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ESTRENOS
DE LA SEMANA
María.
- Título original
- Maria.
- Año: 2024
- Duración: 102 min.
Francia- Dirección: Jessica Palud
- Guion: Jessica Palud, Laurette Polmanss. Novela: Vanessa Schneider
- Reparto: Anamaria Vartolomei, Matt Dillon, Giuseppe Maggio, Hugo Becker
- Música: Benjamin Biolay
- Fotografía: Sébastien Buchmann
- Compañías: Fin Août Productions, Haut et Court, Orange Studio, Cinema Inutile
- Género: Drama | Biográfico. Cine dentro del cine. Años 70. Basada en hechos reales.
SINOPSIS: La corta carrera y la trágica vida de la estrella de 'El último tango en París', Maria Schneider, a la luz del post #MeToo. La actriz de 'Happening', Anamaria Vartolomei, interpreta a Schneider mientras que Matt Dillon encarna a su compañero de reparto Marlon Brando. La película sigue en parte la controvertida producción y las desgarradoras consecuencias de la obra maestra de Bernardo Bertolucci de 1972, un hito que convirtió a Schneider en un icono al tiempo que la encerraba en una imagen sexualizada de la que nunca pudo escapar. MUY BUENA. “Eres una página en blanco, y tus heridas tienen algo que me atrae (...). Filmaremos los desnudos de la forma más artística posible, pero has de saber que la película gira en torno a una intensa relación física”. Maria Schneider (la extraordinaria Anamaria Vartolomei) tiene 19 años y su carrera cinematográfica se encuentra en una fase embrionaria cuando, en una cafetería de París, la estrella emergente italiana Bernardo Bertolucci (Giuseppe Maggio) le ofrece el papel de Jeanne en su próxima película, El último tango en París. La película, que está basada en la novela de Vanessa Schneider Tu t'appelais Maria Schneider y ha sido adaptada por la directora junto con Laurette Polmanss, analiza meticulosamente tanto los hechos que tuvieron lugar (la parte en la que se reconstruye el rodaje es sensacional) como el lado despiadado de una industria que permite descaradamente cualquier cosa en nombre del bombo mediático y repite los mismos errores de siempre sin pararse a pensar en las personas afectadas. Evidentemente, el lugar que ocupa la mujer en el cine (“o bellas idiotas o chicas malas”, “las películas están escritas en su mayoría por y para hombres; la mayoría de directores son hombres”) constituye el núcleo de esta historia, una cuestión que resuena claramente en los tiempos que corren actualmente, dado que ciertas tendencias tóxicas y machistas están aún lejos de haber sido erradicadas. Pero la mayor cualidad del largometraje de Jessica Palud es que deja que los hechos hablen por sí solos en un retrato conmovedor y elíptico que, además, se ve realzado por la excelente labor desempeñada por el director de fotografía Sébastien Buchmann. MUY RECOMENDABLE.
2024: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)
TRAILER
Adagio.
- Título original
- Adagio
- Año: 2023
- Duración: 127 min.
Italia- Dirección: Stefano Sollima
- Guion: Stefano Bises, Stefano Sollima
- Reparto: Pierfrancesco Favino, Toni Servillo, Valerio Mastandrea, Adriano Giannini
- Música: Subsonica
- Fotografía: Paolo Carnera
- Compañías The Apartment, AlterEgo, Vision Distribution. Distribuidora: Vision Distribution
- Género: Thriller | Crimen. Familia.
SINOPSIS: Manuel tiene dieciséis años e intenta disfrutar de su vida todo lo que puede, mientras cuida de su anciano padre. Sometido a un chantaje, acude a una fiesta para hacer fotos a un misterioso individuo pero, al sentirse engañado, decide huir, viéndose envuelto en asuntos que le superan. Los chantajistas que le persiguen resultan ser extremadamente peligrosos y están decididos a deshacerse de lo que consideran un testigo incómodo y el chico tendrá que recurrir para protegerse a dos antiguos delincuentes, viejos conocidos de su padre. MUY BUENA. Un thriller negro de polis corruptos que quieren eliminar a un chaval que sabe demasiado y que pude ver el año pasado en el Festival de cine Italiano de Madrid, la tenéis ahora en Netflix, pensaba que tendría estreno en salas de cine, ya que el film tiene actores importantes y calidad suficiente para poder estrenarse, pero no ha sido así. El hijo de Daytona (un anciano que de joven fue un conocido por ser un reputado mafioso) tiene 16 años y delinque trapicheando con drogas, tras ser detenido por tres polis corruptos, estos le obligan a que se introduzca en una fiesta gay con menores para que haga fotografías a un político que anda travestido y esnifando coca en esos lugares. El chaval huye asustado tras hacer las fotos y se refugia en casa de un criminal amigo de su padre, un tío peligros llamado “Camello” que acaba de salir de prisión tras ser diagnosticado con cáncer... Dirige Stefano Sollima, un director que se mueve muy bien en este género con títulos en su haber muy importantes como "Sicario el dia del soldado", "Suburra" o series de TV como "Zero, Zero, Zero" o "Gomorra". Mafia, tráfico de drogas, polis corruptos, ese oscuro lado que infringe la ley y que en el fondo, ese tipo de vida nos revuelve las tripas y nos fascina a la vez. Irreconocible el gran actor Pierfrancesco Favino, asi como otro de los grandes del cine italiano, Toni Servillo la pareja interpreta a la perfección a dos mafiosos ancianos que en su día en Roma fueron muy respetados, pero que hoy permanecen olvidados, uno de ellos con demencia senil. Los dos enemigos en el pasado unirán sus fuerzas por defender a un chaval que está en peligro de muerte. Sollima que ha realizado películas norteamericanas, sabe dirigir muy bien cine de acción, por lo que hay tiroteos y persecuciones muy bien filmadas. Un film entretenido y recomendable que sabe mantenerte en vilo hasta el final. IMPERDIBLE.
TRAILER
MAN
El hombre con el toque de Midas.
- Título original
- Midas Man
- Año: 2024
- Duración: 112 min.
Reino Unido- Dirección: Joe Stephenson
- Guion: Jonathan Wakeham. Historia: Brigit Grant
- Reparto: Jacob Fortune-Lloyd, Ed Speleers, Eddie Izzard, Jay Leno.
- Música: Alex Baranowski
- Fotografía: Birgit Dierken
- Compañías: Studio Pow, Trevor Beattie Films, Fourth Culture Films
- Género: Drama | Biográfico. Música.
SINOPSIS: El 9 de noviembre de 1961, un hombre llamado Brian entró en el Cavern Club de Liverpool para ver actuar a Los Beatles, vio algo en ellos que nadie más podía ver. MIDAS MAN es la historia de cómo Brian Epstein pulió a cuatro chavales desaliñados que no iban a ninguna parte y en cuestión de meses los convirtió en un fenómeno mundial. MUY BUENA. Jacob Fortune-Lloyd protagoniza a Brian Epstein, el difunto mánager de los Beatles, en este sólido biopic que podría haber sido más satisfactorio si hubiera dedicado menos tiempo a la banda en sí. Epstein, por supuesto, fue fundamental para el éxito del grupo hasta su muerte en 1967, a los 32 años. Aunque los primeros encuentros (y tensiones) entre el empresario de clase media y los roqueros de clase trabajadora aportan mucho a la narrativa, el ascenso meteórico del grupo es una historia ya bien conocida que no necesita ser reiterada. Sin embargo, los detalles de época están bien logrados, y Fortune-Lloyd está magnífico en el papel principal como el empresario atribulado y atormentado. No obstante, el guion rara vez va más allá de abordar superficialmente su tensa relación con sus estrictos padres judíos (interpretados por Eddie Marsan y Emily Watson), la culpa por sus encuentros homosexuales clandestinos o su creciente dependencia de las drogas mientras los "chicos" se convierten en superestrellas. Una escena que muestra la estrecha amistad de Epstein con Cilla Black (Darci Shaw) es un momento íntimo y bellamente montado, y más momentos así habrían ayudado a que Midas Man se elevara por encima de las normas biográficas convencionales. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
CRITIC
El Crítico.
- Título original
- The Critic
- Año: 2023
- Duración: 95 min.
- Reino Unido
- Dirección: Anand Tucker
- Guion: Patrick Marber. Novela: Anthony Quinn
- Reparto: Ian McKellen, Gemma Arterton, Mark Strong, Lesley Manville
- Música: Craig Armstrong
- Fotografía: David Higgs
- Compañías: BKStudios, Culmination Productions, Fearless Minds, Seven Stories Productions, Mark Gordon Pictures. Distribuidora: BKStudios
- Género: Thriller | Teatro. Años 30.
SINOPSIS: En el Londres de 1934, una actriz se ve envuelta en una oscura situación que involucra a un crítico teatral gay y al director del periódico en el que éste escribe. MUY BUENA. Si quieres darle a un gran actor un papel en el que pueda deleitarse con descaro, pocas opciones son mejores que hacerlo interpretar a un crítico en un melodrama de época. Esa, al menos, parece ser la premisa detrás de The Critic, la historia de Anand Tucker sobre un infame crítico de teatro en el Londres de los años 30, protagonizada por Ian McKellen en el rol de un personaje despreciable que sin duda ha sido muy divertido de interpretar. Quizás no sea un papel que represente un reto para el magnífico McKellen, pero, ¿quién necesita un desafío cuando puede lanzar mordaces frases ingeniosas vestido con trajes elegantes y siempre iluminado para maximizar el efecto dramático? Y aunque Jimmy Erskine, el personaje de McKellen, es un villano memorable, no es un malvado unidimensional. Es un hombre orgullosamente gay que podría ser arrestado por ser quien es, y que prefiere usar su mordacidad como una armadura antes que vivir en el miedo o el ocultamiento. A diferencia de Living, la película de época del año pasado sobre un caballero británico que era sobria y delicada, esta historia se convierte en un drama apasionante que se vuelve más oscuro y desquiciado conforme Jimmy se torna más depravado y vengativo. A menudo filman a McKellen desde arriba, su rostro bañado en sombras artísticamente dispuestas, mientras el sonido de cuerdas tensas e insistentes sugiere que las cosas están tomando un giro muy serio. La película abraza el melodrama, tomándose su tiempo y sacándole el mayor provecho a la situación. Y mientras Jimmy comienza a encarnar realmente su apodo, “el Monstruo,” la historia introduce a unos verdaderos monstruos en la figura de la Unión Británica de Fascistas, una facción violenta antisemita y anti-gay que comenzaba a ganar fuerza en Inglaterra en los años 30. Es un poco extraño que estos simpatizantes nazis se inserten en lo que se ha convertido en un melodrama sensacionalista, pero The Critic no parece estar demasiado preocupado por mantener un tono coherente; el director Tucker y el guionista Patrick Marber (Notes on a Scandal) se divierten jugando con el exceso y dándole a la película una elegancia noir. El elenco de apoyo también se divierte: Arterton mantiene el ritmo como una mujer que debe descubrir el precio literal de la fama, mientras que Lesley Manville, aunque no tiene muchas escenas como la madre de Nina, es una presencia a la vez sólida y desgarradora cuando aparece. Pero, seamos realistas, este es el espectáculo de Ian McKellen, y convierte a Jimmy en un personaje simultáneamente despreciable, comprensible y totalmente entretenido. Cuando se adueña de este papel, no queda más que asentir con aprobación. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
KEVIN SMITH´S
THE 4:30 MOVIE
La película de las 4:30.
- Título original
- The 4:30 Movie
- Año: 2024
- Duración: 88 min.
Estados Unidos- Dirección: Kevin Smith
- Guion: Kevin Smith
- Reparto: Austin Zajur, Nicholas Cirillo, Reed Northrup, Siena Agudong
- Música: Bear McCreary
- Fotografía: Yaron Levy
- Compañías Three Point Capital, View Askew Productions. Distribuidora: Saban Films
- Género: Comedia | Años 80. Adolescencia.
TRAILER
39° FESTIVAL DE CINE DE MAR DEL PLATA 2024
OUTRUN
El Retorno.
- Título original
- The Outrun
- Año: 2024
- Duración: 118 min.
- Reino Unido
- Dirección: Nora Fingscheidt
- Guion: Nora Fingscheidt, Amy Liptrot. Libro: Amy Liptrot
- Reparto: Saoirse Ronan, Stephen Dillane, Paapa Essiedu, Nabil Elouahabi
- Música: John Gürtler, Jan Miserre
- Fotografía: Yunus Roy Imer
- Compañías: Brock Media, Arcade Pictures, Sarah Brocklehurst Productions, MBK Productions, BBC Film, Screen Scotland
- Género: Drama | Biográfico. Alcoholismo.
SINOPSIS: Una mujer regresa a su viejo hogar tras haber superado con éxito su
proceso de rehabilitación por problemas de alcoholismo. Un recorrido que
invariablemente la hará repasar su pasado con la intención de construir
un mejor futuro... Adaptación de las memorias de la periodista y
escritora Amy Liptrot. EXCELENTE. Saoirse Ronan, la actriz nominada al Oscar ofrece una de sus mejores interpretaciones como una joven que lucha contra la adicción en una adaptación emotiva y delicada de las memorias de Amy Liptrot. Contar una historia sobre la adicción es moverse en terreno de clichés. “Siempre es una historia que ya se ha contado”, escribe Leslie Jamison en su memoria de adicción The Recovering, una que se reduce “al mismo núcleo demolido y reciclado: deseo, consumo, repetición”. La recuperación se apoya en sus propias frases gastadas: tocar fondo, vivir día a día, “Soy X, y soy alcohólico”. The Outrun, la hipnótica adaptación de las memorias de Liptrot de 2016 dirigida por Nora Fingscheidt, acepta esas bases trilladas como un punto de partida. Rona, interpretada por Saoirse Ronan en un papel en el que está mejor que nunca, sigue un patrón familiar de desesperación y renovación: relaciones rotas, apagones destructivos y resacas devastadoras. Desviada por el alcohol a los 30 años, regresa a Orkney, un archipiélago de unas 70 islas en el extremo norte de Escocia donde creció, para encontrarse a sí misma en la sobriedad. No es la primera en iniciar este viaje, y no será la última. Es un deleite ver cómo Fingscheidt, trabajando con un guion coescrito con Liptrot, logra plasmar este proceso tan poco glamuroso con tanta belleza, especificidad y curiosidad sobre cómo una persona aprende a reconciliar su pasado con su futuro. The Outrun es una de esas raras películas de dos horas que logran hacer que uno se olvide del tiempo. Y lo logra evitando muchos de los clichés de las adaptaciones de memorias en el cine, películas que suelen convertir la complejidad de la vida en una secuencia clara de escenas definitivas. Esto es un logro en sí mismo, gracias al material original y a la tremenda interpretación de Ronan, que aprovecha todos los recursos cinematográficos para aproximarse a la experiencia de dos vidas: borracha y sobria, ciudad y campo. Desde el principio, los polos son evidentes, mientras las imágenes de las focas en la costa de Orkney —las selkies de las leyendas, según Rona en una voz en off que se asienta en la historia— se mezclan con sus recuerdos de salir de fiesta en Londres. La primera hora alterna de forma libre entre el pasado y el presente (convenientemente diferenciados por el cabello de Rona, que tiene la costumbre de teñirse de colores vivos). Es un retrato increíblemente eficaz de una mente tambaleante, el lenguaje visual de pensamientos intrusivos y profundos. Los flashbacks se acumulan como las botellas en el suelo de Rona. Hay un temor familiar en su descenso, ya que confunde el ciclo repetitivo de excesos con libertad, lo extremo con estar vivo, y rechaza a cualquiera que intente darle estabilidad. Para ella, la sobriedad sería el peor crimen: aburrida. Fingscheidt presenta los primeros meses de Rona en Orkney —gris, azotada por el viento, aislada— en gran contraste con la vívida vida nocturna de Londres, cuyos recuerdos se van desvaneciendo, manchados por la vergüenza. Sin embargo, conforme su historia avanza, Orkney se abre; Rona se muda aún más al norte, a la isla remota de Papa Westray (de una población de unas 70 personas), para enfrentarse sola a la tormenta (aunque con wifi y habitantes amables). La forma en que su vida se ve definida por el internet, rastreando vuelos y barcos en el mar, bombardeada con las llamadas sobre la enfermedad mental de su padre, diciéndole a su amiga en Londres por FaceTime que está mejor de lo que ha estado en mucho tiempo, contribuye a un retrato convincente de una verdadera recuperación. En resúmen "The Outrun" es un excelente drama excelentemente interpretado por Ronan que sumará varias nominaciones a los Oscar 2025 incluyendo "Mejor actriz principal". IMPERDIBLE.
TRAILER
THE TEMPLES
Entre templos.
- Título original
- Between the Temples
- Año: 2024
- Duración: 111 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Nathan Silver
- Guion: Nathan Silver, C. Mason Wells
- Reparto: Jason Schwartzman, Carol Kane, Dolly De Leon, Robert Smigel.
- Fotografía: Sean Price Williams
- Compañías: Ley Line Entertainment, Fusion Entertainment
- Género: Comedia | Religión.
SINOPSIS: Un cantor de sinagoga en crisis de fe se encuentra con su mundo patas
arriba cuando su profesora de música de la escuela primaria vuelve a
entrar en su vida como su estudiante adulta de Bat Mitzvah. MUY BUENA. En
un tranquilo pueblo del norte del estado de Nueva York, Ben Gottlieb
(interpretado por Jason Schwartzman), el protagonista de la excéntrica
comedia judía Between the Temples, dirigida y escrita por Nathan
Silver, no está pasando por su mejor momento. Su esposa, una novelista
alcohólica, murió un año antes tras resbalar en una acera helada. Ben
trabaja como cantor en el templo local, pero ha perdido su voz.
Desaliñado, sin afeitarse, con la mirada baja, Ben deambula por la vida
en una especie de trance, desilusionado con su fe y desinteresado por
los obvios intentos románticos que sus dos controladoras madres judías
(Caroline Aaron y Dolly De Leon) insisten en organizarle. "Hasta mi
nombre está en pasado", se lamenta Ben, en un comentario que es tan una
queja como un chiste, algo recurrente en la película, llena de humor
mordaz. En un momento, al inicio del filme coescrito por C. Mason Wells,
Ben se acuesta frente a un camión y le pide que siga su camino. A pesar
de lo que parece, Between the Temples no es un filme sombrío ni
mucho menos. Rodada con la nostalgia que imprime la cámara en 16mm del
director de fotografía Sean Price Williams, la melancolía de Ben resulta
cálida y atractiva. Estar vivo es complicado, divertido, incómodo y
vergonzoso, y Silver capta con precisión esos desvíos extraños de la
vida y las conexiones inesperadas. Between the Temples irradia
una visión irónica y cautivadora de la existencia, desde su título lleno
de juego de palabras hasta sus personajes excéntricos y singulares,
especialmente cuando Ben, tras beber demasiados "mudslides" (algo
humillante) y con el rostro golpeado, se reencuentra con su antigua
maestra de música de la escuela, Carla Kessler O'Connor (interpretada de
manera encantadora por Carol Kane). Ben recuerda a la señora O'Connor
como una profesora excéntrica e inspiradora; ella, sin embargo, no tiene
ni idea de quién es él. Ben se siente atraído por su humor, curiosidad y
una pasión por la vida que rivaliza con la de personas mucho más
jóvenes; por su parte, Carla queda conmovida por el corazón herido y la
fe que aún quedan en Ben. Ambos han perdido a sus cónyuges. Ella siempre
quiso tener un bat mitzvá, pero como sus padres eran comunistas judíos
antirreligiosos y su marido era católico, nunca fue al templo. Pronto,
los roles se invierten y Ben se convierte en su maestro para las
lecciones de bat mitzvá para adultos, para disgusto del hijo ateo de
Carla (Matthew Shear) y de la intimidante Judith (Dolly De Leon), quien
desearía que Ben mostrara más entusiasmo por su plan de emparejarlo con
Gabby, la hija veinteañera del rabino Bruce (Robert Smigel),
interpretada por Madeline Weinstein. La mayor parte del filme narra, con
dulzura, el vínculo entre Carla y Ben a través de lecciones de hebreo,
reflexiones sobre sus antiguos "yo", hamburguesas no kosher y té de
hongos. Su relación castísima —que ni ellos mismos logran entender del
todo— camina por una delgada línea entre el romance, la amistad y una
dinámica madre-hijo; como muchas de las mejores conexiones inesperadas,
su relación es una mezcla indefinida de emociones, momentos y algo de
alquimia. Schwartzman y Kane mantienen un ritmo ajustado de titubeos y
reacciones en cascada que impulsan la película, con Kane como un
contrapeso etéreo y genuinamente divertido al tipo de autocompasión
masculina y neurótica que ha definido gran parte de la comedia
judía.Schwartzman, en un papel de perdedor que contrasta con sus
personajes más formales en las películas de Wes Anderson, se inclina
hacia la comedia física de un hombre cargado por el peso del duelo y que
ha renunciado a las normas sociales, incluso a la atención de la bella
Gabby, una actriz en apuros que busca validación y se siente
desconcertada por el desinterés torpe de Ben. Ella percibe algo extraño
en el vínculo entre Ben y Carla, una relación inusual y conmovedora
alrededor de la cual se construye la película, que más bien se compone
de viñetas agudas en lugar de una trama fluida. Estos momentos
excéntricos pueden resultar gloriosamente extraños, como cuando Ben,
bajo los efectos de las drogas, ve un vídeo de su bar mitzvá y se
comunica con su yo más joven, o en una de las escenas más emotivas,
cuando Carla le ordena a Ben que repita la historia de por qué nunca
tuvo un bat mitzvá, como si fuera uno de sus alumnos de música durante
una lección. Otras veces, como ocurre con la mayoría de los recuerdos
fragmentados de Ben sobre su esposa (también interpretada por
Weinstein), la distorsión de la realidad puede sentirse alienante.
Algunas confrontaciones cruciales, todas durante comidas incómodas hasta
el extremo, resultan también un poco exageradas, con todos los
personajes atrapados en un bucle que no siempre logra impactar del todo.
Aun así, a pesar de la miseria y los errores de los personajes, Between the Temples
es un viaje entrañable. Es un poco rara, un poco dulce y muy incómoda,
un testimonio no solo de la tradición judía, sino de la fe que podemos
aprender a tener en los demás. IMPERDIBLE.
2024: Festival de Sundance: Nominada a Gran Premio del Jurado - Mejor película Usa.
DEMASIADO
BIEN A LAS
M U J E R E S
Tratamos demasiado bien a las mujeres.
- Título original
- Tratamos demasiado bien a las mujeres
- Año: 2024
- Duración: 93 min.
España- Dirección:Clara Bilbao
- Guion: Miguel Barros. Novela: Raymond Queneau
- Reparto: Carmen Machi, Antonio de la Torre, Julián Villagrán, Luis Tosar.
- Música: Nacho Masttreta, Marina Sorín
- Fotografía: Imanol Nabea
- Compañías: Ficción Producciones, Noodles Production, RTVE, Televisión de Galicia (TVG)
- Género: Comedia | Comedia negra. Años 40. Posguerra española.
VERSIÓN SUBTITULADA EN CASTELLANO.
SINOPSIS: Remedios Buendía defiende su patria y luchará por ello por
encima de todos. Un fatídico día del otoño de 1945, un grupo de
maquis a la fuga tiene la mala idea de tomar la estafeta donde Remedios,
ilusionada, se prueba su vestido de novia. Hoy será el día en el que
demostrará hasta donde puede llegar defendiendo sus valores. Y nadie
podrá pararla. Ni siquiera este batallón de rebeldes con fusiles
humeantes y puños en alto. MUY BUENA. Esta galardonada ópera prima de "Clara Bilbao" recoge el best seller
francés "On est toujours trop bon avec les femmes" (Siempre somos
demasiado buenos con las mujeres) escrito por "Raymond Queneau". Al
frente del guion está "Miguel Barros". Por su parte, el reparto lo
encabezan "Carmen Machi" y "Antonio de la Torre", acompañados por
algunas otras caras conocidas como "Luis Tosar", "Oscar Ladoire", o
"Gonzalo De Castro". Solo una actriz sobre el planeta sería
capaz de hacer lo que hace Carmen
Machi con un personaje desaforado, divertido, trágico, violento y muy
cándido. Todo a la vez. Y esa actriz es, en efecto, Carmen Machi. La
película, en verdad, depende enteramente de ella porque toda la película
se mueve exactamente en el registro, tono y afinación que ella marca.
Es comedia, pero con la forma y estructura de la mayor de las tragedias;
es drama, pero tan delirante que sonroja; es aventura bélica, pero el
absurdo que preside cada línea de diálogo desactiva cualquier
llamamiento a las armas. Es, en definitiva, 'cuerdista', de José Luis Cuerda, por surrealista, por rural, por surrural y
por los cuatro costados.
El que junto a actriz aparezcan Antonio de la Torre, Julián Villagrán,
Isak Férriz, Óscar Ladoire, Diego Anido y hasta Luis Tosar, además de
vestir bien cada secuencia da una idea hasta qué punto Bilbao es querida
en la profesión. "Más allá de los ideales de mi
protagonista que, obviamente, no comparto, lo que me parece
determinante, y sí comparto plenamente, es su capacidad de lucha para no
pararse ante las adversidades, de arremeter con soltura contra
cualquier forma de machismo, especialmente contra ese machismo
paternalista y condescendiente que no parece machismo, pero lo es.
No es una mujer que tenga que sobreponerse a ningún trauma, simplemente
es una mujer que tiene claro que las cosas o las hace ella o no las
hace nadie", dice Clara Bilbao en lo que se antoja un homenaje a su
apellido que, claro está, también es su lugar de nacimiento. 'Tratamos demasiado bien a las mujeres'
acaba por ser una película de humor, pero también de amor; de guerra,
pero para ser disfrutada en paz; de nostalgia, pero sin exagerar. Tiene
algo de 'Amanece que no es poco' sin renunciar al eco de 'Plácido' o 'La vaquilla'
incluso. Pero todo ello desde otro lado, del lado de una novia con el
vestido ensangrentado. Pocas imágenes tan cinéfilas. "Las nuevas
directoras han abierto una brecha que admiro y respeto, pero corren el
peligro de convertirse en un género. Estoy convencida de que llegará el
día en que las mujeres dirijamos 'Tiburón'. Mi aspiración es ser
Sidney Lumet, porque no creo en que haya directores y directoras, creo
que hay cineastas. Y ya. Creo en las películas unisex". Queda claro. Se
acabaron los prejuicios. MUY RECOMENDABLE.
2024: Festival de Málaga: Nominada a Mejor película - Biznaga de Oro.
2024: Festival de cine de Mar del Plata: Sección España en movimiento.
TRAILER
La casa.
- Título original
- La casa
- Año: 2024
- Duración: 83 min.
- España
- Dirección: Álex Montoya
- Guion: Álex Montoya, Joana M. Ortueta. Novela gráfica: Paco Roca
- Reparto: David Verdaguer, Óscar de la Fuente, Luis Callejo, Lorena López
- Música: Fernando Velázquez
- Fotografía: Guillem Oliver
- Compañías: RAW Producciones, Nakamura Films, Haciendo la casa, RTVE
- Género: Drama | Familia.
VERSIÓN SUBTITULADA EN CASTELLANO.
SINOPSIS: Tras la muerte de su padre Antonio (Luis Callejo), tres hermanos y sus
familias se reúnen en la casa de campo familiar en la que pasaban los
fines de semana y las vacaciones de su infancia. Toca decidir qué hacer
con la vivienda, lo que resultará más difícil de lo esperado. Basada en
la novela gráfica homónima de Paco Roca, ganadora de un premio Eisner en
2020. EXCELENTE. La
casa encierra una gran reflexión sobre una sociedad cada vez más
envejecida, y lo hace a través de una estructura dramática sensacional.
Partiendo del punto de vista de cada uno de sus hijos, establece la
relación que habían tenido con su padre, lo que había significado la
casa para ellos y la relación que mantienen con sus hermanos, todo ello
atravesado por una serie de recuerdos ilustrados en formato analógico,
buscando aportar una amplitud de mirada a la historia. Consigue crear
una casa argumentalmente sostenida sobre tres paredes,
representadas por cada uno de los hijos, encarnados maravillosamente por
David Verdaguer, Óscar de la Fuente y Lorena López y apoyados por unos
secundarios excepcionales, Luis Callejo, Olivia Molina, María
Romanillos, Marta Belenguer, Jordi Aguilar y Miguel Rellán y Tosca
Montoya. No me he querido dejar el nombre de ninguno, porque todos ellos
conforman esta familia que ha logrado emocionarnos a todos, y convertir
esta película en una de las grandes obras españolas de la historia
reciente. Además de las actuaciones, tenemos un empleo de la cámara y de
la
planificación excepcional, con planos que acompañan a los personajes y
detalles que son sacados a la luz, llenos de nostalgia y belleza, con
signos característicos de las familias de clase media españolas. Tanto
el elenco, como la dirección que lleva a cabo su director están
impecables y proyecta sobre nosotros experiencias que estamos viviendo,
es por ello que recomiendo a todos los espectadores que la vean con sus
familias y se abran a sentir la capacidad purificadora del cine. Este
texto está dedicado a todas las familias que están pasando por un
momento similar al narrado por la película y que sienten que nadie les
comprende, pero viendo esta obra en el cine uno es consciente de que no
estamos solos en este proceso.Una maravilla de película. Atención:
seguir viendo los títulos de crédito porque hay una escena final !!!!! y
es genial !!!! IMPERDIBLE.
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2024: Festival de Málaga: Mejor guion, Música y Premio del Público.2024: Festival de cine de Mar del Plata: Sección España en movimiento.
CINE NACIONAL
UNA JIRAFA
EN EL BALCÓN
Una jirafa en el balcón.
- Título original
- Una jirafa en el balcón
- Año: 2024
- Duración: 90 min.
Argentina- Dirección: Diego Yaker
- Guion: Diego Yaker
- Reparto: Andrea Frigerio, Diana Gómez, Artur Busquets, Mingo Rafols.
- Música: Claudia Lively
- Fotografía: Mauricio Heredia, Juan Carlos Lausín
- Compañías Coproducción Argentina-España; Balance Media Entertainment, Bourke Films, Buen Destino Films. Productor: Miguel Torrente. Distribuidora: Filmax
- Género: Thriller | Venganza. Dictadura argentina.
SINOPSIS: Lidia Muñoz es una jubilada que vive en Barcelona desde 1978. Lidia se vio forzada a exiliarse de Argentina después de que la dictadura militar que gobernaba el país en esos años, intentó secuestrarla y hacerla desaparecer. Embarazada de su única hija, Valeria, logró huir con destino a España. Cuarenta años después, recibe por correo una citación del Ministerio de Justicia argentino para declarar en el juicio por el secuestro y desaparición de Oscar Medina, su novio de entonces y padre de Valeria. MUY BUENA. La culpa y la búsqueda de respuestas, dos temas tan esencialmente humanos, conforman el eje transversal de Una jirafa en el balcón, ejercicio cinematográfico a cargo del realizador Diego Yaker que funde presente y pasado en pos de una construcción del ser.Lidia (Andrea Frigerio) disfruta el otoño de su vida en España. Divertida, independiente y con la ilusión de que su única hija, Valeria (Diana Gómez), está a punto de convertirla en abuela. Una carta de notificación la enfrenta con un pasado que creía muerto y enterrado: en la Argentina se va a realizar un juicio de reparación para su marido Oscar, desaparecido durante la última dictadura cívico-militar, y la convocan a ella como testigo.Por pedido expreso de su hija, que quiere saber lo que realmente pasó con su padre, Lidia regresa al país del que se exilió en 1978 con pasaporte falso, para encontrarse con fantasmas propios y ajenos, compañeros de militancia que guardan más de un secreto, historias contadas a medias, y una suma de responsabilidades que también la atañen. Quizás la verdad no sea tal cual ella la recuerda, o haya sido un mecanismo de defensa de su propia memoria para dejar atrás el horror y un proyecto de vida que se vio destruido de un minuto para otro. El relato que propone Una jirafa en el balcón se construye a partir de diferentes puntos de vista, yendo del presente al pasado, como una forma de completar un rompecabezas del que faltan muchas piezas. Si bien Lidia, que debió huir embarazada para salvar su vida y la de su hija, se percibe como una sobreviviente, es vista por lo que quedaron acá como una cobarde, una persona que abandonó la lucha colectiva en beneficio de su propio bienestar. Mientras ella rehacía su vida en otro país, el resto de sus compañeros eran secuestrados y torturados. Ella lo sabe, pero durante cuarenta años utilizó la negación de ese pasado como motor de su nueva vida, por eso al principio duda si vale o no la pena remover heridas que nunca cicatrizaron. ¿Lo hace por ella? ¿Lo hace como una deuda para con su hija? Recién cuando emprenda el camino podrá contestar esas y otras preguntas. En ese viaje interior a partir de sucesos externos, la película juega con algunas segundas intenciones en forma de golpes de efecto, que si bien no desentonan en cuanto a la construcción del personaje principal, tampoco aportan al devenir esperado y su consecuente resolución. Especialmente siendo una propuesta cuya estructura se apoya en la contundencia de sus diálogos.Andrea Frigerio se carga en los hombros la historia, reafirmando lo bien que le han hecho los años a su ductilidad como actriz. Su Lidia se muestra decidida, implacable, vulnerable o frágil, conforme avanza la historia, como un reflejo de lo que pasa en su interior. A la estrella la acompaña un elenco impecable conformado por Juan Leyrado, Mimí Ardú, Mirta Busnelli, Claudio Gallardou y la española Diana Gómez. Como dato de color, quien interpreta a la protagonista en su etapa adolescente es Josefina “Fini” Bocchino, hija de Frigerio y Lucas Bocchino.La jirafa en el balcón, que le da título al film, era un peluche utilizado por Lidia y su marido como una señal de peligro. Si estaba presente no había que entrar a la casa, había que huir. La Lidia adolescente huyó, aterrorizada por un enemigo omnipresente, mientras que su versión adulta volvió para enfrentar la verdad, más allá de cualquier consecuencia o circunstancia. Se lo debía a su hija, se lo debía a su nieta. Se lo debía a ella misma. MUY RECOMENDABLE.
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