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ESTRENOS
DE LA SEMANA
ABSOLUTION
Vengador implacable.
- Título original
- Absolution.
- Año: 2024
- Duración: 112 min.
Estados Unidos- Dirección: Hans Petter Moland
- Guion: Tony Gayton
- Reparto: Liam Neeson, Ron Perlman, Frankie Shaw, Daniel Diemer
- Música: Kaspar Kaae
- Compañías: Electromagnetic Productions, Sculptor Media, North Five Six, Thug Movie Productions
- Género: Thriller. Acción | Mafia. Familia.
SINOPSIS: Un curtido y peligroso gangster (Liam Neeson) descubre que está empezando a perder la memoria. Decidido a enmendar las cosas con su hija y rectificar los errores del pasado, antes de que sea demasiado tarde intentará hacer lo que sea para redimirse. Pero las garras del mundo criminal no lo soltarán tan fácilmente y se verá obligado a enfrentarse a la organización para la que lleva más de 20 años trabajando. MUY BUENA. Según recuerdo, fue hace apenas dos años y medio que Liam Neeson interpretó a un criminal de carrera con demencia temprana en el elegante, bien actuado y tenso thriller Memory. Ahora llega Absolution, otro thriller elegante, bien construido y lleno de tensión, protagonizado por Liam Neeson como... un criminal de carrera con demencia temprana. Sí, parece como si ya hubiéramos visto esta película antes, pero gracias a la dirección apropiadamente cruda y granosa ambientada en Nueva Inglaterra por Hans Petter Moland, al todavía resonante carisma de Neeson y a un reparto de apoyo sobresaliente, Absolution logra dejar una marca con su propio estilo. Durante varios años, el ahora septuagenario Neeson ha hablado de cómo no puede hacer películas de acción para siempre. En una conversación de 2020, me comentó que era importante que su personaje en Honest Thief estuviera algo fuera de forma porque "el público se da cuenta de esas cosas. Este tipo [no es] un joven de 33 años". Sin embargo, aquí estamos en 2024, y Neeson sigue con su racha de protagonizar películas con frases promocionales como “Recupera tu vida” (Unknown), “Nunca le robes la segunda oportunidad a un hombre” (Honest Thief) y ahora “Todos pagan al final” (Absolution). Reuniéndose con su director de Cold Pursuit (“La venganza se sirve mejor fría”), Moland, en este thriller de puño limpio, Neeson demuestra que aún le queda gasolina en el tanque con una actuación resonante como un criminal veterano de nivel medio que experimenta una pérdida acelerada de memoria y funciones cognitivas, y que decide corregir algunos errores antes de que sea demasiado tarde. El personaje de Neeson, “Thug” (así se le menciona en los créditos), ha trabajado durante décadas como mensajero y matón para el jefe criminal local Charlie Conner (interpretado de manera perfecta por Ron Perlman), pero su retiro está cerca y ha sido encargado de entrenar al hijo idiota y temperamental de Charlie, Kyle (Daniel Diemer), para que asuma sus funciones. Finalmente, al empezar a aceptar su rápido declive, Thug intenta reconectar con su hija distanciada Daisy (Frankie Shaw, quien le da un toque especial a un rol que pudo haber caído en clichés) y conocer a su nieto Dre (Terrence Pulliam). Además, inicia una relación con una mujer (Yolonda Ross, de The Chi), cuya vida ha sido tan dura como la de Thug, pero que guarda un corazón amable bajo su fachada. Aunque ambos coinciden en que esta relación no terminará bien, porque así son sus vidas. Absolution evoca ecos del Taken original cuando Thug utiliza su particular conjunto de habilidades para rescatar a mujeres secuestradas y obligadas a trabajar como trabajadoras sexuales. El director Moland sabe cómo montar secuencias de acción y, en un momento, crea una de las escenas de muerte más impactantes que he visto en años recientes. Aunque la película se desarrolla en la actualidad, recuerda a los thrillers de crimen de hace medio siglo; incluso el estilo de ropa y vello facial de Thug lo hacen parecer un personaje sacado de una película independiente de 1975. Todos pagan al final, sin duda. Casi todos en Absolution obtienen lo que merecen, para bien, para mal o para la muerte. RECOMENDABLE.
TRAILER
Smile 2.
(EN CINES)
- Título original
- Smile 2
- Año: 2024
- Duración: 127 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Parker Finn
- Guion: Parker Finn
- Reparto: Naomi Scott, Kyle Gallner, Rosemarie Dewitt, Miles Gutierrez-Riley
- Música: Cristobal Tapia de Veer
- Fotografía: Charlie Sarroff
- CompañíasParamount Pictures, Paramount Players, Temple Hill Entertainment, Bad Feeling. Distribuidora: Paramount Pictures
- Género: Terror. Thriller | Thriller psicológico. Música. Secuela.
SINOPSIS: La estrella del pop mundial Skye Riley está a punto de embarcarse en una nueva gira mundial cuando empieza a experimentar una serie de sucesos cada vez más aterradores e inexplicables. Angustiada por la espiral de horrores y la abrumadora presión de la fama, Skye tendrá que enfrentarse a su oscuro pasado para recuperar el control de su vida antes de que sea demasiado tarde. Secuela de 'Smile' (2022). MUY BUENA. Hace un par de años el estreno de Sonríe había generado un puñado de buenas sensaciones en los amantes más exigentes del cine de terror. No es que la película ofreciera una versión mejorada de la pólvora, ni mucho menos. Pero es cierto que lograba manejar de forma efectiva una serie de recursos bien clásicos que en el balance final la convertían en una experiencia gozosa. Lo suficiente para hacerla alcanzar un éxito que superó las expectativas y, como todo negocio, ganarse el derecho a convertirse en franquicia, para ser consecuentemente vaciada de todo mérito a partir de la repetición ad infinitum de su “simpática” fórmula. Destino que su primera secuela consigue esquivar solo en contadas ocasiones. Uno de los aciertos de Sonríe 2 consiste en cambiar el escenario en el que transcurre su historia, dejando atrás el paisaje de clase media que los espectadores compartían con los personajes, para tomar como protagonista a una súper estrella de la música pop para adolescentes. Una idea interesante no solo porque amplía la estética del universo de Sonríe, sino porque también hay ahí un concepto en el que el cine no suele profundizar: que las maldiciones de las películas de terror no solo pueden afectar a la gente común, que es la que mayormente sufre de las presencias ominosas de los infinitos más allá. La maldición de Sonríe tiene numerosos puntos de contacto con la que, con mucha más inteligencia, originalidad e imaginación, había desarrollado David Robert Mitchell en Te sigue (2014). La idea de un mal contagioso, del que solo es posible liberarse a través del acto ruin de “pasárselo” a alguien más de forma deliberada, es la que articula el drama de los personajes de esta saga, que deben enfrentar a un ente que se manifiesta a través de personas sonrientes que solo el afectado puede ver. La decisión de llevar este universo al círculo más alto del negocio de la música pop, donde abundan el servilismo y los comedidos, resignifica y amplía la lectura simbólica de esas sonrisas. Sonríe 2 es una de esas películas en las que la duración se convierte en un defecto, lo cuál no sería un problema si evitara caer en ciertos momentos de monotonía, si no adoleciera de algún que otro pasaje sobrexplicativo o de inserts musicales que no aportan mucho más que sumarle minutos a la proyección. A pesar de eso, la película ofrece otras secuencias narradas de forma sólida, una notoria habilidad para generar sobresaltos y algunos momentos que resultan notables en términos de composición cinematográfica. En especial uno, en el que la lógica de las coreografías de baile se traslada al acoso que sufre la protagonista por parte de esta entidad maligna. RECOMENDABLE.
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EL
TIEMPO
QUE
TENEMOS
We Live in Time.
(EN CINES)
- Título original
- We Live in Time
- Año: 2024
- Duración: 107 min.
Reino Unido- Dirección: John Crowley
- Guion: Nick Payne
- Reparto: Andrew Garfield, Florence Pugh, Adam James, Marama Corlett
- Música: Bryce Dessner
- Fotografía: Stuart Bentley
- Compañías Coproducción Reino Unido-Francia; Film4 Productions, Studiocanal, SunnyMarch, Film Four, Shoebox Films, Canal+. Distribuidora: A24
- Género: Romance. Drama | Drama romántico.
SINOPSIS: Almut y Tobias se conocen en un encuentro inesperado que cambia sus vidas. A través de pasajes de su vida en común −se enamoran, construyen un hogar, forman una familia− se nos revela una difícil verdad que amenaza con sacudir sus cimientos. A medida que emprenden un camino que los límites del tiempo desafían, los protagonistas aprenderán a apreciar cada momento del inusual camino que ha tomado su historia de amor, que abarca una década. MUY BUENA. "El tiempo que tenemos", es un drama romántico con estupendas actuaciones. Se habla a menudo de películas de actores, son filmes cuyas tramas se centran precisamente en la capacidad que tienen sus intérpretes para hacerla valedera, convincente. Que nos compra, digamos. La historia, lacrimógena en el buen sentido, de El tiempo que tenemos no sería lo que es si estos dos grandes actores que son Andrew Garfield y Florence Pugh. Es un drama romántico, del tipo Diario de una pasión (The Notebook) -y habiendo escrito esto, sé que varias lectoras ya serán futuras espectadoras del filme-, en la que la historia de la pareja protagónica tendrá idas y vueltas, y no solamente en lo que respecta a su relación amorosa. El guion de Nick Payne (La última carta de amor) a partir de entonces rebotará como una pelota en el tiempo, con no dos ni tres, sino cuatro líneas temporales. Este, llamémosle, desorden cronológico premeditado, obliga al espectador a no parpadear demasiado. No hay intertítulos, ni fechas ni nada que nos ayude a entender cuándo pasa qué cosa, salvo por el estado de embarazo de Almut o su cabeza rapada al ras por el tratamiento que hace. El director irlandés John Crowley (la muy buena Brooklyn), ¿lo hace como una manera de reflejar lo que pasa por la cabeza de alguien, que intuye que le llega el final, y así los recuerdos se abarrotan desordenadamente? Si Plugh, que está magnífica, lleva el peso de ser la protagonista que corre peligro de muerte, es Garfield el que quizá mejor exprese los sentimientos que se cruzan a su personaje. Mostrará tristeza, preocupación, enojo y esperanza -tal vez no en ese orden- con esos ojitos que ya le conocimos en varias de sus mejores películas (lo de la expresión de los ojos no era un arma demasiado utilizada cuando era el Hombre Araña, precisamente). Las interpretaciones de ambos son puntillosas, con decisiones de actuación pequeñas, gestos y movimientos tal vez mínimos, pero muy precisos,generando un resultado e excelencia. No olviden los pañuelos. IMPERDIBLE.
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Blitz.
- Título original
- Blitz
- Año: 2024
- Duración: 120 min.
- Reino Unido
- Dirección: Steve McQueen
- Guion: Steve McQueen
- Reparto: Saoirse Ronan, Elliott Heffernan, Harris Dickinson, Benjamin Clémentine
- Música: Hans Zimmer
- Fotografía: Yorick Le Saux
- Compañías Coproducción Reino Unido-Estados Unidos;Apple Original Films, Working Title Films, Lammas Park, Regency Enterprises, Apple Studios, Regency Television.
- Género: Drama. Bélico | II Guerra Mundial. Años 40.
SINOPSIS: En el Londres de la Segunda Guerra Mundial, George, un niño de nueve años, es evacuado al campo por su madre, Rita, para escapar de los bombardeos. Decidido a volver con su familia, George se embarca en un viaje épico de vuelta a casa mientras Rita intenta encontrarle. EXCELENTE. Se ha hecho tanta ficción basada en la II Guerra Mundial que uno empieza a preguntarse si realmente queda algo por contar. Resulta que del Blitz en concreto, Hollywood no ha hecho casi nada, así que ya partimos de una premisa por encima de la media en el género, y que Steve McQueen va a transformar en una película tan maravillosa como llena de reflexiones, matices y terror, el terror de la guerra. McQueen no se limita a mostrar ese terror, hace un amplio retrato de toda la sociedad británica en este contexto tan específico con sus luces y sus sombras, sumergiéndose en diversas cuestiones sociales que convergen sorprendentemente bien, hiladas casi siempre por la historia a lo Forrest Gump de su pequeño protagonista Georgie (al pobre le pasa de todo). Por supuesto la parte más lograda es la relacionada con el racismo, que Steve McQueen ya ha manejado magistralmente anteriormente en sus películas, así como las sobrecogedoras secuencias de bombardeos, que dejan varios planos devastadores que se quedan grabados en la retina y te hacen estar al borde del asiento. Creo que queda claro que el nombre propio de McQueen es el que más destaca aquí, aunque hay varios nombres más destacados delante y detrás de las cámaras. Puede que este no sea su mejor papel, pero Saoirse Ronan siempre cumple. Los compases los aporta uno de los más grandes, Hans Zimmer, con un trabajo diferente del que nos tiene acostumbrados. La única decepción llega de la mano de Harris Dickinson, uno de los mejores actores de su generación al que no se le da prácticamente nada con lo que trabajar. Superado el chasco del desaprovechamiento de Dickinson, Blitz es una obra maestra bélica y social, que cuenta una historia compleja y trasladable al presente en un momento histórico que merecía ser retratado con este cuidado y calidad en el audiovisual. IMPERDIBLE.
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THE
PIANO LESSON
La lección de piano.
- Título original
- The Piano Lesson
- Año: 2024
- Duración: 125 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Malcolm Washington
- Guion: Malcolm Washington, Virgil Williams. Obra: August Wilson
- Reparto: Samuel L. Jackson, John David Washington, Ray Fisher, Michael Potts
- Fotografía: Mike Gioulakis
- Compañías: Netflix. Distribuidora: Netflix
- Género: Drama | Familia. Música
SINOPSIS: La batalla entre un hermano y una hermana por un preciado piano heredado
desata verdades inquietantes sobre cómo se percibe el pasado y quién
define el legado familiar. MUY BUENA. August Wilson, el aclamado dramaturgo estadounidense ya fallecido, narró algunas de las historias más impactantes sobre las experiencias afroamericanas a través de un enfoque profundamente humano y una narración completa. Entre sus obras de teatro más destacadas se encuentran Fences y Ma Rainey’s Black Bottom, ambas adaptadas al cine. Denzel Washington, quien produjo ambas películas, regresa con una tercera adaptación de Wilson: The Piano Lesson, que relata la historia de una familia negra que se adapta a la vida en el Pittsburgh de 1936 tras la Gran Depresión. Bajo la dirección de Malcolm Washington y con un elenco estelar y talentoso, The Piano Lesson explora la importancia de honrar a nuestros ancestros a través del legado. Con una historia tan compleja como The Piano Lesson, sería fácil caer en una adaptación demasiado limitada de la obra teatral. Sin embargo, como director, Washington toma decisiones acertadas. Equilibrar los momentos emocionales del guion con los elementos paranormales no era tarea sencilla, pero el debutante lo logra con estilo, alma y empatía, ganándose cada gramo de excelencia cinematográfica y superando las restricciones propias de una obra teatral. Incluso cuando la historia aborda los segmentos paranormales, Washington mantiene su película anclada en el realismo del trauma negro, ofreciendo al público una oportunidad de sanación vicaria. Por supuesto, muchos de los éxitos de The Piano Lesson no serían posibles sin el espectacular elenco. John David Washington está en su elemento, navegando los altibajos emocionales de su relación con su hermana mientras explora su deseo de vivir el legado de su padre. Sin embargo, esta es la película de Danielle Deadwyler. Con una actuación increíblemente matizada y apasionada, Deadwyler como Berniece ofrece una interpretación deslumbrante, digna de los mayores reconocimientos de esta temporada de premios. De hecho, la película merece un premio al mejor elenco debido a la experiencia tan rica en emociones que ofrece este drama de Netflix. Con un debut fuerte y seguro, Malcolm Washington entrega en The Piano Lesson un viaje profundamente conmovedor sobre cómo reinterpretamos la manera en que honramos a nuestros seres queridos. El director adopta un enfoque cinematográfico para abordar la destacada obra de teatro de August Wilson, dejando una impresión duradera. Con la deslumbrante actuación de apoyo de Deadwyler, este elenco seguramente estará en boca de todos en la temporada de premios. Gracias a decisiones acertadas de guion que exploran la importancia del legado familiar, puedes esperar estar plenamente entretenido y emocionalmente cautivado durante toda la película. IMPERDIBLE.
2024: Premios Gotham: Nominada a Mejor interpretación de reparto (Danielle Deadwyler)
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SUMMER
En el verano.
- Título original
- In the Summers
- Año: 2024
- Duración: 95 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Alessandra Lacorazza
- Guion: Alessandra Lacorazza
- Reparto: Residente, Sasha Calle, Leslie Grace, Lio Mehiel
- Música: Eduardo Cabra
- Fotografía: Alejandro Mejía
- Compañías Bluestone Entertainment, Exile Content Studio, 1868 Studios, Luz Films, Assembly Line Entertainment
- Género: Drama | Familia. Drogas.
SINOPSIS: Las hermanas Violeta y Eva visitan todos los veranos a su amoroso pero imprudente padre Vicente. Él se esfuerza por crear un mundo maravilloso para ellas pero, bajo la divertida fachada, existe una lucha contra la adicción que gradualmente erosiona la magia, culminando en un devastador accidente. Vicente intenta compensar el pasado. Pero las heridas no se curan fácilmente. EXCELENTE. ¡Qué película! «In the Summers» refleja durante 4 capítulos la relación de un padre (presumiblemente divorciado) con sus dos hijas pequeñas. La película refleja como la relación de las hijas con su incompetente padre les afectará tanto en su devenir futuro como personas, ya sea adaptando malos hábitos o en su relación con el mundo exterior, como tanto con la relación que tendrán venideramente con el padre, demostrando esto último que las relaciones son como las plantas y por ende deben ser regadas y cuidadas con cariño. Más que la historia, lo que me fascina de la película son las pequeñas diferencias en los objetos o en las acciones de la película que sirven para reflejar el paso del tiempo, el deterioro tanto de las personas como de la relación entre las hijas y su padre. Creo que cuando uno vea esta película debe estar muy atento a esos pequeños detalles que sirven para explicar todo esto como puede ser la piscina de la casa o el cenicero del último acto. En resumidas, «In the Summers» es una película madura, ardua, que te irá encandilando conforme pase el metraje y, por ende, el paso del tiempo. Creo que es una justa merecedora del Festival de Sundance llevándose dos premios tanto a mejor película como a mejor dirección (inmejorable debut en el largometraje de Alessandra Lacorazza), pero no solo los premios certifican esta película sino también unas sobrias actuaciones, destacando a Residente en este campo donde desempeña un papel notable en su debut. IMPERDIBLE.
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Olvido.
- Título original
- Olvido
- Año: 2023
- Duración: 92 min.
España- Dirección: Inés París
- Guion: Fermín Palacios
- Reparto: Maria Caballero, Morgan Blasco, Javier Butler, Jorge Cabrera
- Música: Isabel Royán
- Fotografía: Javier Alomar
- Compañías: Persons Films, La Dalia Films, Riada Movie
- Género: Drama | Años 50.
SINOPSIS: Valencia, octubre de 1957, el año de la gran riada. La joven periodista Olvido Granell (María Caballero) y el policía Joaquín Caplliure se unirán para investigar qué esconde la aparición de seis cadáveres que no han sido víctimas del agua sino de una oscura conspiración. MUY BUENA. Valencia, riada del 57. Olvido se sumerge en los días posteriores a la catástrofe con una historia de crimen y misterio interesante y bien contada. ¿Qué oscura conspiración esconden los cadáveres de unos chavales arrastrados por el agua que presentan extrañas cicatrices? Película independiente, sin grandes pretensiones pero con una producción muy valiente y que a pesar del presupuesto ajustado que se intuye, saca petróleo en su forma y estilo. Interesante película española que, vista ahora, tras la trágica DANA ocurrida en poblaciones de Valencia, resulta cuando menos curiosa (no me atrevería a decir que también "oportuna"). No ha sido el morbo, conste, sino la curiosidad por no haber hecho caso a esta cinta en su día y ahora, tras los terribles sucesos, adquirir una extraña actualidad (supongo que más o menos lo que le ha ocurrido al bueno de Adlf, a quien envío un saludo aprovechando la ocasión). Y es que, aunque mayormente se aparta de las consecuencias de la tragedia natural y centrarse en las investigaciones policiales y periodísticas acerca de encontrar una serie de cadáveres de personas jóvenes, cada cual con una marca extraña, lo cierto es que también se ven sus efectos y, por medio de imágenes y documentales de la época podemos, al menos hacernos una idea de la magnitud de la tragedia. Centrándome en la cinta, se deja ver y se aprecia que es una película modesta, de casi serie B, aunque aspectos técnicos como el diseño de producción, sean excelentes. MUY RECOMENDABLE.
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Good one.
- Título original
- Good One
- Año: 2024
- Duración: 90 min.
- Estados Unidos
- Dirección: India Donaldson
- Guion: India Donaldson
- Reparto: Lily Collias, James Legros, Danny McCarthy, Sumaya Bouhbal
- Música: Celia Hollander
- Fotografía: Wilson Cameron
- Compañías: International Pigeon Production, Smudge Films, Tinygiant
- Género: Drama | Amistad. Familia.
SINOPSIS: Durante un fin de semana de excursión en Catskills, Sam, de 17 años, se
enfrenta al choque de egos entre su padre y su amigo más antiguo. MUY BUENA. Los hombres pueden ser autoritarios. Algunos lo sabemos de primera mano porque, con un poco de autoconciencia, podemos reconocer que, al menos en algún momento, hemos sido ese idiota pomposo que habla sin parar, mientras personas más introvertidas, a veces mujeres, se sientan en silencio y toleran nuestros monólogos egocéntricos. Quizás algunos de nosotros no somos tan extremos, pero tampoco siempre hemos sabido dar espacio a los demás. Good One, el drama perspicaz e íntimo de la adolescencia dirigido por India Donaldson, adopta la suave pero observadora perspectiva de una adolescente introvertida que debe soportar a hombres altaneros, en particular a padres egocéntricos. El resultado es una mirada magistral al malestar, la alienación y el agotador papel de complacer a los demás. Es una pequeña obra sublime, un relato de viaje engañosamente simple, cautivador y reflexivo, que recuerda por momentos al cine agudo y sutil de Kelly Reichardt. La película también es una historia de transiciones: la “hija perfecta” que, harta, se rebela y avanza hacia una versión más auténtica de sí misma. Lily Collias ofrece una actuación reveladora y profundamente matizada como Sam, una joven de 17 años que acompaña a su padre Chris (James Le Gros) y al mejor amigo de este, Matt (Danny McCarthy), en una excursión de fin de semana por las montañas de Catskill. Sam no está del todo entusiasmada con el viaje, pero sus padres están divorciados, y Chris, ahora con una nueva familia y un bebé, ve pocas oportunidades para conectarse con ella antes de que se vaya a la universidad. Como muchos acuerdos adolescentes, Sam accedió a ir en parte por obligación, en parte por deseo, aunque su disposición cambia constantemente: a veces quiere disfrutar de la naturaleza y pasar tiempo con su padre, pero en otras ocasiones su incomodidad es palpable, deseando estar en cualquier otro lugar. La relación con su padre es naturalmente compleja. Chris tiene buenas intenciones, pero su egocentrismo le impide ver, escuchar y respetar del todo a su hija. En cuanto a Matt, es mucho más fácil de catalogar: es un bocazas insufrible que monopoliza las conversaciones con su verborrea incesante. Matt había prometido traer a su propio hijo al viaje, pero su egoísmo llevó al joven a cancelar a último momento, lo que tensiona aún más la dinámica del grupo desde el inicio. En su debut como directora, Donaldson entrega una historia discreta pero absorbente, narrada con confianza y sin estridencias. A primera vista, la trama es mínima: dos hombres dominantes llevan a una adolescente en un viaje de senderismo, eclipsándola continuamente con su comportamiento. Pero bajo la superficie, Good One explora el mundo interno de Sam con sutileza, capturando su incomodidad y su silenciosa resistencia a través de un lenguaje corporal minuciosamente matizado. Aunque la película recuerda el estilo íntimo y modesto de Kelly Reichardt, Good One es más accesible gracias a su hermosa banda sonora de Celia Hollander y toques de comedia que iluminan la narrativa. Es un retrato delicado y sensible del malestar, la incomodidad y la frustración, narrado desde una perspectiva singular y profundamente empática. Donaldson desarrolla un drama de gran profundidad emocional que resonará especialmente con mujeres y adolescentes que han tenido que guardar silencio frente a hombres autoritarios como mecanismo de autodefensa. Michael Le Gros y Danny McCarthy ofrecen actuaciones sobresalientes: el primero como un padre bienintencionado pero incapaz de captar las necesidades complejas de su hija, y el segundo como un amigo insoportable que encarna perfectamente la figura del hombre engreído. Collias, por su parte, brilla con una interpretación contenida pero impactante, mostrando el cambiante espectro emocional de Sam con una precisión impresionante. En su tramo final, las tensiones acumuladas explotan en un acto menor de desafío por parte de Sam, dejando a su padre desconcertado, incapaz de entender por qué ella está tan molesta. Este momento, aunque sutil, encapsula la melancolía de la película: Chris nunca comprenderá realmente lo que ha hecho mal ni el momento exacto en el que traicionó la confianza de su hija. Good One es un retrato silenciosamente desgarrador de los momentos diminutos e indefinibles de la vida, esos instantes que pasan desapercibidos para quienes no están lo suficientemente atentos. Para los introvertidos, esta película es un bálsamo, una afirmación de que, por fin, alguien ha logrado capturar su experiencia como nunca antes. IMPERDIBLE.
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TOUR
La segunda vuelta.
- Título original
- Second tour
- Año: 2024
- Duración: 95 min.
Francia- Dirección: Albert Dupontel
- Guion: Albert Dupontel, Camille Fontaine, Marcia Romano
- Reparto: Cécile De France, Nicolas Marié, Albert Dupontel, Uri Gavriel
- Música: Christophe Julien
- Fotografía: Julien Poupard
- Compañías Manchester Films, Stadenn Prod, Pathé, France 2 Cinema, France TV. Distribuidora: Pathé
- Género: Comedia | Política.
SINOPSIS: A Pove se le solicita que siga el curso de la campaña presidencial. El favorito es un heredero de cincuenta años de una poderosa familia francesa. Preocupado por este candidato, Pove se embarca en una investigación tan sorprendente como exultante. MUY BUENA. No es la primera vez que Albert Dupontel se presenta a presidente. El humorista, que se labró una reputación con sus sketches y sus one-man-shows enloquecidos a lo largo de los años 90, ya protagonizó Président (2006), un drama político de Lionel Delplanque, que se promocionó con una web en la que aparecía Dupontel repeinado, con bandera al fondo, dando un discurso perfectamente envasado al vacío, con motivo del 14 de julio. Por entonces, el actor ya se había fogueado como realizador, aunque todavía no había llegado a presidir el cine francés con dos películas tan gozosamente megalómanas como Nos vemos allá arriba (2017) o Adiós idiotas (2020), con las que arrasó en los César. Él se declara fan de Fellini y de Gilliam, pero en esta nueva película, La segunda vuelta, donde se vuelve a presentar como candidato a L’ Elysée, su cine vuelve a recordar más bien al que facturaban Jeunet y Caro en los 90 (también deudores de Fellini y Gilliam, es verdad). Vuelve a tener ese lado como muy de BD, especialmente en esos flashbacks con difuminados y efectos especiales de rejuvenecimiento, que son casi como viñetas de cómic dentro de una película cuyos colores, a cargo de Julien Poupard, vuelven a estar a su vez muy subidos de tono. Aunque Dupontel cultiva una estética resueltamente kitsch, que a veces puede incluso recordar a la de un anuncio de camembert, hay que decir que el humor pasado de vueltas, en marcado tono de farsa, resulta de lo más efectivo, con momentos desopilantes, sobre todo gracias a la labor de una inconmensurable Cécile de France, impagable con su look de intrépida reportera, que combina permanente con gafas setenteras, en irresistible dúo cómico con el entrañable Nicolas Parisier. La crítica al liberalismo quizás no llegue muy lejos, y su visión de la prensa hasta puede pecar de ingenua en un tiempo en el que el llamado “cuarto poder” ha perdido su ídem, diseminado por las redes sociales. Pero la ambiciosa desmesura, algo más controlada que en los casos anteriores, y ese loable deseo de originalidad a toda costa, hacen de esta comedia entre delirante y absurda una experiencia satisfactoria, sobre todo cuando nos imaginamos mecidos como bebés en los brazos de la gran Cécile de France. Un film de visión obligatoria, pues estamos ante una delas mejores comedias políticas de los últimos 10 años. IMPERDIBLE.
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CINE NACIONAL
TRANSMITZVAH
Transmittzbah.
(EN CINES)
- Título original
- Transmitzvah
- Año: 2024
- Duración: 100 min.
Argentina- Dirección: Daniel Burman
- Guion: Daniel Burman, Ariel Gurevich
- Reparto: Penélope Guerrero, Juan Minujín, Alejandro Awada, Alejandra Flechner
- Música: Gabriel Chwojnik
- Fotografía: Rodrigo Pulpeiro
- Compañías: Oficina Burman
- Género: Comedia. Drama | Transexualidad / transgénero.
SINOPSIS: Una célebre cantante iddish (Penélope Guerrero) regresa a sus orígenes en Buenos Aires para confrontarse con su familia y su pasado. MUY BUENA. El cine de Daniel Burman ha explorado, quizás como ningún otro en nuestro país, las profundidades de la identidad judía en la Argentina. Y lo ha hecho, a diferencia de otros cineastas emblemáticos de esa raigambre cultural tales como Woody Allen o los hermanos Coen, desde una sátira menos intelectual, menos iconoclasta, pero igual de efectiva en su intento de equilibrar la pertenencia cultural con un ejercicio de mirada distanciada y reflexiva. Así, en su cine, desfilaron el barrio del Once y los negocios de telas e indumentaria, la Hebraica y los Benei Mitzvá, la adolescencia en los 80 y la lectura de la Torá. “Una cultura de símbolos”, reclama el patriarca Aaron (Alejandro Awada) de esta familia Singman, que recuerda a otras familias que Burman dispersó por su filmografía. ¿Qué implica ser judío en Buenos Aires? ¿Cómo esos rituales con letra de ley configuran una identidad originaria en tensión con un contexto siempre cambiante? “El hombre y sus circunstancias”, diría Ortega y Gasset, y también podría aplicarse a este Burman de los últimos años.La historia de Transmitzvah acusa tanto esa preocupación del director como su sintonía con un tiempo en el que asoman nuevas identidades, que antes se negaban y hoy se hacen visibles. En las vísperas de su bar mitzvah, el niño Rubén (Milo Burgess) descubre que no quiere enfrentar esa instancia de decisión, de asunción de responsabilidades de adulto, con un nombre que no reconoce. Mumy Singer es su nombre elegido frente al profético delegado por su padre, en un número musical que combina desparpajo y convicción. “Chiribiri bom, chiribiri bom, bom” canta Mumy todavía con voz infantil en “Sigman Modas. Elegante y Sport”, donde familia y negocio se confunden, se amalgaman, se desdoblan. Esos destellos de la memoria infantil cumplen el cometido de situarnos en la historia de aquel Rubén y hoy Mumy, que vuelve a su pasado como se vuelve al origen: para entender lo que se fue y lo que se es hoy. En el presente, Mumy Singer (Penélope Guerrero), una diva pop que canta en yiddish y baila en exuberantes coreografías, viaja de Madrid a Buenos Aires para realizar un espectáculo en el Teatro San Marín y celebrar un esperado reencuentro con su historia familiar. La acompaña su pareja, el fatigado Sergio (Gustavo Bassani), un obseso lacaniano que prefiere las lecturas al sexo, y denota en la crisis amorosa que atraviesa con Mumy las cuentas no saldadas en aquel Buenos Aires querido. Mumy viaja, actúa, vuelve al Once y a su voz infantil casi sin quererlo, quizás como un atajo inconsciente para zurcir las heridas nunca cerradas en su infancia. Y entonces Burman hace algo interesante: esquiva tanto la solemnidad como el humor más facilón, para elegir un laberinto de estilos, que cruza los ecos almodovarianos con el costumbrismo argentino, a menudo bastardeado y aquí reconvertido en sus fuentes más grotescas, también más genuinas.Es cierto que no todo funciona con la misma solvencia, sobre todo a partir de la bifurcación narrativa que ofrece el reencuentro de Mumy con Eduardo (Juan Minujín), su hermano mayor, también en crisis por un divorcio dilatado, por sus propios interrogantes sobre la adultez y las decisiones. Mumy y Eduardo marchan sobre la estela de esa identidad revisitada, sobre el vínculo fraternal ya explorado por Burman en películas como Dos hermanos (2010), reflexiones sobre el judaísmo contemporáneo, la tensión entre la palabra sagrada y el mundo cambiante, un viaje hacia el origen de esa “diva kosher”. El otro recorrido es el de la tienda Sigman, el encuentro de la madre Miriam (Alejandra Flechner) y el prescindible Sergio, musicales que recuerdan a la etapa del destape de Almodóvar (Laberinto de pasiones, Entre tinieblas), que no terminan de consolidar su vena paródica. Guerrero y Minujín aceitan su trabajo como dúo, equilibrando con oficio la emoción por el reencuentro con el comentario irónico sobre los vaivenes del destino.¿El destino está en el nombre? Ese interrogante que condujo al primer exabrupto de Aaron ante las decisiones de su hija va develando una trama secreta, una escritura escondida que percibe incluso en lo establecido, el germen perfecto de lo impensado. Las palabras del rabino, las canciones tradicionales y la filosofía de Abraham Abulafia se conjugan en una búsqueda que es personal para Mumy pero cinematográfica para el camino que recorre Burman en esta etapa de su obra. La riqueza cultural del judaísmo trasciende la ortodoxia de sus exégetas y aquello que parecía un imposible –¿es el ‘transmitzvah’ una palabra inventada o el develamiento de esa transformación anunciada?- nos confirma que la permanente transformación es parte de ese destino escrito. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
LINDA
Linda.
- Título original
- Linda
- Año: 2024
- Duración: 104 min.
- Argentina
- Dirección: Mariana Wainstein
- Reparto: Eugenia Suárez, Rafael Spregelburd, Julieta Cardinali, Minerva Casero
- Música:Manu Moreno
- Fotografía: Marcos Hastrup
- Compañías Coproducción Argentina-España;
- Género: Drama.
SINOPSIS: Una joven cautivante de gran belleza, comienza a trabajar como empleada doméstica en una casa de clase alta en zona norte. No es empleada doméstica, pero le está haciendo el favor a su prima Lorena. Linda, como la llama todo el mundo, despierta un magnetismo un tanto fuera de lo normal en cada uno de los miembros de la familia. Consciente de su encanto, maneja discretamente ese poder de seducción con cada uno por separado, pero se va enredando en la atracción y la pena que siente por ellos. Descubre que detrás de esas aparentes vidas felices, hay algo más complejo. MUY BUENA. Logrado debut de Mariana Wainstein en la dirección, que habla de prejuicios sociales y de género con inteligencia e ingenio. Ya hace varios años, casi una vida podríamos pensar, Pier Paolo Pasolini pensó las dinámicas sociales a escala familiar tomando como punto de partida una parábola. “Se trata de la llegada de un visitante divino a una familia burguesa. Esa visita lanza por los aires todo lo que los burgueses sabían de sí mismos: ese huésped llegó para destruir”, señalaba el director en una entrevista con Lino Peroni citada en el libro Pasolini por Pasolini. Esa es la síntesis conceptual de Teorema (1968), pieza clave en la obra pasolineana. Pero, además, ese misterioso recién llegado tenía la belleza como estandarte: el rostro lozano y perfecto de Terence Stamp como desencadenante de una crisis profunda que se dispersa desde ese entorno familiar hacia un sustrato social más profundo, el que la burguesía había legado al siglo XX ¿Qué vigencia tienen esas reflexiones hoy que el mundo parece no plantearse demasiados interrogantes? La ópera prima de Mariana Wainstein, aún con menos ambiciones teóricas que las del director de Teorema, logra actualizar esa idea en sintonía con el movimiento del cine contemporáneo, y no solo explora tensiones de clase sino de género a partir de una visita que también tiene efectos disruptivos en una familia, y también tiene el rostro de la belleza. Linda (Eugenia ‘China’ Suárez) llega a la moderna casa de sus acaudalados empleadores para reemplazar a su prima Lorena, quien ha tenido un accidente. En cuanto sustituta, su estancia será temporal y por ello cierta displicencia en el aprendizaje del oficio, cierta distancia en sus reacciones de cortesía y algunas pequeñas transgresiones realizadas a escondidas (comerse una aceituna del frasco, revolver el café con el dedo) parecen autorizadas por la brevedad de su labor. Los integrantes de la casa son Camilo (Rafael Spregelburd), un exitoso publicista; su esposa Luisa (Julieta Cardinali), decoradora de interiores y perfecta anfitriona de las reuniones sociales, y sus hijos, Martina (Minerva Casero) y Ceferino (Felipe Otaño); la primera estudiante universitaria, el segundo, un adolescente rebelde. Todos y cada uno se verán sacudidos por la llegada de la nueva mucama. Desde que comienza la película, Wainstein trabaja con paciencia y rigor la progresiva tensión que genera Linda en el entorno a partir de una consistente idea de acumulación. Al comienzo las ambiguas reacciones de la protagonista ante un pedido como el uso del uniforme o el cumplimiento de alguna orden generan cierto desconcierto: no solo en su aspecto “no parece una mucama” –como afirma más de uno-, sino que su comportamiento no responde al ideal de subordinación. Su funcionamiento inicial en la casa recuerda el planteo de Claude Chabrol en La ceremonia (1995), película en la que la “descortesía” de Sandrine Bonnaire se justificaba en un secreto y las disputas de clase devenían en un torbellino de furia homicida inesperada. Linda, en cambio, se corre del ejercicio del thriller para utilizar apenas su clima de creciente incomodidad, que se sostiene en la falta de información –pocos son los destellos de la vida de Linda fuera de su trabajo- y que se dispara en tanto la tensión sexual se distribuye entre Linda y los integrantes de la casa. El relato se estructura con un gran acontecimiento como meta: la celebración del 25° aniversario de casados de Camilo y Luisa, evento que se prepara a lo largo de toda la película. Wainstein utiliza ese hecho en su dimensión simbólica, como confirmación de la vigencia del matrimonio como unión y de la familia como resultado, para ir tallando sobre su base las muescas que podrán o no precipitar su caída. Esa lógica resulta perfecta en la primera mitad, sostenida en la seducción de Linda y la perturbación de sus “víctimas”, diseñada en una magnífica puesta en escena de los espacios –con un gran uso del fuera de campo en la referencia a un perro invasor de la sacralidad del jardín-, y se torna un poco más artificial en la dilatación de algunas escenas de coqueteo sexual –Linda, Luisa y el perfume; Linda, Ceferino y la cicatriz- que arropan un efectismo que roza la promesa de un estallido final.Pero Linda nunca da el mal paso, y recorre su último tramo con astucia y solvencia, concentrada en una mirada inteligente sobre los deseos y las dinámicas represivas que los ahogan. Suárez ofrece a su personaje, opaco y transparente al mismo tiempo, tanto en esa dimensión crística que podía intuirse en Stamp, como en su aura desafiante, que combina disfrute y convicción. Nunca los temas de reflexión que propone la película –prejuicios sociales, roles de género –obturan la potencia de un relato que elige la carnalidad de su universo como efectiva forma de rebelión. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
CINE DE AYER
SOUS LE
SABLE
Bajo la arena.
- Título original
- Sous le sable
- Año: 2000
- Duración: 95 min.
- Francia
- Dirección: François Ozon
- Guion: François Ozon, Emmanuèle Bernheim, Marina de Van, Marcia Romano
- Reparto: Charlotte Rampling, Bruno Cremer, Jacques Nolot, Alexandra Stewart
- Música: Philippe Rombi
- Fotografía: Jeanne Lapoirie, Antoine Heberlé
- Compañías: Fidélité Productions
- Género: Drama | Drama psicológico. Secuestros / Desapariciones.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HD.1080P.
SINOPSIS: Durante años, el matrimonio formado por Marie y Jean ha pasado unas
felices vacaciones en la región de las Landas, al oeste de Francia. Pero
este verano, durante una siesta de Marie en la playa, su marido
desaparece sin dejar rastro. EXCELENTE. Bajo la arena (Sous le sable, 2000), de Francois Ozon, es un relato de
fantasmas. Es la historia de una desaparición. Es la historia de un
hombre, Jean (Bruno Cremer) que desaparece sin dejar rastro tras decir a
su esposa, Marie (Charlotte Rampling), que se va a dar un baño en el
mar. Ella se queda tumbada sobre la arena, y espera. Y no dejará de
esperar. Sin lograr saber qué hay bajo la arena, esto es, qué puede
revelar esa desaparición sobre su matrimonio, o sobre lo que creía que
era, lo que implica, cómo creía que era o vivía la relación su marido. O
quizás la cuestión sea que no desea saber. Jean quizá se ahogó, quizá
se suicidó, quizá aprovechó para romper con su vida y desvanecerse en
otra. Jean era un hombre que ya había empezado a desaparecer, como se
aprecia, en las primeras secuencias, por su forma de acariciar el tronco
de un árbol, o descubrir, tras levantar el de un árbol caído, un
hormiguero, la vida en ebullición. Pareciera que invocara la vida,
sentirse presente; algo de ello, como un fuera de campo que quiere
dotarse de encuadre, se refleja en su mirada durante la cena la noche
anterior, o antes de dirigirse hacia el mar. No vemos siquiera cómo se
interna en el agua. Porque el fuera de campo ya está en su mirada. Es su
expresión la que queda resonando como una incógnita que su mujer,
Marie, no parece querer confrontar. Marie prefiere vivir con su fantasma, como si fuera una presencia que no
la ha abandonado sino que, en cambio, la espera al llegar a casa, con
el que repite acciones, como las de la última noche que estuvo con ella,
en la cama, leyendo un libro, dejando las gafas sobre la mesilla, o
recibiéndola para escuchar sus impresiones sobre una cena a la que ha
asistido. A veces, evoca sus manos, y otras manos, que surgen del fuera
de campo, la acarician, cuando el deseo bulle en ella, tras haber
conocido a otro hombre, Vincent (Jacques Nolot), un cuerpo que no podrá
ocupar la ausencia de quien aún prefiere como fantasma, una huella, la
de un cuerpo que aún siente sobre el suyo, más cuando la constitución
delgada de Vincent es la opuesta de la corpulenta de Jean. Marie
prefiere vivir en la negación, como si él no hubiera muerto. Prefiere
hablar a los demás de él en presente de indicativo, no como pasado.
Queda dividida, entre lo que quisiera que aún fuera y lo que es, como
reflejan esos planos de ella en la cama sentada, y en la pared las
piernas en una pintura, o contemplándose en un espejo. Como el personaje que Charlotte Rampling interpretará en Swimming pool
(2003), no se sabe muy bien hacia donde mira, si discierne lo que es
real de lo que no es sino su imaginación que niega, que se agarra como
un ancla a lo que ya no es, a lo que quisiera que aún fuera. Es un
cuerpo que prefiere vivir como un fantasma, un fantasma que anhela poder
sentirse cuerpo. En Swimming pool convive con un cuerpo imaginario,
creado por su mente de escritora, como si fuera real. En Bajo la arena
convive con un fantasma como si aún fuera real. No es de extrañar que
Bajo la arena fuera una obra que Ingmar Bergman admirara especialmente, y
que reconociera haber revisado repetidas veces. En el cine de Bergman
también abundaban los fantasmas, la relación fantasmal con la vida. La
esquinada percepción de que quizá la vida haya sido un discurrir entre
escenarios, un tránsito ingrávido, como si nunca posaras los pies sobre
el suelo. Y un día incluso te das cuenta que eres un extraño para ti
mismo. Y miras hacia el fuera de campo, y ves tu abismo o quizás otro
sendero que no habías advertido, el cual decides tomar. IMPERDIBLE.
TRAILER
CUANDO
CAE LA NOCHE
When night is falling.
- Título original
- When Night Is Falling
- Año: 1995
- Duración: 94 min.
Canadá- Dirección: Patricia Rozema
- Guion: Patricia Rozema
- Reparto: Pascale Bussières, Rachael Crawford, Henry Czerny, David Fox
- Música: Lesley Barber
- Fotografía: Douglas Koch
- Compañías Amanda Films, Crucial Pictures
- Género: Drama. Romance | Homosexualidad. Drama romántico.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HD.1080P.
SINOPSIS: Camille es una bella profesora de teología en una universidad
protestante de Toronto, y está comprometida con Martin, también teólogo,
llevando ambos una ejemplar vida cristiana. Pero Camille no está del
todo satisfecha con su vida, y cuando pierde a su mascota en un trágico
accidente de coche Camille se siente devastada. En una lavandería,
todavía deprimida, conoce a Petra, una joven que trabaja en un circo y
de la que Camille se siente atraída, cambiando la visión convencional
del mundo y del amor que tenía hasta ese momento. EXCELENTE. Al márgen de lo poco conocida que es esta película -a pesar de los
premios ganados- me parece una película que a mi, por lo menos, no me
dejó indiferente. Es una preciosa historia de amor junto con una lucha
entre lo racional y lo sentimental, lo humano, lo pasional. Un gran papel el de Pascale Busières, interpretando a Camille, una mujer
con una vida completamente estable como profesora de mitología en un
colegio cristiano protestante, junto con un hombre que la quiere... y
además la quieren nombrar capellán de la escuela junto con su pareja. Su
vida al parecer es muy feliz. Me gustó la idea de que dos actos
impredecibles como es la muerte de su mascota y, de seguido conocer a
Petra, una mujer por la que se siente atraída, cambia por completo su
vida. A continuación de estos sucesos, la película desarrolla una lucha
constante por parte de Camille contra sí misma, y esa lucha va creciendo
progresivamente a medida que se ve de forma obsesiva con Petra mientras
su novio está fuera. Me parece a destacar también, al márgen del contenido del film, la
excelentísima banda sonora. Mi parte musical favorita es en la escena en
que Camille descubre a su perro muerto, ambientado a base de chellos y
bajos. Me pareció genial que la película tuviera un desarrollo lento y
suave, combinandose con la sensibilidad de las escenas, y acompañada por
esta gran banda sonora. IMPERDIBLE.
TRAILER
MINISERIES Y SERIES
Revancha.
MINISERIE COMPLETA.
6 EPISODIOS
2 DISCOS.
- Título original
- Rematch
- Año: 2024
- Duración: 320 min.
- Francia
- Dirección: Yan England
- Guion: Yan England, André Gulluni
- Reparto: Christian Cooke, Sarah Bolger, Trine Dyrholm, Aidan Quinn
- Música: Grégoire Auger
- Fotografía: Jérôme Sabourin
- Compañías Unité de production. Distribuidora: arte, Federation Entertainment, Max
- Género: Drama | Biográfico. Ajedrez. Basado en hechos reales. Años 90. Miniserie de TV.
SINOPSIS: En 1997, IBM convenció al campeón mundial de ajedrez Gary Kasparov, que había vencido al superordenador Deep Blue, para jugar la revancha. Esta cautivadora serie convierte el duelo entre el hombre y la IA en un thriller psicológico con resonancias contemporáneas. MUY BUENA. Miniserie sobre ajedrez basada en el emblemático enfrentamiento entre el mejor ajedrecista de la historia (entonces, al menos) y un súper ordenador a finales de los años 90. Pareciera no hay materia para sostener una serie con semejantes mimbre, pero solo son seis episodios. Los capítulos se suceden como si de un thriller se tratase, con una banda sonora enfática y omnipresente que nos señala cuando estamos ante los momentos cruciales. La narrativa es ágil y tenemos a dos bandos diferenciados, Kasparov por un lado y la todo poderosa IBM por otro, que facilitan ponernos de un lado o del otro. El carácter obsesivo y altivo del jugador ruso no pone fácil, ya que no se guardan ningún aspecto desagradable de su personalidad. Entonces no existía el enfoque de hoy hacia las IA, y se veía a Deep Blue como un reto tecnológico que partía en inferioridad frente a la inteligencia humana, casi despertando simpatía en un momento en que Internet empezaba a despegar. En los apartados más profesionales, tenemos un buen trabajo actoral (quizá algo sobreactuado Christian Cook como Kasparov) y de diseño de produccion. Interesará mucho más a los amantes del ajedrez, como no, pero contiene los suficientes alicientes para satisfacer al espectador medio con interés por las pequeñas historias que han ido quedando olvidadas. Y solo son seis episodios. IMPERDIBLE.
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