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SINOPSIS:La película se centra en la
vida de Anna Politkovskaya, interpretada por Maxine Peake, desde
finales de la década de 1990 hasta el 2006. La trama
muestra su dedicación a la verdad y su compromiso con la denuncia de las
atrocidades cometidas durante la guerra en Chechenia, así como la
corrupción y el abuso de poder en Rusia.La
narrativa también aborda las amenazas y ataques que sufrió
Politkovskaya por su trabajo, incluyendo actos de intimidación y
violencia por parte de Putín.
"Palabras de guerra" es tipo de película en la que el poder inherente de una historia es
suficiente para engrasar la maquinaria biográfica crujiente, “Palabras de guerra” dramatiza la vida de Anna Politkovskaya,
El periodista ruso que se hizo conocido por sus tenaces informes sobre
la Segunda Guerra Chechena y por sus no desanimadas críticas a Vladimir
V. Putin. En el medio, relata los tremendos riesgos
que Politkovskaya (interpretado por Maxine Peake) enfrentó encontrar y
persuadir a las personas para que hablen. Cuando viaja a Grozny, tiene
dificultades para ganar la confianza de los chechenos, quienes creen que
no se puede confiar en ningún reportero ruso. Uno dice que está
tratando de iluminar "el agujero negro del mundo". El ejército ruso la
mira con cautela, también (una gran amenaza con cortarse la garganta), y
pronto un agente (Ian Hart) la visita mientras toma café y un croissant
en Moscú, para dejar en claro que está vigilando. Los
créditos finales reconocen que los cineastas (James Strong dirigió un
guión de Eric Poppen) han tomado algunas libertades en la dramatúrgia,
incluida la invención del personaje de Hart,que en este caso son muy efectivas. En resúmen una gran película, muy bien dirigida y actuada, que se maneja hábil y oportunamente en nuestro panorama político mundial actual.
SINOPSIS: París, en los años locos. Maurice Ravel no da crédito a sus oídos cuando
Ida, una atrevida y sensual coreógrafa, le pide que escriba la música
de su próximo ballet. Impresionado, Ravel no sabe dónde encontrar la
inspiración. Cuando decide rebuscar en sus recuerdos e inspirarse en las
mujeres que han marcado su vida, el compositor logra crear su mayor
obra: el Bolero.
Un largometraje "clásico" en la línea de trabajo con gran dominio de la
experimentada directora (que cuenta con 18 títulos a sus espaldas, entre
las que ya figuran incursiones en el cine de época como Las inocentes y Coco avant Chanel ),
que también hace gala de una música original en sordina y una
insistente sombra de tristeza y de contención que refleja la
personalidad también melancólica de su protagonista. Estupenda película sobre el proceso creativo y las consecuencias que
tuvo para su autor, Maurice Ravel, de este prodigio musical que es el
Bolero. Se aúnan las dos grandes virtudes a las que aspira cualquier
obra artística: calidad y éxito rotundo. Es esta última, el éxito, lo
que algunos no soportan. Que algo sea muy popular parece sospechoso de
vulgaridad, según los criterios contrastados por el esnobismo artístico
mundial. Es tan popular que al final de la película se dice que no pasan
más de quince minutos sin que se escuche el Bolero de Ravel en el
mundo. No sé de dónde y sobre todo, cómo, se ha obtenido este dato.
Seguro que se recurrirá a las "estimaciones", pero lo que es seguro es
que ocupa uno de los primeros puestos de los greatest hits de la música
clásica. Los aproximadamente 30 minutos finales de la ópera Capriccio de
Richard Strauss es de la música más bella jamás compuesta, pero quizás
podamos pecar si decimos que el Bolero de Ravel nos fascina también.
SINOPSIS: Cuando Ingrid aprieta el gatillo, sus víctimas no saben quién les ha
disparado. Su habilidad para infiltrarse y desaparecer sin dejar rastro
la convierte en una asesina a sueldo despiadada. Pero ese poder viene de
otro mundo, un lugar habitado por criaturas monstruosas, de las que
cada vez emerge menos humana.
El sexto largometraje como realizador de Pablo Hernando, a partir de su
propio guión original, se envuelve del mismo manto de magnetismo visual,
para contar la historia de una asesina a sueldo letal, capaz de no
dejar ningún tipo de rastro al cumplir sus encargos, y que pronto se
verá atrapada entre dos viejos amigos contrabandistas, ahora rivales,
que se disputan el control del puerto. En "Una ballena" Pablo Hernando no hace cine, hace laberintos, el film es uno de esos
thrillers que no te llevan de la mano, sino que te dejan flotando en su
mundo frío y minimalista, esperando que encuentres tu propio camino.
Una mezcla entre cine negro y terror costumbrista hipnótica. Ingrid García-Jonsson se convierte en una asesina a sueldo atrapada en
un mundo que poco a poco la empuja hacia el abismo. La película juega
con el simbolismo marino, con las profundidades como metáfora de la
deshumanización y el crimen como un viaje sin retorno. La estética es
impecable, la fotografía es gélida y la puesta en escena minimalista
refuerza esa sensación de aislamiento.
2024: Festival de Sitges: Nominada a Mejor película.
SINOPSIS: Rose y su marido, el agente Sammy, organizan una glamurosa cena para
impresionar a su importante cliente Gerald. La noche descarrila cuando
un anciano desconocido y el ex de Rose, el encantador de Hollywood
Lucien, se cuelan en la escena. Mientras las copas corren y los secretos
se derraman, la ambición y la identidad chocan.
El
primer largometraje narrativo de Conners tiene un comienzo inestable,
pero tiene notas prometedoras. Su trabajo entre el
diseño de producción, los elementos temáticos del guion y el reparto
hacen de "The Uninvited" una película cautivadora, incluso si los
matices emocionales resultan demasiado desiguales. Al igual que la
experiencia de Sammy con un sector del entretenimiento reacio al riesgo,
películas como las que tratan sobre mujeres, la maternidad y el
envejecimiento se encuentran entre los grandes cambios ambiciosos que
quizá veamos menos en el futuro. Es una acierto que la industria produzca estas nuevas
películas de sello autoral, como así también los blockbusters pochocleros.
SINOPSIS: En su primera cita, Piero y Lara intentan impresionarse, pero dentro de
sus cabezas reina el caos. Las múltiples personalidades que ocupan su
mente — la romántica, la racional, la insegura y la pasional— pelean por
el control de la situación. Discuten, seducen, sabotean y a veces
pierden los nervios. ¿Quién ganará la batalla interior? ¿El corazón o el
deseo? Las expectativas son altas y la noche promete.
¿Qué se esconde dentro de nuestros pensamientos? Genovese —quien también firma la idea original y el guion, este último coescrito por cinco manos, entre ellas las de Isabella Aguilar, Lucia Calamaro, Paolo Costella y Flaminia Gressi— intenta responder a esta pregunta centrándose en una primera cita entre un hombre y una mujer: uno de esos momentos en la vida en los que “la mente se vuelve un caos”, y la curiosidad, el deseo y el afán por mostrar nuestra mejor versión chocan con las inseguridades, las expectativas y las sombras que todos llevamos dentro. El escenario es íntimo: cena en casa de ella, buen vino, luz suave. Pero las mentes de nuestros protagonistas, Piero y Lara (interpretados por Edoardo Leo y Pilar Fogliati), están llenas de voces. En la cabeza de Piero resuenan el romántico Romeo (Maurizio Lastrico), el seductor Eros (Claudio Santamaria), el desencantado Valium (Rocco Papaleo) y la voz de la conciencia y la razón: el Profesor (Marco Giallini). Mientras tanto, en el cerebro de Lara conviven la soñadora Giulietta (Vittoria Puccini), la impulsiva Trilli (Emanuela Fanelli), la anárquica Scheggia (Maria Chiara Giannetta) y la feminista e inflexible Alfa (Claudia Pandolfi). Pero estas personalidades no solo tienen voz, también tienen cuerpo y un espacio físico (dos habitaciones distintas, ambas repletas de objetos, fotos y recuerdos acumulados a lo largo de una vida), donde las vemos discutir sin parar, intentando imponer su punto de vista y dirigir las decisiones de estos dos posibles amantes, que, aunque simulan naturalidad, son como resortes tensos, desesperados por no cometer errores. El diálogo es ágil y eficaz, y el montaje de Consuelo Catucci (ganador de un David di Donatello por El ángel del mal en 2011) entrelaza con maestría los tres niveles narrativos (la cena, la mente de ella y la mente de él), con un ritmo cómico impecable. El reparto funciona con absoluta armonía. Aún es incierto si Madly repetirá el fenómeno de Perfectos desconocidos (más de 17 millones de espectadores en Italia y la película más versionada en la historia del cine mundial), pero es fácil prever una cálida acogida del público para esta comedia de tono pop, con la que es muy fácil identificarse y perfecta para despejar la mente de pensamientos.
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SINOPSIS: Charlie Heller es un brillante pero introvertido decodificador de la CIA
que trabaja en una oficina en el sótano de la sede de Langley. Su vida
cambia radicalmente cuando su esposa muere en un ataque terrorista en
Londres. Cuando sus supervisores se niegan a tomar cartas en el asunto,
él mismo toma las riendas y se embarca en un peligroso viaje por todo el
mundo para localizar a los responsables. Su inteligencia puede ser el
arma definitiva para llevar a cabo su venganza.
Contar con Rami Malek en cualquier obra cinematográfica suele ser garantía de éxito, y esta no es una excepción. El que nos sorprendiera en 2018 con la maravillosa interpretación del
para muchos mejor vocalista de todos los tiempos -Freddie Mercury- nos
regala este trabajo, en el cual encarna a un hombre aparentemente
inofensivo y gris, que por su astucia, inteligencia, motivación y
preparación como analista de la CIA, se convierte en un activo tan
peligroso como imprevisible. Al alter ego de Malek le acompañan en el elenco Larry Fishburne, como su
instructor de agente de campo, Jon Bernthal (“The Walking Dead”), a
quien veremos este mes en la segunda parte de “El Contable” y al
imponente Holt McCallanny (“Despierta la Furia”), en el rol de su jefe
en la Agencia Central de Inteligencia estadounidense. La película logra mantener nuestra atención durante sus dos horas de
metraje, gracias a un estupendo guion y a la dirección del británico
James Hawes, responsable de series como “Rompenieves”, “Slow Horses” o
algún capítulo de “Black Mirror”. En cuanto a las localizaciones; el thriller de espionaje nos lleva por
media Europa desde el momento en que nuestro protagonista decide
emprender el camino de la venganza, al perder a su esposa en un atentado
con resultado fatal. Rami Malek se ve obligado a visitar ciudades como
Londres, Estambul, París o Madrid, llegando hasta Rusia desde el
mismísimo centro de operaciones de la Agencia, en Langley (Virginia)
para lograr su propósito. Completan esta excelente producción cinematográfica los efectos
especiales de la ILM en los momentos de acción, y el compositor de
bandas sonoras como la de “Sin Novedad en el Frente” es quien acentúa el
suspense con un acertado score.
SINOPSIS: Acosada por una violenta pesadilla recurrente, la estudiante
universitaria Stefanie se dirige a casa para localizar a la única
persona que podría ser capaz de romper el ciclo y salvar a su familia de
la espeluznante muerte que inevitablemente les espera a todos.
Lo que más destaca de 'Destino final: Lazos de sangre', aparte de lo
recurrente de la saga, es que parece evidente que sus directores, Zach
Lipovsky y Adam B. Stein, son fans de las películas anteriores; y en
especial, de un concepto con el que han crecido al igual que muchos de
nosotros. No es un encargo, no es un trabajo; es un sangriento placer. Lo que es 'Destino final: Lazos de sangre', un macabro y divertido
placer muy negro. Una resurrección disfrutona y fresca que recupera esa
sensación que Def Con Dos bautizó como "pánico a una muerte ridícula".
Uno sale sugestionado del cine, pendiente (de nuevo) de esas "señales"
que podrían estar alertándonos de una impactante muerte inminente. Algo que habla por sí mismo de esta sexta entrega, beneficiada no sólo
por los más de diez años transcurridos desde la anterior, sino también
por la certeza de ir a lo que va de la misma manera que nosotros venimos
a lo que venimos: A disfrutar de una película cachonda y
autorreferencial que tiene muy claro su lugar y cometido en el mundo. Y que no se trata tanto de sorprender, qué también, como de
confraternizar con el espectador. El cine, de alguna manera, sólo tiene
sentido cuando hay alguien al otro lado de la pantalla con el que
establecer alguna complicidad. 'Destino final: Lazos de sangre' no es
tanto la reinvención que no necesita ser, como la aviesa conexión que
debe ser. Y tal vez la mejor entrega de la saga
SINOPSIS: Un músico aquejado de insomnio se ve arrastrado a una odisea con una
desconocida que comienza a desentrañar el núcleo mismo de su existencia.
Este viaje pondrá en tela de juicio todo lo que sabe sobre sí mismo.
Hurry Up Tomorrow: Más allá de los reflectores es una
película algo contradictoria: tiene un muy buen comienzo, donde el
narcisismo de Abel Tesfaye ayuda a contar una historia dura y matizada,
junto a unos visuales notables que contribuyen a que esta experiencia
sensorial disfrazada de thriller psicológico sobresalga y permita al
espectador entrar en materia. Pero, por otro lado, también cuenta con
varios elementos negativos que le restan puntos, principalmente un
segundo acto completamente descontrolado, en el que los conceptos
planteados inicialmente se exageran en exceso para luego no llegar a
ninguna conclusión clara. De todas formas, el film de Trey Edward Shults
funciona más como un producto dirigido exclusivamente a los fans de The
Weeknd que como un cierre de ciclo con un alcance universal.
SINOPSIS:Mathieu vive en París, Alice en un pequeño balneario del oeste de
Francia. Él es un actor famoso, a punto de cumplir cincuenta años. Ella
es una profesora de piano cuarentona. Se enamoraron hace quince años y
se separaron. El tiempo ha pasado. Cada uno siguió su camino y poco a
poco se fueron curando. Cuando Mathieu va a intentar superar su
melancolía en un balneario termal, tropieza con Alice.
Es cierto que en momentos Fuera de temporada puede recordar a la
brillante Lost in translation. Al fin de cuentas el personaje masculino
tiene mucho de ese Bob insomne que dedica su tiempo a ganar algo de
dinero con un anuncio de Whisky. No obstante, aquí el humor es más
bruto. Más surrealista incluso. Muy físico. Desde esa lucha de Mathieu
con una cafetera súper moderna que se empeña en no detenerse. Pasando
por el peculiar instructor del spa o esa comida que comparten Mathieu y
Alice con un camarero empeñado en quitarles el hambre tras su gráfica
descripción de las formas de dar muerte a los pescados. Ambas, eso sí, comparten esos lugares fríos e impersonales que
protagonizan las historias. En la cinta francesa, con un hotel balneario
totalmente aséptico y una localidad desangelada. Componiendo la cinta
un retrato muy sensorial, gracias a la fuerza del mar embravecido, de la
espuma, de los acantilados, del viento. Situando su lente sobre los
lugares que todos parecemos olvidar cuando finaliza la temporada de
verano. Y junto a este bello retrato de la naturaleza salvaje y liberada de la
sobreexplotación humana, una reflexión sobre los límites de la
privacidad que hoy parecen irrecuperables. Con unos adorables Guillaume Canet y Alba Rohewacher, ella especialmente
cautivadora con ese rostro triste y un tanto insatisfecho, como si
fuera una niña en cuerpo de una mujer adulta. La película es un
maravilloso plan para estos días de calor que se avecinan. Porque está
localizada en un periodo frío, ventoso y de mar picado. Y porque al
igual que la noche siempre acaba llegando para refrescarnos, aunque sea
un poquito, las buenas películas románticas parecen seguir en la lucha,
aunque sean solo un puñado cada cierto tiempo.
2023: Festival de Venecia: Nominada a León de Oro - Mejor película.
SINOPSIS: Un hombre gay hace un trato con su amiga lesbiana: contraer matrimonio
para que él obtenga permiso de residencia, a cambio de un costoso
tratamiento de fecundación in vitro para ella. Los planes se complican
cuando la abuela de ella les sorprende con un banquete de boda coreano.
Cuando la comedia tiene espacio para respirar entre todos los bloques de exposición narrativa del pasado, el resto del reparto también brilla —especialmente en una escena disparatada en la que el cuarteto “des-homosexualiza” la casa de las protagonistas antes de la llegada de la abuela de Min. Angela es quien sale mejor parada en cuanto a caracterización, en gran parte porque Tran puede apoyarse en la interpretación matizada de Chen, aunque casi todo su conflicto se concentra en una sola conversación. El resto del grupo sale perdiendo en comparación, en particular Lee, interpretada por Gladstone, cuya única característica definitoria parece ser su profundo deseo de tener un hijo. En cuanto al aspecto técnico, destaca el vestuario de Matthew Simonelli, que aporta un aire vivido a los personajes jóvenes, subraya el estatus social de May a través de su ropa y culmina con el elaborado traje tradicional que el estudiante de diseño, Min, confecciona para su abuela con motivo de la boda. Aquí no hay villanos, por lo que los conflictos tienen un riesgo emocional moderado, pero Ahn logra imprimir una elegancia notable en la forma en que se resuelven las tensiones entre las parejas. No importa tanto lo que dicen, sino cómo demuestran su amor.
SINOPSIS: Un hombre regresa a su ciudad natal junto a la playa en Australia muchos
años después de haber construido una vida en Estados Unidos y es
humillado frente a su hijo adolescente por una pandilla local de
surfistas que reclama la propiedad exclusiva de la playa apartada de su
infancia. Herido, decide quedarse en la playa y declararle la guerra a
aquellos que controlan la bahía. Pero a medida que el conflicto se
intensifica, las apuestas se descontrolan y le llevan al borde de la
locura.
Un thriller psicológico muy marciano, nos presenta el director de
«Nocebo» y «Vivarium» Lorcan Finnegan, rodada al estilo de los 80, nos
lleva a una historia grotesca y llena de simbolismos que hacen que te
plantees que la realidad no es el punto fuerte de este extraño guion. Nicolas Cage como siempre excesivo en un papel a su medida, intenso y a
veces ridículo o exasperante pero que va bien con la paranoia que sufre
este incauto surfero. Scally lidera el grupo local amenazante que se ha
adueñado de la playa australiana, un buen papel para Julian McMahon. Thomas Martin escribe este rocambolesco guion que inexorablemente nos
lleva a presenciar la progresiva locura del protagonista, donde no
sabremos lo que es real y lo que no. Una atmosfera opresiva que nos
recuerda a títulos de referencia australianos como «Walkabout» de
Nicholas Roeg o «The wicker man». La película navega entre la comedia, el drama, lo onírico, la crítica
social y lo psicodélico, creando un collage que engrandece a la trama. resumiendo "The surfer" es una excelente thriller de 100
minutos, que nos regala, además de una interpretación sobresaliente de Cage, un
duelo entre él y nada más y nada menos que Julian MacMahon, el Dr.
Christian Troy de Nip Tuck y el Dr. Doom original, con su acento
australiano nativo inteligible.
2024: Festival de Cannes: Nominada a Midnight Screenings.
SINOPSIS: Kate es una madre que trata de reconducir su relación con su
problemática hija Claire. La situación se vuelve crítica cuando Claire
aparece sin avisar en casa de Kate, histérica y cubierta de la sangre de
otra persona. A medida que Kate trata de desvelar la terrible verdad de
lo sucedido, descubrirá hasta qué punto puede llegar una madre para
tratar de salvar a su hija.
Julianne Moore es la madre de esta historia, una solitaria mujer del
campo marcada por la pérdida, cuya vida se verá puesta patas arriba
cuando la hija, Sydney Sweeney, entra por la puerta arrastrando con ella
un sinfín de sufrimiento. La interpretación de Moore es excelente,
puedes sentir lo que siente. El papel de Sweeney no es menor y la hace muy bien. Fiona Shaw aparece como la mejor amiga de Moore y su único apoyo
emocional, mientras Domhnall Gleeson es un amenazador traficante de
drogas. La película es agobiante, de un suspense psicológico creciente que
resulta difícil de presenciar. La tensión y la angustia parecen
traspasar la pantalla. Es un thriller bien llevado, original e indudablemente entretenido y satisfactorio. Logra
transmitir el continuo tormento de una madre con una hija descarriada
que no merece, pero por la que no se rendirá.
SINOPSIS: Craig, habitante de un suburbio, se deslumbra profundamente de su nuevo
vecino: un hombre carismático que lo atrae de una manera inesperada. A
medida que Craig intenta formar una amistad con él, una relación adulta
entre hombres, sus esfuerzos comienzan a desestabilizar la vida de
ambos. La búsqueda de conexión y aceptación de Craig pone en peligro no
solo su propia estabilidad emocional y familiar, sino también la de su
vecino, mientras ambos se ven arrastrados a una serie de situaciones
complicadas que podrían cambiar el rumbo de sus vidas.
Friendship fue adquirida por A24 poco después de su estreno en el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF), y fue una decisión muy inteligente. Más que cualquier otra cosa que haya visto últimamente, parece tener todo el potencial para convertirse en ese tipo de comedia de culto que sus fans no se cansan de ver una y otra vez. Aunque por momentos es increíblemente incómoda de ver, también es desternillante, con diálogos instantáneamente citables (la escena en la que el personaje de Robinson se emociona alocadamente por el MCU seguro se volverá viral) y personajes como T-Boy, un adolescente narcotraficante, que probablemente inspire a más de uno a disfrazarse como él en las proyecciones especiales. La película también sorprende por su sutileza al retratar lo difícil que puede ser hacer amigos siendo hombre adulto. De hecho, no siempre estamos hechos para eso; conforme envejecemos, lo natural parece ser encerrarse en casa con la familia. No le pasa a todo el mundo, claro, pero muchos se verán reflejados en la forma en que el personaje de Robinson desarrolla una especie de “bromance” con el de Rudd, queriendo ser mejores amigos de forma inmediata, aunque el modo en que lo intenta es completamente insano. El elenco secundario también brilla. Kate Mara aporta calidez y un humor desenfadado durante toda la película. Su personaje tiene más profundidad de lo que suele ser común en este tipo de comedias: tiene agencia, sentido del humor, y no se reduce a un estereotipo. También me encantó Jack Dylan Grazer como el hijo “cool” de Robinson, cuya relación incómodamente cercana con su atractiva madre sirve como material perfecto para generar más carcajadas incómodas. Friendship arrasó en la sección Midnight Madness del TIFF (ganó el premio del público) y fue igualmente bien recibida en SXSW. El director Andrew DeYoung (Our Flag Means Death) le imprime un estilo muy particular, y la banda sonora de Keegan DeWitt también destaca con fuerza. Vamos, es difícil no amar una película que arranca con una versión synthwave del tema de Ryuichi Sakamoto para Merry Christmas, Mr. Lawrence. Si esa última línea te sacó una sonrisa, entonces esta película es para ti. Es una obra muy de nicho, sí, pero estoy convencido de que en un par de años se transformará en una película de culto.
2024: Festival de Toronto (TIFF): Ganadora del Premio del Público.
SINOPSIS: Cuando Melissa, una guardia de prisiones, es trasladada a una nueva
prisión en Córcega, un joven recluso la ayuda a orientarse y le ofrece
protección, pero él espera ayuda a cambio.
"Borgo" es de esas películas que vale la pena ver porque está bien
explicada a partir de dos líneas argumentales que confluyen, te engancha
en una tensión creciente y bien dosificada, huye de cualquier
estereotipo y está muy bien interpretada con una singular mezcla de
profesionales y actores naturales.Melissa es una funcionaria de prisiones recién instalada en Ajaccio
(Córcega) con su pareja y dos niños. Aunque puede parecer extraño, la
vida en la cárcel inicialmente es mucho más plácida que la convivencia
con sus vecinos. Un rechazo de cariz claramente racista que llegará a
extremos intolerables. Por otra parte, dentro del módulo en el que
trabaja, el respeto y la aparente amabilidad contrasta con la hostilidad
entre bandas en la vida real. Inicialmente su profesionalidad y firmeza
parecen inalterables, aunque la aparición de una mínima confianza y una
cadena de favores con uno de los prisioneros abrirá un camino
desconocido y peligroso. Estamos frente al núcleo y la parte más
interesante del filme: el proceso de transformación desde el rigor y la
coherencia, hasta una peligrosa implicación con el mundo de las bandas
delictivas, pasando por una voluntad inicial de delimitar claramente la
separación entre ambos ámbitos. Este proceso personal y la confluencia de ambas líneas argumentales
construyen un clímax final que sorprende y se consolida perfectamente
con la línea de toda la película en el sentido de reforzar su granítica
coherencia en el marco de un guión bien ligado y una realización
destacadísima dentro de su modestia presupuestaria. "Borgo" auna perfectamente un crimen por resolver, personajes complejos y
prisioneros de sus propias carencias, un entorno nada acogedor y un
ambiente carcelario complicado para acabar conformando un thriller
singular, magnético y que rechaza con acierto la mayoría de los
estereotipos propios del género.
2024: Premios César (Francia): Ganadora Mejor actriz principal (H. Herzi)
SINOPSIS: El brutal asesinato de Hailey Easton, una joven de 17 años, sacude hasta los cimientos a una pequeña comunidad, desencadenando una intensa investigación por parte de la policía local. Los detectives Treviño y Bellamy se ven arrastrados a un laberinto de pistas desconcertantes y sospechosos que no dejan de multiplicarse.
A veces, las mejores películas no necesitan presupuestos millonarios ni efectos espectaculares. Lo que realmente convierte a una cinta en algo inolvidable es una trama ingeniosa y una narrativa poderosa que te atrapa de principio a fin. The inverted case,es este tipo de películas en donde demuestran que la creatividad vale más que el dinero. Esa es su magia: estas películas confían en la inteligencia del espectador. No solo estás viendo una historia, estás resolviendo un rompecabezas. Y cuando la última pieza encaja se transforma en pura euforia cinematográfica. No cuentes el final.
SINOPSIS: Una inesperada invitación lanza a una joven afligida a un solitario
viaje por carretera a través del Medio Oeste americano mientras lucha
por reconciliar las pérdidas de su pasado con los sueños de su futuro.
Las mejores road movies
entienden que deambular con propósito resulta mucho más fascinante que
avanzar sin rumbo fijo, y que los espacios pequeños de un viaje pueden
transmitir tanto —o incluso más— que sus vastas extensiones abiertas. El
cautivador y ágil debut de Morrisa Maltz, “The Unknown Country”,
sigue el camino de una mujer nativa americana, solitaria y en duelo,
que encuentra consuelo y renovación al recorrer las carreteras del Medio
Oeste estadounidense. Y también revela una verdad profunda sobre la luz
en el cine: Lily Gladstone
brilla con fuerza propia. La película nos invita a observar cómo el
afecto y el apoyo impactan en el rostro de Gladstone, y realmente lo
vemos, mientras abandona la reserva de Pine Ridge con una vieja maleta
de su abuela y una misión de reconexión ancestral que la llevará hasta
las montañas desérticas de Big Bend, en Texas. Aunque antes hace una
inesperada parada en Dallas, entre cervezas y bailes de línea. Podría
parecer un desvío arbitrario, de no ser por el encanto natural de sus
coqueteos con Isaac (interpretado por Raymond Lee) y ese entrañable
momento en el que baila junto a Flo, una texana de más de 90 años, que
es tan dulce como suena. A veces, “The Unknown Country”
se siente más como una emoción que como una película, pero eso no le
resta mérito. Atenta, sutil y elegante, Maltz demuestra ser una cineasta
a seguir de cerca. Y con Gladstone, ha encontrado una estrella —y una
guía— cuya presencia nos ancla a cada rincón de este viaje cargado de
alma. No cabe duda de que esta actriz está destinada a llegar lejos. Más
adelante este año, todo el mundo hablará de Gladstone, gracias a su ya
aclamada actuación en el esperado drama histórico de Martin Scorsese, “Killers of the Flower Moon”,
que promete dejar huella tanto en el público como en la temporada de
premios. Los espectadores del cine independiente y la crítica, que
quedaron fascinados con su quietud expresiva en “Certain Women”
(2016, de Kelly Reichardt), han estado esperando que el resto del mundo
la descubra. Podemos ser cínicos por los siete años de espera… o
celebrar que este año nos ha regalado dos destellos de su magnetismo,
con “The Unknown Country” y su fusión de ficción y documental que encaja a la perfección con la humanidad sólida y luminosa de Gladstone.
2022: Festival SXSW (South by Southwest): Ganadora del Premio del Público (Visions).
2023:
Premios Independent Spirit Awards: Ganadora del Premio John Cassavetes.
2023: Premios Gotham: Ganadora Mejor interpretación protagonista.
SINOPSIS: A la salida de un cine, un hombre y una mujer comienzan a hablar y
siguen la conversación en un café cercano. Allí construirán un mundo de
fantasía en el que se convertirán en quienes siempre quisieron ser (una
escritora y un astronauta) y deciden quedar todos los jueves a la misma
hora y en el mismo lugar. Poco a poco se enamoran... pero cuando sus
vidas reales entran en juego, tendrán que luchar por proteger su
relación.
Lo que quisimos ser –reluciente ganadora del premio a
Mejor Largometraje en el FIC.UBA– es un pequeño cuento melancólico sobre
la vida que llevamos y aquella con la cual soñamos, ambición abierta a
las mil y un ñoñerías que el realizador logra mantener en gran medida
dentro de terrenos sensatos. Corre el final de los años 90 y todo
comienza con un encuentro casual durante una exhibición de Ayuno de amor, la genial comedia screwball
de Howard Hawks, en una sala de cine de repertorio clásico. Los únicos
espectadores presentes son un hombre, dueño de una librería de segunda
mano, y una mujer, editora literaria y madre de un joven. Pero ya en la
primera conversación post proyección en un bar cercano las reglas de la
extraña pareja quedan establecidas, un juego de adultos tan imaginativo
como inocente. Prohibido pronunciar los nombres verdaderos, lo mismo para los detalles de la vida personal. Inventarse otra realidad plausible, una ficción que se sienta verdadera. O
algo por el estilo, ya que el caballero opta por una profesión tan
extraña para un argentino como es la de astronauta; ella, en cambio,
elige algo lógico: es una escritora famosa. Así, Irene y Yuri (quien
luego cruzará la Cortina de Hierro y será rebautizado como Buzz) se encuentran todos los jueves a la tarde en el bar Brighton de la calle Sarmiento,
aunque más adelante, post corralito y estallido social, las citas se
mudarán a un bar más económico. Así, entre copas de Cointreau y vasos
del fenecido Old Smuggler Etiqueta Blanca la dupla conversará sobre sus
vidas fantaseadas, colando emociones, sensaciones e ideas reales con las
otras, reafirmando encuentro tras encuentro una amistad que evita los
dolores y males del día a día. El tono elegido por Agresti es el de un naturalismo amable, un
poco escapista (tal y como “escapan” semanalmente sus criaturas del
mundo que los rodea), creando las escenas a partir del uso intensivo del
plano y contraplano, un poco como en la clásica comedia de rematrimonio
de Hawks, confiando asimismo en la sutileza de las actuaciones de Eleonora Wexler y Luis Rubio para transmitir las líneas del guion. No hay nada sofisticado u osado en Lo que quisimos ser,
aunque la aparición tardía de un elemento meta-narrativo aporta una
nueva capa de sentido que le suma complejidad. La última película del
director de El amor es una mujer gorda, El acto en cuestión y Buenos Aires Vice Versa podría definirse como la historia de un amor posible, tan directa y simple como inexorablemente emotiva.
SINOPSIS:La historia de dos décadas cruciales en Italia, a través de la vida de
un hombre y sus experiencias durante los años comprendidos entre 1944 y
1961.
Es digno a tener en cuenta que meses después de la aparición de “La
dolce vita” surgiera una comedia -aunque de tono pesimista- cuyo título
contradice al de la rompedora obra de Fellini. En el caso de “Una vita difficile” la ruptura no existe de ese modo. Lo
que sí encontramos es una gran historia en torno a la vida de un hombre
desde el final de la Segunda Guerra Mundial y su evolución con el paso
de los años. Se incluyen elementos documentales en la trama, que
consiguen adentrarnos y reflejarnos perfectamente el contexto en el que
se encuentran inmersos los protagonistas. Qué decir de Alberto Sordi, genial, guiando la película en todo momento,
cambiando de registro en varias ocasiones, encarnando a un personaje
por el que se siente compasión, pero que por momentos no es del todo
honesto. Y bien es cierto que mucho de lo que se cuenta en esta película tiene
gran parte de premonitorio. Un ejemplo claro es el del magnate que todo
lo controla, en industria, política, medios de comunicación, incluso en
el fútbol. Recuerda a un tal “cavaliere”, ¿no?
VERSIÓN REMASTERIZADA Y RESTAURADA EN FULL HD 1080P.
SINOPSIS: Biografía de Salvatore Giuliano (1922-1950), un mítico bandido e
independentista siciliano. Pero lo que a Rosi le interesa de verdad es
centrar la atención sobre el endémico atraso de Sicilia, sobre las
relaciones entre mafia, bandolerismo, poder político y poder económico,
es decir, sobre las causas de lo que los italianos llaman el "problema
meridional".
Con esta película de Francesco Rosi (nacido en 1922) se inicia en Italia
el género conocido como cine político, que alcanzará su máximo
desarrollo en los 70, con autores, además del propio Rosi, como Elio
Petri o Damiano Damiani. Pero no se queda ahí el alcance de esta
película, ya que puede afirmarse que ha tenido una gran influencia en el
cine de tema político a nivel mundial: de "Z" (1969) de Costa-Gavras a
"JFK" (1991) de Oliver Stone, por poner solo dos ejemplos destacados,
tienen una fuerte deuda en lo formal con este filme. El tema es la historia del bandido siciliano Salvatore Giuliano: sus
conexiones políticas y las circunstancias que condujeron a su muerte en
1950. Lejos de procurar un acercamiento romántico a la figura del buen
ladrón que roba a los ricos para dar a los pobres (como sí se encuentra,
en cambio, en la novela que Mario Puzo escribió sobre el personaje,
llevada luego al cine por Michael Cimino), la película se presenta como
una investigación, a medio camino entre la ficción y el documental. El
director procura conseguir la mayor objetividad posible, por lo cual se
limita a presentar hechos, dejando que sea el espectador el que saque
sus conclusiones. La objetividad se refuerza evitando mostrar al
protagonista, a quien solo se le ve la cara en fotografías y después de
su muerte; también por medio de los frecuentes planos picados (entre
ellos, el inicial del descubrimiento del cadáver de Giuliano); y
mediante la voz en off, utilizada de forma muy similar a como años atrás
la empleó Visconti en “La terra trema” (una película en la que Rosi
trabajó como ayudante de dirección). El centro de interés de la película no es la personalidad de Giuliano,
sino la forma en que fue manipulado para servir a intereses políticos:
el ataque de Rosi, en concreto, va dirigido contra los democristianos,
que gobernaban Italia en la época de Giuliano y continuaban en el poder
cuando se estrenó la película. Es también una reflexión sobre los
problemas crónicos de Sicilia (el subdesarrollo, el bandolerismo, la
corrupción política y la implantación de la Mafia) y, por extensión, de
todo el sur de Italia.
SINOPSIS: Kabul, 14 de agosto de 2021. Los talibanes están a las puertas de la
ciudad, y Francia se prepara para evacuar su embajada. Pero la repentina
caída de Kabul al día siguiente trastoca todos los planes. Diplomáticos
franceses, italianos, alemanes y estadounidenses, así como la policía,
deben improvisar la evacuación de cientos de afganos y refugiados al
aeropuerto. Mientras el caos se apodera de la ciudad, los afganos pronto
solo tendrán dos opciones: arrodillarse o huir.
"Kabul" (2025) se destaca como una miniserie excepcional que logra combinar con maestría una narrativa absorbente con una profunda carga emocional. Desde el primer episodio, sumerge al espectador en un universo complejo, marcado por la tensión, la resiliencia y la humanidad en medio del caos. El guion es agudo y lleno de matices, con personajes profundamente construidos cuyas luchas y victorias resuenan con fuerza. La calidad de la producción es impecable: visuales impactantes y escenarios auténticos que dan vida a la historia de forma vívida y realista. Cada episodio crece en intensidad, volviéndose casi imposible dejar de ver. En todos sus aspectos, "Kabul" ofrece una experiencia conmovedora y reflexiva que justifica cada elogio recibido. Un 10/10 perfecto para una serie que deja huella.
SINOPSIS: Biopic sobre la vida de Vigdís Finnbogadóttir, la primera mujer
presidenta de Islandia, que hizo historia al convertirse en 1980 en la
primera mujer elegida presidenta de una república por sufragio universal
en todo el mundo, y en la primera jefa de Estado en Europa. Su elección
en 1980 fue impulsada por el fuerte movimiento feminista islandés,
especialmente tras la histórica huelga de mujeres de 1975, cuando el 90%
de las mujeres del país paralizaron Islandia para reclamar igualdad de
derechos y salarios. Vigdís presidió Islandia entre 1980 y 1996, siendo
reelegida tres veces, y en dos de sus reelecciones (1984 y 1992) no tuvo
ningún oponente, lo que muestra su enorme popularidad y consenso
social. Además fue la primera mujer soltera en Islandia a la que se le
permitió adoptar una hija, en una época en la que esto era muy poco
común.
La miniserie está dirigida por Björn Hlynur Haraldsson (uno de los creadores de la exitosa serie "Blackport") y la actriz Tinna Hrafnsdóttir, y protagonizada por Nína DöggFilippusdóttir ("Los asesinatos de Valhalla"), que encarna a la política en su edad adulta, y la actriz y estrella del pop islandesa Elín Hall, que la interpreta en los dos primeros episodios, desde su adolescencia hasta los 30 años. La trama explora a fondo la
transformación de Vigdís, mostrando cómo una joven aparentemente
obediente y perfeccionista se convierte en una mujer que desafía las
normas sociales y culturales de su época. A lo largo de los episodios,
la serie retrata sus triunfos y derrotas, el impacto que tuvo la
prematura muerte de su hermano en su vida, sus dudas e inseguridades,
así como su determinación para superar los obstáculos personales y
sociales que enfrenta como madre soltera y profesional en un entorno
dominado por hombres. Para resumir el trabajo en la realización de Vigdís es tan completo en todos los aspectos, técnicos y artísticos que la convierten en la mejor biopic que ha dado la industria en los últimos 20 años.
Cinco cosas que debemos saber de Vigdís Finnbogadóttir
Aunque hubo antes otras mujeres que presidieron países (como Isabel Perón en Argentina o Sühbaataryn Yanjmaa
en Mongolia), ella fue la primera mujer en el mundo en ser elegida
presidenta de una república mediante elecciones democráticas, y la
primera jefa de Estado elegida en Europa.
Su elección en 1980 fue impulsada por
el fuerte movimiento feminista islandés, especialmente tras la histórica
huelga de mujeres del 24 de octubre de 1975, cuando el 90% de las
mujeres del país paralizaron Islandia para reclamar igualdad de derechos
y salarios.
Presidió Islandia entre 1980 y 1996, siendo reelegida tres veces y ostentando el mandato más largo para una mujer en ese cargo.
En dos de sus reelecciones (1984 y 1992) no tuvo ningún oponente, lo que muestra su enorme popularidad y consenso social.
Fue la primera mujer soltera en
Islandia a la que se le permitió adoptar una hija, en una época en la
que esto era muy poco común.
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