ESTRENOS DEL JUEVES 26/5/2022

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ESTRENOS DE

LA SEMANA

ASESINO SIN

MEMORIA

Memory.

(EN CINES)

Título original

Memory

Año: 2022

Duración: 114 min.

 Estados Unidos

Dirección: Martin Campbell

Guion: Dario Scardapane, Carl Joos, Erik Van Looy. Libro: Jef Geeraerts

Música: Rupert Parkes

Fotografía: David Tattersall

Reparto: Liam Neeson, Guy Pearce, Monica Bellucci, Taj Atwal, Harold Torres, Ray Fearon, Ray Stevenson, Louis Mandylor, Stella Stocker, Lee Boardman, Antonio Jaramillo, Rebecca Calder, Kate Nichols.

Productora: Black Bear Pictures, Welle Entertainment, Arthur Sarkissian Productions, Camera Hogs, Signature Pictures. Distribuidora: STX International

Género: Thriller | Acción.

SINOPSIS: Liam Neeson interpreta a un asesino a sueldo que descubre que se ha convertido en la presa, luego de que se negara a completar un trabajo anterior, solicitado por una peligrosa organización criminal. MUY BUENA. "Memory" demuestra ser un poco más elevado que otra película de acción de serie B protagonizada por Liam Neeson, de casi 70 años. que todavía puede ir al grano con una lectura de línea aguda y aún así derrotar a secuaces engreídos de la mitad de su edad en combate cuerpo a cuerpo. En los 14 años transcurridos desde la primera película de "Taken" con Neeson como el agente retirado de la CIA Bryan Mills contándoles a los captores de su hija sobre su "conjunto muy particular de habilidades", consolidando el estatus de Neeson como un ícono de las películas de acción de todos los tiempos, el gran actor irlandés ha apareció en cerca de 50 películas, alternando entre proyectos de prestigio y películas de acción a menudo entretenidas pero bastante desechables. No pasa un año sin que veamos otro cartel con un Neeson de ojos acerados empuñando un arma, con lemas como RECUPERA TU VIDA ("Desconocido"), NUNCA ROBES LA SEGUNDA OPORTUNIDAD DE UN HOMBRE ("Ladrón honesto"), LA JUSTICIA BAJA A ÉL ("El tirador"), LAS VIDAS ESTÁN EN LA LÍNEA ("El viajero"). Ahora viene “Memoria”, y el cartel nos dice “SU MENTE SE ESTÁ DESVANECIENDO. SU CONCIENCIA ESTÁ LIMPIA.” A primera vista, esto podría parecer otro en la larga línea de montaje de los actores de acción de Neeson, pero espera. Entre los coprotagonistas de Neeson se encuentran talentos de primer orden como Monica Bellucci, Guy Pearce y Ray Stevenson, el director es el veterano Martin Campbell, que nos regaló una de las mejores películas de Bond de la historia en “Casino Royale” (2006), y esta es una nueva versión de la joya belga de 2003 "La memoria de un asesino", por lo que hay señales que indican que esto podría ser algo más que otro vehículo de fórmula. Alex Lewis de Leeson es el asesino a sueldo obligatorio con un pasado misterioso que lucha contra la pérdida de memoria. Después de que el agente del FBI Vincent Serra (Guy Pearce) rescata a una niña inmigrante de 13 años llamada Beatriz (Mia Sanchez) de una red de tráfico sexual, la infame y poderosa jefa del crimen Davana Sealman (Monica Bellucci) le ordena a Alex que acabe con todos los cabos sueltos. eso la ataría al anillo, incluida la joven. Alex no lastima a los niños, pero no tiene reparos en eliminar a una variedad de tipos malos que intentan eliminarlo a ÉL. Pero cuando Beatriz es asesinada, Alex no puede estar seguro de si fue él quien apretó el gatillo. Mientras tanto, no podemos estar seguros de la lealtad del detective de la policía local de Ray Stevenson. ¡Es una telaraña de cine negro enredada que han tejido! A medida que la memoria de Alex continúa traicionándolo, establece una alianza con Vincent, y es una gran devolución de llamada a "Memento" de Christopher Nolan cuando Alex escribe información pertinente en su cuerpo, tal como lo hizo el Leonard de Pearce en ese clásico neo-noir de 2000. Neeson nunca llama por teléfono en sus actuaciones, pero esta vez está particularmente interesado, interpretando a un tipo que puede ser una pura máquina de matar en un momento y tan perdido como un niño al siguiente. Pearce y Bellucci encabezan el excelente elenco de apoyo, y Campbell, de 78 años, demuestra que todavía puede dirigir un thriller ingenioso y fascinante. RECOMENDABLE.

TRAILER

OCCHIALI

NERI

Gafas Negras.

Dark Glasses.

Título original

Occhiali Neriaka

Año: 2022

Duración: 90 min.

 Italia

Dirección: Dario Argento

Guion: Dario Argento, Franco Ferrini

Música: Arnaud Rebotini

Fotografía: Matteo Cocco

Reparto: Ilenia Pastorelli, Asia Argento, Andrea Gherpelli, Mario Pirrello, Maria Rosaria Russo, Gennaro Iaccarino, Andrea Zhang, Paola Sambo, Ivan Alovisio, Giuseppe Cometa

Productora: Coproducción Italia-Francia; Urania Picture, Getaway Films, RAI Cinema, Canal+

Género: Thriller | Discapacidad visual. Giallo. Asesinos en serie

SINOPSIS: Un asesino serial de prostitutas posa su mirada en Diane. Mientras la persigue, provoca un accidente en el que ella queda ciega y la familia de un niño de 10 años muere. Diane decide llevarse al niño, pero el asesino sigue suelto. MUY BUENA. El maestro del cine de suspenso italiano Dario Argento vuelve al ruedo luego de un silencia cinematográfico de diez años con un film tan esquisito como oscuro que contiene todos los ingredientes del género. De todas formas, parece que, en general, corren malos tiempos para las trabajadoras sexuales de Roma (incluso sin la presencia de un loco que cambia constantemente el color de su furgoneta para seguirlas). Diana (Ilenia Pastorelli) acaba de tener una serie de malos clientes, pero tras una conversación desagradable sobre una práctica sexual, huye y tiene un accidente de tráfico. Un hombre muere y su esposa queda en coma. Sólo sobrevive su hijo, Chin (Xinyu Zhang), que pronto es enviado con unas monjas porque estamos en Italia. En cuanto a Diana, pierde la vista, y Asia Argento la ayuda a recuperarse. Sin embargo, no hay que preocuparse: la amable Argento no tiene actitudes malvadas, aunque haya que tomarse un momento para aceptar que no va a tirar a Diana delante de un autobús para divertirse. Construyen un vínculo, pero Diana también se acerca con culpabilidad al chico, y ambos inician una amistad improbable, al estilo de Gloria. Francamente, todo es tan sensiblero que casi resulta un alivio que un asesino vuelva después de haberse tomado un largo descanso, o lo que sea que hagan los asesinos cuando les dan a sus víctimas algo de espacio para que aprendan a defenderse a sí mismas. Simple cortesía. Diana aprovecha al máximo ese tiempo extra puesto que, aunque está ciega, debe seguir trabajando. Después de un encuentro con su cliente habitual, uno empieza a divagar, algo que dice mucho del ritmo de la película. ¿Cómo te preparas para un cliente cuando todavía estás aprendiendo a moverte por tu propia casa? ¿Te ayudan otros (esperemos que el pobre Chin no participe) cuando hay cera, navajas afiladas de por medio o lencería difícil de poner?. En la generosa descripción de la película que hizo la Berlinale, se mencionaba una “guerra de clases”, pero en realidad es una historia simple que parece una versión mucho peor de Sola en la oscuridad, con Audrey Hepburn. Hay un asesino que parece tener un problema con Diana, pero eso no explica por qué molesta a otras chicas, dos personas que tratan de salir con vida y un montón de policías idiotas. Esto en sí mismo no supone un problema, pero el conjunto está pasado de moda en el peor sentido de la expresión, es poco imaginativa a nivel visual y, en resumen, lenta. Pensándolo bien, entre el melancólico programa de cine de autor de la Berlinale, al menos nos regala la imagen de una chica ciega con gafas de sol y minifalda que corre por el bosque en plena noche para ser atacada por serpientes (algo discutiblemente gracioso). Con o sin asesino que odia a las mujeres, ella tiene que enfrentase a esas condenadas serpientes en el río. MUY RECOMENDABLE.

2022: Festival de Berlín: Competencia Internacional.

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PARI

Pari.

Título original

Pari

Año: 2020

Duración: 101 min.

 Grecia

Dirección: Siamak Etemadi

Guion: Siamak Etemadi

Música: Pierre Aviat

Fotografía: Claudio Bolivar

Reparto: Melika Foroutan, Shahbaz Noshir, Sofia Kokkali, Argiris Pantazaras, Lena Kitsopoulou, Lefteris Tsatsis, Bijan Daneshmand, Dimitris Xanthopoulos

Productora: Coproducción Grecia-Francia-Países Bajos (Holanda)-Bulgaria; Heretic, Le Bureau, Topkapi Films, Chouchkov Brothers, Bord Cadre Films

Género: Drama | Maternidad

SINOPSIS: Cuando la joven iraní Pari y su religioso esposo, mucho mayor que ella, llegan a Atenas para visitar a su hijo, este no aparece para recogerles en el aeropuerto como prometió. Tampoco vive en la dirección que les había dado. Ambos salen en busca de su hijo, pero pronto se encuentran en medio de una ciudad atravesada por las peleas callejeras y las barricadas en llamas. Como su esposo no habla inglés, Pari debe salir de su tradicional rol de esposa musulmana sumisa y silenciosa para poder comunicarse con los habitantes de este país extranjero y localizar a su hijo. A medida que avanza la búsqueda de su hijo, Pari va logrando una independencia cada vez mayor y reuniendo un coraje que nunca supo que tenía. MUY BUENA. Pari (2022) es la primera película del director iraní Siamak Etemadi, en la que cuenta la historia de una madre que viaja a Atenas en busca de su hijo. Se trata tanto de un drama vinculado a la maternidad como de la construcción de un personaje que es cambiado por su camino. Etemadi es iraní pero reside y trabaja en Atenas, ciudad que escogió como escenario de Pari y que juega un papel central en buena parte de la película. La capital griega es mostrada como un lugar decadente y convulsionado, en estado de rebelión. Como provenientes de otro mundo, llega allí el matrimonio que conforman la protagonista del film Pari (Melika Foroutan) y su marido Farrokh (Shahbaz Noshir). Una de las primeras imágenes con las que se topan los personajes es la del mural pintado por Pavlos Tsakonas y Manolis Anastasakos en el que se invierte el sentido de las manos de la pintura ‘Las manos que oran’ de Alberto Durero. Aquí no apuntan al cielo sino que lo hacen en sentido inverso. Es Dios quien pide por el destino de quienes viven en este país en crisis. El motivo del viaje es muy concreto. Ambos, pero especialmente Pari, buscan a su hijo Babak, de quien no saben nada hace ya un tiempo considerable. El joven viajó a Atenas para estudiar pero perdieron contacto. En la pensión en la que se alojaba les dicen que se fue hace tiempo. En principio en la universidad tampoco les pueden informar sobre su paradero porque lo desconocen. Mientras Pari se muestra inflexible y no concibe la posibilidad de abandonar la búsqueda de su hijo, su marido Farrokh, bastante mayor que ella y con la salud algo deteriorada, se muestra propenso a regresar. El viaje para Pari no solo implica una búsqueda sino también un proceso de descubrimiento personal. Desde el comienzo el personaje se va despojando de quién era. En la primera escena, en el aeropuerto, un militar requisa unos tupper con comida, que la mujer planeaba llevar a su hijo. Es lo primero que pierde y solo el comienzo de su transformación. La película nunca deja de ser atractiva aunque pierde cierta potencia al promediar su desarrollo. El final quizás no sea del todo convincente, aunque tanto la actuación de Foroutan como la destreza visual del director logran la intensidad necesaria para terminar de delinear la búsqueda de un personaje tan relacionada con la maternidad como con un descubrimiento personal e individual. IMPERDIBLE.

2021: Festival de Berlín: Panorama Mención Especial.

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DUAL

Dual.

Título original

Dual

Año: 2022

Duración: 95 min.

 Estados Unidos

Dirección: Riley Stearns

Guion: Riley Stearns

Música: Emma Ruth Rundle

Fotografía: Michael Ragen

Reparto: Karen Gillan, Aaron Paul, Beulah Koale, Andrei Alén, Theo James, Kristofer Gummerus, Maija Paunio, June Hyde, Donat Balaj

Productora: Coproducción Estados Unidos-Finlandia; Head Gear Films, XYZ Films, Film Service Finland Oy, Metrol Technology, BondIt, Kreo Films FZ

Género: Ciencia ficción. Thriller

SINOPSIS: Una mujer opta por un procedimiento de clonación después de recibir un diagnóstico terminal, pero cuando se recupera, sus intentos de que su clon sea dado de baja fracasan, lo que lleva a un duelo a muerte ordenado por la corte. MUY BUENA. Resulta que es más fácil crear un clon humano que destruirlo. O eso dice la versión paralela mórbidamente satírica y sombríamente absurda del escritor y director Riley Stearns del mundo tal como lo conocemos. En "Dual", para aquellos que se han copiado a sí mismos y luego cambian de opinión por cualquier motivo, solo existe un curso de acción: el original y su clon deben enfrentarse en un combate a muerte televisado. Cualquiera que sea la parte que sobreviva al duelo ahora puede continuar como la única y única versión del individuo ídem. Si esto suena como una premisa de alto concepto, o tal vez solo una excusa elaborada para ofrecer un juego de palabras de alto concepto, no sabe ni la mitad. Stearns, cuya demente comedia de 2019 "El arte de la autodefensa" se duplicó como una crítica de la masculinidad moderna, no está particularmente interesada en llevar la idea en la dirección de la adrenalina que el público podría esperar. Tampoco debe confundirse "Dual" con otra "Canción del cisne", la educada llorona reciente en la que Mahershala Ali interpreta a un marido con una enfermedad terminal que se ha clonado a sí mismo para que su esposa pueda continuar sin él. "Dual" no ofrece la emoción de una película de género ni la catarsis de una película de palomitas de maíz convencional, pero eso es lo que hace de Stearns un narrador tan original. Después de una escena de apertura adecuadamente intensa, en la que un tipo (actor/figura de acción "Divergente" Theo James) se enfrenta a un duelo... un tipo notablemente similar (también James) en un campo de fútbol iluminado, el público podría esperar razonablemente un enfrentamiento aún más emocionante entre Sarah (Karen Gillan) y Sarah's Double (también Gillan). En cambio, Stearns ofrece una fábula existencial de combustión lenta en la que esta mujer, que parece llevar una vida bastante mala para empezar, se da cuenta de que en realidad podría valer la pena luchar por ella. "Dual" es, de hecho, una comedia bastante astuta. Las risas provienen no tanto de las bromas como de los golpes agudos de la verdad: ideas que provocan una mueca de dolor sobre los temas que la mayoría de las películas no tocarán, como nuestro miedo a la muerte, la intimidad y el olvido. Por un momento, Sarah y su clon parecen darse cuenta de que en realidad tienen bastante en común, lo cual tiene sentido. Pero uno de ellos todavía tiene que morir. Y Stearns mantiene las sorpresas, ya que "Dual" opera hábilmente en (al menos) dos niveles: está la trama de suspenso superficial, que apunta hacia un final devastador y prolongado, y está el subtexto más centrado en la identidad, que ofrece un tipo diferente de golpe por completo. MUY RECOMENDABLE.

 2022: Festival de Sundance: Premio del Público. 

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EASTERN

Oriental.

Título original

Eastern

Año: 2020

Duración: 78 min.

 Polonia

Dirección: Piotr Adamski

Guion: Piotr Adamski, Michal Grochowiak

Música: Hubert Zemler

Fotografía: Bartosz Nalazek

Reparto: Mariusz Bakowski, Tadeusz Bradecki, Adrian Brzakala, Marcin Czarnik, Krzysztof Czerny, Wiktor Dobrowolski, Krystyna Czubówna

Productora: Studio Munka - Polish Filmmakers Association, Canal+ Polska, Polski Instytut Sztuki Filmowej

Género: Thriller. Drama | Distopía

SINOPSIS: Detrás de las puertas de una acaudalada zona residencial se está jugando un juego peculiar. La vida de sus opulentos residentes está regulada por un código honorario y patriarcal. Y es que las familias Kowalski y Nowak han estado enredadas y confrontadas a través de un constante acto de venganza durante años. Bajo la presión de su padre y la comunidad, Ewa Nowak comienza la caza y captura de la joven Klara Kowalski, la asesina de su hermano. MUY BUENA. Extraña y brillantepelícula Polaca en que se nos muestra una sociedad distopía donde la venganza y las riñas vecinales pueden solucionarse por la vía sangrienta o pagando dinero, algo que está permitido por el gobierno. Las dos familias Kowalski y Nowak han estado enfrentadas durante años, cuando Klara una joven de una de las dos familias mata de un disparo a uno de los hermanos de la otra familia, pasa a ser el siguiente objetivo por el cual deberá llevar un brazalete negro que la identifique. La venganza empieza, y será perseguida por parte de la hermana del fallecido llamada Ewa, la cual está un poco harta de tanta sangre y quiere terminar con esto de otra manera, por lo que idea un plan para conseguir dinero y pagar...  Para ser la primera película del director Piotr Adamski y contar con un presupuesto más que escaso, no ha llegado ni al cuarto de millón de euros, consigue un buen thriller, de ritmo lento pero con bastante intensidad. La fotografía y las interpretaciones también están muy logradas, sobre todo las dos chicas Paulina Krzyzanska y sobre todo para Maja Pankiewicz que encarna a Ewa. En ningún momento se dice el lugar donde ocurre la historia, pero podría ser perfectamente alguna urbanización de cualquier ciudad europea en la que transcurre esta sátira algo fantástica. Algo que le aporta una rareza inusual que consigue atraerte. Eso si hay que estar siguiendo pequeños detalles que aunque parezcan ridículos le dan al guion su punto de vista tan peculiar. Sobre todo con el final. IMPERDIBLE.

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PITY

Oiktos.

Tristeza.

Título original

Oiktos

Año: 2019

Duración: 99 min.

 Grecia

Dirección: Babis Makridis

Guion: Efthymis Filippou, Babis Makridis

Fotografía: Konstantinos Koukoulios

Reparto: Yannis Drakopoulos, Evi Saoulidou, Evdoxia Androulidaki, Efthymis Papadimitriou

Productora: Beben Films, Faliro House, Madants, Neda Film

Género: Drama | Comedia negra

SINOPSIS: La historia de un hombre que se siente feliz solo cuando es infeliz, un hombre adicto a la tristeza, que tiene tanta necesidad de compasión, que está dispuesto a hacer todo lo posible por evocarlo a los demás. Esta es la vida de un hombre en un mundo que no es lo suficientemente cruel para él. EXCELENTE. Planos fijos, estética minimalista, encuadres claustrofóbicos y personajes hieráticos son las señas de identidad de la llamada «nueva ola de cine griego» iniciada por el autor de «Canino». Babis Makridis, director de «Pity» (Grecia, 2019), es uno de esos cineastas aventajados pertenecientes a esta nueva horneada de cine (raro) griego. Con su segundo largometraje y de la mano de Efthymis Filipppou, un habitual de Lanthimos, ya que ha guionizado la mayor parte de sus filmes («Canino», «Alps», «Langosta», «El sacrificio de un ciervo sagrado»), y con el que ya trabajó coescribiendo su ópera prima «L», Makridis elabora una comedia negrísima, de las de tener que contener la sonrisa, sobre lo que las personas hacen para recibir compasión y lo que ocurre cuando este comportamiento se lleva al extremo del disparate. A nivel formal predomina el plano fijo y el primer plano. El ritmo es aletargado y la atmósfera luminosa, veraniega, totalmente contraria al estado de ánimo del personaje principal, un abogado de clase media-alta (Giannis Drakopoulos) que vive en una casa maravillosa, con un hijo maravilloso y un perro maravilloso. Todo es sereno y armónico, salvo su autoimpuesta y perenne infelicidad. Giannis Drakopoulos, al que ya vimos en «Chevalier», de su compatriota Tsangari, realiza un gran trabajo, muy contenido en la piel de ese ser mustio, distante, aséptico, preso de sus propias y extravagantes rutinas. Con su mujer en coma tiene todo lo necesario para recibir la compasión de los demás. Pero su inesperada recuperación lo convierte en un paria de la sociedad. Ya nadie quiere darle la palmadita en la espalda. Ya nadie siente lástima por él. La vecina ya no le hace el bizcocho de naranja al que se había acostumbrado. En definitiva, ya no tiene, a ojos de los demás, ningún motivo por el que estar triste. Este será el pistoletazo de salida de una cuenta atrás con un final elevadísimo, hanekiano, y en el que Makridis, como el austriaco en la intro de «Funny Games», utilizará una serie de cortes sonoros metaleros que harán de contrapunto a las piezas clásicas que nos taladran el tímpano en determinados momentos del filme. Puro terror cotidiano. IMPERDIBLE.

2019: Festival de Sundance: Sección oficial películas internacionales a concurso

2019: Festival de Sevilla: Sección Oficial.

TRAILER

 

DOCUMENTALES

EL FOTÓGRAFO

Y EL

CARTERO

(El Crimen de Cabezas)

El fotógrafo y el cartero: El crimen de Cabezas .

Título original

El fotógrafo y el cartero: El crimen de Cabezas

Año: 2022

Duración: 105 min.

 Argentina

Dirección: Alejandro Hartmann

Guion: Tatiana Merenuk, Gabriel Bobillo, Alejandro Hartmann

Música: Leo Sujatovich

Fotografía: Alejandra Martín

Reparto: Documental

Productora: Haddock Films. Distribuidora: Netflix

Género: Documental | True Crime

SINOPSIS: El crimen del fotógrafo José Luis Cabezas, en el verano de 1997, conmociona a Argentina y termina desvelando un entramado mafioso en el que los poderes políticos y económicos no parecen estar ajenos. MUY BUENA. Hablar del caso de José Luis Cabezas es hablar de las multiples tragedias de un país. El asesinato de este fotoperiodista, ocurrido durante los '90, en medio de la fiesta neoliberal en la que los ricos y poderosos de la Argentina festejan los éxitos de un modelo económico que destruyó el tejido social y productivo del país, deja en evidencia los males que aquejaban (y siguen aquejando) a la sociedad argentina: corrupción política y empresarial, fuerzas de seguridad hijas del peor terrorismo de Estado, un sistema judicial ineficaz y cómplice... Este documental muestra mucho de esto, relatado por gran parte de sus protagonistas. Un buen uso del material de archivo y un relato bien estructurado, explican conjuntamente muy bien toda la complejidad del caso. En resumen, un excelente documental, que sobrepasa el caso policial en sí, para permitirnos entender lo que significaron los '90 para la Argentina. IMPERDIBLE.

TRAILER

JIMMY

SAVILLE

A Brittish Horror Story.

DOCUMINISERIE COMPLETA

2 EPISODIOS

1 DISCO.

Título original

Jimmy Savile: A British Horror Story

Año: 2022

Duración: 165 min.

 Reino Unido

Dirección: Rowan Deacon

Fotografía: Patrick Smith

Reparto: Documental, intervenciones de: Jimmy Savile

Productora: Distribuidora: Netflix

Género: Documental. Serie de TV | Abusos sexuales. True Crime. Miniserie de TV

SINOPSIS: La estrella mediática Jimmy Savile conquistó a un país con su excentricidad y filantropía. Pero las acusaciones de abusos sexuales en su contra revelan una faceta oscura. De hecho, es considerado como uno de los peores delincuentes sexuales del Reino Unido. EXCELENTE. El averno, uno de los peores lugares de la historia de la mitología clásica, aunque fuera un infierno en el que nadie quería terminar, cumplía una función: encerrar a los demonios, a los monstruos, a los infames, en un pozo sin fondo y oscuro. Pasaron siglos para que la humanidad se diera cuenta de que del averno o del infierno, los demonios se escaparon hace mucho tiempo y campan entre nosotros. Jimmy Savile es una prueba absoluta de ello. A plena luz del día, codeándose entre la flor y nata de la sociedad británica, en iglesias o en la cadena de televisión más respetada del planeta, este personaje inmundo acosó, abusó, violó y desgarró centenares de vidas. Este documental, de tan solo dos partes, intenta reconocer los errores de todos aquellos que formaron parte del entramado mediático que lo encubrió. Busca desgranar cuáles fueron los orígenes de su red de abusos, en gran parte a menores de edad, que fue encubierta por prácticamente todo el mundo. Mi mayor sorpresa fue llegar a ver por primera vez como un conjunto de hospitales permitieron, acogieron y dejaron hacer al mayor depredador sexual y pedófilo de la historia moderna del Reino Unido. Un documental perturbador, no por mostrar escenas tétricas -que no lo hace- sino por ir deshojando una margarita hasta llegar a la desnudez del asunto: se permitió, se aceptó, se aplaudió y se magnificó a un monstruo que, a plena luz del día, hizo lo que le dio la gana. IMPERDIBLE.

TRAILER

CINE CLÁSICO

CICLO:  CINE DE CULTO (4ta Parte.)

THE BALLAD

OF

CABLE HOGUE

La Balada del Desierto.

Título original

The Ballad of Cable Hogue

Año: 1970

Duración: 121 min.

 Estados Unidos

Dirección: Sam Peckinpah

Guion: John Crawford, Edmund Penney

Música: Jerry Goldsmith

Fotografía: Lucien Ballard

Reparto: Jason Robards, Stella Stevens, David Warner, L.Q. Jones, Strother Martin, Slim Pickens

Productora: Warner Bros.

Género: Western

VERSIÓN REMASTERIZADA.

SINOPSIS: El explorador Cable Hogue es abandonado en medio del desierto por sus crueles compañeros Taggart y Bowen, que le arrebatan la montura, el rifle y las provisiones. Después de caminar bajo un sol implacable durante cuatro días, cuando ya está al borde del colapso, nota que sus botas están húmedas... EXCELENTE. Realizada por Sam Pekinpah, es una de sus obras más apreciadas. El rodaje se inició al concluir el trabajo de campo de "Grupo salvaje" (1969) y se desarrolló en localizaciones de Arizona, Nuevo Méjico y Nevada, con un presupuesto estimado de 4 M dólares. Ganó un premio del Círculo de Críticos de Cine de España (película extranjera). La acción tiene lugar en el extremo oriental del desierto de Arizona, junto a la vía de paso de la diligenica de Lilock a Lizard, separadas por 50 km. La acción tiene lugar entre 1908 y 1911. Narra la historia del explorador Cable Hogue (Jason Robards), asaltado por dos compañeros, Samuel Bowen (Strother Martin) y Taggart (L.Q. Jones), que lo asaltan en pleno desierto y le roban la mula, el rifle y las provisiones de agua. Tras 4 días de camino angustioso, descubre una fuente, junto a la que monta un negocio de venta de agua. Los caballos de la diligencia, jinetes ocasionales y coches particulares de tiro son sus principales clientes. En un viaje a Lilock conoce a Hildy (Stella Stevens), muchacha soñadora, hermosa, prostituta, de la que se enamora. La película constituye un tributo elegíaco al viejo Oeste. Los personajes de éste, desubicados y desconcertados, no aciertan a integrarse en la nueva era. El negocio de Cable rinde beneficios inicialmente, pero se ve abocado gradualmente a la ruína por la reducción de la clientela tradicional en beneficio de los pasajeros de automóviles que pasan de largo. Hildy es echada de Lilock por las demas de la Liga de las buenas costumbres, cuando la demanda de sus servicios ha decaído por la practica desaparición de los antiguos clientes (forajidos, pistoleros, aventureros). El predicador de una religión propia, Joshua Sloan (David Warner), ante la reducción de su capacidad de convocatoria por la fuerza creciente de las iglesias mayoritarias, se refugia en la amistad de Cable y en romances con muchachas jóvenes. Los artefactos modernos (automóvil y motocicleta) simbolizan cambios tecnológicos importantes y cambios sociales profundos, que amenazan seriamente a los que no se adaptan a los nuevos tiempos. La música se basa en una partitura de Jerry Goldsmith, de aires "country", que incorpora 3 canciones excelentes: "Tomorrow Is The Song I Sing", "Wait For Me, Surprise" y "Butterfly Morning". La fotografía resalta los contrastes de luz, construye un dibujo excelente y realza la comicidad visual. El guión construye un relato que dibuja con precisión los personajes y crea una comicidad bulliciosa, satírica y, en ocasiones, negra. La interpretación es buena y convincente. La dirección crea una obra personal, íntima y de trazos biográficos. La película explora con nostalgia el ocaso del viejo Oeste y añade un toque de crítica del nuevo. IMPERDIBLE.

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CHINATOWN

Chinatown.

Título original

Chinatown

Año: 1974

Duración: 131 min.

 Estados Unidos

Dirección: Roman Polanski

Guion: Robert Towne

Música: Jerry Goldsmith

Fotografía: John A. Alonzo

Reparto: Jack Nicholson, Faye Dunaway, John Huston, Perry Lopez, Burt Young, John Hillerman, Darrel Zwerling, Roman Polanski, Diane Ladd, Richard Bakalyan, Joe Mantell, Roy Jenson, James Hong.

Productora: Robert Evans Company. Distribuidora: Paramount Pictures

Género: Cine negro. Intriga. Drama | Neo-noir. Crimen. Años 30. Película de Culto.

VERSIÓN REMASTERIZADA.

SINOPSIS: Los Ángeles, 1937. El detective Gittes, especializado en divorcios, recibe la visita de la esposa de Mulwray, el jefe del Servicio de Aguas de la ciudad, que sospecha que su marido la engaña. Al mismo tiempo, Gittes descubre que los agricultores acusan a Mulwray de corrupción por su negativa a construir un pantano que paliaría la sequía que sufren. Poco después, el escándalo salta a la prensa, pero la cosa se complica cuando una mujer se presenta en el despacho de Gittes con una sorprendente revelación. EXCELENTE. Chinatown es oscura, impetuosa, elegante, cautivadora, digna, autosuficiente. No es un homenaje ni un simple tributo a los grandes clásicos de los años cuarenta y cincuenta. Se homenajea a sí misma, establece sus propios códigos y transgrede los ya preestablecidos. No es "El Halcón Maltés", no es "El Sueño Eterno", no es "Perdición". Pero nunca pretendió serlo y por ello nunca vivió a la sombra de aquellos mitos. Y dirán los críticos más intransigentes que, superados los años cincuenta, ya ninguna película podría volver a ser catalogada dentro del género. Que hablar de un film noir rodado a color es tan absurdo como contradictorio. Pero, ¿acaso no se dan cuentan de que el 'toque noir' no lo da el blanco y negro, ni tampoco los años que pesen sobre la cinta, sino esa ambientación única que sólo algunos genios saben otorgar a sus películas para convertirlas en iconos del género? ¿No notan esa esencia del cine negro más genuino emanando por cada fotograma de esta película, con esa atmósfera constantemente contaminada por un halo de corrupción, pesimismo y fatalidad? ¿No les arrebata ese cinismo del que se vale Jake Gittes, esa ironía innegable que lo define y lo caracteriza como uno de los detectives privados más carismáticos que ha dado nunca el celuloide? ¿No sienten que Evelyn Mulwray es la más atractiva femme fatale de los últimos tiempos, por inspirar a todo el que la contempla una sensualidad y una tristeza indefinibles? ¿No advierten que sólo Polanski fue capaz de usar su increíble talento para crear una atmósfera de indecible amargura, regalándonos uno de los finales más emblemáticos de la historia del cine y elevando esta obra maestra a la categoría de mito? Si no se han dado cuenta a estas alturas, olvídenlo. Esto es Chinatown: cine negro en estado puro, servido con mano maestra; cine negro, pese a quien pese, en todo su gran esplendor. IMPERDIBLE.

1974: Oscar: Mejor guión original. 11 nominaciones

1974: 4 Globos de Oro, incluyendo Mejor película - Drama. 7 nominaciones

1974: Premios BAFTA: Mejor director, actor (Nicholson) y guión. 11 nominaciones

1974: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actor (Nicholson). 2 nominaciones

1974: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a Mejor director

1974: Sindicato de Guionistas (WGA): Mejor guión original drama.

TRAILER

 

DE VIERDE

MAN

El 4to Hombre.

Título original

De Vierde Man

Año: 1983

Duración: 102 min.

 Países Bajos (Holanda)

Dirección: Paul Verhoeven

Guion: Gerard Soeteman. Novela: Gerard Reve

Música: Loek Dikker

Fotografía: Jan de Bont

Reparto: Jeroen Krabbé, Renée Soutendijk, Thom Hoffman, Hans Veerman, Dolf de Vries, Geert De Jong

Productora: Verenigde Nederlandsche Filmcompagnie (VNF)

Género: Thriller. Intriga | Erótico. Thriller psicológico. Película de Culto.

VERSIÓN REMASTERIZADA.

SINOPSIS: Un escritor alcohólico comienza a tener visiones que parecen anunciarle un peligro inminente. Un día tiene una aventura con una mujer que ha asistido a la presentación de uno de sus libros y, desde entonces, las visiones se intensifican. EXCELENTE. En los créditos de apertura de esta extraña, perturbadora película, una araña captura a su presa sobre la superficie corroída de un cristo crucificado. Ahí está la triple clave de la historia: la víctima, el verdugo y el ángel de la guarda. El cine de Verhoeven fue desde sus inicios erótico, violento y rompedor, aunque en lo sucesivo haya podido mantener intacto su genio o domesticarlo de cara a la industria norteamericana. En esta primeriza El cuarto hombre (que es ante todo una intriga psicológica poliédrica y malsana sobre el deseo y sus múltiples conexiones con la muerte y el más allá), un alucinado, homosexual Jeroen Krabbé se ve progresivamente atrapado por la telaraña que una misteriosa presencia femenina ha tejido a su alrededor, a la vez que otro cuerpo joven y masculino actúa de involuntario cebo para el protagonista. Puntuada por numerosísimos signos, símbolos y presagios de muerte, la narración de Verhoeven se abre a ventanas oníricas y delirios surrealistas nada gratuitos que, finalmente, conforman las piezas de un puzzle perverso encajadas con endiablada habilidad en un final brillante en el que ningún cabo queda suelto y todo adquiere sentido. El espejo siempre estuvo ahí, aunque quebrado en mil pedazos. De paso, el film del holandés entronca directamente, en un sentido estético y temático, con cierto celuloide loco centroeuropeo (la suiza Sed de sangre) o con la obra de otro autor chiflado que plasmó sus delirios eróticos más íntimos en algunas barrabasadas geniales de los 80: el siempre interesante y menospreciado Ken Russell. Por no hablar de Lynch, Cronenberg o incluso, rizando el rizo, el mismísimo Ingmar Bergman, a quien parece homenajear en clave bizarre. IMPERDIBLE.

1983: Festival de Toronto: Premio FIPRESCI

1984: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor película extranjera.

TRAILER

SERIES Y MINISERIES

HALO

Halo.

TEMPORADA COMPLETA

9 EPISODIOS

3 DISCOS.

Título original

Halo: The Series

Año: 2022

Duración: 540 min.

 Estados Unidos

Dirección: Steven Kane (Creador), Kyle Killen (Creador), Otto Bathurst, Jonathan Liebesman, Roel Reiné, Jessica Lowrey

Guion: Kyle Killen, Steven Kane. Videojuego: Joseph Staten, 343 Industries

Música: Sean Callery

Fotografía: Karl Walter Lindenlaub, Eric Kress, Ed Wild

Reparto: Pablo Schreiber, Natascha McElhone, Bokeem Woodbine, Shabana Azmi, Bentley Kalu, Natasha Culzac, Kate Kennedy, Yerin Ha, Jen Taylor, Olivia Gray, Charlie Murphy, Danny Sapani, Ryan McParland.

Productora: 343 Industries, Microsoft Studios, Amblin Television, Chapter Eleven, One Big Picture, Showtime. Productor: Steven Spielberg. Distribuidora: Paramount+, CBS Studios International

Género: Serie de TV. Ciencia ficción. Acción. Aventuras | Videojuego. Extraterrestres

SINOPSIS: En el siglo 26, la humanidad tiene que lidiar con una amenaza alienígena conocida como the Covenant (El Pacto). Halo tejerá historias personales repletas de acción, aventura y una enriquecedora visión del futuro. La serie es una historia independiente inspirada en la franquicia del videojuego, en lugar de una continuación, adaptación o precuela. MUY BUENA. Cada capitulo más interesante que el anterior. La mejor adaptación de un videojuego que he visto. La historia se desarrolla a muy buen ritmo y sin perder el tiempo en subtramas absurdas que no aportan nada, como nos tienen acostumbrados ultimamente. En resumen, se nota el mimo que le han puesto a la serie desde el desarrollo de los personajes a los efectos especiales así como en el reparto. IMPERDIBLE.

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TOKYO

VICE

TEMPORADA COMPLETA

8 EPISODIOS

3 DISCOS.

Título original

Tokyo Vice

Año: 2022

Duración: 480 min.

 Estados Unidos

Dirección: Michael Mann, Josef Kubota Wladyka, Hikari, Alan Poul

Guion: Jake Adelstein, J.T. Rogers, Jessica Brickman, Karl Taro Greenfeld.

Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans

Fotografía: Daniel Satinoff, John Grillo

Reparto: Ansel Elgort, Ken Watanabe, Ella Rumpf, Odessa Young, Rinko Kikuchi, Hideaki Ito, Shô Kasamatsu, Tomohisa Yamashita, Noémie Nakai

Productora: Endeavor Content, Wowow Films. Distribuidora: HBO Max

Género: Serie de TV. Thriller. Drama | Yakuza & Triada. Crimen. Años 90. Basado en hechos reales

SINOPSIS:  Finales de los años 90. Jake Adelstein es un joven periodista norteamericano que trabaja para un importante periódico de Tokio. Bajo la supervisión de un veterano detective de la policía de la ciudad, Jake comienza a investigar el oscuro mundo de la Yakuza, la peligrosa mafia japonesa controlada por algunos de los criminales más poderosos del país. EXCELENTE. Michael Mann vuelve por la puerta grande en la pantalla, es uno de los directores de thriller más interesantes de los años noventa y de los principios de los años dos mil. Pero des de 2015, con el estreno de Blackhat, película protagonizada por Chris Hemsworth, no se ha prodigado. Recordemos que es el director de El último mohicano, Heat, Collateral o Corrupción en Miami. Por fin vuelve para devolverle al género ese toque turbio, oscuro y de puro suspense. En este caso se ha dirigido a producir la serie y dirige el primer episodio de Tokyo Vice. Por lo visto en las pocas entrevistas que he podido leer y escuchar (tenéis una entrevista de una hora en YouTube grabada en la Japan House de Los Ángeles) se comenta que consulado japonés se enteró sobre las intenciones de Michael Mann en rodar en Japón y le ayudó en lo posible a nivel burocrático para que eso fuera posible. Tokyo Vice se empezó a rodar en marzo de 2020 y el rodaje fue pausado hasta finales de año cuando volvieron a Japón a rodar. La serie se ha rodado entre Tokio y Osaka. Tokyo Vice se basa en las crónicas de su propio protagonista, Jake Adelstein, un periodista americano que trabajó en Japón y que ha publicado Tokyo Vice: An American Reporter on the Police Beat in Japan; un reportaje sobre el crimen organizado de Tokio. Se pueden encontrar varias entrevistas y hasta una charla TED Talk de Jake Adelstein donde habla sin tapujos sobre su relación con la yakuza. Los temas principales de los que habla en la charla se tocan en la serie. El honor entre delincuentes, el respeto, "el enemigo de mi enemigo es mi amigo", la prensa en Japón y muchos temas culturales japoneses vistos des del punto de vista occidental que Tokyo Vice nos irá presentando. El más interesante y que se presenta en el primer episodio es el hecho de que en Japón no hay asesinatos. Suicidios, muertes accidentales, matanzas; sí. Pero no hay asesinatos. El periodismo sirve para informar pero no para alarmar a la gente. Al que hay que aplaudir en Tokyo Vice es a su gran protagonista Ansel Elgort. El actor conocido por su papel en Baby Driver le ha cogido los ticks a Jake Adelstein a la perfección. Puede que físicamente no sea un buen cast pero consigue hablar como el periodista y moverse como él. Algo que me ha dejado absolutamente alucinado es como consigue mantener toda la serie sobre sus espaldas hablando el 80% del tiempo en perfecto japonés. Desconozco el idioma pero me ha parecido que lo hace estupendamente. Parece ser que aprendió el idioma estudiando cuatro horas al día durante un mes. En una entrevista con Malay Mail el actor dice: "Quería llegar a un punto donde me encontrara cómodo improvisando en japonés porqué es liberador." "Al principio me aprendía el guion fonéticamente pero se sentía como si... ¿solo se pueden decir las cosas de una forma? ¿Solo haremos una toma?" Al parecer algunas escenas se rodaron en japonés aunque inicialmente fueron grabadas en inglés para que en montaje se juntaran y diera una mejor sensación mezcla plurilingüe. Como ya he mencionado anteriormente Tokyo Vice se ha rodado enteramente en Japón. La gran mayoría del cast es japonés y el protagonista, Jake Adelstein, es quien nos va a introducir en la cultura japonesa des del punto de vista de un occidental. Pero lo que me ha sorprendido es que, al contrario que suelen hacer los americanos, aquí se respeta el idioma del país. Sí, muchos protagonistas interactúan en inglés. Sí, la mayoría de japoneses no tienen ni la mitad de buen nivel de inglés del que escuchamos en la serie. Pero al menos Tokyo Vice se preocupa de respetar la coherencia en cuanto al idioma. Seguro que en Estados Unidos, donde no les gusta nada leer subtítulos, esto no va a gustar; pero a mi me ha encantado. Si bien es verdad que la serie se preocupa de ser muy fiel a la realidad a nivel cultural y se habla mucho japonés, es verdad que Tokyo Vice no deja de ser una serie americana con el toque Michael Mann y una narrativa muy hollywoodiense. Por decirlo de alguna forma es como si Spotlight o Todos los hombres del presidente tuvieran un hijo de Miami Vice. Tokyo Vice es una de las series del año. Una serie sobre periodismo, delincuencia, y diferencias culturales absolutamente fascinante que nos transporta a Japón como pocas veces antes hemos estado en la pequeña pantalla. Una mejor visión de la yakuza y del periodismo. IMPERDIBLE.

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