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ESTRENOS
DE LA SEMANA
ORDER
El orden.
- Título original
- The Order
- Año: 2024
- Duración: 116 min.
Canadá- Dirección: Justin Kurzel
- Guion: Zach Baylin. Libro: Kevin Flynn
- Reparto: Jude Law, Nicholas Hoult, Tye Sheridan, Jurnee Smollett
- Música: Jed Kurzel
- Fotografía: Adam Arkapaw
- Compañías Coproducción Canadá-Estados Unidos; AGC Studios, Chasing Epic Pictures, Riff Raff Film Productions, Arcana Studio
- Género: Thriller. Drama | Crimen. Años 80. Policíaco.
SINOPSIS: En 1983, una serie de robos a bancos, operaciones de falsificación y
robos de vehículos blindados cada vez más violentos aterrorizan a las
comunidades de todo el noroeste del Pacífico. Mientras los
desconcertados agentes de la ley intentan encontrar respuestas, un
agente solitario del FBI, destinado en la tranquila y pintoresca ciudad
de Coeur d'Alene, Idaho, cree que los crímenes no son obra de
delincuentes tradicionales con motivaciones económicas, sino de un grupo
de peligrosos terroristas nacionales, inspirados por un líder radical y
carismático, que planean una guerra devastadora contra el gobierno
federal de los Estados Unidos. EXCELENTE. Cada
una de las balas que se disparan en una película va dirigida a
nosotros, las que salen del rifle del protagonista y las otras. Sobre
todo, las otras. Al fin y al cabo, el proceso más elemental de
identificación con un personaje hace que riamos, corramos, suframos y
nos asustemos con él. El dispositivo del cine es por ello anticipación
y, sobre todo, deseo. Deseamos que le suceda algo a nuestro héroe porque nos ocurre a nosotros.
La historia luego nos lo confirma o desmiente, pero siempre de manera
personal. Somos, de alguna manera, el actor que contemplamos. Y las
balas que no vemos y que le amenazan o, incluso y de manera excepcional,
le aciertan son proyectiles contra nosotros. Un thriller (o un western) bien construido y con armas que detonan, además de ruidoso, es cualquier cosa menos banal, es algo muy íntimo. Justin Kurzel lo sabe. Como tiempo atrás lo supo Michael Mann en aquella gloriosa balacera que era Heat. Y para demostrarlo, el director australiano, que igual adapta a Macbeth que revisa uno a uno todos los crímenes de la Humanidad (Los asesinos de Snowtown, La verdadera historia de la banda de Kelly o Nitram), propone esta vez el relato con mucha pólvora y más vergüenza de una historia real, la de la organización supremacista y neonazi que entre 1983 y 1984 sembró el pánico y el odio en el noroeste de Estados Unidos. Con el libro Los diarios de Turner,
de William Luther Pierce, como manual de referencia atracaron bancos,
falsificaron dinero, pusieron bombas, asesinaron al locutor de radio
Alan Berg y planearon de forma entre alucinada y minuciosa el asalto al
Capitolio (sí, hay antecedentes). The order es el título de la cinta, que era como se llamaban los racistas de marras. Con un Jude Law ejerciendo de agente del FBI obsesionado y roto, la cinta avanza por la pantalla como una detonación. O muchas. Kurzel organiza
de forma milimétrica cada tiroteo, cada explosión y todas y cada una de
las persecuciones. Pero más allá del espectáculo, se las arregla para
que la diana de tanta refriega seamos siempre nosotros. Nos importa lo
que le sucede al protagonista de la misma manera que nos afecta la
suerte de su compañero al que interpreta un impecable Tye Sheridan y nos espanta la frialdad del villano Nicholas Hoult. Y eso es así en buena parte por la soberbia factura de un thriller tan
riguroso y consciente de la tradición como aparatosamente vistoso,
entretenido y vibrante. Pero también, y casi en mayor medida, porque
lejos de hablar del pasado, The orderhabla del presente,
de nuestro presente y de hasta de nuestra aplicación X (que el amable
nombre de Twitter haya acabado convertido en lo más parecido a un hierro
para marcar reses, da una idea de donde estamos). El libro en el que se inspiran los iluminados fascistas adoradores de esvásticas es el mismo del que se encontraron varios ejemplares en el asalto al Capitolio de 2021
y todas y cada una de las soflamas que se escuchan (que si están
amenazando nuestro modo de vida, que si nos sustituyen, que si todo es
una conspiración...) son tan actuales y con ese olor a hez de retuit que cabe decir aquello de Faulkner de que el pasado es el presente. Es más, el pasado ni existe. Y ése disparo no hay forma de esquivarlo. Cuentan las crónicas que la cinta seminal Asalto y robo de un tren,
de Edwin S. Potter, incluía una secuencia en la que uno de los bandidos
miraba a cámara y disparaba al público. Originalmente, la escena estaba
pensada para que los exhibidores la incluyeran al final o al principio
de la película de 1903 por puro y exclusivo criterio mercantil. Pero
también es cierto que, ya desde el principio, un recurso tan
evidentemente moderno estaba ahí para romper las reglas. La mirada a cámara fractura el entramado de la ficción.
Cuando un actor nos mira, entre la pantalla y nosotros, de repente, se
descubre el necesario abismo que nos separa; el mecanismo tal vez mágico
o ilusorio del cine salta por los aires y la audiencia es agredida a la
vez que invitada a participar con plena conciencia en la ficción de la
aventura, en la ficción de la propia ficción. The order hace otro tanto. El fascismo del pasado es el fascismo del presente. Boom. Brillante y enérgica. IMPERDIBLE.
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Nightbitch.
1 NOMINACIÓN A LOS PREMIOS
GOLDEN GLOBE 2025
- Título original
- Nightbitch
- Año: 2024
- Duración: 98 min.
Estados Unidos- Dirección: Marielle Heller
- Guion: Marielle Heller. Novela: Rachel Yoder
- Reparto: Amy Adams, Scoot McNairy, Mary Holland, Ella Thomas.
- Música: Nate Heller
- Fotografía: Brandon Trost
- Compañías: Annapurna Pictures, Fox Searchlight, Archer Gray, Bond Group Entertainment, Defiant By Nature. Distribuidora: Fox Searchlight, Hulu
- Género: Thriller Drama | Maternidad.
SINOPSIS: Una mujer hace una pausa en su carrera profesional para convertirse en madre y ama de casa, pero pronto su vida doméstica toma un giro surrealista. A medida que acepta el poder salvaje profundamente arraigado en la maternidad, se vuelve cada vez más consciente de las extrañas e innegables señales de que se puede estar convirtiendo en un perro. EXCELENTE. La directora de «Un amigo extraordinario» y «Diary of the teenage girl»
Marielle Heller nos lleva a un viaje algo surrealista donde una madre
agotada por los cuidados que requiere su bebe y desconectada de su
esposo y de su vida anterior comienza a pensar que se está convirtiendo
en un perro. Basada en la novela de Rachel Yoder, y con guion de Marielle Heller, la
película explora la angustia y sensación de la perdida de identidad de
una madre dedicada a tiempo completo a su hijo, con un agotamiento
físico y emocional donde la locura comienza a causarle graves problemas. Amy Adams muy comprometida con su personaje, engordo bastante para
interpretar a esta madre que comienza a mostrar una evidente
metamorfosis, con cierto punto de humor negro. Scoot McNairy, interpreta
a su marido, los dos dan una extraña visión a lo que supone la
maternidad. Una película curiosa y arriesgada que se aproxima al cine de terror, ya
que la protagonista se ve atrapada en una nueva realidad, cercana a una
pesadilla. Adams merece estar en
la conversación de premios por su interpretación indudablemente. IMPERDIBLE.
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R E T U R N
El retorno.
- Título original
- The Return
- Año: 2024
- Duración: 116 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Uberto Pasolini
- Guion: Edward Bond, John Collee, Uberto Pasolini. Novela: Homero
- Reparto: Ralph Fiennes, Juliette Binoche, Charlie Plummer, Chico Kenzari.
- Música: Rachel Portman
- Fotografía: Marius Panduru
- Compañías Coproducción Estados Unidos-Francia-Italia-Reino Unido-Grecia; Picomedia, RAI Cinema, Heretic, Ithaca Films, Kabo Films, Marvelous Productions, Redwave Films
- Género: Aventuras. Acción. Drama | Antigua Grecia. Cine épico
- Grupos: Adaptaciones de Homero.
SINOPSIS: Después de 20 años de ausencia, Odiseo llega a las costas de Ítaca, demacrado e irreconocible. El Rey finalmente ha regresado a casa, pero mucho ha cambiado en su reino desde que partió para luchar en la guerra de Troya. MUY BUENA. De manera inusual para una adaptación cinematográfica de un mito griego, The Return, el relato sombrío y contenido de Uberto Pasolini sobre los capítulos finales de La Odisea de Homero, prescinde de dioses y monstruos. Aquí, el enfoque está en lo puramente humano: un hombre roto que lucha por aceptar que puede que no haya un camino de regreso, incluso cuando llega a las costas de su hogar. Ralph Fiennes sostiene el núcleo de esta película, que reimagina el texto antiguo como una narrativa sobre la supervivencia frente a los propios demonios internos. Tras su estreno como Gala en Toronto, The Return llegará a los cines de Estados Unidos el 6 de diciembre a través de Bleecker Street. La presencia de Fiennes y Juliette Binoche, reunidos por primera vez desde El paciente inglés, podría atraer a la audiencia, junto con la atemporalidad del material de origen. Sin embargo, aquellos que esperen una épica llena de acción podrían sentirse decepcionados, y otros se sorprenderán con el cambio abrupto de tono respecto a la última película de Pasolini, Nowhere Special (2020). A pesar de ello, su enfoque pausado e introspectivo sobre un material familiar tendrá un indudable atractivo. Rodeada por las aguas azuladas del mar Jónico, la isla de Ítaca podría parecer un paraíso, pero se ha convertido en un lugar de miedo y sufrimiento tras la larga ausencia de su rey, Odiseo (Fiennes). Partió hace dos décadas para luchar en la guerra de Troya, y su esposa Penélope (Binoche) ha permanecido fiel, esperando su regreso. Los buitres acechan esta tierra moribunda en forma de una legión de hombres brutales venidos de fuera, todos tratando de reclamar a Penélope, quien enfrenta una creciente presión para aceptar que Odiseo se ha perdido y debe elegir un nuevo esposo. Fiennes ofrece una férrea interpretación matizada como Odiseo, un hombre que parece haber regresado más por accidente que por decisión, y que está paralizado por el miedo de haber cambiado demasiado para ser aceptado por Penélope. Carga con los horrores de todo lo que ha presenciado, junto con la vergüenza de haber sobrevivido mientras sus hombres murieron en combate. Este peso psicológico —lo que hoy llamaríamos TEPT— hace que Odiseo no encuentre la fuerza para entrar al palacio hasta la mitad de la película, y pase aún más tiempo antes de que finalmente hable con Penélope. La película avanza a un ritmo pausado, con largos períodos de silencio y poca acción hasta un final catártico marcado por la violencia. Sin embargo, el mundo que construye es rico en detalles. El diseñador de vestuario Sergio Ballo y el diseñador de producción Giuliano Pannuti se alejan de las expresiones cinematográficas tradicionales de la antigua Grecia, inspirándose en referencias africanas e indias para crear vestuarios y edificaciones sencillas, como la gran fortaleza que alberga el palacio. La cinematografía de Marias Panduru captura la belleza del paisaje —la película se filmó principalmente en Corfú y el Peloponeso, en el sur de Grecia, con interiores construidos en estudios de Roma—, pero su cámara prefiere mantenerse cerca de los rostros de quienes cuentan esta historia, a menudo iluminados por la luz de las velas en sombras titilantes. De forma algo obvia, el color rojo aparece recurrentemente como motivo: la sangre en la tierra y el agua; la capa del intrigante y enamorado Antínoo (Marwan Kenzari); el manto nupcial que Penélope teje y desteje en secreto por las noches para ganar tiempo. La Penélope de Binoche se mantiene firme frente a las demandas agitadas de los hombres que ahora llenan su hogar, mientras intenta desesperadamente reparar su relación con un frustrado Telémaco y merodea por el palacio por las noches, desgarrada entre su deseo de conexión humana y su lealtad a Odiseo. Fiennes iguala su contención con la propia, manteniendo a Odiseo encerrado en su dolor hasta el punto de que, incluso aquellos que conocen la historia, se preguntarán si será capaz de revelarse. A medida que aumenta la tensión, queda claro que algo tiene que romperse. Y cuando finalmente lo hace, el silencio da paso a una furia que, a pesar del soliloquio de Penélope sobre la violencia innecesaria de los hombres, marca tanto un final necesario como un esperanzador nuevo comienzo. IMPERDIBLE.
2024: Festival de Toronto: 2 nominaciones.
2024: Premios Independent Spirit Awards: 3 nominaciones.
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VICTIM
El caso Miranda.
- Título original
- Miranda's Victim
- Año: 2023
- Duración: 127 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Michelle Danner
- Guion: George Kolber, J. Craig Stiles
- Reparto: Abigail Breslin, Andy García, Donald Sutherland, Ryan Phillippe.
- Música: Holly Amber Church
- Fotografía: Pierluigi Malavasi
- Compañías: All in Films, Navesink River Productions
- Género: Drama | Abusos sexuales. Drama judicial / Abogados/as. Basado en hechos reales.
SINOPSIS: En 1963, Patricia Weir, de dieciocho años, es secuestrada y brutalmente violada. Comprometida a encarcelar a su agresor, Ernesto Miranda, el sistema legal estadounidense destruye la vida de Patty al desencadenar una ley que transforma la Nación. MUY BUENA. Excelente film, que une los géneros de drama, judicial, policíaco e histórico, no en vano se trata de una historia real que propició lo que ha dado lugar a "La ley Miranda", por lo que "se rigen los oficiales de la policía en Estados Unidos a la hora de arrestar a algún individuo por un delito criminal". Así, se les informa de sus derechos constituciones y obligaciones y tiene que ser leído en el idioma de origen del incriminado. Parte pues de unos hechos verídicos que la realizadora Michelle Danner otorga de una admirable narración, siempre concisa y clara. Así, la película, dura, se degusta como el manjar cinematográfico que es, resultando en todo momento de gran interés, amén de entretenidísima. Un drama que se une al género judicial y policíaco, siendo a la par, histórico en la medida que a partir de los acontecimientos que se nos narran, ha habido un antes y un después respecto a la impartición de la Ley. Grandes intérpretes, sobresaliendo las actrices, con una impresionante en su aparente debilidad pero gran determinación, Abigail Breslin, además de Emily Vancamp, Mireille Enos y Taryn Manning. El film te mantiene en vilo durante su visión y cuando finaliza quedas impresionado y convencido ante un gran trabajo, desgarrador y cautivador, donde, de paso, queda de manifiesto el lugar al que la sociedad confinada una mujer antes, durante y después de una denuncia por violación. IMPERDIBLE.
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El error mortal.
- Título original
- A Mistake
- Año: 2024
- Duración: 101 min.
Nueva Zelanda- Dirección: Christine Jeffs
- Guion: Christine Jeffs. Novela: Carl Shuker
- Reparto: Elizabeth Banks, Mickey Sumner, Richard Crouchley, Simon McBurney.
- Fotografía: John Toon
- Compañías: General Film Corporation, Ingenious Media, New Zealand Film Commission, Stavingoh Films, Te Puna Kairangi
- Género: Drama. Thriller | Medicina
SINOPSIS: En medio de un nuevo plan para denunciar públicamente la actuación de los cirujanos, la vida de una talentosa cirujana se desbarata cuando sus colegas empiezan a cerrar filas, e incluso su compañera, que es enfermera en el hospital, le da la espalda. MUY BUENA. Digamos que nada supera la atmósfera de un buen drama médico. Pregunten al equipo creativo detrás de ER, Chicago Med o producciones más recientes en streaming como The Good Nurse. Cualquier proyecto capaz de capturar exitosamente la tensión, los riesgos y la emoción de salvar a alguien del borde de la muerte o simplemente ayudar a los pacientes terminales a afrontar sus últimos días merece más que una mirada superficial. Las películas ambientadas en este entorno tan específico tienden a aparecer de vez en cuando, ya sea relegadas a las rutinas de una producción de Lifetime, en plataformas de streaming o en un estreno limitado en cines. Es en esta última categoría donde se encuentra A Mistake, una historia con todos los elementos de un relato basado en hechos reales, llevada a la pantalla con una comprometida Elizabeth Banks encabezando un elenco que casi logra estar a su altura. En realidad, la película adapta la novela de 2019 de Carl Shuker, dando lugar a 101 minutos impregnados de un tono opresivamente lúgubre acorde con su sombría temática. La directora y guionista Christine Jeffs nunca permite que A Mistake trascienda su íntimo y limitado ecosistema, con su ambientación australiana mencionada rara vez y el acento adoptado por Banks integrándose rápidamente con el resto del elenco, como si ese fuera realmente su país natal. Es innegable el tono sombrío que persiste hasta los créditos finales, lo que hace difícil imaginar revisiones repetidas. Dicho esto, como escaparate del talento de Elizabeth Banks y como una exploración provocadora del campo de la medicina y el lado humano del cuidado de los pacientes, la película es un triunfo innegable. IMPERDIBLE.
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La Tutoría.
- Título original
- Armand
- Año: 2024
- Duración: 117 min.
Noruega- Dirección: Halfdan Ullmann Tøndel
- Guion: Halfdan Ullmann Tøndel
- Reparto: Renate Reinsve, Ellen Dorrit Petersen, Endre Hellestveit, Thea Lambrechts Vaulen
- Música: Ella van der Woude
- Fotografía: Pål Ulvik Rokseth
- Compañías: Eye Eye Pictures, Keplerfilm, ONE TWO Films, Film I Väst, Prolaps Produktion
- Género: Drama. Intriga | Infancia. Thriller psicológico. Colegios & Universidad.
SINOPSIS: Armand, un niño de 6 años es acusado de traspasar ciertos límites con su
compañero de clase Jon. Nadie sabe exactamente lo que ha ocurrido, así
que la dirección del colegio convoca a los padres para discutir el tema,
desencadenando un agitado conflicto que pondrá sobre la mesa cuestiones
como la sexualidad en la infancia, la culpabilidad o la complejidad de
las zonas grises que existen entre la violencia y el juego. EXCELENTE. El primer largometraje dirigido por Halfdan Ullmann Tøndel, nieto de Liv
Ullmann e Ingmar Bergman, es una película angustiosa, cuya historia se
desarrolla en un espacio reducido, al igual que "Fin de fiesta", en
concreto el interior de un colegio en donde supuestamente se ha
producido una violación sexual de Armand a su compañero de clase Jon. Se presentó en la sección Un certain regard del Festival de Cannes, en
donde recibió el premio a la mejor ópera prima, que ha sido la
seleccionada para representarla en la carrera al Óscar 2025 en el
apartado de película internacional, y en nuestro país se presentó en la
sección oficial de la Seminci. La película tiene un guion muy bien trabajado, y cuenta con una gran
dirección del cineasta noruego que consigue impregnar de ritmo y tensión
a una película de tono tan teatral. La historia cuenta con muchas secuencias de diálogos en el interior de
ese centro escolar, con los profesores y responsables del centro, los
padres del niño que ha sufrido la agresión y la madre del supuesto
culpable, con una cámara situada cercana a los personajes que genera
tensión. Se nota que el director trabajó en una escuela primaria en su país y
también es padre, y que conoce bastante bien lo que es el funcionamiento
de un centro educativo y de los más pequeños. Se habla mucho de los niños, de los traumas y los comportamientos buenos
y malos, pero tanto Armand como Jon están presentes en las
conversaciones pero nunca les vemos, lo que me parece otro acierto el
que veamos a los mayores hablando de los niños sin necesidad de ver a
estos últimos. La fotografía, la atmósfera de tensión creada por la música y el sonido,
y son los otros aspectos positivos de esa película, junto al guion y la
dirección, tiene algunas coreografías que pueden descolocar al
espectador, y un final que puede decepcionar a muchos espectadores. Es una película no apta para todo tipo de público, porque pueden
molestar algunas reacciones de los personajes y cómo está tratada a
nivel formal. Dejo para el final las interpretaciones, que son fundamentales en esta
película, en especial las dos grandes actrices nórdicas que interpretan a
las madres de los niños implicados en el caso abordado en la película. Renate Reinsve está intensa sin necesidad de exagerar como la madre de
Armand, en un personaje que sufre la presión inicial por parte de casi
todo el mundo. La actriz conocida por ser la protagonista de "La peor
persona del mundo", y que es la vecina del protagonista en "A different
man" (que he visto estos días en la Seminci), vuelve a demostrar su
talento en personajes y tipo de interpretaciones muy diferentes. Junto a ella, la gran Ellen Dorrit Petersen, que interpreta a la madre
de Jon, una habitual en dramas y thrillers psicológicos noruegos, en
otra actuación dramática contenida. Una gran película, recomendable a los que disfrutan, aunque salgan con
bastante mal cuerpo a la salida de la sala de cine, con los dramas
psicológicos, que ponen su foco en los padres, los niños y algunos
problemas importantes de la sociedad actual. IMPERDIBLE.
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BATTAGLIA
Campo de batalla.
- Título original
- Campo di battaglia.
- Año: 2024
- Duración: 103 min.
Italia- Dirección: Gianni Amelio
- Guion: Gianni Amelio, Alberto Taraglio
- Reparto: Alessandro Borghi, Gabriel Montesi, Federica Rosellini, Giovanni Scotti.
- Música: Franco Piersanti
- Fotografía: Luan Amelio Ujkaj
- Compañías: Kavac Film, IBC Movie, RAI Cinema, Friuli Venezia Giulia Film Commission
- Género: Drama | Ejército. I Guerra Mundial. Medicina. Enfermedad.
SINOPSIS: La Primera Guerra Mundial está a punto de terminar. Dos médicos del
ejército, amigos desde la infancia, trabajan en el mismo hospital
militar donde cada día llegan heridos graves del frente. Muchos de
ellos, sin embargo, tienen heridas autoinfligidas, impostores que harían
cualquier cosa por no volver al campo de batalla. Stefano está
obsesionado con estos autolesionados. Giulio es aparentemente más
comprensivo y tolerante. Anna, su amiga desde la universidad, es
voluntaria de la Cruz Roja, un duro trabajo que lleva a cabo con
determinación, aunque consciente de que es el precio que le hacen pagar
por ser mujer. En aquella época, sin una familia influyente que la
respaldara, era difícil para una mujer licenciarse en Medicina. Mientras
tanto, algo extraño ocurre entre los pacientes: muchos de ellos
empeoran misteriosamente. Alguien podría estar provocando a propósito
complicaciones en sus heridas, para que los soldados puedan ser enviados
a casa, incluso los lisiados y mutilados. Hay un saboteador dentro del
hospital. Anna es la primera en sospecharlo. Pero hacia el final del
conflicto, una especie de infección comienza a propagarse en el frente,
abatiendo a más personas que las armas enemigas. Y pronto se extiende a
la población civil. MUY BUENA. Un drama histórico que explora las éticas de los médicos en medio de la
devastación de la Primera Guerra Mundial, donde las bajas y los heridos
te contaban a miles, para colmo apareció la mal llamada "gripe española"
que acabo con la vida de alrededor de 40 millones de personas. Una
enfermedad que se originó en Estados Unidos y que en Europa ningún
periódico se atrevía a decir nada mientras durara la guerra para no
crear más pánico, por lo que en España al ser neutral sí que fue
noticia, por lo que curiosamente se la denomino "Gripe Española". Estamos en 1918 el último año de la guerra, vemos montones de cadáveres
en el frente donde los heridos son llevados a un hospital, alli trabajan
dos médicos muy amigos de la infancia Stefano y Giulio tienen
diferentes formas de ver la guerra, mientras uno es muy patriota y solo
piensa en enviar al frente a todos los soldados heridos que puedan
disparar, el otro es más compasivo y comienza a devolver
clandestinamente a algunos a sus casas. Muchos heridos se han
automutilado para regresar a sus casas, estos son tratados como
traidores y alguno es fusilado para dar ejemplo. La película se inspira en la novela "La sfida" de Carlo Patriarca y está
dirigida por el consagrado director italiano Gianni Amelio el cual
consigue una gran recreación de la época con un estilo sobrio y clásico y
muestra también muy bien los horrores de la guerra consiguiendo
emocionarte. Eso sí, de forma pausada y ritmo algo lento. Alessandro Borghi interpreta muy bien al obsesivo médico, mientras que
Gabriel Montesi y Federica Rosellini como una enfermera aportan unos
personajes más cercanos y empáticos. Con mucho realismo nos meteremos de lleno en la realidad de una guerra
que acabo con millones de personas en Europa y que dio paso años después
a otra mucho peor. MUY RECOMENDABLE.
2024: Festival de Venecia: Nominada a León de Oro - Mejor película.
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THINGS
LIKE THESE
Pequeñas cosas como estas.
- Título original
- Small Things Like These.
- Año: 2024
- Duración: 96 min.
Irlanda- Dirección: Tim Mielants
- Guion: Enda Walsh. Novela: Claire Keegan
- Reparto: Cillian Murphy, Eileen Walsh, Michelle Fairley, Emily Watson.
- Música: Senjan Jansen
- Fotografía: Frank van den Eeden
- Compañías Coproducción Irlanda-Bélgica; Big Things Films, Artists Equity, Wilder Content
- Género: Drama | Religión. Familia.
SINOPSIS: En 1985, en vísperas de Navidad, en un pequeño pueblo del condado de
Wexford, Irlanda, Bill Furlong trabaja como comerciante de carbón para
mantenerse a sí mismo, a su mujer y a sus cinco hijas. Una mañana
temprano, mientras reparte carbón en el convento local, hace un
descubrimiento que le obliga a enfrentarse a su pasado y al silencio
cómplice de un pueblo controlado por la Iglesia católica. Basada en la
novela homónima de Claire Keegan. MUY BUENA. Desde el inicio de Small Things Like These, una cargada atmósfera
presagia la vida dura e injusta que viven los carboneros de un pequeño
pueblo en Irlanda. Uno de ellos, Bill (Cillian Murphy), un hombre de
carácter callado y melancólico, se debatirá entre lo que su bondadosa
conciencia le incita a realizar o lo que se ve obligado a callar. La pesada carga que acarrea desde su niñez saldrá a relucir mediante los
recuerdos que, irremediablemente, se convertirán en nítidas y tristes
escenas. El duro trabajo diario, la responsabilidad de mantener una
familia numerosa y la abusiva actuación de las monjas del convento del
pueblo irán minando su débil naturaleza. El extraordinario trabajo de dirección junto al acertadísimo guion
adaptado por Enda Walsh son, sin duda, claves para transmitir la lucha
que soporta Bill. También es cierto, que nadie mejor que el nominado al
próximo Oscar, Cillian Murphy, para decir tanto sin palabras. Durante décadas, en Irlanda, unos asilos dirigidos por monjas católicas
obligaban a jóvenes mujeres a trabajar duramente en "hogares" para
pobres descarriadas. Pronto se transformaron en instituciones que tenían
contratos con el ejército, hoteles, oficinas de gobierno e incluso
hasta la compañía de cerveza Guinness. Llegaban madres solteras de manera voluntaria sin saber bien dónde se
metían; otras eran llevadas a la fuerza por sus familias ante la
vergüenza de tener hijos del pecado; también las había que eran niñas
víctimas de abusos... En Small Things Like These, la fría y despiadada hermana Mary, está
magníficamente interpretada por Emily Watson (Criaturas de Dios).
Intentará por todos los medios que lo que ocurre dentro de los muros del
convento no trascienda. Incluso recordarle a Bill que lleva el apellido
de su madre porque nunca conoció a su padre. De todos es conocida la posibilidad de desarrollar algún problema
psicológico a lo largo de la vida después de sufrir experiencias
traumáticas durante la infancia. El maltrato psicológico, el desprecio,
la falta de valoración o el abandono por parte del cuidador principal
pueden provocar consecuencias en los niños. Pero también es cierto que unas condiciones de pobreza continuada
influyen innegablemente en el comportamiento de los adultos. En Small
Things Like These, algunos de esos factores influirán en los personajes,
sobre todo en el pequeño Bill, convertido en un hombre taciturno. Lejos
de ser un héroe, es un hombre roto, acorralado por las circunstancias
que le toca vivir. Su cobardía ante la extorsión le obliga a callar. No actúa debido a las
posibles consecuencias para su familia y para él mismo. Todo esto le
producirá cuadros de ansiedad y una debilidad física, enfermiza. Small Things Like These es una magnífica y sensible manera de denunciar
la terrible actuación de la iglesia católica en Irlanda durante varias
décadas del siglo XX. La pobreza, la humillación y la impotencia se ven
muy bien reflejados en esos escenarios oscuros y lúgubres en los que
viven los personajes. Magistral el trabajo de todo el elenco bajo la batuta de Tim Mielants en
esta justa reivindicación de los derechos sobre los abusos del poder. IMPERDIBLE.
2024: Festival de Berlín: Oso de Plata - Mejor interpretación de reparto (Emily Watson).
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FEMMES
Matronas.
- Título original
- Sages-femmes
- Año: 2023
- Duración: 99 min.
Francia- Dirección: Léa Fehner
- Guion: Léa Fehner, Catherine Paillé
- Reparto: Héloïse Janjaud, Myriem Akeddiou, Khadija Kouyaté, Quentin Vernede.
- Música: José Fehner
- Fotografía: Jacques Girault
- Compañías: ARTE France, Geko Films
- Género: Drama | Medicina. Drama social. Maternidad.
SINOPSIS: Sofía y Louise son parteras recién licenciadas. Pronto verás que, a
pesar de una profesión llena de ilusión y esperanza, ellas se tienen que
enfrentar a los desafíos del trabajo diario de un hospital en un
sistema de atención sanitaria deficiente y lleno de problemas. EXCELENTE. Recrear un parto. El cine ha suspendido una y otra
vez esa asignatura imposible. Cuando se ha hecho el resultado ha sido
falso, irreal. Tras años de intentos la conclusión es que si quieres
contar un parto has de documentarlo. Y esa misma rigurosidad que
demuestra Léa Fehner en Matronas, donde todos los alumbramientos son reales y después se recrearon con las actrices de la película, se aplica al filme en su totalidad. Matronas
es una ficción pero en su vocación y en sus intenciones, acercarnos a
esta profesión tan invisibilizada en los hospitales como en sus
representaciones culturales, es prácticamente un documental. Las protagonistas, Sofia y Louise acaban de licenciarse. Llegan a la planta de maternidad de un hospital de casos de riesgo profundamente ilusionadas. El arco de Matronas es el de su iniciación en el oficio,
su punto de vista de novatas es el nuestro en este viaje que va de la
emoción de la novedad a la toma de conciencia de la enorme responsabilidad que cae sobre sus hombros, esa en el que el más mínimo
error tiene unas consecuencias nefastas. Entre medias, Léa Fehner despliega todos los casos prácticos que pueden
darse en un parto, desde las complicaciones médicas más crueles a los
nacimientos más felices. Todo ello envuelto en una firme crítica a la situación endeble del sistema sanitario que precariza los trabajos de esas personas en cuyas manos nos ponemos en los momentos más delicados de nuestras vidas. La directora consigue fusionar esa puesta en escena casi documental y la
filmación de los partos reales con una historia de ficción que nos
engancha desde el primer minuto al último. Y en gran parte se debe al
encomiable trabajo de los actores, las jóvenes Héloïse Janjaud y Khadija Kouyaté, pero también el resto del elenco. IMPERDIBLE.
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EL SEÑOR DE LOS ANILLOS
LA GUERRA DE LOS
ROHIRRIM
The Lord of the Rings: The War of the Rohirrim.
(EN CINES)
- Título original
- The Lord of the Rings: The War of the Rohirrim
- Año: 2024
- Duración: 130 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Kenji Kamiyama
- Guion: Phoebe Gittins, Arty Papageorgiou, Jeffrey Addiss, Will Matthews.
- Reparto:Brian Cox, Miranda Otto, Gaia Wise.
- Música: Stephen Gallagher
- Fotografía: Animación
- Compañías Coproducción Estados Unidos-Japón-Nueva Zelanda; Sola Entertainment, New Line Cinema, Warner Bros. Animation, Wingnut Films. Productor: Peter Jackson. Distribuidora: Warner Bros. Animation
- Género: Animación. Fantástico. Aventuras. Acción | Fantasía medieval. Espada y brujería. Cine épico
- Grupos: Adaptaciones de J. R. R. Tolkien | El Señor de los Anillos (Animación).
SINOPSIS: Ambientada 183 años antes de los acontecimientos de la trilogía original de películas, 'El señor de los anillos: La guerra de los Rohirrim' narra el destino de la Casa de Helm Hammerhand, el legendario Rey de Rohan. Un repentino ataque de Wulf, un astuto y despiadado señor de los Dunlending que busca venganza por la muerte de su padre, obliga a Helm y a su pueblo a hacer una última y audaz resistencia en el antiguo bastión del Hornburg, una poderosa fortaleza que más tarde será conocida como el Abismo de Helm. Encontrándose en una situación cada vez más desesperada, Héra, la hija de Helm, debe reunir la voluntad para liderar la resistencia contra un enemigo mortal que pretende su destrucción total. MUY BUENA. La historia nos transporta 183 años antes de los eventos de la trilogía original. En cuanto la película comienza y escuchamos esa voz narradora tan conocida y querida, se hace evidente que nos están invitando a un lugar al que hemos deseado volver desde hace mucho tiempo. Ni El Hobbit, ni mucho menos la serie, logran provocar este efecto. Pero la película animada lo consigue a la perfección. Aquí hay respeto por el estilo visual de Peter Jackson. Hay una animación sólida con referencias claras a Miyazaki (la protagonista, Hera, parece una versión ligeramente mayor de una heroína de sus películas). La película, a la vez que se siente como parte de la trilogía, recuerda a Juego de Tronos en sus intrigas políticas y utiliza un lenguaje tan claro que evoca a Akira Kurosawa. No cabe duda de que en este proyecto trabajaron personas que saben lo que hacen, respetan y aman la obra original, pero también desean apasionadamente contar una historia única. Y lo logran. Los motivos musicales de la trilogía y los paisajes familiares también ayudan enormemente a este regreso a la Tierra Media. No sabía cuánto lo extrañaba hasta que comencé este viaje. También merece atención cómo esta película, que inicialmente debía durar 90 minutos, terminó siendo de más de 2 horas. Los creadores, basándose en la historia de Helm Manomartillo del legendarium de Tolkien, han puesto en el centro a la hija del rey, un personaje apenas mencionado. Y este relato merece ocupar un lugar digno dentro de la mitología de la Tierra Media. MUY RECOMENDABLE.
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CINE NACIONAL
PARTIDA
Partida.
- Título original
- Partida
- Año: 2023
- Duración: 86 min.
Argentina- Dirección: Diego Suárez
- Guion: Mary Putrueli, Miriam Lanzoni. Idea: Miriam Lanzoni
- Reparto: Miriam Lanzoni, Lucila Gandolfo, Osvaldo Laport, Claudio Riss.
- Música: Yair Hilal
- Fotografía: Germán Costantino
- Compañías: 3C Films Group
- Género: Drama | Basado en hechos reales. Feminismo.
SINOPSIS: Susy, víctima de violencia de género, dejó su pueblo hace treinta años. Y
con él su pasado enterrado. Pero un llamado inesperado devela una
verdad oculta y hace que Susy vuelva. Su hija Maru se entera que su
padre no estaba muerto. BUENA. Realidad y ficción no siempre se llevan bien. La primera por ser
incuestionable, la segunda por verse obligada a pervertir su origen todo
lo que sea necesario a la hora de construirse a sí misma. El equilibrio
es complicado, y su resultado plantea siempre el mismo interrogante:
¿lo pasible de análisis es la anécdota o lo que se ha hecho con ella?
Cuando el “qué” y el “cómo” no armonizan sino que desafinan, es
necesario tener una posición clara.En la génesis de Partida sobrevive la historia real de la familia de Miriam Lanzoni, de su madre enfrentándose a una terrible situación de violencia, que la lleva a huir con sus dos hijos de un marido abusador. Dejando atrás su casa, su historia y su identidad.Treinta años más tarde -y ya como parte de la ficción del film-, Maru
(Lanzoni) recibe un llamado anónimo que le pide que vuelva a su pueblo
para frenar la venta fraudulenta de su casa natal, aclarándole que su
padre (Nicolás García Hume) está vivo, pero a punto de morir. De esta
manera, Maru se ve obligada a ir y así completar ese rompecabezas de
recuerdos, escondidos en su memoria. Su madre Susy (Lucila Gandolfo),
enterada de lo sucedido, también decide volver al lugar. Pero en su
caso, para dejar de huir del pasado, enfrentarlo y reconvertirlo en un
futuro mejor, para ella y para todas las mujeres que atravesaron y
atraviesan su mismo dolor. Esas que como ella ya no cantan porque no
tienen voz. Desde la primera hasta la última escena, no quedan dudas de la honestidad del guion de Partida,
de su propósito y necesidad de convertirse en ejemplo para muchas
mujeres que sufren violencia, y cumple con creces en sus intenciones.
Pero lo anterior no alcanza para entusiasmarse demasiado con la
propuesta. Porque los problemas aparecen cuando pierde el rumbo
y comienza a poner el foco en tramas y personajes secundarios. Los
pormenores de la venta de la casa, el abogado corrupto a cargo de
Claudio Rissi, el sumiso amigo de la infancia interpretado por Guillermo
Arengo, ni estos ni otros personajes suman en el recorrido de la
historia, por una falta interés por desarrollarlos más allá del
maniqueísmo imperante en su sola presencia.Y
siendo una película en la que el peso del diálogo es fundamental,
tampoco algunas decisiones estilísticas del director, Diego Suárez. Por
momentos parece como si no se confiara en el texto lo que, a la luz de
lo anterior, resultaría una contradicción. Quizás uno de los ejemplos
más claros de esto sea la charla entre Susy y su actual marido, Luis
(Osvaldo Laport), en la plaza del pueblo. El diálogo es desgarrador y se
sostiene en una interpretación notable de ambos actores, pero el
momento se desluce por el anticlimático ir y venir de la cámara, que
desconcentra y opaca el resultado. No
hay aquí segundas lecturas ni metáforas sutiles, la historia es lo
suficientemente contundente como para sentar posición. Y por si las
imágenes no alcanzaran, ahí está el guion para poner en boca de las
protagonistas la proclama necesaria. Con pocos recursos narrativos y una
modesta creatividad, Partida cumple con su objetivo. RECOMENDABLE.
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CINE DE AYER
Little fish.
- Título original
- Little Fish
- Año: 2005
- Duración: 108 min.
Australia- Dirección: Rowan Woods
- Guion: Jacquelin Perske
- Reparto: Cate Blanchett, Martin Henderson, Sam Neill, Hugo Weaving.
- Música: Nathan Larson
- Fotografía: Danny Ruhlmann
- Compañías: Porchlight Films, Australian Film Finance Corporation (AFFC). Distribuidora: First Look Studios
- Género: Drama | Drogas.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HD 1080P.
SINOPSIS: Ambientada en los suburbios de Sydney. Tracy Heart (Blanchett) es una mujer que desea ardientemente cambiar de vida, pero su hermano y su ex-novio la amenazan y la chantajean para obligarla a involucrarse en una última aventura criminal. MUY BUENA. El segundo largo del australiano Rowan Woods (siete años después del primero, The Boys, con Toni Collette, y a la espera del estreno de su Winged Creatures, tras una prolífica carrera televisiva en las antípodas) me ha deparado una grata sorpresa: es una película densa, profunda, que nos remite a cierto exotismo, como la situación marginal de la población vietnamita de Little Saigon, en Sidney, pero que al mismo tiempo cuenta algo universal, la problemática de las drogas, ese bicho que parece que te atrapa en su trampa y que no te deja salir, seduciéndote con sus falsos encantos al mismo tiempo que conden tu vida a un túnel del que puedes ver la salida, pero en el que nunca avanzas... El guión de Jacquelin Perske, en su debut en el cine, se centra en la vida de Tracy Heart, quien, tras cuatro años "limpia", parece que por fin ha alcanzado el final de ese túnel, y tiene planes, esperanzas depositadas en tener un humilde negocio desde el que despegar, por fin, a los treintaytantos. Pero ahí aparecen los fantasmas de ese oscuro pasado, como su ex-novio, Jonny, quien le intenta "vender la moto" de que está limpio, que ahora es un honrado agente de bolsa, o su ex-padrastro, una antigua estrella del deporte, también intentando dejar la heroína, o su hermano, que también arrastra las consecuencias de esa maldita dependencia. Pero ella es fuerte, vemos que intenta luchar por sí misma y por todos, se deja la piel, aunque podamos intuir que no va a acabar bien la cosa... La peli sería muy inferior si no contara con la absoluta genialidad en la interpretación de una Cate Blanchett lucida hasta el punto de que uno se olvida de que está viendo un rol, porque da toda la impresión de que esa chica está realmente pasando por todo lo que se nos cuenta. El resto del reparto no desmerece a la protagonista, contando con varias de las estrellas de Oceanía, como Hugo Weaving y Sam Neill, destacando a Dustin Nguyen como el ex de Tracy. En definitiva, peli a reivindicar, un ejemplo claro y evidente de la calidad de los escasos productos que nos llegan del otro extremo del mundo. MUY RECOMENDABLE.
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GUERIN
Verónica Guerín.
- Título original
- Veronica Guerin
- Año: 2003
- Duración: 94 min.
- Irlanda
- Dirección: Joel Schumacher
- Guion: Carol Doyle, Mary Agnes Donoghue
- Reparto: Cate Blanchett, Ciarán Hinds, Gerard McSorley, Brenda Fricker.
- Música: Harry Gregson-Williams
- Fotografía: Brendan Galvin
- Compañías Coproducción Irlanda-Reino Unido-Estados Unidos; Touchstone Pictures, Jerry Bruckheimer Films
- Género: Drama. Thriller | Basado en hechos reales. Periodismo. Drogas. Años 90. Crimen.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HD 1080P.
SINOPSIS: A mediados de la década de 1990, Dublín era nada menos que una zona de guerra, con unos poderosos capos de la droga luchando por el control. Sus rivales más temibles no eran solo los policías, sino especialmente una valiente periodista Veronica Guerin, quien cubría la fuente del crimen con una intensidad sin igual.No ha habido nadie que haya sacado tantos nombres y hechos a la luz. Dedicando su vida a estos casos y poniendo a todos los que la rodeaban en peligro. Se convirtió en una heroína popular para el pueblo de Irlanda, cada atentado contra su vida sólo impulsó su leyenda. EXCELENTE. Veronica Guerin es una historia que reconcilia al espectador con la devaluadísima profesión periodística y con el compromiso que conlleva, que en ocasiones puede llegar a costar la vida. Después de tanto "Sálvame", tanto "Espejo público" y tanto "Chiringuito de los jugones" anda que no reconforta ver algo así. Sobre todo si el periodismo es tu vocación frustrada y siempre soñaste con ser una intrépida reportera a la caza de la gran noticia. Basada en hechos reales, la película nos cuenta cómo Guerin entabla una peligrosa lucha personal contra los narcotraficantes de Dublín y cómo a pesar de las amenazas y de los riesgos que sabe que corre, y de la oposición de su familia, sus amigos y sus propios compañeros, decide seguir en la batalla, investigando y tocando las pelotas a los narcos hasta que es asesinada. Tranquilos, no adelanto nada porque la historia empieza justamente con la muerte de la periodista, y de todas formas no deja de ser la crónica de una muerte anunciada. A mí me gusta el estilo de Joel Schumacher, y ésta no es una de esas excepciones. Creo que está muy atinado en el tratamiento del tema, que la denuncia social y la trepidante acción de un thriller se mezclan en proporciones adecuadas, y sobre todo, la elección de los actores me parece un acierto total. Cate Blanchett evidentemente se luce porque el personaje se presta y porque sí, porque ella lo vale, pero los secundarios no se quedan cortos, sobre todo ese enorme Ciaran Hinds en el papel de confidente que juega a dos bandas. Un film que debería ocupar un lugar de excelencia en la videoteca de cualquier coleccionista cinéfilo. IMPERDIBLE.
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CINE CLÁSICO
LE NOTTI
BIANCHE
Noche blanca.
- Título original
- Le notti bianche
- Año: 1957
- Duración: 97 min.
- Italia
- Dirección: Luchino Visconti
- Guion: Suso Cecchi d'Amico, Luchino Visconti. Novela: Fiódor Dostoyevski
- Reparto: Maria Schell, Marcello Mastroianni, Jean Marais, Marcella Rovena.
- Música: Nino Rota
- Fotografía: Giuseppe Rotunno (B&W)
- Compañías Coproducción Italia-Francia; Vides Cinematografica, Intermondia Films, Cinematografica Associati (CI.AS.)
- Género: Romance. Drama | Drama romántico
- Grupos: Adaptaciones de Fiódor Dostoievski.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HD 1080P.
SINOPSIS: En una ciudad provinciana, Mario, un mediocre oficinista que vive en una
modesta pensión, conoce una noche a la joven Natalia, en cuyo rostro se
refleja un profunda tristeza. Le da conversación para animarla y ella
le explica cómo cambió su anodina vida cuando conoció a un apuesto
forastero del que se enamoró y cómo cada noche su regreso. Durante
cuatro noches mágicas, Mario, enamorado de Natalia, alberga la esperanza
de sustituir en su corazón al misterioso forastero. Adaptación cinematográfica de la novela homónima de Dostoievski. EXCELENTE. Realizado por Luchino Visconti, el film se basa en la novela del mismo
título (1848) de Fedor Dostoyevski. Se rueda en plató al aire libre
montado en Cinecittà (Roma). Gana el León de plata de Venecia, 3 Nardo
d'Argento (actor, escenografía y música). Producido por Franco
Cristaldi, se estrena el 6-IX-1957 y gana el león de plata del Festival de Venecia. La acción tiene lugar a lo largo de 4 noches de comienzos de invierno en
una localidad portuaria de Italia, similar a Livorno (Toscana), en
1956/57. Mario (Marcello Mastroianni) es un modesto oficinista, soltero,
que se topa en la calle con Natalia (Maria Schell). Mantienen una larga
conversación, que repiten las tres noches siguientes. Él lleva poco
tiempo en la ciudad y es de carácter solitario y melancólico. Natalia es
joven, huérfana, soñadora, inmadura, ingenua y frágil. La película desarrolla un drama con acotaciones de misterio y fantasía,
que se enmarca en una atmósfera irreal y onírica. El escenario está
hecho de calles húmedas, desoladas, sombrías, con rincones lúgubres y
extrañas construcciones ruinosas. Las noches son largas y frías. Pueblan
el lugar prostitutas, chulos, noctámbulos y personajes que se ocultan
en la noche. La historia mezcla realidad, sueño y fantasía. Visconti
manifestó que deseaba que el relato fuera a la vez real e irreal,
objetivo e ilusorio. El inquilino (Jean Marais) en ocasiones parece un
vampiro: viste de negro, aparece de noche y domina a la chica. Ella suma
obsesiones, ternura y desequilibrios emocionales. La secuencia del
baile es salvaje, erótica y ostenta un cierto aire visual dantesco. La
obra se sitúa entre el neorrealismo de las primeras obras del realizador
y la depurada estilización de sus últimos films. El film constituye un notable experimento de cine poético en el sentido
propio y más recio del término. A las imágenes líricas, los diálogos
añaden el tono superior que se desprende de los valores de inocencia,
honestidad, altruismo, hermandad, solidaridad, etc. Por lo demás,
realiza un estudio serio, sosegado y profundo, de la soledad humana, que
ahoga a los dos protagonistas, pese a su conversación y mutua
interacción. La inquietud que se asocia a la soledad queda subrayada con
los breves paseos de ambos, los intentos de escapar uno del otro, las
búsquedas mutuas, los extravíos y sus reencuentros. La música, de Nino Rota ("El padrino", 1973), sugiere sentimientos
románticos, melancólicos y de intriga. Añade el rock "Thirteen Woman",
de Bill Haley, que acompaña el baile, y una referencia operística ("El
barbero de Sevilla", Rossini). La fotografía, en B/N, de Giuseppe
Rotunno ("El gatopardo", 1963), crea imágenes de fuerte contraste, con
predominio de tonos oscuros y luces irreales. Dedica un guiño de
simpatía a Silvana Mangano, protagonista de "Mambo" (R. Rossen, 1955).
Es excelente la interpretación de Mastoianni y notable la de Maria
Schell. IMPERDIBLE.
-
1957: Festival de Venecia: Ganadora del León de Plata Mejor película.
TRAILER
MINISERIES Y SERIES
EL JUEGO DEL
CALAMAR 2
Squid Game season 2.
TEMPORADA COMPLETA
Disponible la 1er temporada.
1 NOMINACIÓN A LOS PREMIOS
GOLDEN GLOBE 2025
7 EPISODIOS
3 DISCOS.
- Título original
- Squid Game 2
- Año: 2022-2025
- Duración: 420 min.
Corea del Sur- Dirección: Hwang Dong-hyuk
- Guion: Hwang Dong-hyuk
- Reparto: Lee Jung-jae, Lee Byung-hun, Ha Jung-woo, Gong Yoo.
- Compañías: Siren Pictures. Distribuidora: Netflix
- Género: Serie de TV. Thriller | Supervivencia. Secuela
SINOPSIS: Tres años después de su victoria, el jugador 456 decide no viajar a
Estados Unidos y regresa con un nuevo objetivo. Para conseguirlo, Gi-hun
compite una vez más en el misterioso juego de supervivencia donde
tendrá que superar situaciones de vida o muerte con nuevos participantes
que sueñan con llevarse el premio de 45 600 millones de wons. MUY BUENA. Después de dos años llega la esperada segunda temporada de uno de los
fenómenos sorpresa más esperados de la de los últimos años. Con menos
capítulos y una tercera temporada final confirmada, está segunda
temporada está muy lograda. Hay más juegos, más sangre, y sabe que
ofrecer para tener al espectador enganchado.Me esperaba otra edición más de este sangriento "Humor amarillo" que, si
bien fue un entretenimiento superior a la media de lo que nos ofrece
Netflix, no era nada nuevo que no se haya visto antes dentro del cine
asiático. Sin embargo, parafraseando a otro reconocido programa de televisión de
los 90: "Sorpresa, Sorpresa". Hwang Dong-hyuk, en vez de recoger una vez
más las bases de obras como la japonesa "Battle Royale 1", aquí ha
tirado más bien por los derroteros del cine de acción surcoreaneado como
"El hombre sin pasado", un toquecito de "Battle Royale 2" para que
parezca que es una secuela, y contra todo pronóstico acabar respirando
un aroma más fresco del que cabría esperar. Tiene más acción que la primera temporada, deja sus momentos para
desarrollar a un elenco de personajes que, aun siendo los arquetipos de
cualquier anime de turno, tienen su aquel (el rifirafe del rapero y el
cryptobro es tan risible como perdurable en la memoria) y han rodado
escenas de acción que bien podrían haber salido en cualquiera de John
Woo. ¿Es original? Ya no,pero sigue sorprendiendo. ¿Le pesa el ser una secuela de un fenómeno de masas? No, por su calidad precisamente. Esta segunda temporada es un
divertimento que si Netflix diese más a menudo, merecería más la pena
pagar su suscripción mensual. Una que cada cierto sube de precio sin
que ello se traduzca en mayor calidad de su parrilla de títulos
originales. Me ha dejado con ganas de saber más de este director en cuanto termine
de hacer juegos infantiles. Pero mientras los practica, nos divertimos,
que para eso estamos. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
El caso Sambre.
MINISERIE COMPLETA
6 EPISODIOS
2 DISCOS.
- Título original
- Sambre
- Año: 2024
- Duración: 360 min.
- Francia
- Dirección: Jean-Xavier de Lestrade
- Guion: Alice Géraud-Arfi, Marc Herpoux, Jean-Xavier de Lestrade. Libro: Alice Géraud-Arfi
- Reparto: Alix Poisson, Jonathan Turnbull, Julien Frison, Louise Orry-Diquéro.
- Música: Raf Keunen
- Fotografía: Elin Kirschfink
- Compañías Federation Entertainment, France TV, VS Productions, What's up Films. Distribuidora: France 2 (FR 2), RTBF (Télévision Belge)
- Género: Thriller | Miniserie de TV. Policíaco. Crimen. Abusos sexuales.
SINOPSIS: A finales de los 80, en el norte de Francia, unas mujeres son agredidas
sexualmente en la misma carretera junto al río Samber. La progresión de
la investigación y sus repercusiones desde los años 80 hasta 2018 y el
comienzo de la era #MeToo. EXCELENTE. Norte de Francia, 1988. Christine Labot, una joven peluquera y madre de
familia, se despierta desorientada en la ribera del río Sambre con
signos evidentes de haber sufrido una agresión sexual. Será el primer
caso denunciado de una serie de agresiones perpetradas por el mismo
hombre a decenas de mujeres durante años... 'El caso del Sambre' no es el típico thriller de suspense, pues ya desde
el primer capítulo conocemos la identidad del culpable. Esto le permite
a su principal responsable, Jean-Xavier de Lestrade, también conocido
como "el padre del true crime", jugar con otros elementos e ingredientes
que funcionan de manera aún más imponente e intimidante; incluso por
desgracia aún más estimulante como la indignación, la rabia, la
frustración, la impotencia... hablamos, al fin y al cabo, de la crónica
de un caso que tardó más de 30 años en resolverse. Una crónica tan elegante como cruda, tan pulcra como aséptica que huye
del morbo, de lo explícito y del sensacionalismo para centrarse en las
víctimas. "Esta serie tiene intención de rendir homenaje a las víctimas"
se puede leer de hecho al final de cada capítulo, cada uno de ellos
centrado en un personaje, en una perspectiva y en un periodo de tiempo
determinados. Una estructura expositiva muy inteligente que le permite
abarcar toda la historia, desde el principio hasta el final, de una
manera natural, creíble y sobre todo orgánica. Una historia que se desarrolla a lo largo de más de 30 años, desde
finales de los años 80 hasta casi nuestros días, lo que a su vez sirve
para mostrar la evolución de la sociedad, de la opinión pública, de las
instituciones y sobre todo de las propias víctimas. Pero también de un
delincuente vulgar y cotidiano que ha estado actuando impunemente
durante tanto tiempo, y no por su brillantez, precisamente, en una
exquisita dramatización que subraya la burda dimensión del caso a través
de la verosimilitud y su honesta credibilidad. La larga experiencia como documentalista de Jean-Xavier de Lestrade,
conocido por ser el responsable de 'The Staircase', sin duda juega a
favor de 'El caso del Sambre', una exquisita ficción sobre una terrible
realidad que podemos decir que se comporta de manera contraria a los
habituales procedimentales: El cómo no se atrapó a un criminal por la
suma de errores, negligencias, menosprecios y "cosas que pasan" que
forman parte de cualquier sistema que, como suele ser la costumbre,
antes se protege a sí mismo que a las personas. IMPERDIBLE.
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