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jueves, 12 de mayo de 2022

ESTRENOS DEL JUEVES 19/5/2022

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ESTRENOS DE

LA SEMANA

EL HOMBRE

DEL NORTE

The Northman.

(EN CINES)

Título original
The Northman
Año: 2022
Duración: 136 min.
Estados Unidos Estados Unidos
Dirección:
Guion: Robert Eggers, Sjón Sigurdsson
Música: Robin Carolan, Sebastian Gainsborough
Fotografía: Jarin Blaschke
Reparto: , , , , , , , , , , , , .
Productora: Regency Television, Focus Features. Distribuidora: Focus Features
Género: Aventuras. Acción. Drama | Vikingos. Siglo X. Venganza. Cine épico

SINOPSIS: Islandia, principios del siglo X. El peuqño príncipe nórdico Amleth ve como su padre el rey Horvendill (Ethan Hawke) es asesinado a manos del sanguinario Fjölnir (Claes Bang). Ya entrado en la edad adulta (y con los rasgos de Alexander Skarsgård) emprende una misión de venganza en la que no se detendrá ante nada y ante nadie, dejando un pavoroso reguero de sangre a su paso. El argumento se basa en una historia que  aparece en Gesta Danorum (Historia de los daneses), una colección de tradiciones orales escrita hacia el año 1200 por Saxo Grammaticus. Una historia nórdica que inspiró el Hamlet de Shakespeare, ambientada en el mundo de los vikingos y dirigida el cineasta Robert Eggers, responsable de El faro (2019) y La bruja: Una leyenda de Nueva Inglaterra (2015). EXCELENTE. Quien haya visto alguno de los dos trabajos anteriores de Eggers (La bruja y El faro) ya sabrá, más o menos, que es lo que se puede encontrar en esta película. Si no habéis visto ninguno (además de recomendaros que les echéis un vistazo) os diré que no esperéis una película de venganza con vikingos con el tono y las formas que tenían "Braveheart" o "Gladiator". La cosa no va por ahí, con batallas constantes y épica a raudales, en ningún caso. Prefiero avisar de esto porque tal y como se ha publicitado la cinta parece algo que no es y es fácil llevarse un chasco si uno espera encontrar aquí un Maximo Decimo Meridio vikingo y vibrar con cada escena. El hombre del norte es una película mucho más simbólica, pausada (tiene arranques y frenazos de ritmo muy marcados y, en ocasiones, anticlimáticos que pueden resultar frustrantes), y reflexiva. Cuyo metraje se va moviendo en todo momento en un tono muy crudo y donde no hay buenos. Además, por si esto no fuese suficiente, juega en muchas ocasiones con escenas oníricas y/o fantásticas (estilo el faro del propio Eggers o el caballero verde de Lowery, cinta con la que tiene mucho en común en forma y fondo también). Eggers va desgranando con firmeza y maestría esa brutalidad de los guerreros vikingos en el siglo X en sus conquistas mediante las batallas y lo hace sin escatimar en sangre, vísceras y escenas violentas. Violencia que encarna de forma clara y concisa (y brutal) el propio Alexander Skarsgård con su personaje (ayudado de unos planos secuencia muy bien hilados que siguen demostrando el talento que hay tras la cámara). Por otra parte, aunque sin ser una adaptación punto por punto, es obvio que coge muchas cosas de un par de obras de Shakespeare (de forma muy libre, eso sí) y eso le "obliga" a ser consecuente tanto en el tono como en los diálogos con el dramaturgo inglés. Es decir, hay cierta "poesía" en las formas y en el fondo de esta historia. En cualquier caso, creo que la película es más que una historia de violencia. Y creo que es más que eso, principalmente, por el uso que da Eggers a los dos personajes femeninos (Qué bien están Nicole Kidman y Anya Taylor-Joy, por Dios) que son gran parte del alma de este guion tan medido. El desarrollo de la historia de ambos personajes creo que es clave (junto con toda la mitología vikinga asociada) para entender y meterse en esta brillante película. Como he dicho antes, a mí me parece otra obra maestra más del bueno de Eggers, pero es completamente lícito que si no os gusta el cine de este estilo no conectéis. SI no os gustaron sus anteriores pelis o no os gustó nada el caballero verde, es posible que esta cinta tampoco os guste, y no pasa nada. En cualquier caso, creo que hay que celebrar que una película con un presupuesto tan grande (noventa millones de dólares) tenga a un realizador detrás tan valiente para no perder ni un ápice de su voz autoral en concesiones para abarcar más público. Es un riesgo importante, sí, pero yo lo celebro. IMPERDIBLE.

TRAILER


ANIMALES FANTÁSTICOS

LOS SECRETOS DE

DUMBLEDORE

Fantastic Beasts: The Secrets of Dumbledore.

(EN CINES)

Título original
Fantastic Beasts: The Secrets of Dumbledore
Año: 2022
Duración: 142 min.
Reino Unido Reino Unido
Dirección:
Guion: Steve Kloves, J.K. Rowling. Personaje: J.K. Rowling
Música: James Newton Howard
Fotografía: George Richmond
Reparto: , , , , , , , , , , , , .
Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Warner Bros., Heyday Films. Distribuidora: Warner Bros.
Género: Fantástico. Aventuras | Magia. Spin-off. Secuela
Grupos: Saga Harry Potter | Adaptaciones de J.K. Rowling | Animales fantásticos

SINOPSIS: El profesor Albus Dumbledore (Jude Law) sabe que el poderoso mago oscuro Gellert Grindelwald (Mads Mikkelsen) está haciendo planes para apoderarse del mundo mágico. Incapaz de detenerlo él solo, confía en el Magizoólogo Newt Scamander (Eddie Redmayne) para dirigir un intrépido equipo de magos, brujas y un valiente panadero Muggle en una misión peligrosa, donde se encuentran con antiguos y nuevos animales y se enfrentan a una legión cada vez más numerosa de seguidores de Grindelwald. Hay mucho en juego así que nos preguntamos hasta cuándo podrá permanecer Dumbledore al margen. MUY BUENA. Tercera entrega de este spin off del mundo mágico y, debo decir, que es la primera ocasión donde realmente he notado prácticamente en todo momento que está dentro de ese universo y que las piezas empiezan a caer cada una en el lugar que le corresponde. En esta ocasión, la historia se acerca más (como podéis deducir del titulo) a Dumbledore y se aleja un poco de Newt (aunque manteniendo, eso sí, la importancia de los animales fantásticos que dan nombre a la saga). Este hecho a mí, como fan de la saga principal, me ha alegrado (porque además les da pie a meter más fan service y mi corazón se gana rápido con eso), pero también me entristece un poco porque tengo especial cariño por el personaje interpretado por Redmayne. En cualquier caso, la película sigue siendo bastante continuista en cuanto a estructura con sus predecesoras. Es decir: Kowalski sigue siendo el alivio cómico, Newt en algunos momentos también y, en contraposición a ellos, está la trama más seria protagonizada por Grindelwald y su alargada sombra que recuerda, cada vez más, a la figura casi omnipresente que tenía Voldemort. La trama política que se vertebra alrededor del villano es de lo mejorcito de la peli. Debo decir, eso sí, que sin entrar en juicios sobre si el cambio de actor está bien o mal, que creo que este cambio ha dado también un giro un poco al personaje Teniendo un Grindelwald distinto. Hemos pasado de un Geller más histriónico a uno más imponente y calculador. Con una sensación de llenar la pantalla que, sinceramente, creo que le sienta bien a un personaje con tan claras referencias al Nazismo. Por otra parte, en el debe de la cinta hay que volver a colocar el exceso de tramas secundarias, que ocurría especialmente en la segunda entrega, y un poco de confusión en algunos momentos. Quizá era cosa mía pero ha habido momentos que no estaba entendiendo por qué algunos personajes hacían algunas cosas. Para finalizar, creo que el apartado visual sigue creciendo, con algunos momentos estéticamente preciosos y muy bien rodados y que están, como no, acompañados de una BSO que siempre cumple bien. Y de un reparto que sabe desenvolverse bien con lo que le piden. En definitiva, creo que esta tercera entrega de la saga es la más cercana a la saga de Harry Potter pero que sigue teniendo los puntos fuertes y débiles en los mismos lugares que sus dos antecesoras. A mí, particularmente, es la que más me ha gustado de las tres pero más que por criterios objetivos tiene que ver con el pequeño fan que sigue dentro de mí y que siempre se alegra de volver a este universo literario-cinematográfico. RECOMENDABLE.

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LA CIUDAD

PERDIDA

The Lost City.

(EN CINES)

Título original
The Lost City
Año: 2022
Duración: 120 min.
Estados Unidos Estados Unidos
Dirección: ,
Guion: Dana Fox, Oren Uziel, Adam Nee, Aaron Nee. Historia: Seth Gordon
Música: Pinar Toprak
Fotografía: Jonathan Sela
Reparto: , , , , , , , , , , , , , ,
Productora: 3dot productions, Exhibit A, Fortis Films Production. Distribuidora: Paramount Pictures
Género: Aventuras. Comedia. Acción | Comedia romántica

SINOPSIS: La carrera literaria de la brillante y algo huraña escritora de novelas Loretta Sage (Sandra Bullock) ha girado en torno a las novelas románticas de aventuras que, ambientadas en lugares exóticos, protagoniza un atractivo galán cuya imagen aparece reproducida en todas las portadas, y que en la vida real corresponde a Alan (Channing Tatum), un modelo que ha centrado su carrera en personificar al novelesco aventurero. Durante una gira para promocionar su nuevo libro junto a Alan, Loretta es raptada por un excéntrico multimillonario (Daniel Radcliffe), con la intención de que la autora le guíe hasta el tesoro de la antigua ciudad perdida sobre el que gira su último relato. Deseoso de demostrar que puede ser un héroe en la vida real, y no simplemente en las páginas de sus obras de ficción, Alan se lanza al rescate de la novelista. BUENA. Una recomendable película de aventuras selváticas en busca de tesoros. La ciudad perdida es digna de verse. Inmensa Sandra Bullock que se pone al frente de la aventura con responsabilidad y eficacia. Sin duda, una extraordinaria actriz que ha demostrado de sobra su valía en papeles dramáticos, bien reconocidos por sus numerosos premios, pero que es con su vis cómica donde alcanza un punto muy fuerte. Nadie como ella para hacer de niña pija. Su papel aquí podemos compararlo con sus actuaciones en Miss Agente Especial, haciendo de la agente Hart, o en Armadas y Peligrosas. Encima La ciudad perdida te ofrece una genial aparición del gran Brad Pitt. Ya quisiera Michael Douglas haber actuado así cuando estuvo en la selva buscando el corazón verde. Y no es por dejar en mal lugar a Michael Douglas, Dios me libre. El acierto de la película está también en el reparto, ya que es una comedia en la que todos los que trabajan caen estupendamente. La ciudad perdida no es una mala película, ni una comedia de partirse de risa, pero tiene ese continuo fondo, o espíritu, ese encanto divertido, de broma, de las películas sin pretensiones que consiguen hacer pasar un buen rato al espectador que no quiere más que evadirse del loco mundo, sin que le tomen más el pelo. Puede decirse, sin temor a equivocarse, que gracias a cortas imágenes de gente de paz en sitios y lugares perdidos, en medio del exuberante verdor de los paisajes, puedes, además, vislumbrar el mundo soñado que te gustaría vivir. El tema romántico de fondo es la búsqueda de un tesoro, la excusa ideal para encender la aventura. No es un humor de partirse de risa, repito, ni es la mejor película de humor, es una más para pasarlo bien viendo al patoso, al héroe, a la chica, al malo y al de más allá. Un poco parodia de esas sempiternas aventuras selváticas tras el tesoro, con jeroglíficos chorras para descifrar, historias de amor eterno y situaciones imposibles. MUY RECOMENDABLE.

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Sthepen King´s

LLAMAS

DE VENGANZA

Firestarter.

(EN CINES)

Título original
Firestarter
Año: 2022
Duración: 94 min.
Estados Unidos Estados Unidos
Dirección:
Guion: Scott Teems. Novela: Stephen King
Música: John Carpenter, Cody Carpenter, Daniel A. Davies
Fotografía: Karim Hussain
Reparto: , , , , , , , , , , , , , ,
Productora: Blumhouse Productions, Universal Pictures, Angry Adam Productions, BoulderLight Pictures, Weed Road Pictures, Night Platform. Distribuidora: Universal Pictures
Género: Thriller. Terror | Sobrenatural. Remake. Secuestros / Desapariciones
Grupos: Adaptaciones de Stephen King | Blumhouse Productions

SINOPSIS: Basada en la novela clásica de Stephen King, narra la historia de una chica con extraordinarios poderes que lucha para proteger a su familia y a sí misma de las siniestras fuerzas que quieren capturarla y controlarla. Andy y Vicky llevan más de una década huyendo en un desesperado intento de esconder a su hija Charlie de una oscura agencia gubernamental empeñada en aprovechar su poderoso don como arma. Andy enseñó a Charlie cómo dominar su extraño poder, desencadenado normalmente por la ira o el dolor. Pero cuando Charlie cumple 11 años, el fuego es cada vez más difícil de controlar. Después de que un incidente inesperado revele la ubicación de la familia, un misterioso hombre sale en busca de Charlie para hacerse con ella de una vez por todas. Pero Charlie tiene otros planes. BUENA. Este apartado quizá es su gran baza, ya que parte de un libro de un autor como es Stephen King, que otra cosa no, pero es un experto en contar historias de terror. Sin haber leído el libro, la historia en bruto me interesa. Pero como se ha llevado a la gran pantalla no ha captado mi atención. Parte de una introducción sugerente, nos enseña a un bebé con un gran poder que no es capaz de controlar, para posteriormente mostrarnos quiénes son sus padres y de dónde vienen. El acercamiento de los padres, y del resto de los personajes es tan cliché que no hace que podamos conectar emocionalmente con ellos. Apenas llegamos a conocerlos, ni siquiera en el propio desenlace del film, generando indiferencia en el espectador. Si tuviera que catalogar el género, se podría acercar más a un producto de superhéroes y un origen de personaje, con la protagonista en medio de un gran problema, intentando domar sus poderes. Me recuerda a Logan (2017) de James Mangold, salvando inmensamente las distancias. Los efectos especiales son bastante pobres, se nota que es una cinta de un presupuesto reducido. Aun así destacan negativamente, y no ayudan a meterte en lo que se está viendo en pantalla. Cabe mención a la banda sonora, de la que es parte John Carpenter, esta sí es un hilo conductor eficaz para emplazarte en el argumento. El desempeño de su madre en la ficción, Sydney Lemmon, tampoco me sugiere nada especial. Una actuación bastante plana y con poca emoción sinceramente. Por contra, el padre, interpretado por Zac Efron me gusta bastante más. Sin tampoco ser una gran maravilla, y quizá porque no le tengo en gran estima, me ha resultado bastante convincente y mantiene a flote la cinta. El resto de secundarios siguen una estela similar, Reuben y Greyeyes como antagonistas no generan gran temor. Quizá este segundo, un poco más, en algún momento puntual de enfrentamiento. RECOMENDABLE.

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MORBIUS

Morbius.

(EN CINES)

Título original
Morbius
Año: 2022
Duración: 109 min.
Estados Unidos Estados Unidos
Dirección:
Guion: Matt Sazama, Burk Sharpless. Cómic: Gil Kane, Roy Thomas
Música: Jon Ekstrand
Fotografía: Oliver Wood
Reparto: , , , , , , , , , , , , .
Productora: Marvel Entertainment, Sony Pictures Entertainment (SPE)
Género: Terror. Fantástico. Ciencia ficción. Acción | Vampiros. Enfermedad. Cómic. Marvel Comics

SINOPSIS: El Doctor Michael Morbius (Jared Leto) es un bioquímico que sufre una extraña enfermedad en la sangre. Al intentar curarse y dar una respuesta a su trastorno se infecta sin darse cuenta con una forma de vampirismo. Tras la cura, Michael se siente más vivo que nunca y adquiere varios dones como fuerza y velocidad, además de una necesidad irresistible de consumir sangre. Trágicamente convertido en un imperfecto antihéroe, el Doctor Morbius tendrá una última oportunidad, pero sin saber a qué precio. BUENA. Creo que la película sabe muy bien lo que es y en ningún momento pretende ir más allá de lo que pretende ofrecer, y eso es nada más y nada menos que un buen rato de evasión y entretenimiento, y si para ello al entrar uno a la sala se deja el cerebro en modo standby mejor aún. Jared Leto cumple bastante bien como el antihéroe Morbius, el cual para curar su enfermedad se somete a un experimento cuyas consecuencias serán impredecibles y mortales. Y a partir de aquí pues tenemos todo lo típico de este tipo de películas, la chica guapa novia del protagonista, el villano (muy predecible que iba a ser quien es), los policías que investigan los asesinatos que se están produciendo, y el sensato doctor amigo del prota. Lo que no me ha gustado a nivel de casting es el desaprovechamiento del gran actor que es Jarid Harris, pues al principio parece que va a tener bastante protagonismo y ni mucho menos, termina pasando sin pena ni gloria y teniendo muy pocos minutos en pantalla, y tener un actor de este nivel en esta producción y desaprovecharlo de esa manera tiene delito. A nivel visual la película cumple, los efectos especiales son de notable alto, que es lo mínimo exigible a estas alturas en cualquier producción ya. La música de Jon Ekstrand sabe imprimirle épica a la película cuando así lo requiere. Si bien las peleas en algunas ocasiones llegan a ser algo confusas debido a que en ocasiones no se distingue demasiado bien lo que esta ocurriendo al estar rodadas con tantos cortes seguidos. En definitiva, la película es muy entretenida, eso es innegable, y además tiene a su favor su duración que me parece la justa para el ritmo no decaiga en ningún momento sin necesidad de alargarla innecesariamente. También se agradece las pequeñísimas pinceladas que tiene de cine de terror, es mínimo, pero tiene un par de escenas guapas en este sentido. Al menos, el rato de entretenimiento os garantizo que esta asegurado. RECOMENDABLE.

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LA

MEDIUM

The Medium.

(EN CINES)

Título original
The Medium
Año: 2021
Duración: 131 min.
Tailandia Tailandia
Dirección:
Guion: Na Hong-jin, Banjong Pisanthanakun
Fotografía: Naruphol Chokanapitak, Yossawat Sittiwong
Reparto: , , ,
Productora: Coproducción Tailandia-Corea del Sur; GDH 559, Showbox Entertainment, Northern Cross. Distribuidora: Fine Cut.

SINOPSIS: La historia de la herencia de un chamán en Tailandia del Nordeste. Lo que podría estar poseyendo a un miembro de la familia puede no ser la Diosa que se imaginan que es. MUY BUENA. Unos reporteros se desplazan a una aldea para filmar a Nim (Sawanee Utoomma) que dice ser chamán y tener el poder de canalizar el espíritu de una Diosa, capacidad que ha heredado de su familia y que pasa de generación en generación. Su sobrina, Mink (Narilya Gulmongkolpech), parece desarrollar también un don parecido…The Medium arranca jugando a algo que no me esperaba: simula ser un documental antropológico sobre chamanismo en un poblado de Tailandia. Los reporteros siguen durante días a Nim y nos muestran sus creencias y rituales, con lo que durante los primeros cuarenta minutos, nos limitamos a observar la vida de esta mujer muy bien interpretada por Sawanee Utoomma. Poco a poco (y creo que este poco a poco no gustará a todos) empieza a suceder en su familia algo extraño, su sobrina parece no encontrarse bien y está cada día más consumida. A medida que la historia se centra en la sobrina, la película es mucho más acelerada y se convierte en una cinta de terror con elementos vistos anteriormente, pero para mi entender muy bien ejecutados y el ritmo te lleva de cero a cien hasta un clímax brutal. Esta parte más salvaje también desagrada a algunos, que la tildan de típica, pero yo la considero una fiesta. Y aunque el miedo es algo muy personal, cuesta mucho que los que vemos tanto terror nos asustemos, y yo con The Medium lo pasé mal. Así pues, podríamos hablar de dos partes, una más contemplativa y una segunda más cañera. A mí me funcionaron ambas cadencias y solo le pondría el pero, como he dicho antes, a que le sobre un poco de duración a esa primera parte. Por lo demás me gusta su curva en ascenso hasta ese final perturbador y bastante espeluznante. El apartado técnico para mi es perfecto. Los paisajes de Tailandia, captados por la fotografía de Naruphol Chokanapitak, el diseño de producción, el vestuario, el maquillaje. Y todo esto orquestado por Banjong Pisanthanakun en la dirección, que sabe muy bien como hacer que todos estos elementos encajen y funcionen. A destacar que el guion es de Na Hong-jin, director y guionista de obras tan míticas como The Chaser, The Yellow Sea y The Wailing y que esta vez no dirige su propia historia. Gran ambientación, historia paranormal de entes y dioses, rituales y un final a tope de revoluciones. Esto es lo que ofrece The Medium con una calidad más imprEcionante. MUY RECOMENDABLE.

 2021: Festival de Sitges: "Mejor Película" Premio del Público.. 

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EL

ACONTECIMIENTO

L´ÉVÉNEMENT.

Título original
L'événement
Año: 2021
Duración: 100 min.
Francia Francia
Dirección:
Guion: Audrey Diwan, Marcia Romano. Novela: Annie Ernaux
Música: Evgueni Galperine, Sacha Galperine
Fotografía: Laurent Tangy
Reparto: , , , , , , , , ,
Productora: France 3 Cinéma, Rectangle Productions, Srab Films
Género: Drama | Años 60. Maternidad

SINOPSIS: Francia, 1963. Anne es una joven estudiante brillante con un futuro prometedor por delante. Pero cuando se queda embarazada, ve cómo desaparece la oportunidad de terminar sus estudios y escapar de las limitaciones de su entorno social. Ante la proximidad de sus exámenes finales y conforme va creciendo su vientre, Anne decide actuar, aunque tenga que enfrentarse a la vergüenza y al dolor, aunque tenga que arriesgarse a ir a la cárcel para hacerlo... EXCELENTE. Anne es una joven con un futuro prometedor. Su rendimiento académico es ejemplar, sus seres queridos la adoran y sueña con poder convertirse en escritora algún día. Pero, como ella misma dice en un momento de la película, se ve aquejada por una grave enfermedad: esa que convierte a las mujeres en amas de casa. El acontecimiento (Happening) retrata una época en la que pronunciar la palabra aborto ya suponía todo un escándalo. Una actividad perseguida por la ley que ponía en peligro la vida de las mujeres que, de forma clandestina, lo arriesgaban todo para poder tomar las riendas de su destino. La película no solo funciona como alegato a favor del aborto, sino que también es un canto a la libertad de la mujer. Un grito furioso contra aquellos que quieren decidir sobre la vida de los demás. Una denuncia a la represión del despertar sexual. A lo largo de varias semanas vemos como Anne se siente aislada, rechazada y totalmente desamparada cuando intenta buscar ayuda, cuando trata de entender lo que está pasando y quiere romper las imposiciones de una sociedad opresiva. Y la cinta triunfa al conseguir hacernos partícipes de esta situación. Audrey Diwan se revela con El acontecimiento (Happening) como una narradora ejemplar. Haciendo uso de distintas herramientas como la relación de aspecto, la cámara en mano o el plano secuencia para algunas de las secuencias más duras, la directora francesa consigue agarrar al espectador y transmitirle la misma sensación de desasosiego que siente la protagonista. Todo ello sin caer en maniqueísmos de ningún tipo, sin sensiblerías, sin paños calientes. Pero también puedo decir que la dureza de la película no es impostada. Si lo que se ve en pantalla consigue incomodar al espectador es por la sensación de veracidad que impregna el filme. La música sólo aparece en ocasiones muy concretas y la cámara, que no se despega de Anne en ningún momento, es testigo de una realidad no muy lejana en el tiempo que nunca debemos olvidar. Además, no puedo hacer otra cosa más que deshacerme en elogios al hablar sobre la actuación de Anamaria Vartolomei. Con solo una mirada es capaz de transmitir el miedo, la rabia y la incertidumbre que siente una joven en su situación. El acontecimiento (Happening) es una película dura e incómoda, que agarra al espectador y lo retuerce en su asiento sin ningún tipo de miramientos. Pero es también, sin ninguna duda, una de las mejores películas del año y un alegato muy necesario a favor de la libertad. El trabajo de Audrey Diwan detrás de las cámaras es ejemplar y Anamaria Vartolomei nos regala una interpretación para quitarse el sombrero. IMPERDIBLE.

2021: Premios BAFTA: Nominada a mejor dirección
2021: Premios César: Mejor actriz revelación (Vartolomei). 4 nominaciones
2021: Festival de Venecia: León de oro (mejor película) y Premio FIPRESCI
2021: Festival de Valladolid - Seminci: Sección Oficial
2021: Nominada a los Premios del Cine Europeo.

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SERRE

      MOI

FORT

Hold Me Tight.

Título original
Serre moi fort.
Año: 2021
Duración: 97 min.
Francia Francia
Dirección:
Guion: Mathieu Amalric. Obra: Claudine Galea
Fotografía: Christophe Beaucarne
Reparto: , , , , , , , , ,
Productora: Les Films du Poisson, Gaumont, arte France Cinéma, Lupa Film, Canal+, Ciné+, Bayerischer Rundfunk (BR), arte, CNC, Région Languedoc-Roussillon-Midi Pyrénées, ver 4 más
Género: Drama.
 
SINOPSIS: En una casa, al amanecer, una mujer echa un último vistazo a su marido y a sus dos hijos dormidos, duda si dejar un mensaje sobre la mesa de la cocina, y después cambia de opinión y en su lugar coge un paquete de cereales antes de subirse al coche y lanzarse a la carretera. “¿Estás huyendo o qué?”, le pregunta una compañera en una estación de servicio a la salida de la ciudad. Quizás… Pero quizás no… EXCELENTE. En una casa, al amanecer, una mujer echa un último vistazo a su marido y a sus dos hijos dormidos, duda si dejar un mensaje sobre la mesa de la cocina, y después cambia de opinión y en su lugar coge un paquete de cereales antes de subirse al coche y lanzarse a la carretera. “¿Estás huyendo o qué?”, le pregunta una compañera en una estación de servicio a la salida de la ciudad. Quizás… Pero quizás no… Serre-Moi Fort, de Mathieu Amalric, presentada en el programa Cannes Première del 74º Festival de Cannes, se sumerge en un abismo telescópico, de ecos, superposiciones, saltos temporales, proyecciones y recuerdos, donde poco a poco se dibuja otra historia. Una obra que se podría calificar de reto conceptual si no fuese por la hipersensibilidad del cineasta y el papel protagonista de la luxemburguesa Vicky Krieps (la estrella de El hilo invisible y Bergman Island ), que infunden a la película toda una gama de emociones muy personificadas. No es cuestión de descubrir los pormenores de esta libre adaptación del director de la obra Je reviens de loin, de Claudine Galea, ya que el propósito de la película es jugar al gato y al ratón con el secreto y el ingenio, viajando en todas las dimensiones temporales sin ser impermeable, creando bucles y puentes, de las montañas nevadas al mar, de las carreteras a las barras de los bares donde la protagonista desahoga su malestar, confusa y embriagada, pues su vida ha cambiado por completo, como si hubiera dormido durante mucho tiempo y se despertara princesa de la primavera. Serre-Moi Fort, retrato de la familia (con el belga Arieh Worthalter), del amor (del encuentro con los posibles escenarios futuros) y de la vida cotidiana se desarrolla a través de un guion vertiginoso, un montaje de imágenes impresionante (firmado por François Gédigier) y un trabajo muy creativo en la utilización de los sonidos. Pero, más allá de la performance artística de alto nivel, es una película muy humana, sostenida por su carismática y conmovedora actriz principal, que lo da todo en un papel muy difícil de “normalidad” en plena turbulencia interior. Y para los melómanos, en particular los aficionados al piano (sobre todo a Martha Argerich), la película será una delicia. Después de Tournée , La chambre bleue  y Barbara, Mathieu Amalric pisa el acelerador a fondo y consigue una obra de arte, que muestra todo el alcance y la profundidad de su paleta cinematográfica sin intentar facilitar el acceso, sino asumiendo el caos emocional hasta el final. ¡Bravo, artista!. IMPERDIBLE.
2021: Premios César: Nominada a mejor actriz ( Krieps) y mejor guion adaptado .

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OPERATION

MINCEMEAT

El Arma del Engaño.

Título original
Operation Mincemeat
Año: 2021
Duración: 128 min.
Reino Unido Reino Unido
Dirección:
Guion: Michelle Ashford. Libro: Ben Macintyre
Música: Thomas Newman
Fotografía: Sebastian Blenkov
Reparto: , , , , , , , , , , , , .
Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; See-Saw Films, Cohen Media Group, Filmnation Entertainment, Archery Pictures, A Film Location Company. Distribuidora: Warner Bros.
Género: Bélico. Drama | Basado en hechos reales. II Guerra Mundial. Espionaje. Ejército

SINOPSIS: Año 1943, en plena II Guerra Mundial. Las fuerzas aliadas están decididas a lanzar un asalto definitivo en Europa. Pero se enfrentan un desafío importante: proteger durante la invasión a sus tropas de la potencia de fuego alemana, y así evitar una posible masacre. Dos brillantes oficiales de inteligencia, Ewen Montagu (Firth) y Charles Cholmondeley, son los encargados de establecer la estrategia de desinformación más inspirada e improbable de la guerra... Una historia inspirada en hechos reales basada en un 'bestseller' de Ben Macintyre. MUY BUENA. Una historia interesantísima, aunque poco conocida, fue la Operacion Mincemeat (Carne picada) un plan británico engañoso, durante la segunda guerra mundial, para convencer a los nazis de que los aliados desembarcarían en Grecia y no en Sicilia y así sufrir menos bajas durante la invasión.  Para ello, arrojaron en las playas de Huelva el cadáver de un hombre vestido de oficial británico con documentos que contaban los planes falsos del desembarco. Todos sabían que la España franquista colaboraba con Hitler por lo que los documentos llegarían a manos alemanas... Con un buen reparto encabezado por Colin Firth, Kelly MacDonald y Matthew Macfayden asistimos a como se urdió esta mentira tan descabellada de la que dio el visto bueno el mismísimo Churchill. Existe otra película de Ronald Neame de 1956 titulada "El hombre que nunca existió" que narra los mismos hechos. Un guion brillante de Michelle Ashford, que se basó en el libro de Ben Macintyre y que el director de Shakespeare in love" John Madden ha dirigido entre Inglaterra y Málaga. MUY RECOMENDABLE.

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GHOST

TROPIC

Ghost Tropic.

Título original
Ghost Tropic
Año: 2020
Duración: 85 min.
Bélgica Bélgica
Dirección:
Guion: Bas Devos
Música: Brecht Ameel
Fotografía: Grimm Vandekerckhove
Reparto: , , , , , , , ,
Productora: Quetzalcoatl, 10.80 Films, Minds Meet
Género: Drama | Drama social

SINOPSIS: Después de un duro día de trabajo, Khadija, una mujer de 58 años, cae rendida en el último tren de la noche. Cuando despierta, al final de la línea, asume que para poder llegar a casa tendrá que ir caminando. A medida que transcurren las horas se va relacionando con distintas personas. MUY BUENA. Bas Devos debuto hace unos años con su opera prima “Violet”, una compleja película donde quedaba muy claro el estilo propio del director y donde nos mostraba en todo momento que muchas veces las imágenes son más importantes que las propias palabras. A mí personalmente no me llego a cautivar, aunque reconozco que visualmente es estupenda y que decir de su fotografía. Ahora nos presenta su nuevo trabajo. Se trata de “Ghost Tropic”. La cinta se puede ver dentro de la programación del Festival de cine de autor de Barcelona dentro de la sección Transicions. Nos cuenta la historia de una mujer musulmana de mediana edad que se queda dormida en el metro, después de una dura jornada de trabajo. Cuando despierta se da cuenta de que está en el final de la línea y que ya no tienen ningún otro metro para volver, porque ese era el último. Se encuentra sin dinero y en la otra punta de la ciudad, a partir de ese momento empezará su propia odisea para poder volver a casa. La protagonista se irá encontrando con distintos personajes, desde un guardia de seguridad, hasta un vagabundo en estado crítico, una cajera de una gasolinera y hasta miembros de sus propia familia. La cinta tiene un ritmo pausado, al igual que la primera película de Devos, el director evita en todo momento tomar decisiones sobre la sociedad actual, simplemente si limita a reflejarnos unos hechos que van ocurriendo durante la madrugada en la ciudad de Bruselas. La estructura narrativa vuelve a ser bastante particular, emplea planos largos e interminables en los cuales nos intenta mostrar cada rincón por donde va pasando la protagonista. Y cada escena va teniendo su misterio. La fotografía vuelve a ser estupenda, utiliza unos colores oscuros y unas luces idóneas para reflejar la noche. Otro aspecto fundamental que tiene la película es la utilización de la música en cada escena. No es una película para todo tipo de públicos, pero si tienes paciencia la disfrutarás. Como ya ocurrió con “Violet” las palabras son mínimas y destacan más las miradas y las imágenes que otra cosa. Pero sobre todo bajo mi punto de vista, la película refleja muy bien la soledad que viven muchas personas y como luchan para salir adelante cada día. Me pasa algo curioso con está película, cuanto más pienso en ella, más me gusta. MUY RECOMENDABLE.

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G A G A R I N E

Gagarine.

Título original
Gagarine
Año: 2021
Duración: 95 min.
Francia Francia
Dirección: ,
Guion: Jérémy Trouilh, Benjamin Charbit, Fanny Liatard
Música: Amin Bouhafa, Evgueni Galperine, Sacha Galperine
Fotografía: Victor Seguin
Reparto: , , , , ,
Productora: Haut et Court, France 3 Cinéma, Indéfilms, Canal+, Ciné+, France Télévision
Género: Drama

SINOPSIS: Yuri, de 16 años, ha pasado toda su vida en las Torres Gagarin, un proyecto de viviendas situado en las afueras de París y sueña con ser astronauta. Cuando se plantea la demolición de las Torres, Yuri se une a la resistencia. Con sus amigos Diana y Houssam, se embarca en la misión por salvar su hogar. MUY BUENA. La evasión como espíritu luchador. La fantasía como método de vida. La fuerza como ejemplo de superación. La realidad nos desprotege y nos hace débiles en una sociedad carente de empatía. Intentar buscar el afecto mutuo no siempre conlleva una felicidad duradera y su carestía nos guiará a unos referentes que llenan de luz el oscuro camino. El guion muestra el salvoconducto de un protagonista lleno de oasis catárquicos que buscan llenar todo eso que le fue arrebatado, robado por un entorno agreste y sin remordimientos. La lucha de su protagonista conlleva un dolor que es superado por el arraigo desmesurado de un apátrida eterno y forzado. La necesidad es virtud en el pobre y cada ensoñación es necesidad que se plasma de forma bella e intensa y que nos hace vivir todo el sufrimiento del protagonista de una forma atractiva y con encanto, el encanto del dolor más fuerte rebosante de belleza. Una historia como ejemplo de deshumanización que nos rodea sin percatarnos de que cada motivo es una causa dolorosa y cada persona es un suceso lleno de sentimientos, y ahí la película nos lo sirve en bandeja llena de ornamentación para degustarla con triste aflicción. MUY RECOMENDABLE.

2021: Premios César: Nominada a mejor ópera prima
2021: Premios del Cine Europeo: Nominada al Premio Discovery
2021: Festival de Sevilla: Mejor actor (Alseni Bathily)

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SUTEMOSE

In the Dusk.

Título original
Sutemose (In the Dusk)aka
Año: 2020
Duración: 126 min.
Lituania Lituania
Dirección:
Guion: Šarūnas Bartas, Ausra Giedraityte
Fotografía: Eitvydas Doskus
Reparto: , , ,
Productora: Coproducción Lituania-Francia-Serbia-República Checa-Letonia; Studio Kinema, KinoElektron, Sirena Film, Biberche, Mistrus Media, Terratreme Filmes

Género: Drama | Años 40

SINOPSIS: Lituania, 1948. Ounté es un joven de 19 años que comienza a experimentar la pasión y la violencia tras unirse a un grupo de partisanos que resisten la ocupación soviética. No luchan en igualdad de condiciones, pero de esta batalla depende el futuro de todo un pueblo. Ounté lo dará todo por la causa, aunque esto signifique perder por completo su inocencia e, incluso, su vida. MUY BUENA. El nuevo trabajo del cineasta lituano Šarūnas Bartas, uno de los directores europeos cuya filmografía tiene sello propio, es una película filmada principalmente durante la noche (de ahí el título del proyecto), en una trama que se desarrolla durante la II Guerra Mundial en Lituania, con el país que estaba siendo sometido al régimen ruso de Stalin, y en ese escenario bélico surgen un grupo de luchadores lituanos que están dispuestos a todo para conseguir derrotar a los opresores. La película formó parte de la sección oficial de la pasada edición del festival de cine de San Sebastián, y viene avalada con el sello Cannes de haber sido seleccionado por este festival para formar parte de su programación. La propuesta tiene todos los elementos característicos del cine de director, por lo tanto no es fácil de recomendar ni es apto para todo tipo de público, ya que sus historias dramáticas se desarrollan a un ritmo pausado, hay pocas escenas de acción y los personajes están enfocados de cerca para generar mayor sensación de opresión. Una película intimista, de más de dos horas (quizás se podía haber reducido algo el metraje), que va creciendo con el paso de los minutos hasta llegar a esa parte final en donde tienen lugar las pocas escenas de tiroteos y acción, teniendo en cuenta que lo que sucede se va cociendo a fuego lento. Entre los aspectos positivos destaco la dirección de Bartas, la fotografía de Eitvydas Doskus, en donde se emplea la luz natural de las velas o los primeros rayos de sol, regalándonos unas bellas estampas visuales. A nivel interpretativo destaca por encima del resto el joven Marius Povilas Elijas Martynenko, que interpreta a Unte, el protagonista de esta historia, que lleva el peso de la historia y transmite mucho con sus gestos y miradas en unas escenas dramáticas de gran dureza. Una trama que funciona sin necesidad de muchos diálogos ni de complicarla con giros sorprendentes, sino que juega con la naturalidad y credibilidad en el movimiento y las reacciones de los personajes, y al mismo tiempo nos permite conocer una parte de la historia, que tuvo lugar durante esos años convulsos y trágicos en Europa, en unas masacres poco conocidas, y que el cineasta quiere dar a conocer para visibilizar lo que tuvieron que sufrir sus antepasados. Una película que no es fácil de recomendar, pero que gustará a los aficionados al cine independiente europeo, en especial al producido en los países de la extinta URSS. MUY RECOMENDABLE.

2020: Festival de San Sebastián: Mejor Actor (Dapsys)

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DOCUMENTALES

CINEMA

mon amour

Cinema Mon Amour.

Título original
Cinema Mon Amour
Año: 2020
Duración: 70 min.
España España
Dirección:
Guion: Eloi Tomàs, Natalia Regás
Música: Aritz Villodas
Fotografía: Natalia Regás
Reparto: Documental, intervenciones de: , , , , , ,
Productora: Joan Antoni Martín Piñol, TV3
Género: Documental | Documental sobre cine

VERSIÓN CON SUBTÍTULOS EN CASTELLANO.

SINOPSIS: Cinema Mon Amour es un sentido y nostálgico recorrido por las salas de barrio de la ciudad de Barcelona, además de una reflexión sobre el presente y futuro de la exhibición. EXCELENTE. Este magnífico documental realizado por la directora Natalia Regás es un canto de amor a las salas de cine de toda la vida. A través del mismo podemos revisitar antiguas salas de Barcelona que ya han desaparecido, así como otras que aún siguen manteniéndose en pie a pesar de los innumerables escollos que tienen que afrontar día a día. Algunos momentos del documental son particularmente desalentadores porque vemos de primera mano cómo son destripadas salas de cine con todo el material incluido (butacas, proyectores, ...) después de echar el cierre definitivo, proyectos destruidos por los tiempos modernos del streaming y demás factores económicos. Si algo quiero destacar con esta crítica es a aquellos valientes que siguen apostando por emprender en una sala cinematográfica con la que está cayendo. Y de manera especial a los pequeños que siguen resistiendo como buenamente pueden. Y entre ellos, debo hablar de Xavier Escrivá, la cabeza visible del Cinema Maldà. Porque a un cinéfilo como yo que nunca había tenido la suerte de poder disfrutar de películas en versión original en mi tierra natal (ahora empiezan a proyectar alguna que otra por suerte), le dio un día por mirar la cartelera de Barcelona y buscar algo diferente que se saliera de lo comercial. Elegí un programa doble compuesto por "Un minuto de gloria" y "Lumiere! Comienza la aventura". Y el Cinema Maldà me robó el corazón. Dos años de socio en el que vi multitud de maravillosas películas que en la mayoría de capitales de provincia sería impensable, y menos por un precio irrisorio. Gracias Xavi por la maravillosa cartelera que proyectas día tras día y a Natalia por tu magnífico documental, el cual espero que pueda ser difundido y que recomiendo a todo amante del cine. A pesar de que dejé de residir en Barcelona, sigo consultando la cartelera semanalmente y apuntando las joyas que proyectáis en vuestro pequeño cine donde se puede ver un auténtico maratón de cine en versión original subtitulado que te transporta por cinematografías de todo el mundo. Para terminar, si eres de Barcelona y te gusta el cine valiente, arriesgado y que huye del adocenamiento hollywoodiense, no dejes escapar un tesoro como ese. Muchos cinéfilos darían lo que fuera por tener al alcance de la mano un abanico tan amplio de películas por un precio irrisorio. IMPERDIBLE.

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PERÓN

Y LOS JUDÍOS

Perón y los Judíos.

Título original
Perón y los judíos
Año: 2020
Duración: 72 min.
Argentina Argentina
Dirección:
Guion: Sergio Shlomo Slutzky, Malen Azzam
Fotografía: Ezequiel Simone, Tomer Slutzky
Reparto: Documental
Productora: INCAA
Género: Documental | Política

SINOPSIS: Cuando años atrás mis amigos acusaron a mi difunto padre de haber sido en los años 50 "otro judío gorila", refiriéndose a ser reaccionario y antiperonista, me decidí a salir a investigar el supuesto ADN de mi viejo, fallecido en 1983. En este recorrido llegué a amigos de su juventud durante la presidencia de Perón, a historiadores e investigadores y otros testigos en Argentina e Israel, en una búsqueda que es también personal pero que ilumina algo de la grieta que afecta a la sociedad argentina, hasta el día de hoy. EXCELENTE. "¿Mi padre era un gorila?". Esta pregunta lleva al director a emprender una investigación acerca de la relación entre Juan Domingo Perón y la comunidad judía en la Argentina en los años 50 a través de recuerdos, de diálogos con quienes fueron amigos de su padre (fallecido en 1983, con el advenimiento de la democracia) y de un minucioso trabajo de archivo de diarios, revistas y noticieros de la época hasta llegar a nuestros días. Como en sus anteriores documentales (Palos en las ruedas y Disculpas por la demora), el director combina aquí lo personal, lo social y lo histórico, elementos que se entrelazan y permiten vislumbrar la compleja trama de la memoria, de los modos de hacer política en la Argentina, de las propias diferencias en el seno de la comunidad judía en nuestro país y logra tender puentes hasta el presente, relacionando los vaivenes de la opinión pública con fenómenos tremendamente actuales, como la llamada "grieta". El entramado de la historia, filmada en la Argentina y en Israel con indudable calidad, enfrenta algunas preguntas urticantes del pasado, busca siempre la pluralidad y, además, ensaya algunas respuestas a los interrogantes que plantea la compleja relación que da título a la obra. El documental recrea con agudeza ese entramado no demasiado conocido y lo convierte en una serie de episodios de indudable calidad estética y un llamativo retrato de una época del país. IMPERDIBLE.

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CINE CLÁSICO

CICLO: Películas que en la actualidad no podrían volver a filmarse.

WHAT? 

Versión sin Cortes.

Qué?

Título original
What? (Che?)
Año: 1972
Duración: 115 min.
Italia Italia
Dirección:
Guion: Gérard Brach, Roman Polanski
Música: Claudio Gizzi
Fotografía: Marcello Gatti, Giuseppe Ruzzolini
Reparto: , , , , , , , , ,
Productora: Coproducción Italia-Francia-Alemania; Productor: Carlo Ponti
Género: Comedia

VERSIÓN REMASTERIZADA.

SINOPSIS: Mientras viaja por Italia haciendo autostop, Nancy (Sydne Rome), una joven americana, está a punto de ser violada. Sin embargo, consigue escapar en un teleférico que la lleva directamente a la peculiar y lujosa mansión de Joseph Noblart (Hugh Griffith), un anciano que está agonizando. El guardián de la finca la confunde con una invitada y la instala en una de las habitaciones. Al día siguiente, Nancy descubre las curiosas costumbres de los extraños personajes que viven allí. MUY BUENA. Nos encontramos ante una de las obras menos conocidas de Polanski y sin duda de las más divertidas. En Argentina la película sólo pudo visualizarse en salas de arte y ensayo bajo el título "Che?", debido a que la censura de la época (1973) no perdonó los constantes desnudos de Sydney Rome. La película fue un gran éxito en Europa (sobre todo en Francia, Italia y Alemania) y un gran fracaso en EEUU. Es poco habitual ver a Polanski moviéndose en un terreno tan peligroso como el mundo de la comedia absurda aunque, en este filme, logra desenvolverse con gran maestría logrando mantener al espectador con una sonrisa constante a lo largo de todo el metraje; y es que "Qué?" es una película sumamente divertida, con unos gags expléndidos y que merece más de una revisión.  Su desarrollo se emparenta directamente con "Alicia en el País de las Maravillas" mostrando la historia de una chica americana de vacaciones en Italia que, por casualidades del destino, va a parar a la inmensa mansión de un voyeaur millonario en la que le irán ocurriendo la más variada gama de situaciones absurdas, perdiendo cada vez más prendas de su vestuario a medida que se desarrolla la historia y finalizando con un argumento circular que tanto gusta a su autor. Sin duda es una de las películas menos valoradas de Polanski en la actualidad y que, a mi parecer, se encuentra entre el material más original, divertido y disparatado de su autor. MUY RECOMENDABLE.

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CHARLOTTE

FOR EVER

 Versión sin Cortes.

Charlotte para Siempre.

Título original
Charlotte for Ever
Año: 1986
Duración: 94 min.
Francia Francia
Dirección:
Guion: Serge Gainsbourg
Música: Serge Gainsbourg
Fotografía: Willy Kurant
Reparto: , , ,
Género: Drama

VERSIÓN REMASTERIZADA.

SINOPSIS: Stan, que alguna vez fue un exitoso guionista de Hollywood, ahora es un alcohólico depresivo que pasa la mayor parte de su tiempo vagando por su casa mientras le cuenta sus problemas a su compañero de bebida. Lo único que lo mantiene vivo es su amor por su hija adolescente Charlotte, pero ella lo desprecia, creyéndolo responsable del accidente en el que murió su madre. La única esperanza de Stan es arreglar las cosas con su hija, pero ¿alguna vez lo perdonará...? MUY BUENA. En 1984, dos años antes del lanzamiento de Charlotte for Ever (1986), Serge Gainsbourg había escrito e interpretado la canción Lemon Incest con su hija, Charlotte Gainsbourg. La canción fue muy controvertida ya que contenía referencias al incesto y la pedofilia que el público sospechaba que eran parcialmente autobiográficas. La película Charlotte for Ever exploró temas similares. Debido a la edad de Charlotte Gainsbourg y al hecho de que ella estaba interpretando a un personaje con el mismo nombre que el suyo mientras su padre en la vida real interpretaba a su padre en la película, la película fue vilipendiada y las preguntas sobre si Gainsbourg estaba abusando de su hija fueron cuestionadas una vez más. elevado. De adulta, Charlotte Gainsbourg defendió repetidamente su relación con su padre, admitiendo que él había tenido la intención de provocar al público, pero negando cualquier incorrección o abuso hacia ella. Sin embargo Charlotte Gainsbourg no guarda un buen recuerdo del rodaje de la película Charlotte for Ever (1986), en las columnas de M, la revista Monde, Charlotte evocó sus recuerdos, a veces dolorosos, de este rodaje. Muy involucrado, su padre había empujado sus límites a pesar de su corta edad. "Me hizo ir demasiado lejos, hacer cosas que me molestaban, fue difícil. No me animaba a salir en las portadas de los periódicos, ni dar entrevistas... esa era mi forma de preservarme. Sin embargo esa era la manera de trabajar de mi padre, todo lo llevaba al extremo buscando mover o  escandalizar al público y a su visón de la excelencia, cosas que nada tenían que ver con el amor Padre-Hija  que siempre nos tuvimos... lo extraño"... recuerda la actriz. MUY RECOMENDABLE.

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monamour

Versión sin Cortes.

Monamour.

Título original
Monamour
Año: 2005
Duración: 94 min.
Italia Italia
Dirección:
Guion: Tinto Brass, Carla Cipriani, Massimiliano Zanin
Música: Heron Borelli
Fotografía: Andrea Doria
Reparto: , , , ,
Género: Drama | Erótico

SINOPSIS: Marta una mujer casada conoce a Leon, un gigoló con quien tiene una escena de sexo en un museo, la presencia de visitantes hace que los amantes se separen para encontrarse después en una fiesta donde Marta ha acudido con su marido. En un apasionado encuentro de sexo oral. Marta está terriblemente enamorada de Leon y se prestará a todos sus juegos sexuales, incluso a mantener relaciones con dos hombres a la vez. Pero la situación se complica cuando Dario, el marido de Marta descubre su diario, donde relata sus apasionados encuentros con su amante. MUY BUENA. La última película hasta la fecha, y quien sabe si la última por su avanzada edad, del mítico lombardo Tinto Brass me hizo recordar la esencia de sus mejores trabajos de los años setenta. Si al final se confirma que es su despedida, me parece bastante digna. “Monamour” es una hermosa propuesta de cine erótico que está bastante por encima de lo que vemos actualmente. En realidad es una historia que se sumerge en los problemas de la pareja que se producen después del matrimonio, como la pérdida de pasión. Puede parecer una frivolidad lo que voy a decir, pero casi todo el cine de Brass tiene una clara semejanza con el de Ingmar Bergman. La diferencia radica en que el italiano prefiere que además de hablar en la cama, lo cual es más verídico. La protagonista Anna Jimskaia es uzbeca, es decir una descendiente de colonos rusos y sorprende no solo por su belleza y sensualidad sino su gran porte actoral. Un drama erótico muy bueno para ver solo o acompañado. MUY RECOMENDABLE.

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SERIES Y MINISERIES

WECRASHED

MINISERIE COMPLETA

8 EPISODIOS

3 DISCOS.

Título original
WeCrashed
Año: 2022
Duración: 480 min.
Estados Unidos Estados Unidos
Dirección: (Creador), (Creador), , , , ,
Guion: Drew Crevello, Lee Eisenberg
Música: Christopher Nicholas Bangs
Fotografía: Xavier Pérez Grobet, Corey Walter
Reparto: , , , , , , , , , , , ,
Productora: Apple Studios, Paradox, Wondery. Distribuidora: Apple TV+
Género: Miniserie de TV. Drama | Basado en hechos reales. Bolsa & Negocios. Internet / Informática

SINOPSIS: El ascenso lleno de codicia y la caída inevitable de WeWork, una de las startups más valiosas del mundo. Basada en hechos reales, la serie narra cómo WeWork pasó de ser un único espacio de coworking a una marca global con un valor de 47 mil millones de dólares en menos de una década. Luego, en menos de un año, su valor se desplomó. ¿Qué sucedió? EXCELENTE.Como pasó con la reciente THE DROPOUT y, en cierta medida, con INVENTING ANNA, hay una evidente fascinación con las historias de ascensos y caídas en el mundo de los negocios millonarios ligados a Wall Street. En todos los casos se trata de personajes bastante peculiares que tienen lo que hay que tener para entrar en el sistema (carisma, desfachatez, narcisismo extremo, arrojo) pero no para sostenerse dentro de él. Dicho de otro modo: todo aquello que les sirve para ingresar en los círculos de poder y dinero es (o puede ser, dependiendo cada caso) lo mismo que después los arruina. El caso de Adam Neumann, acaso, sea paradigmático. Y esta serie, dirigida por la dupla de FOCUS y WHISKEY TANGO FOXTROT, John Requa y Glenn Ficarra, encuentra el adecuado tono para hacerla conocer al gran público. Lo que WECRASHED contará a lo largo de ocho episodios muy entretenidos, graciosos y con sus intrincadas vueltas de tuerca, es el recorrido de Neumann y su mujer en una empresa que armaron, hicieron crecer pero no supieron orientar, más que nada por su particular forma de hacer las cosas (gastos personales excesivos y bizarros, un concepto empresarial de «invertir para crecer» que jamás parecía revisar los estados de las cuentas bancarias y una filosofía de trabajo bastante curiosa), que no se ajusta para nada a lo que se les pide a estas empresas cuando dejan de ser algo pequeño y pasan a transformarse en una de las más grandes del país. «Un unicornio», como la llamaba la prensa en su momento. WECRASHED los hace recorrer mil desventuras personales y económicas a lo largo de un poco más de una década, pero siempre poniendo el foco en esa contradicción entre lo que se pide para entrar en el mundo de los millonarios negocios y lo que se necesita para permanecer. La ironía del personaje es que sin la audacia de caradura que lleva en la sangre (y que Leto captura a la perfección en un papel que, de haber sucedido esto veinte años antes, debería haberlo hecho Jim Carrey, a quien el actor y cantante por momentos parece imitar) quizás algo como WeWork y sus emprendimientos paralelos no existirían, pero esa misma falta de respeto a las tradiciones fue lo que lo terminó, de algún modo, condenando. Digo «de algún modo» porque lo que él puede considerar una derrota para la mayor parte de los mortales sería una enorme victoria. IMPERDIBLE.

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TIEMPO DE VICTORIA

La Dinastía de los Lakers.

TEMPORADA COMPLETA

10 EPISODIOS

  4 DISCOS.

Título original
Winning Time: The Rise of the Lakers Dynasty
Año: 2022-2023
Duración: 600 min.
Estados Unidos Estados Unidos
Dirección: (Creador), (Creador), , , , , ,
Guion: Rodney Barnes, Max Borenstein, Jim Hecht, Rebecca Bertuch. Libro: Jeff Pearlman
Música: Nicholas Britell, Robert Glasper
Fotografía: Todd Banhazl, Mihai Malaimare Jr.
Reparto: , , , , , , , , , , , , .
Género: Serie de TV. Comedia. Drama | Miniserie de TV. Baloncesto. Años 80. Deporte

SINOPSIS: Tiempo de victoria: La dinastía de los Lakers es una serie drama biográfica que sigue la vida personal y profesional de Los Angeles Lakers durante la década de los 80, consiguiendo ser una de las dinastías más dominantes y veneradas del baloncesto. Durante ese período de tiempo, los Lakers se ganaron el nombre de ‘Showtime’ por su estilo de juego, sus hazañas fuera de la cancha y sus asociaciones con Hollywood. Esta era duró desde 1979, el año del novato Magic Johnson, hasta 1991, que se retiró después de dar positivo por VIH. EXCELENTE. He leído por ahí que Magic Jhonson no aprueba esta serie de hbo, y le entiendo; Aquí Magic es un promiscuo que da diezmos a la iglesia en fardos de billetes, así como se los gasta en burdeles, y hasta goza de verle el trasero a Jeanie Buss (la hija del jefe), supongo que no pretenden con ese comportamiento justificar su diagnóstico de VIH muchos años después. Además, el señor Jhonson está promocionando su propia serie en Apple TV y no querrá perder dividendos por una "serie competidora". También he leído que a Kareem Abdul-Jabbar le parece una serie deshonesta, acá los personajes son caricaturizados y le comprendo perfectamente, parece más una serie comic llevada a "live action" y no una basada en hechos reales, muchas escenas son barrocas, llevadas al paroxismo, retorcidas y satirizadas; Jerry West (en sus apariciones públicas claro, no jugando) siempre lo vi como todo un gentleman, el logo de la NBA, siempre correcto, pero en esta serie el señor West parece más un ex-combatiente de Vietnam traumado por las finales que perdió contra los Celtics, y desquiciado al principio con Jhonson porque no lo ve como un guarda sino como un centro. Aunque he disfrutado del personaje Red Auerbach, el mítico jefe de los celtics interpretado por Michael Chiklis actor que me dejó huella por The Shield; Y qué decir de Jerry Buss que la serie lo retrata como otro promiscuo que hizo su fortuna a costa de lo que sea, que tiene una madre padrina senil tipo cosa nostra y a una hija Jeanie traumatizada por su desenfrenada vida. Sin embargo, los mismos productores establecen en los créditos que si bien está basada en hechos reales, algunos eventos y caracterizaciones han sido modificados o “ficcionalizados” en pro de la mística de la serie. ¿Excusa barata?, vale, ¡A mí me ha encantado! 1979 (El año del que trata la serie y contratan a Jhonson) la cultura "fluía" más lentamente a diferencia de ahora. Por esa época la tv local transmitía los juegos nba en diferido en las noches, y así vi la final del 85 entre Lakers y Celtics. Disfruté por televisores de tubos rayos catódicos la época dorada de la NBA -y sus grandes rivalidades- hasta que llegó a su fin (en mi opinión) con aquella mítica canasta de Jordan contra Russell para ganar su sexto y último anillo en el 98. Así que no dudo que esta serie es más para Baby boomers y gen X amantes de los tiempos de Magic, Bird, Jordan, Robinson, Barkley, Earving, Thomas y un largo etc. Extraño esos años en que era rarísimo que un jugador fallara tiros libres, extraño los converse y esas faltas brutales entre jugadores que muchos en verdad se odiaban, tirar de tres era un recurso "extremo" aún. Era una epoca de técnicas bien marcadas: el skyhook de Kareem, el extraño tiro elegante de Bird, el poco ortodoxo juego de Rodman, el bajito Spud Webb que saltaba dos veces su estatura o el llamativo Manute bol que bloqueaba casi sin saltar. La serie narra los hechos en filtros de celuloide, dando una visión retro bastante correcta con su tipografía, moda, música y parafernalia, y los protagonistas a veces en "cuarta pared", a veces en flashbacks se dejan ver desde su lado más íntimo. John Reily, Jason Clarke, Tracy Letts y Adrien Brody están magistrales, las interacciones de sus personajes son brutales. Jerry es el creador del showtime que los lakers como institución y equipo se convirtió en los ochentas (Aunque muchos historiadores se lo atribuyan a McKinney en su juego), Jerry le pone faldas cortas a las porristas y pone celebridades de la farándula en primera fila, luego le siguieron muchos dueños de equipos con esto, contrata a Jhonson (Quincy Isaiah), el tipico novato estrella con ganas de comerse al mundo y lo apadrina en todo, lo incorpora a unos lakers con un Kareem ya veterano, experimentado y soberbio con ideales religiosos y políticos, un activista y actor que hasta con Bruce Lee había trabajado, tiene 852 juegos como profesional, 5 mvps y un único anillo como campeón del mundo; También con un Norm Nixon (lo interpreta su propio hijo según leí), guarda celoso con la llegada de Jhonson; Del resto del equipo destacaría a Spencer Haywood (Wood Harris) y a Michael Cooper (Delante Desouza). Exprimen cada personaje principal hasta en ocasiones caricaturizarlos no hay duda, pero en pro del ritmo narrativo mezclado con una atmósfera muy aguda ochentera lo hacen tan bien que en ningún momento decae la serie, como si el mismo Jerry Buss la hubiera dirigido. IMPERDIBLE.

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PARÍS

POLICE 1900

TEMPORADA COMPLETA

8 EPISODIOS

3 DISCOS.

Título original
Paris Police 1900
Año: 2021-2022
Duración: 480 min.
Francia Francia
Dirección: , ,
Guion: Benjamin Adam, Alain Ayroles, Fabien Nury, Thibault Valetoux
Música: Grégoire Hetzel
Fotografía: Maxime Cointe, Brecht Goyvaerts, Nicolas Petris
Reparto: , , , , , , , , , , , , .
Productora: Tetra Media Fiction
Género: Serie de TV. Drama. Thriller | Crimen. Siglo XIX. Policíaco

SINOPSIS: ‘Paris Police 1900’ desarrolla una intriga política y policial en diferentes momentos del año 1900, que llegan hasta la propia presidencia de la tercera república la cual se encuentra a punto de implosionar por las enormes tensiones existentes en Paris, entre grupos anarquistas, antisemitas, comunistas que luchan de forma encarnizada tanto entre ellos como contra las fuerzas oficialistas policiales. MUY BUENA. Serie que mezcla historia y ficción con escenografías precisas y maravillosamente orquestadas, atmósfera deliciosamente pegajosa, sangre y pocas lágrimas: ¡esta pequeña joya francesa desprende una sensación de inquietud con el gusto de volver a ella. Policía de París 1900 es sobre todo un festín para los ojos, una sucesión de cuadros pulcros con reconstrucciones del París de la época que inspiran admiración. La trama es atrapante, abundante, pero nos aferramos constantemente al delicado cinismo (lo uno no impide lo otro) de unos personajes tan intrigantes como creíbles. La ficción da gusto a la Historia con H mayúscula, ya está, en un momento en el que tenemos que competir en ingenio para interesar a las jóvenes generaciones en nuestro pasado. Todo esto es brillante y tranquilizador sobre nuestra capacidad para engañar a las mejores producciones anglosajonas y americanas. IMPERDIBLE.

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