio nacer para contar su
historia más personal: un relato sobre el destino y la familia, los
deportes y el cine, el amor y la pérdida. EXCELENTE. Promocionando su última obra, aseguraba a un periodista Paolo Sorrentino
que, tras 35 años hablando de la muerte de sus padres, necesitaba dejar
de hacerlo. Es la premisa sobre la que se asienta ‘Fue la mano de
Dios’. Sorprende que buscando enterrar de una vez -disculpen el humor
sorrentiniano– el dolor más personalísimo, el que entraña quedarse
huérfano cuando él era solo un iniciado en la vida adulta -que es cuando
la palabra presenta más sentido aunque todos vayamos a acabar siéndolo,
porque es sin duda el peor momento posible para que a alguien le suceda
algo de tales características- y resarcirse así de una deuda contraída
únicamente con él mismo, ha creído conveniente invitar a miles de
personas a la intimidad de una sala de cine para hacerles partícipes,
haciendo uso de su habitual estridencia, de la historia que le pedía a
gritos que contase Capuano, su mentor en el arte que domina, a orillas
del Tirreno; su historia. No es ninguna estupidez; contar un extracto de una vida -no digamos ya
una entera- es un vasto ejercicio primero de autoconsciencia y después
de expresión en el que, como en la película, suele ser más fácil
encontrarse de cara con lo absurdo que con la seriedad de lo terrible
que puede tener el vivir. No lo digo yo, lo dice su álter ego en la
ficción. Un joven Fabietto que, sentado a las faldas del Vesubio, ya
consciente de su sino, espeta: “la realtà non mi piaze più, è patetica /
no me gusta la realidad, es patética”. Bien sabe Sorrentino, sin
embargo, que en lo menos dramático de la vida está la esencia y de que
Fabiè está equivocado. Por eso en su película apenas se masca lo
trágico. Al contrario, es un ensayo sobre cómo fijar la mirada en el
futuro a través de las más extravagantes experiencias. Tanto es así que,
incluso a las puertas de un tanatorio, seguirá sirviendo la risa como
burla frente a la implacable ridiculez de la vida. O quizás porque, al
advertir la pinta que tiene el abismo, reír con tus hermanos es la única
cuerda que queda a la que poder agarrarse. 35 años son muchos años para casi todas las cosas salvo, quizás, para el
amor -esto está cada vez más en entredicho- y cancelar la hipoteca
-esta no tanto-. Nadie culpa de ello a Sorrentino. Pretender liberarse
de una carga que atormenta con la inmediatez omnipresente en nuestros
días no parece buen negocio. Principalmente porque responde más bien
poco al deseo lógico de que ocurra cuanto antes y mucho al estoicismo
necesario para conocer del lento proceso que conlleva y las
coincidencias no buscadas que a menudo la propician. Hay veces, incluso,
en las que será necesario que medien eventos reveladores de toda
índole, algunos casi divinos, como la aparición del Pelusa en la Nápoles
marginal de los ochenta en la que Sorrentino se crió; y otros, la
mayoría, más terrenales, como el paso inequívoco del tiempo o lo que te
dice tu psicólogo, ambas de efecto sanatorio. Y como en todo acto egoísta -por muy en el buen sentido de la palabra
que sea en este caso-, más vale saber anticipadamente el precio a pagar
por la levedad propia en forma, en ocasiones, de sacrificios de cosas,
gente o lugares que querías, para dar el paso decisivo y poder percibir,
ahora ya sí, nítidamente sus beneficios, que son múltiples y variados
pero que sintetizan en una sola cosa: disfrutar más y preocuparse menos,
ya sea a bordo de una lancha en el golfo napolitano -que ahora todos
queremos visitar- bañado con la luz dorada que regala un atardecer de
finales de verano, cantando un gol del Diego en el balcón de casa o
creyendo estar enamorado tantas veces como sea necesario. IMPERDIBLE.
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2021: Premios Oscar: Nominada a mejor película internacional2021: Globos de Oro: Nominada a mejor película de habla no inglesa2021: Premios BAFTA: Nominada a mejor reparto y mejor película en habla no inglesa2021: Festival de Venecia: Gran Premio del Jurado y mejor actor emergente2021: Premios del Cine Europeo: Nominada a mejor film, dirección y guion2021: Critics Choice Awards: Nominada a mejor película habla no inglesa2021: Satellite Awards: Nominada a Mejor película de habla no inglesa.
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