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ESTRENOS DELA SEMANA
Para Chiara.
(EN CINES)
- Título original
- A Chiara
- Año: 2021
- Duración: 121 min.
Italia- Dirección: Jonas Carpignano
- Guion: Jonas Carpignano
- Música: Benh Zeitlin, Dan Romer
- Fotografía: Tim Curtin
- Reparto: Swamy Rotolo, Carmela Fumo, Claudio Rotolo, Rosa Caccamo, Grecia Rotolo, Salvatore Rotolo, Vincenzo Rotolo, Silvana Palumbo, Giacinto Fumo, Concetta Grillo, Antonio Rotolo Uno, Giuseppina Palumbo, Giorgia Rotolo, Antonina Fumo, Carmelo Rotolo.
- Productora: Coproducción Italia-Francia; Stayblack, Haut et Court, RAI Cinema, arte, Eurimages
- Género: Drama | Familia. Mafia.
SINOPSIS: La familia Guerrasio y sus amigos se reúnen para celebrar el dieciocho
cumpleaños de la hija mayor de Claudio y Carmela. Existe una sana
rivalidad entre la cumpleañera y su hermana Chiara, de 16 años, mientras
compiten en la pista de baile. Es una ocasión feliz y la familia está
unida y en plena forma. Sin embargo, todo cambia al día siguiente cuando
Claudio desaparece. Chiara comienza a investigar: a medida que se
acerca a la verdad, se ve obligada a decidir qué tipo de futuro quiere
para ella. EXCELENTE. La película esta situada en Gioia Tauro, una localidad de Calabria que
sirve como uno de los nexos de unión entre Mediterranea (2015), A
Ciambra (2017) y A Chiara (2021), las tres obras que forman la antología
de Jonas Carpignano. El director crea un microcosmos único, con un estilo muy marcado. Tanto
el tono como el ritmo, así como los temas que tratan las tres películas
confluyen y ayudan a crear una visión personal acerca del mundo criminal
y sus relaciones. Pero Carpignano va más allá y con su estilo
naturalista, casi como si de un documental se tratara, profundiza acerca
del mal endémico del racismo, del clasismo y de las relaciones que se
establecen entre los distintos grupos de delincuentes organizados. Tras ver las dificultades de Ayiva (Koudous Seihon) como recién llegado a
Calabria en Mediterranea y la vida de Pio (Pio Amato) en la comunidad
gitana de Gioia Tauro, A Chiara nos muestra cómo Chiara descubre la
relación de su padre con la 'Ndrangheta y las consecuencias que ello
comporta. Así como el final de A Ciambra dejaba claro en lo visual el crecimiento
de Pio y su decisión final se notaba muy bien trabajada a nivel
narrativo en un coming of age de manual, A Chiara supone un paso más en
el coming of age de Carpignano. La frontera entre el mundo adulto y la
adolescencia de Chiara se desdibuja, se mezcla y forman un conjunto
maravilloso. La inocencia de la vida familiar y la cruda realidad del
entorno supone un choque, un conflicto para la protagonista, que ve como
su comportamiento está fuera de la norma. La película es, pues, una reinterpretación del coming of age, una
entrada en un mundo adulto retorcido, absurdo y en el que hay que luchar
como individuo para la comunidad. Chiara no es inocente, no es naif,
pero es una adolescente. Y se ve envuelta en el silencio familiar sobre
la inocencia o culpabilidad del padre. Y eso la lleva a investigar y a
crecer a pesar de todo. La mirada casi documental de Carpignano se ve apoyada por la
participación en la película del conjunto de la familia de la
protagonista. Lo mismo ocurría en A Ciambra y eso le aporta un toque
realista, un juego de espejos entre realidad y ficción que sienta genial
a la película. Con la antología completa vista, las similitudes entre A Ciambra y A
Chiara son más evidentes que respecto a Mediterranea. Aún así, las tres
películas, que se pueden ver de manera independiente, tiene vínculos
entre sí, personajes que están relacionados y ayudan a crear un universo
más complejo y rico. A Chiara es, quizá, la película en la que vemos el procedimiento
criminal en mayor mesura. Sin ser indulgente con el crimen, el director
imprime en la obra un sello indeleble, un claro dibujo de la 'Ndrangheta
y sus relaciones con los clanes africanos y gitanos. Con un muy buen
trabajo de guion, de lenguaje narrativo Gioia Tauro es un microcosmos,
una metáfora de las relaciones de poder en el mundo moderno. La energía de Swamy Rotolo llena la pantalla y, sin ser una película de
mafiosos, el conflicto entre mafia o supervivencia le otorga todo el
atractivo de estas películas a A Chiara. A Chiara es el cierre de la trilogía sobre Gioia Tauro. Con la película
de tono más claramente social, Jonas Carpignano cierra un ciclo con una
antología notable, que crea un universo firme, con una mirada de autor
que resulta muy interesante y que refleja el mundo moderno con un tono
de claro matiz realista, a medio camino entre un film documental y de
ficción. A Chiara es, pues, un broche de oro a una antología que recorre
todas las relaciones del mundo criminal de Calabria con diferentes
miradas, siempre de un modo personal y con un gran pulso narrativo. IMPERDIBLE.
-
2021: Premios David di Donatello: Mejor actriz (Swamy Rotolo)2021: Festival de Sevilla: Mejor dirección y Mención Especial (al reparto)2021: Premios Independent Spirit: Nominada a mejor película, fotografía y montaje.
TRAILER
CREATURES
Criaturas de Dios.
- Título original
- God's Creatures
- Año: 2022
- Duración: 94 min.
Irlanda- Dirección: Anna Rose Holmer, Saela Davis
- Guion: Shane Crowley. Historia: Fodhla Cronin O'Reilly, Shane Crowley
- Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans
- Fotografía: Chayse Irvin
- Reparto: Emily Watson, Aisling Franciosi, Paul Mescal, Toni O'Rourke, Isabelle Connolly, Marion O'Dwyer, Declan Conlon, John Burke, Sarah Kinlen, Steve Gunn
- Productora: Coproducción Irlanda-Reino Unido-Estados Unidos; Sixty Six Pictures, A24, BBC Film, Irish Film Board, WRAP Fund. Distribuidora: A24
- Género: Drama | Drama psicológico.
SINOPSIS: En un pueblo de pescadores irlandés azotado por la lluvia, una madre miente para proteger a su hijo. Esa decisión tiene un impacto devastador en su comunidad, en su familia y en ella misma. MUY BUENA. God´s Creatures podría, armado de otra manera, ser un thriller acerca de un hombre acusado de un hecho grave y el suspenso que se genera en relación a saber si fue o no culpable. Acá eso es secundario. Cualquiera se da cuenta qué es lo que pasó (no se lo muestra, pero es obvio) y la tensión pasa por saber qué hará su familia con esa incómoda verdad. El problema lo tiene Aileen, más que nada, que está tan feliz de tener a su hijo de regreso que parece dispuesta a dejar pasar de lado cosas y creerle todo lo que le dice. Además del universo creado y los complejos personajes que lo habitan (la ex novia, fundamentalmente, pero también la hermana y hasta un familiar con evidentes problemas de salud), las directoras aciertan con el casting, especialmente el de Mescal, un actor de rostro amable y gestos empáticos que confunde a los espectadores con su look de buen chico. La excepcional Watson es como una roca firme que habita el lugar desde, pareciera, el principio de los tiempos, trayendo a la mente escenas de Contra Viento y Marea, especialmente por lo parecido del clima, el mar y la vida pueblerina. Una película inteligente, discreta, de bajo perfil y diálogos acotados pero mucho cuidado en la puesta en escena (la distribuye el reconocido sello A24), God´s Creatures es de esos films que no llaman la atención sobre sí mismos (de hecho, las pocas escenas en las que eso se hace son las que menos funcionan) pero que quedan grabados en la memoria por transportar al espectador a un tiempo y un lugar concretos y únicos. Lo que sucede allí puede pasar también en miles de otros lados –películas que ofrecen una mirada crítica sobre la violencia masculina aparecen todos los días, especialmente durante los últimos años–, pero la gente que habita esta oscura y amarga tragedia humana es irrepetible. MUY RECOMENDABLE.
2022: Festival de Cannes: Ganadora Mejor Película Quincena de realizadores.
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SUMERGIBLE
Sumergible.
Pre-Candidata al OSCAR 2023
"Mejor Película Extranjera" (Ecuador)
- Título original
- Sumergible
- Año: 2021
- Duración: 80 min.
Ecuador- Dirección: Alfredo León
- Guion: Daniela Granja Nuñez, Alfredo León
- Música: Felipe Linares
- Fotografía: Daniel Avilés Escobar
- Reparto: Natalia Reyes, Leynar Gomez, José Restrepo, Carlos Valencia
- Productora: Boom en Cuadro Producciones, Proyección Films, Carnaval Cine
- Género: Thriller | Aventuras marinas. Submarinos. Drogas.
SINOPSIS: Un narcosubmarino hecho a mano está a punto de hundirse y perder su
preciado cargamento. Los tres tripulantes se ven obligados a abrir la
cabina prohibida donde encuentran un “obsequio” especial para el
comprador. El bote, apenas lo suficientemente grande para ellos, se
convierte en un polvoriento barril de miedos, deseos y codicia. MUY BUENA. El director ecuatoriano Alfredo León
presenta ‘Sumergible’, su segundo largometraje de ficción. arlos Valencia, Natalia Reyes, Leynar Gómez y
José Restrepo conforman el elenco internacional que protagoniza este
thriller que narra la historia de cuatro personas que viajan confinadas
dentro de un narco sumergible que sufre un desperfecto mecánico en
altamar. En este escenario, los personajes se enfrentan a situaciones
extremas en una lucha por la supervivencia.La
cinta es una coproducción entre Boom en Cuadro junto con Carnaval Cine
de Ecuador y Proyección Films de Colombia. La producción recibió el
apoyo de los fondos de desarrollo y coproducción de Ibermedia, el
Instituto de Cine del Ecuador y el fondo FDC de Colombia. “El mayor reto del filme era cómo
contar una historia contenida, con pocos personajes, en una sola
locación y hacer que este lugar que estaba a 2 800 msnm, en Quito, se
vea como un sumergible que está navegando en el mar”, explica el
director. “Las cinematografías como las de Hollywood hacen esto
desde hace tiempo en grandes estudios, pero para una cinematografía como
la ecuatoriana sí fue un reto. Hacerlo en locaciones reales no era
posible. No había otra opción que construir un espacio artificial”, dice
el director. Aunque se intentó, el equipo de producción no pudo
acceder a uno de los narco-sumergibles que se habían capturado en
Ecuador. Entonces se construyó una réplica de un narco sumergible, que
se instaló en un set al norte de Quito. La directora de arte, Emilia
Dávila realizó el diseño con base en una investigación, sobre el que se
aplicaron ciertas libertades creativas, para hacer más verosímil la
historia. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
Alcarrás.
Pre-Candidata al OSCAR 2023
"Mejor Película Extranjera" (España)- Título original
- Alcarràs
- Año: 2022
- Duración: 120 min.
España- Dirección: Carla Simón
- Guion: Carla Simón, Arnau Vilaró
- Música: Andrea Koch
- Fotografía: Daniela Cajías
- Reparto: Jordi Pujol Dolcet, Anna Otín, Xenia Roset, Albert Bosch, Ainet Jounou, Josep Abad, Montse Oró, Carles Cabós, Berta Pipó
- Productora: Coproducción España-Italia; Avalon P.C, Elastica Films, Vilaüt Films, Kino Produzioni, Movistar Plus+, RTVE, TV3
- Género: Drama | Familia. Vida rural. Trabajo/empleo.
SINOPSIS: Durante generaciones, la familia Solé, cultiva una gran extensión de
melocotoneros en Alcarràs, una pequeña localidad rural de Cataluña. Pero
este verano, después de ochenta años cultivando la misma tierra, puede
que sea su última cosecha. EXCELENTE. La
entrañable familia Solé, al igual que otras miles a lo ancho de toda
la geografía española, se ha dedicado desde generaciones a vivir de su
trabajo en el campo. Sin embargo, esta situación está en serio peligro
debido a diferentes motivos. Por un lado esta la poca valoración de esta
actividad, pagando mucho
menos de lo que cuesta su producción. Esto conlleva otras dificultades,
tales como la especulación de los terrenos, el abandono de los jóvenes
de las zonas rurales, etc... En Alcarràs se trata de la implantación de
placas solares, que aun
siendo también necesarias ya que son una fuente de energía limpia y
renovable, puede significar la extinción del mundo rural. ¿Acaso estamos
cerca de la desaparición de una forma de vida? Sin contar
con la merma de fruta natural, es decir cultivada con los métodos
tradicionales, con mucho esfuerzo y sudor. Carla Simón cuenta con su
propia experiencia al saber lo que significa
vivir en el campo, manifestando su preocupación por la pérdida del
relevo generacional. Además, formando parte de una gran familia en su
vida real, ha deseado retratar esa sensación de unidad, de resistente
pilar, de pertenencia. Como cualquier familia, viven momentos de alegría
y celebración,
afrontando con cariño los problemas que van surgiendo con la
convivencia. Son varias generaciones las que viven bajo el mismo techo,
desde el abuelo, la tía abuela, los padres, los hijos adolescentes y los
más pequeños. Los niños, con su inocente visión de la vida, son los que
desde el
inicio de "Alcarràs" ven como su vida esta cambiando. Sus lugares de
recreo y juegos, poco a poco van desapareciendo sin poder evitarlo. A
destacar la maravillosa interpretación de los mencionados niños. Ellos
son los que aportan alegría y continuidad al núcleo familiar. Alcarràs
es una extraordinaria película en la que se aprecia el
sentimiento con el que se ha escrito y rodado. Un entrañable cuento que
transcurre en un escenario rural amenazado por la tecnología, los
intereses económicos y la política. El talento de Carla Simón va más
allá de mostrar una bonita historia
actual. Se trata también de la presentación del carácter de un pueblo,
en este caso el catalán, aunque podría verse identificado cualquier otro
de España. La importancia de la familia, el tesón y firmeza a la hora
de trabajar,
la alegría de vivir disfrutando en todo momento posible, son valiosos
rasgos para escenificar. IMPERDIBLE.
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2022: Festival de Berlín: Oso de Oro - Mejor Película2022: Festival de Málaga: Sección oficial (fuera de concurso)
DEAD
FOR A
DOLLAR
Muerto por unos dólares.
- Título original
- Dead for A Dollar
- Año: 2022
- Duración: 114 min.
Estados Unidos- Dirección: Walter Hill
- Guion: Matt Harris, Walter Hill
- Música: Xander Rodzinski
- Fotografía: Lloyd Ahern II
- Reparto: Christoph Waltz, Willem Dafoe, Rachel Brosnahan, Hamish Linklater, Brandon Scott, Doug Montoya, Ivan Lee Holmes, Benjamin Bratt, Guy Burnet, Kameron Hood, Scott Peat, Gabriela Alicia Ortega, Shawn-Caulin Young, Warren Burke, Jackamoe Buzzell, Herman Johansen
- Productora: Chaos, a Film Company, Polaris Pictures. Distribuidora: Quiver Distribution
- Género: Western. Thriller | Venganza.
SINOPSIS: Texas, 1892. El soldado desertor Elijah Jones parece haber secuestrado y
retenido en México a Rachel Price, una elegante mujer de buena familia.
Su esposo contrata al legendario cazarrecompensas Max Borland para
traerla de regreso a Texas. Al mismo tiempo, el peligroso pistolero Joe
Cribbens sale de prisión buscando venganza contra quienes lo enviaron
entre rejas, uno de los cuales fue Max. MUY BUENA. En junio último pude ver en una sala de cine (y en excelentes condiciones) la seminal The Driver
(1978). El impacto aún perdura. Ya allí podía advertirse lo que habría
de ser una línea de conducta, una constante ética y estética de Walter
Hill, director de los ya clásicos The Warriors (1979) y 48 horas
(1982): los presupuestos pueden variar, pero su respeto hacia el
trabajo y hacia el público, hacia el entretenimiento y el arte siempre
es el mismo. La inclusión de Dead for a Dollar en la Selección Oficial (fuera de competencia) del Festival de Venecia permitió su proyección en carácter de estreno mundial
y fue la excusa para la entrega de un premio a la trayectoria del
director. En ella el actor Christoph Waltz fue el encargado del
consabido panegírico sobre la carrera del laureado. Fue al momento de
recibir el premio que Walter Hill con gracia (pero también con filo)
destacó lo que había sido, para él, un milagro. Por un lado, refirió en
muy elogiosos términos al hecho de haber trabajado con un elenco como el
que conforman, entre otros, el propio Waltz, Willem Dafoe y Rachel
Brosnahan. También -añadió con astucia y malicia- había sido un milagro
(aunque, claro está, en otro sentido) conseguir el presupuesto y poder
filmar esta película. El año es 1897 y el triángulo que genera la
acción tiene como protagonistas al cazador de recompensas Max Borlund
(Waltz), su enemigo jurado Joe Cribbens (Dafoe), al que supo llevar a la
cárcel, y la Señora Kidd (Brosnahan). Esta última habría sido raptada
por un desertor del ejército (afroamericano para más datos) y, tras
llevarla a México, espera por el rescate peticionado al marido. Nada
será lo que parece en este “western conceptual” en el que Hill se vale
de las restricciones para depurar las líneas de conflicto. La acción tiene lugar en el desierto, en espacios absolutamente vacíos o
en un pueblo que de tan sintético podría llevarnos a pensar en por qué
no haber pintado en el suelo el plano de los edificios (como en Dogville).
Pero, claro, nada más lejano al universo de Lars Von Trier que esta
dinámica en la que, más allá de la violencia del contexto, la afirmación
de ciertos valores y principios se impone de manera emocionante.
Emocionante también es el plausible anacronismo con que el testarudo de
Hill sigue afirmando (con hechos, que lo de los discursos es bastante
más fácil) aquellos valores que lo han hecho uno de esos pocos cineastas
imprescindibles. A uno y otro lado de la frontera que separa a
México y Estados Unidos, Walter Hill se sirve de las herramientas y
elementos esenciales del western para plantear un conflicto en
el que las diferencias raciales y de género son sustanciales. Sin
embargo, su inclusión en la trama no se siente forzada y ello quizás
tenga que ver con que no se trata de un injerto para cumplir con ciertos
mandatos del presente. El director siempre creyó (y sostuvo) esos
valores. Así que no necesita de cantinelas ni subrayados. Como
corresponde a una de vaqueros, todo puede decirse con un tiro o un puñetazo. MUY RECOMENDABLE.
2022: Festival de Venecia: Sección oficial.
TRAILER
EL
CHEF
Boiling Point.
The Chef.
(EN CINES)
- Título original
- Boiling Point
- Año: 2021
- Duración: 92 min.
Reino Unido- Dirección: Philip Barantini
- Guion: Philip Barantini, James Cummings
- Música: Aaron May, David Ridley
- Fotografía: Matthew Lewis
- Reparto: Stephen Graham, Jason Flemyng, Ray Panthaki, Hannah Walters, Izuka Hoyle, Vinette Robinson, Áine Rose Daly, Lourdes Faberes, Malachi Kirby, Gary Lamont, Stephen McMillan, Thomas Coombes, Alice May Feetham.
- Productora: Ascendant Films, Burton Fox Films, White Hot Productions, Three Little Birds Pictures, Alpine Films, Bromantics, Insight Media Fund, Matriarch Productions, Urban Way Productions. Distribuidora: Cinobo, Filmware International, Saban Films
- Género: Drama. Thriller | Cocina.
SINOPSIS: En la noche más concurrida del año en uno de los restaurantes de moda en
Londres, el carismático jefe de cocina Andy Jones trata de no
derrumbarse ante una crisis personal y profesional que podría destruir
todo aquello por lo que ha trabajado. La inesperada visita de un
inspector de sanidad y seguridad alimentaria aumenta la presión sobre el
personal mientras no dejan de llegar más y más clientes. Andy abronca y
engatusa a su equipo indistintamente, haciendo todo lo posible para
disipar las tensiones entre la gerencia y los trabajadores, mientras
atiende a las ridículas demandas de sus clientes. EXCELENTE. Tras un cortometraje del 2019 con el mismo título de la cinta que adapta
y una interesante propuesta de mafias y venganza llamada ‘Villain’ como
hiciera Damien Chazelle con Whiplash (de corto a largometraje), ha
hecho el director Philip Barantini acertando de pleno no solo en su
forma y ejecución sino en todo lo que hay detrás de la cinta. ‘Hierve’ era una de mis películas más esperadas de este último trimestre
y la razón sencilla es que he descubierto en este último año el talento
de Stephen Graham gracias a las series ‘Condena’, ‘The Virtues’ y ‘El
crimen de Liverpool’ y a la mejor película sobre la pandemia COVID-19
‘Help’. Al leer las excelentes críticas y ver la temática las
expectativas subieron pero finalmente las han sobrepasado a mi parecer. ‘Hierve’ a simple vista puede parecer una película convencional sobre
comida, cocina y procesos culinarios pero craso error, la cinta es un
plano secuencia de 90 minutos con una gran planificación ya que no solo
envuelve en el lugar que nos enseña hasta el recoveco mas oculto del
restaurante sino el tiempo real y cada uno de los personajes con sus
matices sin soltarnos un solo segundo en un crescendo constante de
tensión que ahoga al espectador sin poder pestañear o apartar la mirada
por temor a perder detalle crucial de la trama. Dejando a un lado que pueda o no gustar el uso del plano secuencia es
bastante acertado ya que compromete al espectador a no parar la
película, dejarla a medias o verla en varios fragmentos ya que el ritmo y
la tensión se perderían. Pero la gran virtud de la cinta no es solo esa
jugada visual y narrativa envolvente sino ser capaz de manejar a tantos
personajes (alrededor de una docena), darles capas, importancia y saber
al menos algún detalle sobre ellos, no dejarlos en meros extras o
personajes unidimensionales, entrar en el juego psicológico y
sociológico de ellos con los sentimientos, las aptitudes y las vivencias
de ellos que demuestran los claroscuros de ellos en su vida aplicados
para bien o para mal en el trabajo. Puede que la cinta tenga algunos errores de guion sobre todo en las
casualidades que se juntan en apenas hora y media como en lo previsible
que puede llegar a ser alguno de los detalles que dejan caer al inicio
de la trama para desembocar en el clímax final, pero quitando eso que
queda a la subjetividad y pericia de cada uno, reflexiona sobre la
responsabilidad en el trabajo, lo que puede significar para la vida
propia y la de los demás, el trabajo en equipo y sobre todo la identidad
de las personas a la hora de afrontar los problemas y hallar
soluciones, sobre la corrupción, el capitalismo, el interés económico y
la falsedad y oportunismo del concepto ‘influencer’, de las críticas
(aunque de esto ya tenemos parte en ‘Canta 2’ y ‘Ratatouille’) y muchos
temas más que dejan un poso reflexivo en el espectador sobre el trato
que se recibe tanto del empleado al cliente como del encargado o chef al
trabajador. Se dice que los problemas del trabajo se queden ahí y los personales
queden fuera del trabajo cuando se efectúa, cada cosa en su lugar y la
cinta lo plasma a la perfección de manera realista, sobre todo quien
haya trabajado en restauración lo vivirá con más intensidad como quien
escribe estas palabras y por supuesto la cinta se aleja de aquellos
convencionalismos baratos del género y no busca la lágrima o el
efectismo. Plasma todos aquellos problemas que puedan surgir en una sola
noche en un solo sitio, con un bajo presupuesto pero con un reparto
entregado en unos personajes bien desarrollados, ‘Hierve’ se convierte
en una espiral de tensión de la que difícilmente saldrás aún terminando
el film ya que asfixiante como poco resulta, una pesadilla en la cocina,
una de las mejores películas del año y no se está hablando de ella.
Corran a verla. IMPERDIBLE.
-
2021: Premios BAFTA: 4 nominaciones, incl. mejor film británico y actor (Graham)2021: British Independent Film Awards (BIFA): 4 premios inc. mejor reparto2021: Festival de Karlovy Vary: Sección oficial largometrajes a concurso2021: Festival de Zurich: Nominado a Mejor largometraje internacional.
TRAILER
CLIFF
WALKERS
Cliff Walkers.
- Título original
- Cliff Walkers
- Año: 2021
- Duración: 120 min.
China- Dirección: Zhang Yimou
- Guion: Yongxian Quan
- Fotografía: Zhao Xiaoding
- Reparto: Zhang Yi, Zhang Hanyu, Amanda Qin, Zhu Yawen, Yu Hewei, Li Naiwen, Yu Ailei
- Productora: China Film Co, Emperor Motion Pictures [Hong Kong], Huaxia Film
- Género: Thriller | Espionaje. II Guerra Mundial.
SINOPSIS: China. El estado títere de Manchukuo. Años 30. Cuatro agentes especiales
del Partido Comunista regresan a China después de recibir entrenamiento
en la Unión Soviética. Juntos, se embarcan en una misión secreta, pero,
tras ser entregados por un traidor, los espías se verán amenazados
desde que comienza la misión. En los acantilados nevados de Manchukuo,
los espías serán puestos a prueba hasta el límite en un juego mortal de
engaños del que intentarán salir con vida. MUY BUENA. Zhang Yimou logra su primer intento en el género de espionaje con Cliff Walkers, ambientada en la década de 1930, que se centra en cuatro agentes especiales del Partido Comunista en una misión ultrasecreta en el estado títere japonés de Manchukuo. Habiendo dominado los tropos de wuxia con Hero (2002) y House Of Flying Daggers (2004), el venerable director de Fifth Generation demuestra ser tan hábil en lo que respecta al thriller de espionaje, reuniendo de alguna manera casi todos los elementos comunes imaginables en un todo tranquilizadoramente familiar. Inmaculadamente filmada en medio de una abundancia de nieve, que literalmente agrega una capa más a las enrevesadas maquinaciones, Cliff Walkers se ubica junto a Chen Kuo-fu y Gao Qunshu's The Message (2009), Choi Dong-hoon's Assassination (2015) y Kim Jee-woon's The Age Of Shadows (2016) como un caldo de cultivo histórico superior de Asia oriental. Como era de esperar con Zhang, Cliff Walkers es un placer visual. El diseñador de producción Lin Mu ofrece recreaciones a escala impresionante de las estructuras de Harbin de la década de 1930 en el lugar, mientras que la cinematografía de Zhao Xiaoding crea una sensación de traición al acecho a través de interiores sombríos. Si las atmósferas de época se ven un poco socavadas por la nitidez digital, las heladas condiciones climáticas invernales aseguran que los procedimientos cuenten con una llamativa paleta teñida de noir. En gran parte vestidos con abrigos negros, el elenco se ve envuelto con frecuencia por la nieve blanca y brillante, que se deposita fatalistamente en el ala de sus sombreros en los momentos críticos. De acuerdo con la sensibilidad tranquilizadora y anticuada, algunas secuencias exteriores casi podrían pasar por blanco y negro si no fuera por las salpicaduras del rojo característico del director de las luces de la calle o las heridas sangrantes. Puede que no agregue nada nuevo al género de espionaje, pero Zhang sabe cómo entregar un hilo desgarrador con el garbo necesario. IMPERDIBLE.
2021: Festival de Sitges:Premio del Público.
TRAILER
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Bandido.
- Título original
- Bandit
- Año: 2022
- Duración: 126 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Allan Ungar
- Guion: Kraig Wenman. Novela: Robert Knuckle
- Música: Aaron Gilhuis
- Fotografía: Alex Chinnici
- Reparto: Josh Duhamel, Elisha Cuthbert, Mel Gibson, Nestor Carbonell, Olivia d'Abo, Haley Webb, Swen Temmel, Claire Bronson, Clayton Landey, Keith Arthur Bolden, Leslie Stratton, Rachael Markarian, Spence Maughon.
- Productora: Coproducción Estados Unidos-Canadá; Yale Productions, BondIt, Goldrush Entertainment, Buffalo 8 Productions, Head Gear Films. Distribuidora: Quiver Distribution
- Género: Thriller. Acción. Drama | Robos & Atracos.
SINOPSIS: Después de escapar de una prisión de Michigan, un audaz criminal asume una nueva identidad en Canadá y pasa a robar un récord de 59 bancos y joyerías mientras es perseguido. MUY BUENA. Tan maravillosamente retratado por Josh Duhamel como el último "buen chico que no haría daño a una mosca", Robert contrasta muy bien con un usurero local. Tommy (Mel Gibson) tiene un ladrido fuerte, pero en realidad es un tipo bastante agradable que casualmente es dueño de un club de striptease y regularmente advierte a los deudores que sean regulares en sus pagos infligiéndoles dolor para recordárselos. Sin embargo, no se lo retrata como un monstruo, ni siquiera como excesivamente violento, más allá de lo que parece requerir la situación. ¿Es apropiado llamarlo un mafioso muy agradable? Como todos los canadienses de la película, Robert, Andrea y Tommy son extremadamente educados. Incluso Snydes (Nestor Carbonell), un detective de la policía local que se obsesiona con Robert, es cortés, mientras lanza palabrotas a la gente como dardos superficiales. Dado que no parece en absoluto amenazante, maldice constantemente, usando palabras f como un revólver para expresar su frustración, enojo y consternación. (Como nota al margen, me encanta que Carbonell se sienta lo suficientemente cómodo como para burlarse de su propio estilo de "delineador de ojos", que ha sido una broma corriente desde sus días en Lost). El tono de la película es totalmente placentero y agradable. Duhamel y Cuthbert forman una pareja bien avenida que se sienten cómodos el uno con el otro. Gibson tiene un par de escenas que me recordaron su habilidad para lanzar líneas con un significado personal más profundo. Evidentemente, Canadá en la década de 1980 era un entorno mucho más amigable para que los ladrones de bancos ejercieran su oficio; casi nadie parece terriblemente molesto por lo que está haciendo Robert, encogiéndose de hombros ante todas sus actividades criminales. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
LES
MAGNÉTIQUES
Les magnétiques.
- Título original
- Les magnétiques
- Año: 2021
- Duración: 98 min.
Francia- Dirección: Vincent Cardona
- Guion: Vincent Cardona, Chloé Larouchi, Maël Le Garrec, Rose Philippon, Catherine Paillé, Romain Compingt
- Música: David Sztanke
- Fotografía: Brice Pancot
- Reparto: Thimotée Robart, Joseph Olivennes, Marie Colomb, Frédéric Vonhof, Fabrice Adde, Younes Boucif, Maxence Tual, Judith Zins, Philippe Frécon, Saadia Bentaïeb, Meinhard Neumann
- Productora: Coproducción Francia-Alemania; Easy Tiger
- Género: Drama | Años 80. Radio.
SINOPSIS: En la década de 1980, en Europa, dos hermanos que producen un programa de radio están enamorados de la misma mujer. EXCELENTE. “La voz eras tú. Yo era sólo el hermano pequeño que pulsaba los botones, pero se me daba bien. Hacíamos radio, éramos rebeldes y yo estaba muy orgulloso”. Estamos en mayo de 1981 y en la televisión aparece el rostro del nuevo presidente de la república francesa: el socialista François Mitterrand. Pronto, las radios FM serán legalizadas, pero, por el momento, Jérôme y Philippe se divierten en su pequeña ciudad de provincia, en las ondas de su propia Radio Warsaw, fascinados con Marquis de Sade, The Sonics, Iggy and the Stooges, llorando por Ian Curtis y Joy Division, inventando jingles y mezclando sonidos, antes de unirse a la fiesta de alcohol, humo y baile en un bar o en plena naturaleza. Estos jóvenes, que disfrutan de la vida sin saber que están en el momento álgido de un periodo libertario que enfriará los años ochenta, protagonizan el primer largometraje de Vincent Maël Cardona, Les Magnétiques , una película que mezcla varios géneros con alegría e ingenio (crónica social, comedia, drama, romance [una chica entre dos hermanos]), estrenado en la 53ª Quincena de los Realizadores (en el marco del 74º Festival de Cannes). Philippe (Thimotée Robart) y Jérôme (Joseph Olivennes), que viven y trabajan con su padre mecánico, son el ying y el yang: el primero es amable y cohibido (y un pequeño genio del sonido) y el segundo es el centro de atracción y de agitación local. El mayor también sale con Marianne (Marie Colomb), que ha venido de la región parisina para aprender peluquería durante un año, y de quien Philippe está enamorado en secreto. Sin embargo, el ambiente es de un entusiasmo desbordante y de una gran complicidad (el pequeño suele meter en la cama a un Jérôme en avanzado estado de embriaguez, para disgusto de su padre). Pero todavía existe el servicio militar obligatorio y Philippe no consigue, a pesar de sus esfuerzos, ser declarado inútil (P4: problemas psíquicos, reciclado en la antena con P de Peace) y es enviado a Berlín durante un año. Antes de irse, Marianne le da algunas señales alentadoras… ¿Encontrará Philippe su propia voz, sus propias ondas, en el mundo de los machos alfa? ¿Qué ocurrirá en su ausencia?. Les Magnétiques, dinámica, simpática (con dos buenos intérpretes principales) y repleta de momentos divertidos, usa la música de diferentes formas creativas para exaltar la historia. La película, que juega sus cartas con un estilo alegre (a pesar de una ligera falta de originalidad en la parte final), también trata de forma implícita el germen de un cambio generacional, los límites de vivir en la provincia, en un mundo geopolítico en plena gestación (las musas del undergroud musical mundial se encuentran en Berlín del Este), en una época de malos presagios y de la muerte de Bob Marley… El reino de los K7 y de los vinilos tocaba casi a su fin, la sociedad había tomado el camino del negocio y del rigor, y se perfilaba la edad adulta con sus decisiones a veces dramáticas o depresivas, y sus idilios en ciernes. Pero no olvidemos que, como cantaban The Undertones, “Teenage dreams so hard to beat”. IMPERDIBLE.
2021: Premios César: Mejor ópera prima.
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DOCUMENTALES
54 YEARS
Los Primeros 54 Años.
The First 54 Years: An Abbreviated Manual for Military Occupation.
- Título original
- The First 54 Years: An Abbreviated Manual for Military Occupation
- Año: 2022
- Duración: 110 min.
Israel- Dirección: Avi Mograbi
- Guion: Avi Mograbi
- Fotografía: Philippe Bellaiche, Tulik Galon
- Reparto: Documental, intervenciones de: Shlomo Gazit, Zvi Barel, Avi Mograbi, Dani Bileski
- Productora: Coproducción Israel-Francia-Finlandia-Alemania; Les Films d'Ici
- Género: Documental | Conflicto árabe-israelí.
- SINOPSIS: Un relato de la ocupación israelí de los territorios palestinos en Cisjordania y la Franja de Gaza con declaraciones de soldados israelíes sobre su servicio allí. EXCELENTE. Cualquiera que conozca el cine de Mograbi se dará cuenta de la ironía que hay puesta en todo aquello. Y si no, igualmente advertirá cuál es la lógica que sostiene al film. Sus crueles «recomendaciones» de cómo manejar una ocupación militar se han armado en base a observar lo que ha hecho el ejército israelí desde 1967 para controlar, dominar y oprimir a los habitantes de los territorios ocupados conquistados militarmente ese año tras la Guerra de los Seis Días. Y los testimonios irán detallando las distintas prácticas –muchas de ellas tan crueles como naturalizadas– que se hacen para manejar a la población. El «Manual» se dividirá en tres etapas cronológicas, según las distintas facetas y tensiones políticas de cada época. Los cambios se fueron generando a partir de las distintas intifadas y de las políticas israelíes acerca de cómo actuar en esos territorios, las que van modificándose en función de los acuerdos internacionales que se firman, como los de Camp David y Oslo. Así se pasará de una primera etapa más «controlada» a una segunda más intensa y violenta hasta llegar a la que continúa hasta hoy y que empezó con los atentados suicidas a fines de los años ’90. Los testimonios son dados en forma de entrevistas a la organización de ex soldados Breaking the Silence por quienes estuvieron apostados en esos territorios. Y muchos de ellos lo hacen casi a modo de descargo o hasta confesión. Con naturalidad pero también con cierta culpa, los ex soldados reconocen prácticas brutales que eran comunes y se hacían casi sin pensar: torturas psicológicas y de las otras, abusos de poder constantes, manipulación ideológica, maltratos varios y una constante sensación de que tenían permitido hacer lo que quisieran con los locales. Algo que se acrecentó –y que se volvió aún más cruento y brutal– cuando los palestinos empezaron a devolver las agresiones, primero con pedradas y luego de maneras más violentas también. Es un recorrido doloroso que llega a una etapa, como la actual, en la que prima la sensación de que «todo vale». Hoy ya es más difícil establecer una lógica de la ocupación y la crudeza de los hechos tiene todas las características de una guerra hecha y derecha. A su manera, lo que logra el film de Mograbi es, por un lado, establecer la perversa lógica de la ocupación y, en paralelo, demostrar su inutilidad, probando como todo tipo de estrategia para una ocupación termina fracasando por la propia crueldad del sistema. De manera directa, sin vueltas ni giros narrativos curiosos, el realizador israelí entrega otra de sus miradas ferozmente críticas a la lógica política de su país. MUY RECOMENDABLE.
2022: Festival de Berlín: Competencia Oficial.
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AND THE
HOLOCAUST
Euu y el Holocausto.
MINISERIE COMPLETA
3 EPISODIOS
3 DISCOS.
- Título original
- The U.S. and the Holocaust
- Año: 2022
- Duración: 360 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Sarah Botstein, Ken Burns, Lynn Novick
- Guion: Geoffrey C. Ward
- Fotografía: Buddy Squires, Wojciech Staron
- Reparto: Documental
- Productora: Florentine Films
- Género: Documental | Miniserie de TV. Holocausto
SINOPSIS: Miniserie documental de tres episodios que examina la respuesta de Estados Unidos al Holocausto antes, durante y después de la Segunda Guerra Mundial. EXCELENTE. "The U.S. and the Holocaust", el último gran documental de PBS de Ken Burns, es un tipo de película diferente para él, ya que, a diferencia de "Baseball", "Jazz" o "Benjamin Franklin", parece una respuesta a la actualidad. eventos, hechos no solo como una conmemoración sino como una advertencia. El nativismo estadounidense, la xenofobia y la supremacía blanca, que han sido encubiertos por el presidente anterior, están renaciendo; la Liga Antidifamación encontró un aumento del 61% en los ataques a instituciones judías de 2020 a 2021. Burns (con las codirectoras Lynn Novick y Sarah Botstein) hará explícito ese punto al final de seis horas emocionalmente exigentes, repartidas en tres episodios, que se transmitirán el domingo, martes y miércoles, pero siempre está ahí, no muy lejos de la superficie. en esta historia completa de la respuesta estadounidense, y la falta de ella, a la guerra criminal de Alemania contra los judíos. Todavía circulan las mismas malas ideas sobre una identidad nacional singular, la pureza racial y el gobierno autoritario; entonces, como ahora, las teorías de la conspiración deforman el discurso político. Esto no es la Alemania nazi, pero a juzgar por las noticias, hay algunos que desearían que lo fuera, y desde los recientes ataques a las bibliotecas hasta el golpe fallido del 6 de enero de 2021, hay suficientes ecos. (La invasión rusa de Ucrania y las fantasías imperiales hitlerianas de Putin le dan a la serie una resonancia incidental separada).Tiene todas las características de una producción de Burns: el entretejido de historias personales con momentos históricos; comentario erudito de testigos presenciales e historiadores; una riqueza sin igual de fotografías y fragmentos de películas; una generosa longitud de carrera; y, como siempre, Peter Coyote narrando. El estilo mesurado de Burns —algunos lo llamarían somnoliento— no siempre favorece a su sujeto. ("Jazz" no era muy... jazzístico.) Pero en este caso, dada la naturaleza elegíaca y trágica del material, se siente completamente apropiado. “Los EE. UU. y el Holocausto” se vuelve más difícil de ver a medida que avanza, por razones obvias (es inquebrantablemente gráfico) y uno anhela físicamente la llegada de los Aliados, la destrucción del Reich, los juicios por crímenes de guerra. No me sorprendería saber que pierde espectadores de noche en noche, o encuentra menos espectadores desde el principio que un proyecto típico de Burns. Sin embargo, no creo que se haya hecho para ser popular, sino por un sentido de misión; de hecho, debe haber sido un proyecto duro con el que vivir, especialmente con la sospecha de que las personas que más necesitan verlo son las que tienen menos probabilidades de hacerlo. IMPERDIBLE.
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CINE NACIONAL
30 noches
con mi ex
30 noches con mi Ex.
- Título original
- 30 noches con mi ex
- Año: 2022
- Duración: 93 min.
Argentina- Dirección: Adrián Suar
- Guion: Pablo Solarz. Idea: Adrián Suar
- Música: Nicolás Sorin
- Fotografía: Félix Monti
- Reparto: Adrián Suar, Pilar Gamboa, Gustavo Bermúdez, Rocío Hernández, Martín Campilongo, Fernando 'Pichu' Straneo, Elisa Carricajo, Elvira Onetto, Jorge Suárez
- Productora: Patagonik. Distribuidora: Star+
- Género: Comedia. Romance | Familia.
SINOPSIS: Luego de estar años separado de su esposa, "El Turbo" (Adrián Suar) acepta el pedido de su hija en que convivan nuevamente por 30 días con su ex esposa que se está recuperando de una larga internación. La nueva vida en familia podría reavivar los sentimientos de amor y la ilusión de estar juntos. BUENA. El personaje de Pilar Gamboa es muy dinámico la mayoría de las veces y hasta se salva por momentos de no ser exagerados los rasgos de su personalidad. El guión no me pareció rico sino con la idea forzada por momentos de tocar tópicos alrededor del tema central que padece el personaje de Gamboa. Los mensajes subliminales como las puestas en escena (paredes, pared y masa martillo, plaza y simbolos) más la actitud pasiva del hombre y la actitud totalmente contraria de la mujer; me parecen que ya cansan como todas las películas en estos tiempos tienen que meter forzadamente esos mensajes, ya que no hace falta hacerlo, los paradigmas se respetan pero cuando notas que en films, guiones, spots, imposición de personajes de determinadas condiciones que deben estar si o si, entre otras cosas. Ya no hace falta forzar o no es revolucionario imponer estas cosas porque ya están aceptadas. Hasta me sorprendió que la historia se enmarque dentro de lo que es una familia tradicional y no se forzará un personaje que va con el paradigma aceptado y que es moda y a veces imposición. Supongo que es para que no quede que los problemas de las figuras paternales sean motivo de un personaje con características que la moda impone en estos tiempos, entonces creo que eso lo cuidaron sutilmente como otras sutilezas subliminales que pasan de largo y es para reír pero cumplen con el paradigma que ya no es revolución mostrarlo porque está aceptado y respetado y ya a veces cansa verlo en un film, como spot publicitario de cualquier producto, construcciones de personajes, etcétera. Con respecto a Suar, me gustan sus películas pero en escenas que navegaban en el mundo de los familiares que padecen problemas de sus vínculos, no le queda o encaja o estamos acostumbrados a verlo a Suar en otros subgéneros como los films que actuó antes pero en la mayoría del film el espectador veía al Suar actor al que lo relaciona en el imaginario siempre. RECOMENDABLE.
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EL
ENCANTO
El Encanto.
(EN CINES)
- Título original
- El encanto
- Año: 2021
- Duración: 76 min.
- Argentina
- Dirección: Juan Sasiaín, Ezequiel Tronconi
- Guion: Juan Sasiaín, Ezequiel Tronconi
- Música: Gustavo Pomeranec
- Fotografía: Eric Elizondo
- Reparto: Ezequiel Tronconi, Monica Antonopulos, Yamila Saud, Boy Olmi, Andrea Frigerio, Michel Noher, Lucas Crespi
- Productora: Cineworld, Benteveo Producciones Audiovisuales, Vaimbora Studios
- Género: Drama
SINOPSIS: Bruno (Ezequiel Tronconi) y Juliana (Mónica Antonópulos), están en pareja hace muchos años. Ella quiere ser madre, él no sabe si es el momento. Tiene miedo a perder la libertad de la vida que lleva. Un amigo le dice que los hijos “te erosionan”, sin embargo, su padre (interpretado por Boy Olmi) le aclara que los hijos “te ensanchan”. Envuelto en sus miedos e inseguridades, comenzará a tomar una serie de malas decisiones que lo llevarán a poner en riesgo el futuro de la relación. MUY BUENA. Son jóvenes, lindos y bien instalados. Desde la primera vez que los vemos, se lo pasan haciéndose arrumacos. Sólo que ella, conductora de un programa de cocina, quisiera tener un hijo. Y él, dueño de una vinoteca, preferiría esperar y busca distraerla con proyectos de viaje. Su padre y los amigos tampoco lo alientan demasiado. Al contrario. Como parte del paisaje aparecen unas cuantas chicas bonitas: una bicitonta que pierde la mochila, dos divertidas en un parque, la empleada porrista (le gusta el porro) de una juguetería, la propia ayudante de la vinoteca, muy simpática y, completando la oferta, la propia madre de la ayudante, una señora muy atractiva que, apenas lo conoce, invita al muchacho a posar desnudo para sus pinturas. Andrea Frigerio compone esa madre, y es una lástima que aparezca en una sola escena. Yamila Saud compone a su hija, y es una suerte que la veamos en más de una escena, aunque no tan en detalle como quisiéramos. En fin, no corresponde adelantar nada, sólo que el padre está a cargo de Boy Olmi y la pareja protagónica está formada por Mónica Antonópulos y Ezequiel Tronconi, también codirector y coguionista de la película junto al más experto Juan Sasiain, un autor siempre atento a las historias pequeñas del corazón. Sencilla, sin novedades ni mayores complejidades, quizás “El encanto” no sea lo mejor de Sasiain (recuérdese “Choel”, o “La Tigra, Chaco”, que firmó con Federico Godfrid), pero las actuaciones están muy bien cuidadas, el acabado formal es impecable, y todo fluye debidamente envuelto por la música suave de Gustavo Pomeraniec. MUY RECOMENDABLE.
2022: Premios Sur: 6 nominaciones incluyendo mejor director y guion original.
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CINE DE ANIMACIÓN
EL PERRO
SAMURAI
LA LEYENDA DE KAKAMUCHO
Paws of Fury: The Legend of Hank.
(EN CINES)
- Título original
- Paws of Fury: The Legend of Hank
- Año: 2022
- Duración: 97 min.
- Reino Unido
- Dirección: Rob Minkoff, Mark Koetsier, Chris Bailey
- Guion: Nate Hopper, Ed Stone, Mel Brooks, Norman Steinberg, Andrew Bergman, Richard Pryor, Alan Uger
- Música: Bear McCreary
- Fotografía: Animación, Armen Melkonian
- Reparto: Animación
- Productora: Coproducción Reino Unido-China-Estados Unidos; Align, Aniventure, Blazing Productions, Flying Tigers Entertainment, GFM Animation, Huayi Brothers. Distribuidora: Paramount Pictures
- Género: Animación. Comedia. Acción
VERSIÓN HABLADA Y SUBTITULADA EN CASTELLANO E INGLÉS.
SINOPSIS: Hank, un perro encantador con la cabeza llena de sueños sobre convertirse en samurái, parte en busca de su destino en esta comedia animada inspirada en el clásico de Mel Brooks 'Blazing Saddles'. MUY BUENA. Con producción de Mel Brooks, los guionistas reinventan la película que dirigió en 1974 "Sillas de montar calientes" (en inglés Blazzing saddles), y que originalmente se iba a titular "Blazzing Samurai". Todo ello trasladando la acción del western al Japón feudal, cuyos protagonistas son nada más y nada menos gatos y un simpático perro. Hank es un perro que es enviado a un pueblo donde solo habitan gatos. Los felinos necesitan desesperadamente un héroe que pueda protegerlos de un villano que está planeando un ataque que destruirá por completo su pacífica aldea. Hank deseoso de convertirse en un samurái, recurre a un luchador retirado llamado Jimbo para que lo entrene y le enseñe todo lo que sabe. Pero las cosas no le van bien a Hank, ya que todos los del pueblo odian a los perros... Ed Stone y Nate Hopper están acreditados como escritores en la película, pero también figuran los guionistas del film del 74 como son Norman Steinberg, Andrew Bergman, Alan Uger y el legendario actor ya fallecido Richard Pryor. Un alegato antirracista que en aquellos años dio que hablar. Como es de suponer, no faltan continuas referencias a la cultura pop, y homenajes a otros films como "West side story", "Mi vecino Totoro", "Jurassic Park", "Godzilla", "viernes 13" o "La guerra de las galaxias", algo que alegrara a los más mayores. Los personajes son muy simpáticos y el mensaje que pueden aportar a los más chicos es muy válido. IMPERDIBLE.
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MINISERIES Y SERIES
MINISERIE COMPLETA
8 EPISODIOS
3 DISCOS.
- Título original
- Dopamin
- Año: 2022
- Duración: 480 min.
Dinamarca- Dirección: Christian Vangsgaard (Creador), Martin Winther
- Guion: Malthe Koch, Christian Vangsgaard, Martin Winther. Idea: Christian Vangsgaard
- Música: Peter K. Nørgaard
- Fotografía: Sebastian Danneborn
- Reparto: Amalie Dollerup, Josefine Frida Pettersen, Jonathan Harboe, Ellen Hillingsø, Frank Thiel, Ena Spottag, Ellaha Lack, Cyron Melville, Kristian Halken, Sabrine Feldt Pedersen, Josefine Tvermoes, Claus Flygare, Alexandro Albrechtsen Aguirre.
- Productora: Kamikaze Film
- Género: Miniserie de TV | Miniserie de TV.
SINOPSIS: La relación entre Maiken y Jacob se ha estancado. Con una casa adosada y un bebé en proyecto, han entrado en la vida adulta y la pasión ha desaparecido casi por completo. Todo eso da un giro cuando Ida entra en sus vidas. Ida es noruega, bella y seductora y logra impulsar la relación entre Maiken y Jacob. Además, el trabajo algo tedioso de Maiken como enfermera administrativa cambia cuando ayuda con éxito a Ida a resucitar a un paciente con un paro cardíaco. Una experiencia que deja a las dos mujeres con mucha adrenalina. Ida convence a Maiken para que la acompañe a tomar unas copas y, por primera vez en mucho tiempo, Maiken se siente verdaderamente feliz y libre. MUY BUENA. La historia es sobre personas que trabajan en un hospital (ficticio) en Aalborg, Dinamarca. Dos de los personajes principales, Maiken (enfermera) y Jacob (aspirante a cirujano), tienen una relación que parece estarse secando. Pero eso cambiará cuando una nueva enfermera, Ida, llegue desde Noruega para unirse al equipo. Ella es la tercera principal. Muy extrovertida, guapa y seductora y muy pronto estamos seguros que tendrá un gran impacto en la relación de Maikens y Jacobs. Así como ella tiene sobre la vida cotidiana (y la muerte) en el hospital. Muy buen guión, dirección y actuaciones, sobre todo la química entre Maiken (Amalie Dollerup) e Ida (Josefine Frida) brilla. MUY RECOMENDABLE.
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MONTEROSSI
LA SERIE
SEASON 1
TEMPORADA COMPLETA
6 EPISODIOS
2 DISCOS.
- Título original
- Monterossi - La serie
- Año: 2022
- Duración: 350 min.
- Italia
- Dirección: Roan Johnson
- Guion: Roan Johnson, Davide Lantieri. Novela: Alessandro Robecchi
- Música: Ralf Hildenbeutel
- Fotografía: Federico Annicchiarico
- Reparto: Fabrizio Bentivoglio, Luca Nucera, Diego Ribon, Donatella Finocchiaro, Martina Sammarco, Silvia Briozzo, Marina Occhionero, Maria Paiato, Carla Signoris, Beatrice Schiros, Giuseppe Ippoliti, Maurizio Lombardi, Ilir Jacellari.
- Productora: Amazon Studios, Palomar. Distribuidora: Amazon Prime Video
- Género: Serie de TV. Thriller | Crimen.
SINOPSIS: Una noche, Carlo Monterossi, un famoso pero infeliz escritor de televisión, encuentra a un hombre apuntándolo con un arma a través de su puerta. Así comienza su investigación sobre la persona quería matarlo. EXCELENTE. Un mundo de espesa ironía y suspenso, con un submundo torpe y mal organizado, algunos aspirantes a detectives y exitosos creadores de televisión basura. Tal es el escenario de las aventuras de Carlo Monterossi, el personaje principal de la nueva serie creada por Roan Johnson llamada Monterossi, basada en las novelas más vendidas de Alessandro Robecchi (Sellerio). Fabrizio Bentivoglio (visto recientemente en La isla de las rosas y en La concesión del teléfono - C'era una volta Vigata) asume el papel de Carlo Monterossi, un escritor de televisión envuelto en hechos criminales. Junto a él en el reparto están Donatella Finocchiaro (visto estos últimos meses en Atrapados por una ola y Las hermanas Macaluso), Tommaso Ragno y Martina Sammarco.Tras el éxito I Delitti del BarLume, la serie adaptada de las novelas de Marco Malvaldi que llegó a su octava temporada y se convirtió así en la serie más longeva al aire en Sky Italia, Roan Johnson vuelve a dirigir una nueva serie, que ha co -escrito con Davide Lantieri y Alessandro Robecchi. El director londinense ha dirigido anteriormente The First on the List (2011), Fino a qui tutto bene (2014) y Piuma, seleccionada en competición en el Festival de Cine de Venecia de 2016. IMPERDIBLE.
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