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ESTRENOS
DE LA SEMANA
TO BLACK
Back to black.
(EN CINES)
- Título original
- Back to Black
- Año: 2024
- Duración: 122 min.
Reino Unido- Dirección: Sam Taylor-Johnson
- Guion: Matt Greenhalgh. Biografía sobre: Amy Winehouse
- Reparto: Marisa Abela, Ryan O'Doherty, Jack O'Connell, Lesley Manville.
- Compañías: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos-Francia; Monumental Pictures, Studiocanal, Canal+, Cine+, Antenne 6. Distribuidora: Focus Features.
- Género: Drama. Musical | Música. Biográfico.
SINOPSIS: La vida personal y profesional de la cantante y compositora Amy Winehouse, que comenzó como cantante de jazz para convertirse en una superestrella mundial de la música ganadora de varios premios Grammy. Su vida se truncó en 2011, a los 27 años, debido al consumo y abuso de alcohol y drogas. MUY BUENA. Back to black no se trata de un film menor que solo se salva por su actuación principal. A diferencia de mediocres biografías de músicos o bandas de rock (desde BOHEMIAN RHAPSODY a la reciente BOB MARLEY: LA LEYENDA), Taylor-Johnson narra con nervio, estilo y conocimiento del mundo que retrata. Más allá de las limitaciones del subgénero, BACK TO BLACK logra transmitir con mucha verdad algunas situaciones de la vida de Winehouse, especialmente las ligadas a los shows en vivo (como el de Glastonbury o el que hizo para los Grammy) y a la vida de una persona alcohólica que quiere pero no puede controlarse a sí misma. BACK TO BLACK no será SID & NANCY pero en el contexto entre infantilizado y en extremo mercantil de las biografías de estrellas de rock de hoy (que se hacen más que nada como parte de estrategias de marketing para relanzar catálogos musicales) es una película que ofrece un acercamiento bastante honesto a un personaje fascinante y contradictorio, al que no se quiere convertir en mito sino que se muestra con muchas de sus asperezas a flor de piel. Dueña, a la vez, de un talento impresionante y de una imposibilidad de tomar decisiones correctas –muchas veces ligadas a su adicción al alcohol–, Amy Winehouse brilló por un tiempo breve, demasiado breve. Y esta biopic es un justo homenaje a su explosiva vida. RECOMENDABLE.
TRAILER
CONTRA
TODOS
Boy kills world.
(EN CINES)
- Título original
- Boy Kills World
- Año: 2023
- Duración: 115 min.
Alemania- Dirección: Moritz Mohr
- Guion: Arend Remmers, Tyler Burton Smith, Moritz Mohr. Historia: Arend Remmers, Moritz Mohr
- Reparto: Bill Skarsgård, Yayan Ruhian, Sharlto Copley, Brett Gelman.
- Música: Ludvig Forssell
- Fotografía: Peter Matjasko
- Compañías: Coproducción Alemania-Sudáfrica-Estados Unidos; Nthibah Pictures, Hammerstone Studios, Raimi Productions, Ventaro Film. Distribuidora: Lions Gate Films
- Género: Acción. Thriller | Artes marciales. Discapacidad auditiva.
SINOPSIS: Boy es un joven sordomudo que deberá enfrentarse a la matriarca de la desquiciada familia Van del Koy que tiene a toda la población bajo su yugo. Tras vivir una trágica infancia, un enigmático chamán le ha convertido en un instrumento de venganza listo para hacer justicia. Intentando encontrar su lugar en el mundo, Boy se unirá a un peculiar equipo que decide resistirse a un sistema irracional implantado por la corrupta dinastía. MUY BUENA. Rodada en Sudáfrica con producción de Sam Raimi y con el alemán Moritz Mohr como director debutante en el largometraje, Contra todos es uno de esos cocoliches pop, una acumulación de múltiples fuentes, elementos y citas que podría haber quedado muy mal, pero que de manera sorpresiva salió bastante bien. Veamos: Boy (Bill Skarsgård) queda huérfano y sordomudo de pequeño y su único objetivo en la vida parece ser el de vengarse de la archivillana Hilda Van Der Koy (Famke Janssen). Para ello, es entrenado durante años en la clandestinidad por un enigmático chamán (Yayan Ruhian). O sea, hasta aquí algo de la distopía de Los juegos del hambre mixturado con Karate Kid. Pero usamos el término venganza, así que Contra todos recicla no pocos elementos de las sagas de John Wick y Kill Bill, y coreografías de luchas cuerpo que remiten al cine del indonesio Timo Tjahjanto, pero con espíritu de videojuego y estética de cómic. La película no intenta justificar otras motivaciones que no sean las de la mencionada venganza ni tampoco se preocupa demasiado por desarrollar la psicología de los personajes (Boy tiene recurrentes visiones en las que aparece su rebelde hermana menor). El resultado es una orgía de violencia explícita matizada con bienvenidas irrupciones de humor negro. Un film inmersivo, sin demasiados matices, que va “a los bifes”, a lo concreto, a la acción más pura y extrema (los cadáveres se cuentan de a decenas) y que, en ese sentido, funciona porque cumple exactamente con lo que promete. RECOMENDABLE.
TRAILER
LA PRIMERA
PROFECÍA
The first omen.
(EN CINES)
- Título original
- The First Omen
- Año: 2024
- Duración: 120 min.
Estados Unidos- Dirección: Arkasha Stevenson
- Guion: Tim Smith, Arkasha Stevenson, Keith Thomas. Personajes: David Seltzer
- Reparto: Nell Tiger Free, Tawfeek Barhom, Sônia Braga, Ralph Ineson.
- Música: Mark Korven
- Fotografía: Aaron Morton
- Compañías: Coproducción Estados Unidos-Italia; Phantom Four Films, 20th Century Studios, Kiwii, Cattleya, Abbey Road Studios. Distribuidora: 20th Century Fox.
- Género: Terror. Thriller | Precuela. Thriller psicológico. Sobrenatural. Religión.
SINOPSIS: Cuando una joven estadounidense es enviada a Roma para iniciar una vida de servicio a la Iglesia, se topa con una oscuridad que pone en cuestión su propia fe y descubre una conspiración aterradora que espera provocar el nacimiento de la encarnación del mal. Precuela de 'La profecía' (1976). MUY BUENA. Se está poniendo de moda revisitar grandes clásicos del terror y expandir sus historias. Se hizo con la última trilogía de Halloween (las dos primeras muy buenas y la última muy mala) y el año pasado arrancó la nueva etapa de El Exorcista. Ahora le toca a la excelente The Omen (La profecía), la película de Richard Donner de 1976, que fue un éxito abrumador y que también se la considera una película maldita, tal como pueden leer aquí. Hubo dos secuelas (podríamos catalogarlas como buenas) que conformaron la “trilogía original”. Una estrenada en 1978 y otra en 1981. Luego hubo películas para TV, malos reinicios y una pésima remake en 2006. La primera profecía es una precuela al film original y -grata sorpresa- una excelente película de terror. Me mantuvo tensionado en todo momento y superó todas mis expectativas pese a los clichés típicos. O sea, los jump-scares están muy bien puestos. Pero lo que destaco por demás, son dos secuencias estilo gore que tienen que ver con partos. No puedo decir más. Pero sepan que son muy fuertes y que pueden impresionar. La directora Arkasha Stevenson, quien viene del indie, hace un excelente laburo en puesta y construir climas y la actriz protagónica Nell Tiger Free está a la altura de lo exigido, en un papel jugado y comprometido. Entregando su cuerpo a pleno. Me encantaría contar más, pero no puedo. Reitero que sufrí (en el mejor sentido de la palabra y aplicable a una película de terror) y quiero acentuar la excelente conexión que tiene con la obra original. No se la pierdan. IMPERDIBLE.
TRAILER
Inmaculate.
(EN CINES)
- Título original
- Immaculate
- Año: 2024
- Duración: 89 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Michael Mohan
- Guion: Andrew Lobel
- Reparto: Sydney Sweeney, Álvaro Morte, Simona Tabasco, Benedetta Porcaroli.
- Compañías: Black Bear Pictures, Fifty-Fifty Films, Lupin Film. Distribuidora: Neon
- Género: Terror. Thriller | Religión.
- SINOPSIS: Cecilia, una mujer de fe devota, recibe una cálida bienvenida a la perfecta campiña italiana, donde le ofrecen un nuevo puesto en un ilustre convento. Pero Cecilia se da cuenta de que su nuevo hogar esconde oscuros y horripilantes secretos. MUY BUENA. La religión siempre ha sido un componente inherente a lo terrorífico precisamente por la subversión de la divinidad, de la bondad. Immaculate bebe del nuevo extremismo francés con películas como 'Trouble Every Day' (Claire Denis, Francia, 2001), 'Al interior' ('À l'intérieur', Alexandre Bustillo y Julien Maury, Francia, 2007), 'Mártires' ('Martyrs', Pascal Laugier, Francia, 2008) o 'Frontière[s]' (Xavier Gens, Francia, 2007), entre otras. Las películas circunscritas dentro de esta categoría desprenden una fuerte preocupación por el cuerpo humano, sometiéndolo a innumerables alteraciones y escenas de sangre y repugnancia que provocan rechazo al mismo tiempo que generan preocupación e interés. Asimismo, otro fuerte precursor del terror en la película es el miedo a la otredad, a lo desconocido. Aquello que al personaje de Sweeney se le descubre como un milagro divino se torna terrorífico en cuanto se da cuenta de que es una imposición y no una decisión propia para conseguir un propósito. La coacción no suena especialmente bondadosa, ni siquiera cuando proviene de un sacerdote. Este miedo al más allá, a lo que desconocemos, es puramente intrínseco a las religiones. Necesitamos que alguien o algo calme nuestras inquietudes y de respuesta a las grandes preguntas cosmogónicas. Parece que la hermana Cecilia ha decidido que ella misma puede hacerlo, quizá ese es su destino divino. El reparto es muy acertado. Inesperado, también, teniendo en cuenta que aparece tanto Álvaro Morte ('La Casa de Papel'), Simona Tabasco ('The White Lotus' temporada 2), Benedetta Porcaroli ('Baby') y Dora Romano y Giorgio Colangeli, dos habituales de la televisión y el cine italiano. La combinación italo-española-estadounidense funciona excelentemente, consiguiendo la tensión necesaria para que las interpretaciones resulten creíbles y consonantes al resto de aspectos del filme. Sweeney, por su parte, domina la pantalla con una entrega máxima. Muy disfrutable ver la gracia y el disfrute con los que sale de su zona de confort y consigue dirigir la película hacia sus deseados derroteros. Es totalmente comprensible el porqué luchó tanto por sacar adelante el proyecto, ya que como protagonista lidera la imagen. Immaculate es, sin duda, todo un descubrimiento. Tanto por su más que interesante concepto como por la incursión en el terror de su reparto. En cuanto a aspectos técnicos, hay margen de mejora: tiene los elementos, únicamente le falta conseguir mezclarlos más profundamente para que todo quede perfectamente integrado. Lo poco agrada, lo mucho acaba cansando. Cualquier amante del terror va a apreciar este película pero también los amantes del suspenso ya que "Inmaculate"tiene y mucho del género junto con una buena y visceral ración de violencia, la que la hace unos de los mejores films del género del año. MUY RECOMENDABLE.
- TRAILER
DE LA MUERTE
Tarot.
(EN CINES)
- Título original
- Tarot.
- Año: 2024
- Duración: 92 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Spenser Cohen, Anna Halberg
- Guion: Spenser Cohen, Anna Halberg. Novela: Nicholas Adams
- Reparto: Alana Boden, Jacob Batalon, Humberly González, Olwen Fouere.
- Música: Joseph Bishara
- Fotografía: Elie Smolkin
- Compañías: Alloy Entertainment, Screen Gems, Ground Control, Capstone Pictures. Distribuidora: Sony Pictures Releasing
- Género: Terror | Slasher.
SINOPSIS: Cuando un grupo de amigos infringe de manera imprudente la regla sagrada de la lectura de las cartas del Tarot -nunca se debe utilizar la baraja de otra persona-, desatan sin saberlo un mal atrapado en las cartas malditas. Uno a uno, se enfrentan cara a cara al destino y acaban en una carrera contra la muerte para escapar del futuro que las cartas predicen. BUENA. Salida prácticamente de la nada, ha llegado la película de terror Tarot este 2024. La premisa es sencilla, un grupo de amigos de la universidad comienzan a morir de maneras relacionadas con su fortuna después de que les lean los horóscopos. Desde este simple punto de partida, que ocurre nada más iniciar el film, tenemos una película que por el trailer parece bastante genérica, pero ha sido una grata sorpresa. Ojo, no es una joya, ni va a ser una película de la que nadie hable después tras verla, pero es un film bastante entretenido, rápido, que me ha recordado a esa ambientación de película de los 90 para ver y disfrutar un rato. Tarot, no propone nada nuevo ni lo necesita, es una película de corte sobrenatural, con “entes”, escenas cliché a la hora de los sustos, algún screamer, muertes y poco más. Pero tiene algunos puntos fuertes e interesantes a destacar, así como también cosillas que, de haber pulido mejor, hubieran mejorado la película. Hay varias cosas que maneja muy bien, la tensión en los momentos de las muertes (que no los sustos, ojo), el lore detrás de las cartas del Tarot que provoca todo y el diseño de cada una de las representaciones de las cartas que aparecen. El elenco en general funciona, es genérico, pero funciona. El más destacable es Paxton (Jacob Batalon), digamos que es el aporte cómico, pero es un humor que encaja bien en el film y no se hace pesado. La película es muy entretenida, pasa rápido, eso sí, no esperéis chorros de sangre, gore, o muertes explícitas, es muy sutil en las muertes, casi todas fuera de cámara, que es quizás el mayor error que le puedo poner al film. No sé si se ha hecho siempre con esa intención, o es una película mutilada para la calificación de edades, pero se siente forzada a cortar y confirmarnos las muertes con sonidos, en vez de mostrar. Entiendo que, esto no es un slasher, pero... podrían haber sido más atrevidos en esos casos. Como dije anteriormente tarot es una película entretenida, que funciona, con una buena historia de fondo, con boss final incluido, buen diseño y caracterización, muertes sosas, poco explicitas y poco atrevida en eso. Para los que estamos acostumbrados a este tipo de cine, seguramente no nos cause ni miedo, ni terror, ni nada, simplemente disfrutar de lo que nos ofrece. Lo bueno de ver estos filmes en salas de cine, es poder comprobar que aún hay gente que siente miedo con este tipo de películas, y eso, no se debería perder nunca. No la recordarás por siempre, pero pasas un buen rato con ella. RECOMENDABLE.
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DAMAGED
Dañado.
- Título original
- Damaged
- Año: 2024
- Duración: 92 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Terry McDonough
- Guion: Paul Aniello, Koji Steven Sakai, Gianni Capaldi
- Reparto: Samuel L. Jackson, Vincent Cassel, Gianni Capaldi, John Hannah.
- Música: Andrea Ridolfi
- Fotografía: Matthias Pötsch
- Compañías Coproducción Estados Unidos-Reino Unido;
- Género: Drama. Acción | Asesinos en serie. Crimen. Policíaco.
SINOPSIS: Dan Lawson, un detective de Chicago, viaja a Escocia para reunirse con el detective escocés Glen Boyd, tras el regreso de un asesino en serie cuyos crímenes coinciden con un caso sin resolver que él investigó cinco años antes en Chicago. MUY BUENA. El inquietante film de cine negro 'Damaged' lleva a un policía desde Lake Shore Drive a lagos de Escocia. Samuel L. Jackson vuelve a la pantalla como detective de Chicago que investiga asesinatos en serie en Edimburgo. También está el antiguo compañero de Dan, un tal Walker Bravo ( en excelente actor francés Vincent Cassel), cuyas experiencias en el trabajo fueron muy traumáticas. Ahora, sin embargo, Walker ha accedido a ayudar a Dan y Glen con su investigación del caso en Escocia. Con el aumento del número de muertos, surgen varios sospechosos, y lo único que sabemos de cientos de entradas anteriores en este género es que el candidato más obvio probablemente NO sea el asesino. ¿O quizás esta vez sí lo sea? Lo veremos. Dirigida de manera ágil por Terry McDonough (cuyos amplios créditos televisivos incluyen la dirección de “Breaking Bad” y “Better Call Saul”) y con actuaciones destacadas de un elenco de primera categoría que también incluye a Gianni Capaldi y Laura Haddock, “Damaged” tiene una especie de vibra de “Se7en pero en Escocia”. El viaje en este film es oscuro e implacable. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
LE
CONSENTEMENT
El consentimiento.
- Título original
- Le Consentement.
- Año: 2023
- Duración: 119 min.
Francia- Dirección: Vanessa Filho
- Guion: Vanessa Filho, Vanessa Springora. Libro: Vanessa Springora
- Reparto: Kim Higelin, Jean-Paul Rouve, Laetitia Casta, Sara Giraudeau.
-
- Música: Olivier Coursier, Audrey Ismael
- Fotografía: Guillaume Schiffman
- Compañías: France 2 Cinema, Moana Films, Panache Productions, The Film Company, Windy Production, La Compagnie Cinématographique. Distribuidora: Pan Distribution
- Género: Drama | Biográfico. Abusos sexuales. Años 80.
SINOPSIS: París, 1985. Vanessa tiene trece años cuando conoce a Gabriel Matzneff,
un hombre muy inteligente y manipulador. El reconocido escritor de
cincuenta años seduce a la joven. La adolescente se convierte en la
amante y musa de un hombre celebrado por el mundo cultural y político.
Perdiéndose en la relación, gradualmente comienza a darse cuenta de cuán
destructiva y anormal es la situación, hasta que finalmente ve a
Gabriel Matzneff como el depredador que realmente es. Vanessa ahora
tiene un largo viaje para liberarse de su influencia y sanar de su
sufrimiento. EXCELENTE. La construcción de los personajes en El consentimiento es compleja.
Vanessa (Kim Higelin) tiene unos 14 años. Su entorno familiar es
inestable, viviendo con su madre alcohólica. Su grupo de amigas comienza
a experimentar los cambios y las hormonas. De repente, todo lo que
consideraba normal queda puesto en duda. Y es Gabriel (Jean-Paul Rouve)
quien, en ese momento, hace goce de su poder e influencia para
aprovecharse de la niña. La actuación de Higelin está repleta de matices. Pero, en realidad, la
de prácticamente todos los personajes lo está (la madre reticente pero
consentidora, los medios de comunicación que justifican y critican a la
vez, los compañeros de profesión que hacen la vista gorda...). La
película se apoya en las interpretaciones, dándole más peso al fondo
sobre la forma. De hecho, la obra peca en cierta manera de poseer una
estética menos brillante que su discurso. Filho pisa sobre seguro y no
arriesga ni con su puesta en escena ni con sus directrices técnicas. En esta misma línea, es complicado no juzgar con la ceja levantada,
inquisitivamente, cualquier escena sexual explícita entre una menor y un
hombre adulto. La directora rehuye el tono lascivo para centrar todo en
la construcción de la incomodidad. A través del paisaje sonoro y el
enmarque constante del rostro de Higelin se denota una perversión oscura
y aberrante. Solo los ojos más enfermos podrían hallar lugar para la
duda en las escenas de la película. Gabriel, escritor de profesión, redacta continuamente sus pensamientos y
reflexiones. En esta misma línea, Vanessa también tiene un diario. Si
Matzneff pudo publicar sus experiencias autobiográficas como depredador
sexual, pedófilo y abusador sin problema alguno, ¿por qué debería
Springora resignarse y callarse? ¿Por qué no contarlo todo también? «“Si no es una historia de amor, ¿entonces qué es?” Miro sus ojos
vidriosos, su rostro de empatía abierta. “Es mi vida”, digo. “Esta ha
sido toda mi vida”.» escribe Kate Elizabeth Russell en su libro My Dark
Vanessa. De esta manera, expone una situación muy recurrente en víctimas
de abusos sexuales. No es solo que no vean la violencia, sino que no
pueden permitirse verla. En el caso de la Vanessa de Russell, se niega a
admitirse como víctima para intentar ahorrarse el dolor de saberse
herida toda su vida. La Vanessa de El consentimiento pasa por un proceso similar. Se da
cuenta de las conductas violentas y sádicas de Gabriel, pero le cuesta
conseguir admitirlas. Al fin y al cabo, él es la única estabilidad que
conoce, hecho que el escritor explota a su conveniencia. Se aprovecha de
la inocencia y el miedo de los niños y las niñas, y de todos los
silencios cómplices. La película expone sin reparo el comportamiento pederasta del escritor
Gabriel Matzneff con Vanessa Springora, aunque también comenta la
existencia de otros casos similares. Filho muestra su proceder como un
patrón sistemático en el que busca aprovecharse de jóvenes deslumbradas
por su capacidad artística y en posición de desventaja frente a su
poderosa figura para robarles su infancia. Son multitud las escenas y
comentarios incómodos, fuera de lugar, sexuales y manipuladores que le
dedica a la adolescente. El giro que se desarrolla en su personaje,
además, explica buena parte del miedo a perderlo todo de Vanessa.
Siempre es ella la que sale perdiendo, la que es juzgada, la que es
castigada. Las técnicas de persuasión, aislamiento y control emocional
del adulto son mostradas progresivamente de una manera perversa y
creíble. El consentimiento es una película incómoda donde la construcción del
mensaje tiene mayor voluntad que el tratamiento de las imágenes. Pone en
evidencia el fallido sistema de protección de menores así como la
hipocresía y crueldad de los adultos tanto en casos particulares como en
general. El abuso es consentido de manera social, se permite e incluso se
aplaude. Vanessa Filho nos apela directamente como espectadores,
cuestionando nuestra permisividad ante estas atrocidades. No podemos
poner una mueca de disgusto cuando vemos a Gabriel penetrar a una
Vanessa de 14 años y comentar que "se siente como una niña pequeña" si
después justificamos el turismo sexual con menores de nuestros autores
españoles, las violaciones de nuestros directores de cine y los gritos
de nuestras vecinas. IMPERDIBLE.
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BLACKBIRD
BLACKBIRD
BLACKBERRY
Mirlo mirlo mora.
Shashvi shashvi maq'vali.
- Título original
- Shashvi shashvi maq'vali
- Año: 2023
- Duración: 110 min.
Georgia- Dirección: Elene Naveriani
- Guion: Nikoloz Mdivani, Elene Naveriani. Novela: Tamta Melashvili
- Reparto: Eka Chavleishvili, Temiko Chichinadze.
- Fotografía: Agnesh Pakozdi
- Compañías Coproducción Georgia-Suiza; Alva Film, Takes Film. Distribuidora: Totem Films.
- Género: Drama. comedia. sexualidad.
- SINOPSIS: Etero regenta un modesto ultramarinos en los páramos georgianos. Virgen a
sus 48 años, es víctima del cotilleo y las burlas sobre su situación. A
ella no podría importarle menos, pero repentinamente descubre el amor,
el primer amor y aunque la sacude hasta los huesos, no hace nada para
romper su profunda independencia. MUY BUENA. BLACKBIRD… tiene un tono de cuento de pueblo chico
que coquetea con el humor seco de las películas de Aki Kaurismäki pero
sin ser formalmente tan rigurosa. Etero tiene cara de pocos amigos,
raramente gesticula y parece siempre un tanto molesta con todo y con
todos, aún en sus momentos románticos. En un relato de bienvenida
franqueza sexual para dos personajes que rondan los 50, la película se
va transformando en un retrato de esta mujer que está en un momento raro
de su vida: cuando todas las mujeres que la rodean hablan de la
menopausia ella está descubriendo el sexo y entendiendo cómo eso la
afecta. Se trata de un cuento amable, por momentos extraño (las decisiones
narrativas son un tanto caprichosas) y que quizás tenga el problema de
que su protagonista es demasiado áspera como para que el espectador
pueda acercarse a ella y, si se quiere, comprenderla del todo. A partir
de cierto momento y gracias a algunas revelaciones, Etero se convierte
en algo más que una idea de personaje para ser alguien con un mayor
grado de complejidad. Y eso permite que todo lo que suceda de allí en
adelante se viva con más empatía. Es gracias a eso que esta película
georgiana logra ir un poco más allá de su simpático planteo temático
para ser un retrato honesto de una mujer a la que le pasan cosas comunes
a una edad poco habitual para que esas cosas pasen. IMPERDIBLE.
- TRAILER
LIES WE
TELL
El Legado.
- Título original
- Lies We Tell
- Año: 2023
- Duración: 89 min.
Irlanda- Dirección: Lisa Mulcahy
- Guion: Elisabeth Gooch. Novela: Joseph Sheridan Le Fanu
- Reparto: Agnes O'Casey, David Wilmot, Holly Sturton, Chris Walley.
- Música: Aza Hand
- Fotografía: Eleanor Bowman
- Compañías: Blue Ink Films, Fís Éireann/Screen, Screen Ireland
- Género: Drama. Thriller | Thriller psicológico. Drama de época.
SINOPSIS: Basada en la clásica novela de misterio ‘El tío Silas’ de Joseph Sheridan Le Fanu. En las profundidades de una vasta y remota finca de la Irlanda salvaje vive Maud, una joven de 18 años recién castigada por la repentina muerte de su padre y heredera de todos sus bienes. Su tío Silas, sospechoso de asesinato, es considerado el fideicomisario de Maud hasta que ella cumpla los 21. Los lobos empiezan a rodearla… siendo Silas el titiritero de un grupo de depredadores, todos dispuestos a conseguir su trozo de carne. MUY BUENA. El mundo de apariencias y fachadas que rige el género del melodrama de época siempre es un buen escaparate de las conductas humanas. En este caso, la pasivo-agresividad de las discusiones a la hora del té enfatizan los escapes de violencia que protagonizan algunos personajes. La fotografía logra meternos desde el primer momento en la campiña irlandesa. La totalidad de la acción transcurre dentro de los confines de Knowl, un entorno majestuoso, viejo, y de lúgubre estética victoriana. En un drama de época, el apartado de vestuario está siempre en el foco, y esta no es una excepción. El toque distintivo de El Legado en este aspecto son la gama de vestidos oscuros y serios de Maude. Son necesarios por el duelo hacia la muerte de su padre, pero también consecuentes con el tono sombrío de todo el largometraje. El Legado ofrece, en general, un buen equilibrio entre drama de época y thriller. Gustará a los amantes de otras propuestas en las que los de alta alcurnia discuten lanzándose comentarios mordaces como si fuesen estocadas. También gustará a quienes les interese más el thriller psicológico y sentir la angustia creciente de la protagonista. Durante toda la cinta hay un equilibrio entre ambos componentes, pero es cierto que el tramo final resulta precipitado y ahí la intriga no da de sí todo lo que podría. La resolución se presenta de forma abrupta, afectando al conjunto del tercer acto. Puestos a señalar flaquezas, la historia de la muerte cometida hace décadas en Knowl, en la cual se acusó a tío Silas, acaba siendo apenas relevante. Dado el énfasis que se le da en un principio, parece que se deje de lado de mala manera una vez la película encuentra una problemática más jugosa en la que centrarse. El Legado mezcla solventemente drama de época e intriga. La notable interpretación de Agnes O’Casey como Maude, y la aterrante situación en la que el personaje se encuentra, nos hará imposible no sufrir junto a ella y anhelar un final feliz. Es una acertada revisión de un texto de más de un siglo de antigüedad, que logra que sea una historia tan actual como atemporal. IMPERDIBLE.
TRAILER
NORYANG
LA BATALLA FINAL
Noryang.
Disponibles "El Almirante" y "La batalla del Dragón"
- Título original
- Noryang.
- Año: 2023
- Duración: 152 min.
Corea del Sur- Dirección: Kim Han-min
- Reparto: Yeo Jin-goo, Kim Yoon-seok, Jae-young Kim, Seong-Bong Ahn.
- Compañías: Distribuidora: Capella Film, The Filmbridge
- Género: Acción. Bélico | Biográfico. Histórico. Siglo XVI.
- SINOPSIS: En 1598, la Guerra de Imjin, que duró siete años, llega a su fin cuando los invasores Wae se preparan para retirarse de Joseon. El almirante Yi Sun-shin lidera una flota aliada de barcos de Joseon y Ming para aniquilar al ejército Wae. Las fuerzas de Joseon, Ming y Wae se enfrentan en el estrecho de Noryang, el mar mortal donde el almirante Yi libró la última gran batalla de las invasiones japonesas de Corea (1592-1598). MUY BUENA. ‘Noryang: el mar de la muerte’ es la película con la que el director Kim Han Min culmina la trilogía sobre el almirante Yi Sun Sin, que comenzó con ‘"El Almirante", estrenada en 2014, y siguió con "La batalla del Dragón’, presentada al público en 2023. Si bien las tres obras se centran en la misma guerra, que desató la invasión japonesa de 1592 y duró siete años, y Yi Sun Sin, considerado el héroe de dicha guerra y la figura histórica más querida y respetada por los coreanos, cada entrega se enfoca en un aspecto diferente de él. La primera parte de la trilogía, ‘Myeongryang’ o ‘Corriente rugientes’ destaca el sacrificio del pueblo que hizo posible que Joseon, con apenas doce barcos, lograra vencer en una batalla a los invasores japoneses, que atacaban con 330 buques. Retrata a un Yi Sun Sin que lidera esa batalla superando las dificultades con una sorprendente fuerza de voluntad, sin dejarse derrotar por la crisis o las frustraciones. En la segunda parte, ‘Hansan: el dragón ascendente’, la dramática visualización de las inteligentes tácticas de combate de Yi Sun Sin, representadas por el barco acorazado Geobukseon o barco tortuga, sumerge al espectador en una experiencia catártica y muestra el lado frío y calculador de un líder que, con una óptima preparación y una muy bien planeada estrategia, consigue revertir la situación de las fuerzas de Joseon frente a Japón. Finalmente, ‘Noryang: el mar de la muerte’ cierra la trilogía con una reflexión sobre el significado y el impacto de esa guerra de siete años, tanto para el estado como para los ciudadanos que la sufrieron, al tiempo de ilustrar el sublime objetivo de Yi Sun Sin, quien incluso apostó su propia vida para terminar la guerra y desterrar posibles ataques similares a futuro. IMPERDIBLE.
- TRAILER
GRAND
JETÉ
El gran salto.
- Título original
- Grand Jeté
- Año: 2022
- Duración: 105 min.
- Alemania
- Dirección: Isabelle Stever
- Guion: Anna Melikova. Novela: Anke Stelling
- Reparto: Sarah Nevada Grether, Emil von Schönfels, Sussane Bredehoft, Stefan Rudolf, Ellen Müller, Maya Kornev, Jule Böwe, Eva Medusa Gühne, Anne Presting.
- Música: Thomas Mehlhorn
- Fotografía: Constantin Campean
- Compañías: Brave New Work
- Género: Drama | Familia
SINOPSIS: Para concentrarse en su carrera, una profesora de ballet vive alejada de
su hijo pequeño, que creció con su madre. Cuando se reencuentra con él
después de años, surge un afecto que va mucho más allá del amor materno. MUY BUENA. Aunque no es nuevo, el incesto como base narrativa de una historia
sigue siendo delicado. Stever añade a esta incomodidad su estilo visual,
manteniendo al espectador al margen de los acontecimientos y no
permitiéndonos ver el cuadro completo en ningún momento. El formato 3:2
fuerza al film a centrarse en lo esencial, según gente y objetos entran
y salen del marco de visión del espectador a intervalos repentinos. Los
ángulos de la cámara son caóticos, casi agresivos. En algunas escenas,
el director de fotografía, Constantin Campean, opta por
una toma tradicional amplia o de ubicación. En otras, planea sobre los
personajes como una cámara de vigilancia. Su longitud focal fija permite
que cosas aparezcan y se disipen en el fondo, persistiendo en sombras
borrosas, de refilón. Sin embargo, los temas principales de la película son transportados
por numerosas tomas de cerca. Enfocado en pies amoratados, eccema en el
cuello, u órganos sexuales, el encuadre está lleno de fisicalidad. Esto
se explora aún más una vez que Nadja (Sarah Nevada Grether) y Mario (Emil von Schönfels)
empiezan a busca la mirada y el tacto del otro. Destellos de partes de
cuerpos dan forma a la composición visual. No hay belleza en estos
encuentros, pero tampoco vergüenza. La fisicalidad es una de las piedras angulares de la fuente misma.
Nadja y Mario están obsesionados con sus cuerpos. Nadja no es solo una
bailarina, cuya moneda de cambio principal es la perfectamente delgada
complexión de su cuerpo. Años de desgaste también han erosionado su
personalidad, haciéndola indiferente a su entorno. Con su pelo siempre
en un moño estricto, regaña a aquellas de sus alumnas que no se
comprometen con la misma perfección que ella. Pesarse es una actividad
habitual en su estudio de danza, y el peso de las chicas prepubescentes
es anotado en un cuaderno. Repetidamente, rechaza un bastón que
necesita, que supuestamente tiene que usar por sus lesiones, pues haría
que pareciese rota. Por otro lado, Mario está obsesionado con las trivialidades
masculinas de la juventud y con perfeccionar su cuerpo con
entrenamientos en el estudio. Compite en competiciones del tipo en que
gana el último que caiga, en las que pesas se adhieren a su miembro; él
también ve su cuerpo como un vehículo para definir su identidad. La
reconexión entre él y Nadja no es, por lo tanto, ni la historia de un
amor inapropiado ni la de un mal amor de madre. Es la historia de cómo
se usan el uno al otro, utilizando el cuerpo del otro como una forma de
forzar aún más el suyo propio, el incesto como ejercicio físico. Un Grand Jeté en el ballet se refiere a un salto en el que el
bailarín ejecuta un brinco alto con una pierna estirada hacia delante y
la otra estirada hacia atrás, haciendo que parezca como si se abriese de
piernas en pleno aire. Este momento de estar suspendido en el aire,
despegando con un pie y saltando para aterrizar con el otro, es el
epítome del estado emocional de Nadja. Atrapada en una relación que no
la satisface en Berlín, y con sus mejores días de bailarina tras de sí,
busca propósito. Visitar a su hijo y a su madre por primera vez en diez años podría
parecer un quehacer. Pero el involucrarse con Mario les deja a ambos
suspendidos en el aire. Ambos saben probablemente que su “relación” no
tiene futuro. Pero quizás romance no es lo que Nadja necesita de él para
seguir con su vida; él puede ser la clave para encontrarse a sí misma
de nuevo. Esta determinación es una de las últimas provocaciones de la
historia. Y aun así, el espectador no puede evitar sentirse solidario para con
ellos, a pesar de su perspectiva superficial sobre la vida, y hay algo
completamente humano en ello. Isabelle Stever sabe como desarrollar la
historia de una forma más delicada de lo que la fuente originalpodría
haber sugerido. IMPERDIBLE.
2022: Festival de Gijón: Premio de la crítica.
TRAILER
CINE DE AYER
CICLO: Sean Baker "Ganador de cannes 2024"
Estrellita.
- Título original
- Starlet
- Año: 2012
- Duración: 103 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Sean Baker
- Guion: Sean Baker, Chris Bergoch
- Reparto: Dree Hemingway, Besedka Johnson, Stella Maeve, James Ransone.
- Fotografía: Radium Cheung
- Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; Cre Film, Cunningham & Maybach Films, Freestyle Picture Company.
- Género: Drama | Amistad. Vejez / Madurez. Perros/Lobos. Sexualidad y pornografía. Cine independiente USA.
SINOPSIS: Historia del surgimiento de la amistad entre una chica de 21 años y su
vecina de 82. Dree Hemingway (biznieta del famoso escritor) es Jane, una
muchacha que acaba de mudarse con una pareja de amigos de su edad,
insegura e inmadura, con quienes comparte momentos de videojuegos y
ocio. Jane conoce a Sadie, una anciana que se resiste a la amistad de la
joven, y debido a una confusión que hace que Jane se quede con dinero
de Sadie, se producen una serie de acontecimientos que permitirán la
empatía entre ellas, aunque también cuesten decepciones. EXCELENTE. La biznieta de Ernest Hemingway, e hija de Mariel Hemingway, Dree
Hemingway, interpreta a la protagonista de "Starlet". La actriz y modelo
(más modelo que actriz probablemente, al menos por ahora) interpreta a
Jane y Tess. Jane y Tess son la misma persona pero uno es su nombre
verdadero y el otro su nombre, artístico llamémoslo. Jane acaba de mudarse con su amiga y colega e intenta decorar su
habitación y para eso asiste a ventas de garages (costumbre muy
utilizada por aquellos pagos), donde consigue cosas usadas por valores
mucho menores que en otro lado. Así, vuelve a su casa con un termo. Cuando va a utilizarlo, encuentra en él un fajo de dólares, mucho dinero
para ella. Si bien en un principio tiene intenciones de devolvérselo a
su dueña, ésta le cierra la puerta en la cara y ella se queda, en
secreto de todos, con el dinero. Pero ese dinero nunca va a llenar el vacío verdadero que hay en ella.
Acompañada siempre de su perrito, Starlet, Jane regresa a la casa de la
señora y se va a acercando cada vez más. La personalidad de Jane, una
muchacha que espera enamorarse pero sabe que nunca va a ser fácil estar
con ella, joven e impulsiva, va permitiendo que esta señora, ya mayor y
cansada, y sobre todo sola, se vaya soltando y entre ambas surja una
amistad cada vez más fuerte. A lo largo de la película descubrimos la verdadera profesión de Jane, es
decir, cuando se convierte en Tess. También percibimos cierta ausencia
maternal, o mejor dicho indiferencia por parte de su madre. Y también
que su compañera y colega no es amiga, pues sólo le importa ella misma.
Pero es al final de la película cuando descubrimos algo más, lo que es
en verdad importante. Y es ese rincón vacío que cada una está intentando llenar en la vida de
la otra. Es el por qué, aunque a simple vista sean tan distintas y no
tengan nada que ver, pueden sentarse una al lado de la otra y viajar.
Porque sus soledades se encuentran, la soledad de una actriz porno que
no puede pensar en salir con nadie, y la de una mujer jubilada cuya
mayor diversión es ir al bingo. Vale resaltar que la señora, la otra protagonista de la pelíicula, es
Besedka Johnson, una actriz que fue descubierta a los 85 años para
actuar en esta película y falleció en abril de este año. IMPERDIBLE.
Mandarina.
- Título original
- Tangerine
- Año: 2015
- Duración: 88 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Sean Baker
- Guion: Sean Baker, Chris Bergoch
- Reparto: Kitana Kiki Rodriguez, Mya Taylor, Karren Karagulian, Mickey O'Hagan.
- Fotografía: Sean Baker, Radium Cheung
- Compañías: Duplass Brothers Productions, Through Films
- Género: Comedia. Drama | Transexualidad / transgénero. Amistad. Prostitución. Navidad. Cine independiente USA. Comedia dramática.
SINOPSIS: En la víspera de Navidad, la prostituta transgénero Sin-Dee Rella, que
acaba de cumplir una sentencia en prisión, se encuentra con su amiga
Alexandra, que le informa de que su novio Chester ha estado engañándola.
Ahora, Sin-Dee Rella iniciará una búsqueda por la ciudad para descubrir
la verdad. EXCELENTE. Es 24 de diciembre, Sin-Dee (Kitana Kiki Rodriguez) sale de prisión tras
pasar poco menos de un mes tras rejas, se encuentra con su amiga
Alexandra (Mya Taylor) quien anhela ser cantante y tiene un evento esa
noche, ambas son prostitutas transgénero que laboran en las calles de
Hollywood, California. El conflicto del film recae en el momento en que Alexandra le cuenta a
su amiga que su novio Chester (James Ransone) le ha sido infiel con una
de sus prostitutas, ya que es un proxeneta, esto los días previos en que
estuvo encarcelada. Enfurecida, Sin-Dee decide recorrer la ciudad para
buscar a esta mujer para encarar a su novio. Mientras todo esto sucede, Razmik (Karren Karagulian) un taxista de
origen armenio se encuentra laborando antes de ir a pasar la cena de
noche buena con su familia y su molesta suegra. Por este motivo vemos el
desfile de distintos clientes que conforman el imaginario festivo de la
ciudad. Tangerine es el nuevo largometraje del realizador neoyorkino Sean Baker,
una de los más importantes en la escena del cine independiente
estadounidense, Baker funge además de director funge como productor,
editor, guionista y encargado del casting ambas junto a Chris Bergoch,
además de encargado de la fotografía y operador de cámara, en ambos
departamentos junto a Radium Cheung. La película se aleja de cualquier convencionalismo, a pesar de estar
centrada en el punto más alto en cuanto al glamour cinematográfico,
Baker opta por presentar múltiples personajes de esos estratos sociales
que muchas veces se intenta ignorar: prostitutas, travestis,
drogadictos, inmigrantes, indígenas estadounidenses, jóvenes que solo
piensan en fiestas, etc. Tangerine es un film con una trama sencilla pero que está realizada con
un virtuosismo deslumbrante que de verdad da muestras de la calidad de
su director, no porque la historia sea sencilla no quiere decir que no
sorprenda recurrentemente ni tenga giros sobresalientes, en especial el
último que pone a prueba la amistad de las dos amigas. Visualmente es un trabajo muy bien logrado, todos saben la historia de
que fue grabado con un iPhone 5, eso es fácil decirlo pero para hacerlo
se requiere de visión y talento, los movimientos de cámara meten de
lleno al espectador en la trama. Sin duda, no se pueden dejar de lado
las actuaciones, las protagonistas se enfrentan a su primer trabajo en
la gran pantalla y lo hacen con un desenvolvimiento natural, sin duda
una gran dirección de actores. En síntesis Tangerine es una muy buena película, una propuesta
refrescante y atractiva, que se antoja natural y real, imperdible. IMPERDIBLE.
TRAILER
FLORIDA
PROYECT
Proyecto Florida.
- Título original
- The Florida Project.
- Año: 2017
- Duración: 115 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Sean Baker
- Guion: Sean Baker, Chris Bergoch
- Reparto: Brooklynn Prince, Willem Dafoe, Bria Vinaite, Caleb Landry Jones.
- Música: Lorne Balfe
- Fotografía: Alexis Zabé
- Compañías: Cre Film, Freestyle Picture Company, June Pictures. Distribuidora: A24
- Género: Drama | Drama social. Infancia. Pobreza. Crisis económica 2008. Cine independiente USA.
SINOPSIS: Una niña de 6 años y sus amigos pasan el verano en un pequeño motel muy
próximo a Disneyworld, mientras sus padres y el resto de adultos que les
rodean sufren aún los efectos de la crisis. EXCELENTE. Disney World, Florida. Resorts de lujo, grandes atracciones,
espectáculos noche y día… un paraíso que nos transporta a un imaginario
fantástico instaurado ante la más patente de las miserias. The Magic
Castle, Futureland… moteles-cuchitril de los que huyen brasileños en
busca de un lugar donde celebrar su luna de miel para cobijarse en el
lujo, paredes pintadas de morado, una historia en cada habitación —al
que siempre viene a buscar la policía, a la que está casada con Dios…—, y
las mínimas circunstancias para poder salir adelante ya sea en
condiciones, o no. Dos universos tan cercanos, pero al mismo tiempo tan
lejanos que, paradójicamente, Sean Baker no confronta en ningún momento.
Un hecho, huir de esa confrontación, que sin embargo el autor de
Tangerine contrasta al situar a sus personajes cerca de un complejo
turístico cuya presencia se sugiere en todo momento, exponiendo de ese
modo un contexto muy distinto: de la fantasía fomentada por un lugar
quimérico e inalcanzable hecho realidad, a la imaginación y el dejar
fluir la propia esencia como si de un mecanismo de escape se tratase. Es así como a partir de situaciones mínimas, inalterables para el
devenir de sus protagonistas —dar la bienvenida a los ‹freshies› en el
Futureland, importunar al gerente de cualquier modo… hacer y deshacer
sin responsabilidad alguna, en definitiva—, Baker fomenta un microcosmos
complementado por ese ambiente kitsch y colorista que les rodea. Las
ruinas —ya no sólo esos moteles dominados por lo estridente de sus
colores, también esos complejos abandonados que sirven como cobijo para
drogadictos— que bordean Disney World, anidando cerca del lujo, mutan en
torno a una óptica genuina e inocente: la de Moonee y sus compañeros de
fatigas, que exploran cada rincón habido y por haber, y amoldan sus
características a un parque de recreo donde ellos parecen tener el
control absoluto, por más que en alguna ocasión se les escape de las
manos. El cineasta reformula de este modo todos y cada uno de los
espacios donde se mueven, y esas “ruinas” dejan de serlo para acontecer
una suerte de extensión vívida de la perspectiva que sostienen los dos
protagonistas, como si el drama que les rodea —el clima viciado en el
que policías, peleas callejeras e incluso pederastas se dan cita— no
importase lo más mínimo y, conscientes de ello o no, todo formase parte
de un proceso liberador. Sean Baker logra escindir de tal modo el entorno de la realidad,
abordando a través de ese tono atenuante un carácter social que no
condiciona a sus personajes en apariencia, por más que en el fondo
sepamos que su circunstancia es otra. The Florida Project se aleja de la
miseria que debería reflejar un marco como el que se nos presenta,
minimizando su efecto hasta que sólo queda la desacomplejada e
incontrolada mirada de Moonee, mitigando un conflicto que en realidad no
existe. Y es que, como ya sucedía en sus anteriores trabajos —como en
Starlet, donde sorteaba con acierto ese choque dramático que se podría
haber producido en su conclusión—, el de Nueva Jersey vuelve a
jerarquizar la importancia de lo liviano, impulsando así la búsqueda de
una humanidad más cercana, en pos de un contexto que, sin dejar de ser
una herramienta mediante la cual dar voz a esas situaciones
desfavorables, nunca consigue ganar terreno a sus personajes, tan
independientes como presos de una coyuntura ineludible al fin y al cabo. Toda esa composición, dotada de unas capacidades escénicas tan
coherentes como particulares y guiada por esa apreciación del sentido
dramático que lo logra desposeer de todo su peso, se ve reforzada por un
elenco que rebasa sus propios lindes para conectar a la perfección con
el microcosmos descrito. Baker se confirma pues como un gran director de
actores, algo no únicamente reflejado en interpretaciones como las de
una Brooklynn Prince que, pese a su edad, se come la pantalla a bocados,
o un Willem Dafoe que revela tanto una autoridad como una ternura
encomiables, también en una química que logra imbuir a cada nueva
secuencia un extraño magnetismo; como si el buen ambiente que se deduce
del rodaje —la complicidad entre Dafoe y Bria Vinaite parece delatarlo—
fuese capaz de contagiarse al propio espectador. The Florida Project es,
en ese aspecto, un film que delata pasión y mimo, una complicidad que
es difícil ver en pantalla y que Sean Baker ha transformado en un
milagro, en un escenario rebosante de autenticidad donde tan fácil es
reír como llorar, o incluso palpitar con una maravillosa conclusión que
deviene consecuente extensión de su imperecedero universo. IMPERDIBLE.
TRAILER
CINE CLÁSICO
START THE
REVOLUTION
WHITOUT
ME
Empiencen la revolución sin mi.
- Título original
- Start the Revolution Without Me
- Año: 1969
- Duración: 98 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Bud Yorkin
- Guion: Lawrence J. Cohen, Fred Freeman
- Reparto: Gene Wilder, Donald Sutherland, Hugh Griffith, Jack MacGowran.
- Música: John Addison
- Fotografía: Jean Tournier
- Compañías: Warner Bros.
- Género: Comedia | Revolución Francesa. Siglo XVIII. Parodia.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN HD 1080P.
SINOPSIS: En tiempo previos a la Revolución Francesa, dos parejas de gemelos son
separados al nacer. Una pareja se criará en la realeza, mientras la otra
crecerá como niños de unos campesinos. MUY BUENA. Estrafalaria comedia con grandes momentos de humor y donde la brocha gorda no es abusiva. Una caricatura bufa sobre la
Revolución Francesa, dirigida por Bud Yorkin, en la que se parodian
obras literarias como “Historia de dos ciudades” de Charles Dickens,
“Los hermanos corsos” y “El hombre de la máscara de hierro”, ambas de
Alejandro Dumas, con guión de Lawrence J. Cohen (“El autobús atómico”), y
Fred Freeman (“Delirios”). Un relato hecho a mayor gloria de uno de sus
protagonistas, Gene Wilder, actor que hizo de este tipo de humor chusco
de trazo gordo esperpéntico (mucho de esto con Mel Brooks de director,
como lo de romper la cuarta pared o los anacronismos) su éxito,
sub-género en el que el actor se mueve de maravilla con su histrionismo
desbocado y su sobreactuación desbocada, siendo este film una delicia
para los que disfruten con este estilo de comedia simplona, éntrelos
que no me cuento. Cinta trepidante en el que el ritmo es vital para el
espectador no piense demasiado en lo chusco de su desarrollo, hecho en
base a la acumulación tsunámica de gag sobre gag, y en esto hacer
esperar al espectador que alguno le haga sonreír. Su estructura
evolucionada mediante el humor recurriendo a los equívocos, las falsas
apariencias, el slapstick, el humor sexual, los diálogos de besugos, el
romper la cuarta pared, y en este torbellino de mezcla de sketch las
risas (por lo menos las mías) son escasas, eso sí salvo varios por los
que no ha sido hora y media perdida del todo. Y es que el humor no es
bien manejado, no sabiendo modularlo, abusando de recursos sin mesura
(ejemplo lo de la fecha sobreimpresionada, una vez hace gracia, pero a
la de tropecientas…). Las actuaciones resultan guiñolescas, solo
estimables por parte de un buen Donald Sutherland que aporta buenas
dosis de ingenuidad y de flema, y por parte de Hugh Griffith como el
entrañable y patético Rey Luis XVI, resto son meras muletas que estiran
sus estereotipos hasta el hartazgo, como el amaneramiento de la
aristocracia francesa, o la ninfomanía de Maria Antonieta. Ah, y siempre
agradecible la presencia de Orson Welles como prólogo y epílogo, dando
lustre y riéndose de sí mismo cuando dice que es él en una película de
color, supongo que apareció para ganar algo de plata para esos proyectos
inacabables en los que el polifacético artista estaba siempre
embarcado. 30 años antes dela Revolución Francesa en el siglo XVIII, el duque de
Sisi (Maxwell Shaw) estaba apresurando a su esposa embarazada para ir al
médico una noche cuando se encontró con un poco de molestia: el médico
ya estaba atendiendo a una mujer que tenía un bebé, la esposa de un
orgulloso campesino (Graham Stark). Los bebés nacieron, cuatro de ellos,
dos conjuntos de gemelos, pero hubo una confusión y la enfermera no
sabía qué grupo de gemelos pertenecían a qué madre. Para resolver este
problema, el médico le dio a cada madre un gemelo de cada uno, por lo
que al menos tendría la mitad de la razón, y ambos crecieron ajenos a la
existencia de sus hermanos. Saltamos a 1989, los hermanos campesinos
Claude (Gene Wilder) y Charles (Donald Sutherland), están siendo
mezclados a regañadientes con la revolución, estando en un grupo
rebelde comandado por Jacques (Jack MacGowran). Y al otro lado están los
aristócratas corsos Philippe (Gene Wilder) y Pierre (Donald
Sutherland), dos hombres crueles y entre los mejores espadachines de su
generación, embarcados por el pérfido Duque de Scargot (Victor Spinetti)
también se verán envueltos en intrigas palaciegas en medio de la
latente gestación de la Revolución. Tendrán importancia en la historia
personajes como el rey Luis XVI (Hugh Griffith) y la Reina Maria
Antonieta (Billie Whitelaw); La bella Princesa Cristina (Ewa Aulin) de
Bélgica. Dividida en dos partes diferenciadas: La primera es la presentación del
argumento, de los personajes, del convulso escenario; La segunda parte
es donde todos los personajes se concentran en el palacio del rey y allí
se desencadenan las intrigas palaciegas; Es en esta segunda parte donde
los oasis se dan cita, donde el ritmo rompe la cadena y se transforma en una comedia sin frenos con grande gags como la hilarante fiesta-baile con el Rey
vestido de pollo (le habían dicho era un baile de disfraces),o cuando el clímax
explosiona con la persecución de unos a otros en medio de los pasillos y
pasadizos secretos de palacio. De la puesta en escena destacar los bonitos escenarios escogidos en
Francia por el diseñador de producción François de Lamothe (“Los
miserables” o “El hombre de la máscara de hierro”), el Château de
Rochefort, Vaux-le-Vicomte-Seine-et-Marne (Palacio del Rey Luis XVI), y
la Cathedral of Notre Dame en parís, realzado esto por la fotografía de
Jean Tournier (“El tren” o “Chacal”), esta inmersión en la época
maximizada por el estupendo vestuario creado por Alan Barrett (“Lejos
del mundanal ruido” o “Elemental, Dr. Freud”). MUY RECOMENDABLE.
1970: Sindicato de Guionistas (WGA): Ganadora Mejor guión original comedia.
TRAILER
MINISERIES Y SERIES
LA DELGADA
LÍNEA AZUL
Tunna blå linjen.
SEASON 1
TEMPORADA COMPLETA
10 EPISODIOS
4 DISCOS.
SEASON 2
TEMPORADA COMPLETA
SERIE FINALIZADA en la temporada 2.
8 EPISODIOS
3 DISCOS.
- Título original
- Tunna blå linjen
- Año: 2022-2024
- Duración: 600 min.
Suecia- Dirección: Anders Hazelius, Mikael Hansson, Sanna Lenken
- Guion: Erik Ahrnbom, Cilla Jackert, Malin Marmgren
- Reparto: Amanda Jansson, Oscar Töringe, Gizem Erdogan, Per Lasson.
- Compañías: Anagram Film
- Género: Serie de TV. Drama. Thriller | Policíaco.
SINOPSIS: Un retrato íntimo de la vida cotidiana de tres parejas de agentes de policía, donde la línea entre la vida privada y la profesional se difumina a medida que aumentan las tensiones en la animada y conflictiva ciudad de Malmö, Suecia. EXCELENTE. ‘Tunna blå linjen’ explora la relación de la policía con La sociedad, con el segmento que delinque, pero sobre todo con el segmento pasivo hablador. Es decir, con la gran maraña que hace que las redes sociales sean parte del problema y nunca de la solución. El efecto es contundente y atronador. Aquí los policías no tienen la sagacidad del clásico investigador (también el de las ficciones escandinavas) que tarde o temprano todo lo resuelve. No. Aquí son seres generalmente bienintencionados y falibles, valientes y erráticos, con la ira y la compasión a flor de piel. Humanos, en suma. La serie nos permite llegar a profundidades insólitas para un policial, tanto en la resolución de los casos, como el tratamiento de los problemas sociales de los barrios periféricos, o las historias individuales de seis policías, cuyas decisiones son siempre difíciles de tomar, tanto en su trabajo como en su privacidad. Pero un pequeño demonio sobrevuela todos los niveles. Y es la permanencia de las voces anónimas que prejuzgan en las redes. Es el momento donde todo puede valer, porque de todos modos será criticado. Son 10 capítulos de 60 minutos que no decaen ni un minuto,Se trata de un trabajo agudo, muy inteligente, y por lo tanto doloroso. Las esquirlas de la conducta social se nos clavan hondo, y ni siquiera nos las podemos quitar con la posibilidad de un devenir feliz para algunas historias. IMPERDIBLE.
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