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ESTRENOS
DE LA SEMANA
Jurado n°2.
- Título original
- Juror #2
- Año: 2024
- Duración: 117 min.
Estados Unidos- Dirección: Clint Eastwood
- Guion: Jonathan Abrams
- Reparto:Nicholas Hoult, Toni Collette, J.K. Simmons, Kiefer Sutherland.
- Música:Mark Mancina
- Fotografía: Yves Bélanger
- Compañías: Warner Bros., Malpaso Productions, Lightnin' Production Rentals. Distribuidora: Warner Bros.
- Género:Thriller. Drama. Intriga | Drama judicial / Abogados/as.
- SINOPSIS: Justin Kemp, un hombre de familia, mientras forma parte de un jurado en un juicio por asesinato, se encuentra luchando con un serio dilema moral... uno que podría utilizar para influir en el veredicto del jurado y potencialmente condenar (o liberar) al asesino acusado. EXCELENTE. A sus 94 años Clint Eastwood ha sido capaz de rodar su película número 42, después del pinchazo de "Cry Macho" vuelve con fuerza con este interesante guion de Jonathan Abrams recordándonos a películas míticas como "12 hombres sin piedad" o "Veredicto final", ofreciéndonos un drama judicial clásico como los de los años 80 - 90. Justin Kemp es un escritor de una revista regional que tuvo problemas en el pasado con el alcohol, está casado con Allison y esperan un hijo en un embarazo de riesgo. Cuando es convocado para jurado por un caso de homicidio, intenta eludir la responsabilidad, pero la jueza le dice que no es motivo para no participar. El juicio es por asesinato a una chica llamada Kendall Carter que tras discutir con su novio acaloradamente en un bar muy concurrido apareció muerta en un barranco. James Shyte su pareja es el único sospechoso, pero hay algo que no cuadra... Conciencia, moralidad y justicia son las bases de esta peculiar historia, con una narrativa precisa, con diálogos muy bien llevados, donde el poder del sistema judicial se enfrenta a decisiones que pueden ser alguna vez equivocadas. El suspense está servido, Nicholas Hoult (que próximamente le veremos en "The order" y "Nosferatu") se ve implicado en este juicio de una forma directa, ya que está pasando una grave crisis personal y sabe algo del suceso. Zoey Deutch es la encantadora esposa y Tony Collette y Chris Messina son abogado y fiscal que llevaran el juicio. Otro papel secundario importante es el de un ex-policia jubilado interpretado por J.K. Simmons. Está rodada en Savanah (Georgia) donde Clint Eastwood rodó en 1997 "Medianoche en el jardín del bien y del mal" y cuenta con una banda sonora de Marc Mancina espectacular, al estilo de las que hizo Eastwood en el pasado. Un thriller excelente que podría ser el último que dirigiera esta leyenda del séptimo arte que ha sido el gran Clint Eastwood. IMPERDIBLE.
- TRAILER
LINEA DE EXTINCIÓN
Elevation.
(EN CINES)
- Título original
- Elevation
- Año: 2024
- Duración: 90 min.
- Estados Unidos
- Dirección: George Nolfi
- Guion: John Glenn, Jacob Roman, Kenny Ryan
- Reparto: Anthony Mackie, Morena Baccarin, Maddie Hasson, Shauna Earp.
- Música: H. Scott Salinas
- Fotografía: Shelly Johnson
- Compañías Distribuidora: DeAPlaneta, Encore Inflight, First Run, Kino Swiat, Metropolitan, Movie Cloud, Odeon, Pris Audiovisuais, Sahamongkolfilm Co., Signature Entertainment.
- Género: Acción. Thriller | Monstruos. Futuro postapocalíptico.
SINOPSIS: Un padre soltero y dos mujeres deciden arriesgarse fuera de la seguridad de su hogar para enfrentarse a criaturas monstruosas y luchar por la vida de su hijo. La trama, llena de tensión y momentos de acción, explora los lazos familiares y la valentía en un contexto post apocalíptico. MUY BUENA. Con un enfoque más cercano al cine de acción que al horror, el filme dirigido por George Nolfi cuenta con Anthony Mackie en el papel de un padre cuyo hijo, aquejado por problemas médicos, lo obliga a aventurarse en la zona de peligro. La película es un relato postapocalíptico de supervivencia, razonablemente tenso, que compensa su falta de originalidad con un ritmo ágil y una ejecución sólida. El guion, escrito por John Glenn, Jacob Roman y Kenny Ryan, comienza con una pantalla negra en la que se escuchan fragmentos de noticias cada vez más alarmantes, sugiriendo una cadena catastrófica de desastres naturales que termina con la recomendación de buscar refugio en altitudes elevadas. Tres años después, como indica un texto en pantalla, las Montañas Rocosas lucen tan espectaculares como siempre. Sin embargo, un niño que cruza el límite de seguridad —con la esperanza de ver a alguien más allá de los pocos habitantes de su asentamiento aislado— descubre que esas tierras también están habitadas por “Segadores”: criaturas gigantes del tamaño de un tanque, rápidas y aparentemente indestructibles. Estos monstruos, que combinan características de insectos y dinosaurios y emiten sonidos similares a los de las criaturas de Alien y Depredador, han eliminado casi toda forma de vida en las altitudes más bajas. En su cuarta película como director, tras haber contribuido a los guiones de The Bourne Ultimatum y Ocean’s Twelve, entre otros, Nolfi maximiza los recursos de mediano presupuesto para dar a Elevation una sensación de amplitud. La cinematografía de Shelly Johnson aprovecha al máximo los impresionantes paisajes de Colorado, mientras que los efectos visuales de Nathan McGuinness presentan a los feroces enemigos lo suficiente como para impactar, aunque en tomas fugaces editadas por Joel Viertel. La banda sonora orquestal de H. Scott Salinas también eleva el impacto de una película cuyo argumento de crisis global contrasta con la modestia de su espectáculo visual. Las actuaciones superan el estándar típico de las películas de monstruos. Mackie aporta su carisma y convicción habituales, mientras que Baccarin transforma a un personaje inicialmente antipático en alguien más comprensible. Hasson, por su parte, aporta profundidad a un papel menos definido. Aunque Elevation carece de cualidades novedosas o distintivas que la hagan realmente memorable, logra convertir su familiaridad conceptual —un cóctel de elementos de Pitch Black, Jurassic Park y numerosas distopías futuristas— en una experiencia emocionante y entretenida durante una hora y media. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
del
REY
Jeanne du Barry.
(EN CINES)
- Título original
- Jeanne du Barry
- Año: 2023
- Duración: 116 min.
Francia- Dirección: Maïwenn
- Guion: Teddy Lussi-Modeste, Maïwenn
- Reparto: Johnny Depp, Maïwenn, Melvil Poupaud, Pierre Richard, Pascal Greggory, Benjamin Lavernhe, Noémie Lvovsky, India Hair, Marianne Basler, David Decraene.
- Música: Stephen Warbeck
- Fotografía: Laurent Dailland
- Compañías: Coproducción Francia-Reino Unido; Why Not Productions, IN.2 Film, France Télévision. Distribuidora: Wild Bunch International.
- Género: Drama | Biográfico. Siglo XVIII. Drama de época.
SINOPSIS: Jeanne, una joven de clase trabajadora ávida de cultura y placer, utiliza su inteligencia y su atractivo para ascender uno a uno los peldaños de la escala social. Se convierte en la favorita del rey Luis XV, quien desconociendo su condición de cortesana, recupera a través de ella su apetito por la vida. Se enamoran perdidamente. Contra todo decoro y etiqueta, Jeanne se traslada a Versalles, donde su llegada escandaliza a la corte... MUY BUENA. Tras inaugurar el Festival de Cannes de este año y recibir criticas algo tibias, me he llevado una grata sorpresa al contemplar un film con una historia muy interesante que desconocía, una puesta en escena brillante, un magnífico vestuario, una banda sonora de Stephen Warbeck espectacular, en resumidas cuentas un fenomenal trabajo de Maïwenn como directora y protagonista. La joven Jeanne, es una humilde chica que anhela pertenecer a una clase social más alta, con bastante astucia, utiliza sus encantos para ascender en la jerarquía social, tras estar en un convento y casarse con un noble, consigue llegar a Versalles y conocer al Rey Luis XV, el cual desconoce su pasado como cortesana. Los dos se enamoran y pasa a ser la favorita del rey. Tras mudarse al palacio a vivir provocará un escándalo en la corte con la familia del Rey. A la directora Maiwenn la conocí en la película de Alexander Aja "Alta Tensión" desde entonces he seguido su trayectoria profesional como actriz y como directora. Detrás de las cámaras cuenta con unas pelis importantes como "ADN", "Polisse"o "Mi amor". Planos y fotografía excelentes, versión bastante fiel a la historia, vuelta triunfal y merecida de Johnny Depp, el mejor Rey Louis XV y la mejor Condesa Du Barry llevados al cine por el momento. Divertida a la par que dramática. Grande Deep y Maïwenn. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
SERIAL
Strange darling.
(EN CINES)
- Título original
- Strange Darling
- Año: 2024
- Duración: 96 min.
- Estados Unidos
- Dirección: J.T. Mollner
- Guion: J.T. Mollner
- Reparto: Willa Fitzgerald, Kyle Gallner, Madisen Beaty, Barbara Hershey.
-
- Música: Craig Deleon
- Fotografía: Giovanni Ribisi
- Compañías: Miramax, No Remake Pictures, Spooky Pictures
- Género: Thriller. Terror | Asesinos en serie. Cine independiente USA.
SINOPSIS: Una joven tiene una aventura de una noche con un asesino en serie, comenzando una persecución de pesadilla. EXCELENTE. Apoyándose en un montaje no lineal y por medio de capítulos al más puro
estilo Tarantino (la cinta me recordó vagamente a 'Death Proof'),
'Strange Darling' se sustenta del duelo interpretativo que mantienen
Kyle Gallner y Willa Fitzgerald a lo largo del metraje; él es el cazador
implacable, ella la inocente presa. Aunque conforme vayan pasando los
episodios iremos comprendiendo mejor la conducta de cada uno,
desvelándose cosas que evidencian que nadie es tan inocente ni tan malo
como aparenta y qué los lleva a esa vorágine de violencia que se
desencadena una vez se descubre el pastel. Kyle Gallner, típico actor que cumple en cualquier rol que se le asigne,
hace un buen papel como psicópata que persigue incansablemente a su
víctima, con varias miradas de auténtico desquiciado deudoras de Patrick
Bateman en 'American Psycho' y una actitud en ocasiones desenfadada y
chulesca que contrasta con la de su partenaire femenina, la mayor
sorpresa del film.Willa Fitzgerald entrega sin duda alguna la mejor interpretación de su
carrera encarnando a un personaje bastante complejo con múltiples
aristas y donde corría el riesgo de caer en la sobreactuación llegado el
final (la roza en algunos momentos), pero termina dejando perplejo al
espectador con una de las interpretaciones más conseguidas en el género
en mucho tiempo. Si la película acaba gozando de mayor exposición
internacional, puede que suponga un buen trampolín para que le ofrezcan
papeles diferentes a los que venía realizando hasta ahora. En resumen, una cinta en la que según avanza el metraje vamos
descubriendo a Lady Electric, nada sobra, todo está muy bien hilado, un
auténtico disfrute para los amantes del entretenimiento, otra joyita
directa al top ten de películas de 2024. IMPERDIBLE.
2024: Festival de Sitges: Nominada a Mejor película y fotografía.
TRAILER
B A G M A N
EL ESPÍRITU DEL MAL
Bagman.
(EN CINES)
- Título original
- Bagman.
- Año: 2024
- Duración: 92 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Colm McCarthy
- Guion: John Hulme
- Reparto: Sam Claflin, Antonia Thomas, Steven Cree, William Hope.
- Música: Tim Williams
- Fotografía: Nick Matthews
- Compañías: Temple Hill Entertainment. Distribuidora: Lionsgate, Leonine Distribution
- Género: Terror.
SINOPSIS: Durante siglos, los padres han advertido a sus hijos sobre el temible
Hombre del Saco, un ser maligno que rapta a niños inocentes y los aparta
para siempre de sus familias. Patrick (Sam Claflin) escapó de sus
garras por los pelos en su infancia, pero el trauma que le generó aquel
encuentro le ha perseguido desde entonces. Tras mudarse a su antigua
casa familiar con su esposa e hijo, Patrick descubrirá que la tenebrosa
criatura continúa allí, acechando sus pesadillas y amenazando con
arrebatarle aquello que más quiere en el mundo. BUENA. Colm McCarthy, director conocido por sus incursiones en el género del
terror, regresa con ‘Bagman’, una obra que se interna en los
territorios oscuros de la memoria y el miedo infantil. En esta
película, la figura del hombre del saco se convierte en un reflejo de
los traumas no resueltos que, aunque sepultados por los años, permanecen
latentes en la vida adulta. Este relato no es solo un ejercicio de
terror, sino también una alegoría de las heridas que dejamos sin sanar y
cómo estas resurgen para acosarnos cuando menos lo esperamos. En cuanto al ritmo narrativo, ‘El hombre del saco’ opta por una
estructura no lineal que busca desorientar al espectador. Esta técnica,
aunque ambiciosa, genera una sensación de desconexión en los primeros
compases de la película, lo que podría alejar a algunos espectadores. La
primera mitad de la cinta se siente fragmentada y carente de cohesión,
con un abuso de saltos temporales que intentan sembrar una atmósfera de
confusión, pero que terminan diluyendo el impacto del relato. Sin embargo, es en la segunda mitad donde la película recupera su
fuerza. Aquí es cuando McCarthy logra conectar emocionalmente con el
público, profundizando en las cicatrices emocionales que dejó en Patrick
su encuentro infantil con el hombre del saco. El espectador comienza a
entender que no se trata solo de un enfrentamiento con una criatura
sobrenatural, sino de un enfrentamiento con el propio pasado. A medida
que la película avanza, la tensión crece, alcanzando momentos de
verdadera intensidad emocional, particularmente en las interacciones
entre Patrick y su padre, quien revela la clave para derrotar al
monstruo. Uno de los puntos fuertes del film es la figura del hombre del saco,
cuya presencia, aunque escasa en pantalla, se siente a lo largo de todo
el metraje. La criatura, representada con una estética sombría y
perturbadora, es el reflejo del miedo infantil que nunca se desvanece. ‘Bagman’ no es simplemente una película de terror sobre un
monstruo que acecha a los niños. Bajo su superficie, McCarthy parece
interesado en explorar cómo los padres transmiten sus propios miedos y
traumas a sus hijos. Patrick, que ha vivido toda su vida a la sombra de
su experiencia infantil, se enfrenta a la difícil tarea de proteger a su
hijo sin dejar que sus propios temores lo consuman. Este conflicto
interno añade una profundidad emocional a la película que la distingue
de otras propuestas del género. A nivel técnico, la película cumple con los estándares del género. La
fotografía, oscura y claustrofóbica, refuerza la sensación de amenaza
constante, aunque en algunos momentos peca de predecible. Las escenas de
mayor tensión se apoyan en el uso de sombras y espacios reducidos,
creando una atmósfera opresiva que mantiene al espectador en vilo, pero
sin llegar a innovar en su propuesta visual. El uso de efectos sonoros es otro de los elementos que destacan,
especialmente en las escenas donde el hombre del saco acecha a sus
víctimas. El sonido de pasos, susurros y crujidos en la oscuridad
aumenta la tensión de manera efectiva, aunque algunas de las secuencias
de susto se sienten repetitivas. En resumen, ‘Bagman’ es una película que, aunque arranca con
un ritmo irregular, consigue desarrollar una reflexión interesante
sobre el peso del pasado y los miedos que arrastramos desde la infancia.
Colm McCarthy presenta un relato que, más allá de los sustos, ofrece
una meditación sobre la dificultad de escapar de los traumas y cómo
estos pueden condicionar nuestras vidas adultas. RECOMENDABLE.
TRAILER
VERANO
La bella estate.
- Título original
- La bella estate
- Año: 2023
- Duración: 111 min.
Italia- Dirección: Laura Luchetti
- Guion: Laura Luchetti. Novela: Cesare Pavese
- Reparto: Yle Vianello, Deva Cassel, Nicolas Maupas, Alessandro Piavani .
- Música: Francesco Cerasi
- Fotografía: Diego Romero
- Compañías: Kino Produzioni, RAI Cinema, Lucky Red, 9.99 Films, TapeLessFilm
- Género: Drama. Romance | Homosexualidad. Años 30. Adolescencia.
SINOPSIS: Turín, 1938. Ginia tiene dieciséis años y el futuro parece deparar un sinfín de posibilidades. Pero su presente se ve ensombrecido por la II Guerra Mundial. Ginia quiere enamorarse y conoce a un joven pintor. Descubre los círculos artísticos de la bohemia Turín gracias a su guía Amelia, una joven sensual pero muy diferente a cualquier otra persona que haya conocido y que sacudirá el mundo de Ginia. MUY BUENA. Esta película italiana basada en la novela homónima de Cesare Pavese es un relato de iniciación y crecimiento de una joven costurera en la ciudad de Torino de 1938. El film se centra en Ginia (Yile Yara Vianello), una chica de 16 años que es costurera en una casa que se dedica a la preparación de elegantes vestidos. Tímida e insegura, de bajos recursos, vive con su amable pero un tanto frustrado hermano y solo parece dedicada a avanzar en su profesión. Todo empieza a cambiar cuando, estando con unos amigos a la orilla del río, sale del agua una chica hermosa y provocativa llamada Amelia (interpretada por Deva Cassel, la previsiblemente bella hija de Mónica Bellucci y Vincent Cassel), que deja a todos un poco con la boca abierta. Inclusive a Ginia. Ginia y Amelia se volverán a cruzar, se harán amigas y la más mundana modelo –que se dedica a posar, desnuda, para pintores y otros curiosos por dinero– la irá introduciendo en un mundo de artistas y bohemios, confundiéndola con sus idas y vueltas, con su personalidad ciclotímica y sus disimuladas inseguridades. Para Ginia la llegada de Amelia a su vida provoca una mezcla de sensaciones y una serie de confusiones: se empieza a distraer en su trabajo –en el que venía avanzando rápidamente–, tiene problemas con su más sencillo hermano y el universo al que se une le genera tantas satisfacciones como situaciones no del todo cómodas. Es que allí, entre cigarrillos, alcohol, artistas e intelectuales, Ginia pasa a ser testigo y parte de un mundo tan llamativo como abrumador. Hay romances, desengaños, cercanías y distancias, pero en todo momento la sensación que transmite el film de Luchetti es una de curiosidad, de fascinación. Si bien muchos de estos personajes no son más que diletantes sin un particular talento, la película no los observa con desdén ni mucho menos. Lo hace desde el punto de vista de Ginia, que pendula una y otra vez entre la fascinación y la decepción. En algún punto "El bello verano"bordeará el melodrama más convencional (este es el típico relato en el que cuando un personaje tose uno ya imagina qué sucederá), pero sabrá frenarse a tiempo para regresar a un registro menos subrayado y más sutil. La película recuerda en su tono y estética a la reciente serie "L´amica geniale", basada en las novelas de Elena Ferrante, poniendo su eje también en la relación entre dos mujeres, en este caso con el contexto del fascismo y la inminente llegada de la guerra. Si bien queda en segundo plano, es imposible no pensar en los destinos de estos personajes luego de esta historia. Deva Cassel se luce en el clásico rol de la mujer bella y que, en apariencia, se lleva todo por delante cuando en realidad no es tan así. Pero la protagonista es Vianello, a través de la cual pasa ese «bello» aunque complicado verano en el que su vida cambiaría para siempre. MUY RECOMENDABLE.
2023: Festival de Locarno: Premio de la crítica.
MON HEROÏNE
Mi heroína.
- Título original
- Mon héroïne
- Año: 2023
- Duración: 108 min.
- Francia
- Dirección: Noémie Lefort
- Guion: Fadette Drouard, Noémie Lefort
- Reparto: Stacey Marie Keba, Brigitte Fossey, Katie McGovern, Pascale Arbillot
- Fotografía: Nathalie Durand
- Compañías: Octopolis
- Género: Comedia. Amistad. Cine.
SINOPSIS: Alex sueña con hacer cine, solo que en Rouen, su rutina diaria está lejos del glamour de Hollywood. A pesar de su madre sobreprotectora, Alex aspira a matricularse en una prestigiosa escuela de cine de Nueva York. Pero cuando no todo sale según lo planeado, con la ayuda de su tía, Alex vuela a Nueva York para entregar su guión a la actriz Julia Roberts. MUY BUENA. Mi heroína: la búsqueda de Julia Roberts en esta comedia inspirada en una historia real. Desde muy joven, Alex sólo ha soñado con una cosa: hacer películas. Pero en Rouen, su vida cotidiana está lejos del glamour de Hollywood. Sobreprotegida por su madre Mathilde, espera ingresar en una prestigiosa escuela de cine de Nueva York. Lamentablemente, todo no sale según lo planeado y sus sueños se ven brutalmente destrozados. Negándose a aceptar su destino, Alex decide partir hacia la Gran Manzana con la ayuda de su excéntrica tía Juliette para un proyecto loco: entregar su guión a Julia Roberts. Rápidamente acompañada por Mathilde, esta aventura en Nueva York marcará el inicio de una nueva etapa en sus vidas para las tres mujeres y las acercará más que nunca. Si es habitual hablar de uno mismo cuando se pone por primera vez detrás de la cámara, Noémie Lefort tuvo el tema perfecto para su bautismo de fuego con esta historia tan increíble como cierta: ese momento en el que se fue a Nueva York con el cortometraje realizado durante sus estudios cinematográficos, Calling Julia Roberts , con el fin de mostrárselo a la protagonista de Pretty Woman y Love at First Sight en Notting Hill . En el cortometraje, se trataba de una joven que quería a toda costa darle un guión a Julia Roberts . Y esto es lo que cuenta Mi heroína , una comedia que recuerda a una puesta en abismo, que se inspira tanto en la experiencia de Noémie Lefort como en la historia que ella había escenificado durante sus estudios, y donde el nombre de la protagonista, Alexandra Trofel ( Chloé Jouannet ), es un anagrama suyo.Verdadero y falso se mezclan en esta película donde los hechos más improbables no siempre son inventados. Y donde Noémie Lefort pone en escena un trío y hace viajar a la madre de la heroína ( Pascale Arbillot ), mientras que ella permanecía en Francia en el momento de los hechos, en 2001: "Cuando regresé a Francia, había ganado mi apuesta, Había hecho realidad mi sueño y cambió mi vida por completo ”, afirma el cineasta. "Lo que me interesa es cómo soñamos a los 20, 30 y 40 años. A los 20 pensamos que todo es posible y creemos en ello de todo corazón, a los 30 hacemos balance y a los 40 ponemos poco pañuelos sobre todo Quería explorar estas tres generaciones, trabajar en mi relación con mi madre, hablar de cómo era yo en ese momento y de cómo este viaje un tanto loco que me llevó a buscar a Julia Roberts cambió mi vida y la de. mi madre." También lucida por Louise Coldefy (revelación de Family Business ), esta comedia, primera película rodada en Nueva York después del confinamiento, le hará viajar. Y tocarte con su evidente sinceridad. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
El buen italiano.
- Título original
- Comandante
- Año: 2023
- Duración: 120 min.
- Italia
- Dirección: Edoardo De Angelis
- Guion: Edoardo De Angelis, Sandro Veronesi
- Reparto: Pierfrancesco Favino, Massimiliano Rossi, Johan Heldenbergh, Silvia D'Amico.
- Música: Robert Del Naja
- Fotografía: Ferran Paredes
- Compañías: Indigo Film, O' Groove, Tramp Ltd, Wise Pictures, VGroove. Distribuidora: 01 Distribution
- Género: Bélico. Drama | Histórico. Biográfico. II Guerra Mundial. Submarinos.
SINOPSIS: Al comienzo de la Segunda Guerra Mundial, Salvatore Todaro está al mando
del submarino Cappellini de la Marina Real Italiana. En octubre de
1940, mientras navega por el Atlántico, divisa la silueta de un mercante
que navega sin luces en la oscuridad de la noche. Es el Kabalo, que más
tarde resulta ser un buque belga, y de repente abre fuego contra el
submarino y su tripulación italiana. Se entabla un breve pero
encarnizado combate en el que Todaro hunde la nave enemiga a cañonazos. Y
es en ese momento cuando el comandante toma una decisión que pasaría a
la historia. MUY BUENA. Con un enfoque de dirección que desafía a las películas
internacionales de acción bélica —especialmente a las ambientadas en el
claustrofóbico espacio de un submarino— y un presupuesto más que decente
(de unos 16-17 millones de euros), De Angelis trató de rememorar la
historia de un héroe caído en el olvido. El director escribió el guion
junto con el escritor Sandro Veronesi (autor de la
novela homónima) tras escuchar por primera vez esta historia de la boca
de un almirante durante el 123 aniversario de la Guardia Costera
italiana. Al dúo se le concedió el acceso a los archivos de la familia
Todaro, por lo que ambos pudieron, entre otras cosas, leer las cartas
que el comandante escribió a su esposa durante sus distintas misiones,
las cuales constituyen parte de lo que escuchamos en la película. Como
Todaro había sufrido una grave lesión medular tras un accidente aéreo en
1933, en la película le vemos llevando un soporte de hierro que le
causaba tanto dolor que acabó recurriendo a la morfina. Una vez en la
división de submarinos, en 1940 —después de que el Reino de Italia
entrara en guerra contra el Imperio Británico y Francia— se le confió a
Todaro el mando del nuevo submarino oceánico Comandante Cappellini, uno
de los mejores de la flota de la Marina de Italia. Al llegar al océano
tras atravesar el peligroso estrecho de Gibraltar para cumplir una
misión, Todaro interceptó un barco de un país neutral, Bélgica, que, sin
embargo, abrió fuego contra el submarino italiano. Tras un prólogo en tierra firme (Silvia D'amico
interpreta a la esposa del protagonista), De Angelis nos presenta a una
tripulación del submarino compuesta por hombres procedentes de todos los
rincones de Italia: la mano derecha y fiel amigo del comandante (Massimiliano Rossi),
el marinero napolitano que libra heroicamente al sumergible de las
minas submarinas, el marinero sardo que derriba uno de los aviones
británicos y el cocinero napolitano (Giuseppe Brunetti) que conoce todas las recetas del mundo. La tensión (realzada por la música compuesta por Robert Del Naja, antiguo miembro de Massive Attack) que podría haberse derivado del dramático momento en que los marineros "enemigos" (Johan Heldenbergh, Johannes Wirix),
tras múltiples dificultades, consiguen instalarse a bordo del
Cappellini, se disipa en el mismo instante en el que los belgas cocinan
su "plato nacional", las patatas fritas. De Angelis parece tener cierta
predilección por los personajes napolitanos, hasta el punto de que, en
un momento dado, se muestra una mandolina en una de las escenas. La retórica culinaria acaba entremezclándose con la insoportable
retórica fascista. Idolatrado por sus hombres, Todaro es de todo menos
pacifista. Es un militar, y se expresa con el lenguaje de un fascista
entregado a la guerra, con todos los amaneramientos lingüísticos de la
época que ello implica ("estos hombres convierten el miedo en una fuerza
devastadora"). Lo que le hace diferente es su conciencia respecto al
hecho de que las leyes del mar están por encima de las razones de la
guerra. "Queridísima Rina", escribe, "hoy es un gran día. Juntos,
nosotros y nuestros enemigos nos hemos salvado mutuamente". El
paralelismo con la situación actual en el Mediterráneo —que se ha
convertido en un cementerio para muchos, como lo fue en tiempos de
guerra— resulta evidente, al igual que lo es el hecho de que la
respuesta "porque somos italianos" debería convertirse en un "¿por qué
no?" más generalizado y no declamatorio. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
MONJE
Y EL
RIFLE
The Monk and the Gun.
PRESELECCIONADA POR BUTÁN
AL OSCAR 2025 COMO
"MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL"
- Título original
- The Monk and the Gun
- Año: 2023
- Duración: 107 min.
Bután- Dirección: Pawo Choyning Dorji
- Guion: Pawo Choyning Dorji
- Reparto: Harry Einhorn, Tandin Wangchuk, Tandin Phubz, Choeying Jatsho, Deki Lhamo, Tandin Sonam, Pema Zangmo Sherpa
- Música: Frederic Alvarez
- Fotografía: Jigme Tenzing
- Compañías Coproducción Bután-Francia-Taiwán;Dangphu Dingphu: A 3 Pigs Production, Films Boutique, Tomson Films, An Amandala Production, Journey to The East Films, N8 Studios, Closer Media, Aide aux cinémas du monde, Institut Français, CNC
- Género: Drama. Aventuras.
SINOPSIS: Año 2006. El reino de Bután camina hacia la democracia. De cara a la celebración de elecciones, el gobierno organiza simulacros de votaciones con la idea de preparar a la población para algo que desconoce. Mientras, en la ciudad de Ura un viejo lama ordena a un monje que le consiga un arma para afrontar el inminente cambio de régimen. El valioso rifle que obtiene es una pieza buscada por un coleccionista de armas estadounidense. EXCELENTE. De vuelta a Bután, ¿el país más feliz del mundo? A pesar de la percepción que tiene el mundo sobre Bután, este pequeño país del sur de Asia no es tan feliz como parece. Y eso mismo ha querido plasmar en El monje y el rifle el cineasta butanés Pawo Choyning Dorji. Un país que hace frente al inicio de una democracia no tiene las cosas fáciles, pues la mentalidad y las tradiciones arraigadas de su gente lo ponen más difícil. “Si no tenemos que luchar por ello, puede que no lo necesitemos”. Si hablamos de frases de película, este es probablemente una de las que destacaría de El monje y el rifle. Define no solo el tema, sino también la lucha interna de los personajes. Y es que, los diálogos son uno de los fuertes del largometraje, con conversaciones mundanas que expresan mucho más de lo que parecen. Pawo Choyning Dorji ha sabido plasmar en 107 minutos esa preocupación y desconcierto que traen consigo los cambios políticos, especialmente en un país donde la política es un concepto nuevo. Nos adentra al Bután más rural y tradicional, donde la figura del lama y las filosofías budistas son una fuerte corriente que envuelve a todos sus habitantes. Lejos de caer en una historia pausada y simplista, El monje y el rifle es un guion sorprendentemente humorístico. El uso de la comedia ha estado medido al milímetro, con una sutileza perfecta a través de situaciones absurdas, pero completamente realistas. La naturalidad con la que Dorji introduce la comedia es un trabajo de guion muy especial. Si bien no hay momentos en los que poder reírse a carcajadas, El monje y el rifle muestra la absurdidad de los momentos más comunes. Dorji juega con la ironía a través de las distintas tramas de sus personajes, mostrando distintos puntos de vista sobre la política y el significado de la democracia. Y es este juego de tramas lo que proporciona a la película esa sensación caótica dentro de una localización tan serena como los montes de Bután. Ese pequeño pueblo de montaña se alza como el ojo de un huracán, ajeno a las turbulencias del mundo, pero asustado por los cambios venideros. Ahora bien, las verdaderas estrellas de El monje y el rifle son sus personajes. Desde el lama en su retiro espiritual, un joven monje en busca de dos rifles para un misterioso ritual, una familia dividida por culpa de distintos ideales políticos, una joven representante del gobierno que busca enseñar al pueblo a votar, y un joven de ciudad y su cliente extranjero que van detrás del valioso rifle del monje. Cada personaje cuenta con un objetivo muy distinto al de los demás, pero terminan enredándose magníficamente como un ovillo sin control. Pawo Choyning Dorji utiliza la cotidianidad de cada historia y juega con el drama sin excederse. Ese uso sutil de los géneros permite un visionado agradable, sin emociones desmesuradas ni discursos políticos exagerados. De hecho, de eso mismo nos habla El monje y el rifle, de la aceptación por los cambios y las opiniones de los demás. Hay una incerteza e inquietud durante la película que deriva tanto de los propios personajes, como del secretismo tras el empeño del lama por conseguir armas. Esa tensión que poco a poco construye la historia termina en un desenlace inesperado, pero exquisito. Una historia entrañable que consigue hacerte pensar, esa es la nueva película del director y guionista butanés Pawo Choyning Dorji. El monje y el rifle es una reflexión sobre la vida y lo que realmente importa, sobre el miedo a los cambios y la incertidumbre. Bután, el país considerado más feliz del mundo, afrontó un cambio muy potente hace unos años al introducir la democracia. La película reflexiona acerca del poder de la política sobre su población y los conflictos que trae con ella. Todo ello, a través de una producción visualmente preciosa, una narrativa sensible y mucha sutileza humorística. Y es que, ¿Qué carajo hace un monje con un rifle? IMPERDIBLE.
TRAILER
CINE NACIONAL
BAJO
NARANJA
Bajo naranja.
(EN CINES)
- Título original
- Bajo Naranja
- Año: 2024
- Duración: 85 min.
Argentina- Dirección: Michael Taylor Jackson
- Guion: Michael Taylor Jackson
- Reparto: Michael Taylor Jackson, Sofía Gala Castiglione, Vera Spinetta, Bel Gatti
- Música: Montonn Jira
- Fotografía: Federico Martini, Luis Sens
- Compañías Coproducción Argentina-Estados Unidos; 25th Frame, Apolo Cine, CineNatura, Cinecolor, Crudo Films
- Género: Comedia. Drama | Comedia dramática.
SINOPSIS: Un mochilero californiano viaja a Buenos Aires para rendir homenaje al pirata argentino que conquistó su ciudad natal de Monterrey, California, en 1818. En el camino se ve envuelto en una relación poliamorosa con una banda de jóvenes actores que conspiran para secuestrar al embajador de Estados Unidos. MUY BUENA. Bajo naranja nos presenta a un adorable grupo de personajes que viven en los márgenes de la sociedad consumista, que utiliza el arte experimental como forma de lucha y dispersión y experiencia anarquista en un mundo cambiante y que parece eyectarlos. El personaje del yankee llegará por casualidad a ser acogido por este grupo que vive en una gran casa que funciona como casa de arte, espacio de liberación y de encuentro con personas desconocidas, despliegue de sexualidades y vida en comunidad. La película logra tanto la visibilidad como la parodia. Este grupo de jóvenes, que se niegan a aceptar convenciones de género, lenguaje y nacionalidad, es mostrado con una cierta cuota de heroísmo pero también con comicidad y ridiculez. De a poco se ven las contradicciones internas de cada uno, los conflictos entre ellos y lo utópica que puede ser muchas veces la idea de libertad total. El film también escarba entre la historia que une a Estados Unidos y Argentina: la deuda externa, el apoyo a la dictadura militar y el colonialismo. La irrupción del yankee hace tambalear la estructura del grupo -como todo sujeto foráneo que interrumpe en la cotidianidad-, pero esta llegada accidentada a la Argentina transformará al yankee para siempre, quien elige al final de la película rebautizarse en signo de un renacimiento en una nueva nación y forma de vida. Merece una mención la dirección de arte, la estética punk reinante en todo el film y también la presencia de grandes clásicos del rock argentino como “Viento dile a la lluvia” de Los Gatos y “Plegaria para un niño dormido” de Almendra. Bajo naranja navega entre el revisionismo histórico y la denuncia, la oda a la juventud y el punk, sin dejar de ser una declaración de amor de un extranjero hacia nuestro país. Bajo naranja parece de esas películas hechas con extremo frenesí, incluso cuando esto implique descuidar algunos aspectos técnicos, usando al cine como recurso máximo de expresión y de creación de realidades. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
MINISERIE Y SERIES
SILO
SEASON 1
TEMPORADA COMPLETA
10 EPISODIOS
4 DISCOS
- Título original
- Silo
- Año: 2023-2024
- Duración: 500 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Graham Yost (Creador), Morten Tyldum, David Semel, Adam Bernstein, Bert, Bertie
- Guion: Graham Yost, Jeffery Wang, Jessica Blaire.
- Reparto: Rebecca Ferguson, Common, Tim Robbins, Harriet Walter.
- Música: Atli Örvarsson
- Fotografía: Mark Patten, David Luther, Laurie Rose, Ed Moore, Baz Irvine
- Compañías Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; AMC Studios. Distribuidora: Apple TV+
- Género: Serie de TV. Ciencia ficción. Drama | Futuro postapocalíptico. Distopía.
SINOPSIS: En un futuro tóxico y en ruinas, miles de personas viven en un
gigantesco silo bajo tierra. Después de que su sheriff incumpla una
regla cardinal y los residentes mueran misteriosamente, la ingeniera
Juliette empieza a descubrir secretos espeluznantes y la verdad sobre el
silo. EXCELENTE. "SILO" (2023) es una serie de 10 episodios en su primera temporada (ya
ha sido renovada para una segunda) producida por Apple TV en la que la
compañía de la manzana mordida no ha reparado en gastos y se nota. Vaya
si se nota. Se comenta en las redes que su coste no ha bajado de los 200
millones de dólares, aunque eso es calderilla para una empresa que en
2022 tuvo unos beneficios de 100.000 millones de dólares. La serie está basada en la saga de novelas post-apocalípticas "Crónicas
del Silo" del escritor estadounidense Hugh Howey. La saga vio la luz en
2011 con la novela corta «Wool» (en español “Espejismo”), al que más
tarde se añadieron otros relatos cortos hasta configurar un único
volumen con el mismo título, y que sería seguido por otros dos
volúmenes: “Shift” y “Dust” ( en nuestro imperecedero idioma
“Desolación” y “Vestigios”), a los que se añadieron tres cuentos y una
novela gráfica. El rodaje ha tenido lugar en el Reino Unido y entre sus
intérpretes tenemos a Rebecca Ferguson (Juliette Nichols), Rashida Jones
(Allison Becker) o David Oyelowo (Holston Becker), actores no muy
conocidos en España, aunque quizás algunos recuerden a Rebecca Fergusson
en "DUNE" (2021), donde interpretaba a Dama Jessica, y en la saga
“MISION IMPOSIBLE”. Si hay algo que destaca en "SILO" -además de una trama bien urdida
aunque a veces desconcertante- es el diseño de producción, que es
absolutamente impecable, espectacular, de lo mejor que se ha visto en la
televisión en los últimos años. La recreación del Silo es majestuosa y
la atención al detalle, sobresaliente. No es solo la recreación de los
enormes espacios internos del gigantesco refugio subterráneo que cobija a
miles de personas en 140 niveles, sino aspectos como la degeneración de
las estructuras y dispositivos por el paso del tiempo: grietas,
desconchones, papeleras y máquinas herrumbrosas mantenidas en buen
estado de funcionamiento gracias al constante esfuerzo de reciclaje de
una sociedad de informáticos, mecánicos, ingenieros, agrónomos, etc.
donde prima la supervivencia y lo práctico, donde la estética o los
conocimientos no útiles han sido desechados en pro del fin último:
asegurar la supervivencia la comunidad por tiempo indefinido. Una
comunidad que lleva más de un siglo aislada de la tóxica superficie y
que ha terminado por desarrollar una cultura particular, cuyo punto
central es el Día de la Liberación, el momento en que se puso fin a la
“Rebelión” (de la que poco sabemos, parece tratarse de una suerte de
guerra civil), pero que se tradujo en la pérdida (al menos aparente) del
conocimiento previo de lo ocurrido en el planeta a causa de la
destrucción de los registros informáticos e impresos. Es por eso que los
habitantes del Silo no saben quién lo construyó ni cuánto hace de ello.
Sólo saben que el exterior es mortal y que el planeta está arrasado. Y
tampoco saben cuándo podrán salir a la superficie… Claro que no todos
opinan lo mismo. Aunque el precio por salir a ver qué hay fuera de
verdad sea la muerte. Una serie altamente recomendable para este venturoso y reseco
estío que sin duda les va a gustar y que van a disfrutar tanto como yo. IMPERDIBLE.
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