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ESTRENOS
DE LA SEMANA
RIDE OR DIE
Bad Boys: Hasta la muerte.
(EN CINES)
- Título original
- Bad Boys: Ride or Die
- Año: 2024
- Duración: 115 min.
Estados Unidos- Dirección: Adil El Arbi, Bilall Fallah
- Guion: Chris Bremner, Will Beall. Personaje: George Gallo
- Reparto: Will Smith, Martin Lawrence, Vanessa Hudgens, Alexander Ludwig.
- Música: Lorne Balfe
- Fotografía: Robrecht Heyvaert
- Compañías: Columbia Pictures, Jerry Bruckheimer Films, Westbrook Studios. Distribuidora: Sony Pictures Releasing
- Género: Acción. Thriller. Comedia | Secuela. Buddy Film. Policíaco.
SINOPSIS: Los policías más famosos del mundo regresan con su icónica mezcla de acción al límite y comedia escandalosa, pero esta vez con un giro inesperado: ¡Los mejores de Miami se dan a la fuga! Cuarta entrega de la saga 'Dos policías rebeldes'. MUY BUENA. ¡Este film podrá encantar hasta al más amargado de la sala!!!! Will Smith y Martin Lawrence, logran envolver a los asistentes desde el minuto 0 de la película, entretenida, amena, divertida, emociónate y dinámica, que mantendrá a los amantes del séptimo arte con la adrenalina al 100, en cada escena, en la que no se presencian momentos planos o de aburrimiento. En este film, dirigido por Adil El Arbi y Bilall Fallah, se logró una excelente narrativa, en donde se expone a los actores de manera divertida, profesional, emotiva y escandalosa, logrando una mezcla de acción y complicidad inigualable, entre los protagonistas, dignificando con esto, la secuencia de la saga. El guion es ameno, claro, ágil y muy divertido sin dejar a un lado un toque de drama y sensibilidad al espectador, logrando que los protagonistas seduzcan al público a través de la personalidad e historia de los personajes, garantizando 115 minutos de risas y melancolía. Los efectos especiales son adecuados para mantener al público atento, sin caer en cansancio visual o exposición forzada para dar seguimiento en cada escena.Sin duda, se lleva la batuta Martin Lawrence, con su personaje, ingenioso, sensible y retador, quien es el que impulsa a vencer sus miedos, escenas de pánico y limites a Smith, durante la trama. La banda sonora es inigualable, ya que en varias ocasiones nos deleitan con la rola de “Bad boys de Inner Circle”; y créanme que “la tararean” durante varias horas, después de ver esta película. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
TRANQUILO
DÍA 1
A Quiet Place: Day One.
(EN CINES)
- Título original
- A Quiet Place: Day One.
- Año: 2024
- Duración: 100 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Michael Sarnoski
- Guion: Michael Sarnoski. Historia: John Krasinski, Michael Sarnoski. Personajes: Scott Beck, Bryan Woods
- Reparto: Lupita Nyong'o, Joseph Quinn, Alex Wolff, Djimon Hounsou
- Música: Alexis Grapsas
- Fotografía: Patrick Scola
- Compañías: Paramount Pictures, Platinum Dunes, Sunday Night. Distribuidora: Paramount Pictures
- Género: Fantástico. Thriller | Futuro postapocalíptico. Monstruos. Supervivencia. Precuela.
SINOPSIS: Una mujer llamada Sam trata de sobrevivir a una invasión, en la ciudad de Nueva York, por criaturas alienígenas sedientas de sangre y con oídos ultrasónicos. MUY BUENA. Hace 14 años, una pequeña película de terror independiente pasaba completamente desapercibida por las salas y enterraba la carrera del prometedor Brad Anderson. La extraña ‘The Vanishing on 7th Street’ proponía un apocalipsis en el que el mundo quedaba en tinieblas y la única forma de sobrevivir era mantenerse con algo iluminado cerca. Desde entonces ha habido muchas variaciones del modelo, pero pocas en una gran ciudad como Detroit. Ahora, ‘Un día tranquilo: Día Uno’ lleva un desastre similar a la ciudad de Nueva York. En la película de Anderson se conjuraba el espíritu de Roanoke y sus hombres sombra se convertían en una especie de plaga divina, aunque nunca se llegaba a explicar de dónde salían, algo que esta nueva entrega tampoco explora más allá de lo que sabíamos por el flashback de ‘Un lugar tranquilo parte II’, son una especie de lluvia de meteoritos que se erige como especie invasora en busca de los sonidos. Y esta escasa información y 99 minutos es todo lo que necesita Michael Sarnoski para superar a sus predecesoras. Como ‘The Vanishing on 7th Street’, lleva el dilema a una gran urbe, lo que hace conectar esos primeros momentos con ‘Guerra Mundial Z’, una película que Krasinski tomaba como modelo para su flashback, reflejando punto por punto la secuencia inicial del ataque en un entorno más rural. Ahora vuelve a la gran manzana y nos plantea cómo se vivió el desastre desde dentro, aumentando la escala que habíamos visto hasta ahora con un presupuesto de 67 millones de dólares, no mucho más que la segunda entrega, que lucía ostensiblemente más contenida. El milagro de aumentar la escala y las grandes set pieces sin derrochar tiene una receta magistral: centrar el grueso del dilema en el punto de vista de un solo personaje y su interacción con un segundo que aparece una vez bien pasado el primer acto. La estructura de la película es asombrosa, convirtiendo un viaje por la ciudad en una experiencia épica que no necesita acercarse a las dos horas y media para llevar encima el peso de sus protagonistas y sentirlo como propio. Y todo es tan espectacular como esperamos, con planos de la gran manzana inmersa en el pánico, ataques y apariciones de las criaturas abundantes y vertiginosas o momentos que, efectivamente, nos dan la información de ese fatídico día en el que el mundo quedó en silencio. Pero pronto la película toma un tono melancólico, oscuro pero muy hermoso, que recuerda más a una película indie que al artefacto de acción que están vendiendo como la ‘Aliens’ de este universo. ‘Día Uno’ se mete de lleno en un tema bastante sensible y lo hace de forma muy elegante, dotando de una dignidad y volumen a su personaje principal que rara vez consiguen muchos intentos de cruzar por ese camino enzarzado. En parte por su sencillez incontestable, en parte por su aparente facilidad para reformular un estigma como algo normalizado, donde el subgénero de supervivencia adquiere una inesperada cota lírica impropia de un gran estreno de palomitas. Y se sale con la suya pese a usar ciertos trucos de la escuela Spielberg —y no solo de la referenciada ‘La guerra de los mundos’—, como poner entre el casting a un gato adorable o cargar de emociones la partitura de Alexis Grapsas. El as en la manga es su casting, con un Joseph Quinn ofreciendo a un sentido antihéroe del apocalipsis, un león cobarde que evita el probable recurso cómico y emociona en su vulnerabilidad noble, alcanzando un tercer acto de pelos de punta que nos hace pensar lo injusto de que estas películas nunca dejen la opción de un Óscar a sus participantes. Momentos e ideas brillantes, como el uso de un trueno para descargar toda la rabia acumulada muestran una obra enfocada a utilizar las reglas de la saga para contar su propia historia, sin perder nunca el foco, con sensibilidad a prueba de cinismos y un uso del drama sin excusas pero tampoco excluyente de la evasión. Aunque puede que ‘Un lugar traquilo: Día uno’ no tenga momentos de puesta en escena tan precisos como algún momento clave de las anteriores, es de las pocas películas de terror actual que consigue a los 45 minutos nos hayamos olvidado de que estamos viendo una de monstruos. IMPERDIBLE.
TRAILER
Víctima.
- Título original
- Obet'
- Año: 2023
- Duración: 91 min.
Eslovaquia- Dirección: Michal Blasko
- Guion: Jakub Medvecký
- Reparto: Vita Smachelyuk, Gleb Kuchuk, Igor Chmela, Viktor Zavadil.
- Fotografía: Adam Mach
- Compañías Coproducción Eslovaquia-República Checa-Alemania;
- Género: Suspenso | Drama social. Inmigración.
SINOPSIS: Irina vive con su hijo Igor en una pequeña ciudad fronteriza checa.
Cuando descubre que Igor ha sido agredido por tres gitanos, todo su
mundo se derrumba. A medida que pasa el tiempo, Irina empieza a detectar
incoherencias en la historia de su hijo. MUY BUENA. Una interesante historia sobre la manipulación y la reacción en cadena
que puede explotar en un entrono de racismo y xenofobia en un lugar como
Chequia donde existe un problema grandísimo con la población gitana
rumana. Y como el gobierno aprovecha situaciones como esta para sacar
réditos políticos. Irina es ucraniana y quiere conseguir la nacionalidad Checa, mientras
está en su país con papeleo, le llaman para decirle que su hijo
adolescente ha sido atacado en el portal de su casa por tres jóvenes de
raza gitana, pierde un riñón y es operado de urgencia, es gimnasta y los
médicos ya le advierten que tendrá que dejar las competiciones. La
policía empieza a investigar los hechos y detienen a un vecino con el
que tienen sospechas por ser conflictivo. La solidaridad después de la
agresión es total, incluso la alcaldesa toma cartas en el asunto, pero
la madre comienza a sospechar de las incongruencias de las declaraciones
de su hijo... Esta ucraniana se vera inmersa en una espiral que no esperaba en
absoluto, pero le ofrecen un piso, regularizar su situación como
ciudadana checa y hasta una compensación económica de algunos donantes
para ayudarles a salir adelante. Las dudas de la madre ante una
inminente manifestación xenófoba en la que participaran neonazis
complicara mucho ocultar la verdad, ya que las cosas buenas que le están
sucediendo son muy tentadoras. Irina queda atrapada como una marioneta en el fuego cruzado de muchos
intereses racistas que avivan más el conflicto, una particular visión
del director Bratislavo Michal Blasco cuestionando el valor de la verdad
ante lo que la gente quiere que sea la verdad. IMPERDIBLE.
2023: Festival de Venecia: Nominada a Mejor película (Orizzonti).
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Hombres duros.
- Título original
- Men Up
- Año: 2023
- Duración: 87 min.
Reino Unido- Dirección: Ashley Way
- Guion: Matthew Barry
- Reparto: Iwan Rheon, Paul Rhys, Steffan Rhodri, Mark Lewis Jones.
- Música: Blair Mowat
- Fotografía: Adam Etherington
- Compañías: Boom, Quay Street Productions. Distribuidora: cineflix
- Género: Drama. Comedia. Basado en hechos reales.
SINOPSIS: Swansea, Gales, año 1994. Cinco hombres galeses corrientes se enfrentan a sus sueños y mentiras cuando se embarcan en uno de los primeros ensayos clínicos del mundo del fármaco, que se convertiría en la Viagra. Uno de ellos es Meurig (Iwan Rheon), un hombre que sufre impotencia a causa de su diabetes y que además está afrontando la enfermedad de su esposa Ffion (Alex Roach). Tommy (Paul Rhys) es un hombre gay que logra participar en estos ensayos a pesar de que en principio están dirigidos a hombres heterosexuales. Colin (Steffan Rhodri) tiene miedo de no estar a la altura cuando se vea en persona a la mujer a la que ha conocido en un servicio de citas telefónicas. Pete (Phaldut Sharma) busca recuperar la pasión perdida junto a su esposa. Y Eddie (Mark Lewis Jones) parece un hombre fuerte, pero debajo de esa fachada esconde una profunda vulnerabilidad. MUY BUENA. Hombres duros combina comedia y drama para explorar las vidas de cinco hombres galeses en 1994, quienes participan en uno de los primeros ensayos clínicos del mundo del fármaco que se convertiría en la Viagra. El director Ashley Way logra equilibrar el humor y el drama logrando su pleno potencial. Iwan Rheon como Meurig ofrece una interpretación convincente de un hombre que enfrenta impotencia debido a su diabetes y la enfermedad de su esposa. Rheon logra transmitir la mezcla de desesperación y esperanza de su personaje, aunque a veces su actuación puede sentirse limitada por el guion. Paul Rhys como Tommy aporta una dimensión importante al ser un hombre gay que se enfrenta a las normas heteronormativas del ensayo. Rhys logra equilibrar el humor y la vulnerabilidad de su personaje. La banda sonora complementa adecuadamente la atmósfera de Hombres duros, pero no destaca de manera significativa. Los efectos de sonido y la música son apropiados, pero no logran elevar la narrativa de forma notable. Hombres duros intenta equilibrar la comedia y el drama para explorar temas de vulnerabilidad y masculinidad. Con actuaciones y dirección sólidas Hombres duros ofrece una visión interesante de las luchas personales y sociales de los hombres, logrando profundizar lo suficiente en estos temas para proporcionar una experiencia cinematográfica completamente satisfactoria. MUY RECOMENDABLE.
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CONVERT
La Conversión.
- Título original
- The Convert
- Año: 2023
- Duración: 119 min.
Australia- Dirección: Lee Tamahori
- Guion: Michael Bennett, Shane Danielsen, Lee Tamahori
- Reparto: Guy Pearce, Tioreore Ngatai-Melbourne, Antonio Te Maioha, Jacqueline McKenzie.
- Música: Matteo Zingales
- Compañías Coproducción Australia-Nueva Zelanda;Brouhaha Entertainment, Jump Film and Television, Production New Zealand Film Commission, New Zealand Premium Production Fund
- Género: Acción. Drama | Siglo XIX. Basado en Hechos reales.
SINOPSIS: Un predicador laico llega a un asentamiento británico en la década de 1830. Su violento pasado pronto se cuestiona y su fe se pone a prueba, ya que se encuentra atrapado en medio de una sangrienta guerra entre tribus maoríes. MUY BUENA. Gran película que retrata las aventuras de un pastor laico en la Nueva Zelanda de los años 1800, en donde vive en una colonia inglesa en medio de una guerra entre tribus maoríes. Es digno de destacar los bellos paisajes magníficamente retratados por Lee Tamahori que se nota puso su mayor esfuerzo porque se conozca la cultura de los pueblos primitivos. Allí ese pastor deberá convivir con el racismo, la violencia y el desarraigo e intentará ser un medio para la paz entre las distintas y enemigas tribus. Hay muy buenas actuaciones entre ellas la de Guy Pearce, Tioreore Ngatai-Melbourne y Jacqueline McKenzie que logran dar credibilidad a sus personajes. Todo esto sumando a un mágnifico guion dan como resultado final un film que es realmente interesante. MUY RECOMENDABLE.
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ESPERANDO
A DALÍ
Esperando a Dalí.
- Título original
- Esperando a Dalí
- Año: 2023
- Duración: 115 min.
España- Dirección: David Pujol
- Guion: David Pujol
- Reparto: José García, Iván Massagué, Clara Ponsot, Nicolas Cazalé.
- Música: Pascal Comelade
- Fotografía: Román Martínez de Bujo
- Compañías FishCorb Films, Arlong Productions, Embankment Films.
- Género: Comedia. Drama. Romance | Cocina. Pintura. Años 70.
- VERSIÓN HABLADA Y SUBTITULADA EN ESPAÑOL.
- SINOPSIS: En 1974, un joven cocinero, Fernando, y su revolucionario hermano, Alberto, huyen de Barcelona y llegan a la Costa Brava donde la comida de Fernando revoluciona el mundo de la gastronomía gracias a la inspiradora Cadaqués de los años 70. Al mismo tiempo, Jules, el excéntrico dueño del restaurante donde trabajan, ve la oportunidad de cumplir su sueño: que Salvador Dalí venga a comer a su restaurante. MUY BUENA. Barcelona finales de los 70. Así comienza Esperando a Dalí. Final de la dictadura de Franco. Jóvenes ávidos de renovación, de libertad. Revueltas ciudadanas, panfletos impresos en la clandestinidad. Y, obviamente, una tremenda represión policial con numerosos heridos. Dos de ellos son dos hermanos cocineros (Iván Massagué y Pol López) y un amigo francés (Nicolás Cazalé), que les insta a marcharse de Barcelona durante algún tiempo, hasta que se calmen los ánimos. El destino será un precioso lugar en la Costa Brava donde vive su novia (Clara Ponsot) ayudando a su padre (José García) en un restaurante totalmente decorado y dedicado a un excéntrico vecino: Salvador Dalí. Dos restaurantes serán eternos rivales, compitiendo por atraer a la peculiar pareja formada por el genio y su esposa, Gala (Vicky Peña), a cenar y así dar fama y renombre al local al que acudan. De la convivencia de los lugareños con los visitantes, como intelectuales, artistas etc, surgen muchas anécdotas que forman parte del universo de Cadaqués. Allí hay claramente un sentimiento surrealista, quizás Dalí llegó a ser lo que fue gracias a ese origen.Para David Pujol fue algo lógico llevar a cabo Esperando a Dalí, ya que había rodado anteriormente una serie documental con Ferrán Adriá y con todo el equipo de "El Bulli". Resultó ser una experiencia maravillosa. David se sintió maravillado por haber conocido a aquella gente con la que aprendió a hacer cine desde una cocina. A raíz de eso, la Fundación Dalí se fijó en aquellos documentales. La directora del Departamento Artístico y de los Museos, Montse Aguer Teixedor, le encargó una trilogía sobre la biografía de Dalí. Estudiando e investigando, realizó el mencionado proyecto sobre un genio inabarcable, inagotable e inspirador como es Dalí. Por otro lado, siendo vecinos los domicilios de Adriá y Dalí, sus respectivas casas distan 12 kilómetros, era inevitable que naciera la chispa. ¿Qué hubiera ocurrido si Dalí hubiera ido a cenar al "Bulli"? El dueño del restaurante de la película, Jules, interpretado por José García, se mimetiza tanto con Dalí, que no deja espacio para él mismo. Es decir, está tan obsesionado con que el artista vaya al restaurante, que se olvida de estar en la cocina, que es lo principal. La espectacular fotografía de Esperando a Dalí, llevada a cabo por otro genio, Román Martínez de Bujo, con una sensibilidad extraordinaria, ha sabido trasladar en imágenes la esencia mediterránea. La secuencia de una pequeña barca sobre un brillante y apacible mar, con Jules y Fernando (Iván Messegué) llevándole a Dalí una olla con con una exquisita sopa "bullabesa", resulta cómica, a la par que bucólica. Una colonia hippy está instalada en el pueblo, aportando una colorida y reconocible imagen de los 70. La ligereza de sus costumbres y la libertad de sus actos, serán una provocación a los ojos de un retrogrado sargento de la guardia civil. La excelente música instrumental de Pascal Comelade, pone el tono exacto a la película. Es un conocido compositor francés muy unido a Barcelona por su amistad con Lluís Llach, María del Mar Bonet y Toti Soler. Esperando a Dalí es una poética historia ambientada en una época próxima a su fin, los años 70. Una metáfora sobre los anhelos que se pueden llegar a hacer realidad cuando menos se espera. Un sensible pretexto para ensalzar las delicias culinarias mediterráneas y el excéntrico arte de Salvador Dalí, todo ello enclavado en el precioso escenario como es Cadaqués. Un trabajo de muchos años de esfuerzo que se han visto recompensados al poder participar en el Festival de Cine de Málaga, también a orillas del mismo mar. IMPERDIBLE.
- 2023:Festival de Málaga: Competencia internacional.
- TRAILER
CINE NACIONAL
LA
PRÁCTICA
The practice.
(EN CINES)
- Título original
- La práctica
- Año: 2023
- Duración: 95 min.
Argentina- Dirección: Martín Rejtman
- Guion: Martín Rejtman
- Reparto: Esteban Bigliardi, Camila Hirane, Manuela Oyarzún, Amparo Noguera.
- Música: Santiago Motorizado
- Fotografía: Hugo Azevedo
- Compañías Coproducción Argentina-Chile-Portugal-Alemania; Un Puma, Don Quijote Films, Rosa Filmes, Pandora Film
- Género: Comedia. Drama | Comedia dramática.
SINOPSIS: Gustavo y Vanessa se separan y tienen que reformular sus proyectos juntos. Ambos son profesores de yoga. Gustavo es argentino, Vanessa es chilena. El viaje a la India se cancela. Vanesa se queda con el apartamento y deja el estudio que compartían, con lo que Gustavo se queda sin casa. Como consecuencia del estrés acumulado, Gustavo se lesiona la rodilla y sustituye el yoga: primero por ejercicios de cuádriceps y luego por el gimnasio. Pero poco a poco recupera su vida y vuelve a practicarlo. MUY BUENA. Extraña y divertida mezcla de Woody Allen, Éric Rohmer y Aki Kaurismäki, al nuevo largometraje de Martín Rejtman (Rapado, Silvia Prieto, Los guantes mágicos, Shakti) podría encontrársele también un cierto aire de familia con Whisky (Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll) si atendemos al lacónico diapasón de sus diálogos y a cierta actitud de su protagonista (un profesor de yoga en trance de separación matrimonial), pero lo cierto es que La práctica acaba por encontrar su propia y genuina voz en la peculiar utilización de las elipsis, en la dicción ‘desnaturalizada’ de los diálogos y en una puesta en escena radicalmente despojada de todo componente psicologista. Este conjunto de factores es sin duda responsable de la ‘extrañeza’ cómica, pero ejemplarmente seca, que sin duda destila la película, una de las propuestas más originales de cuantas se han presentado hasta ahora en el festival. Sus humildes ambiciones (estamos ante un trabajo que no se reviste de importancia alguna y que no reclama para sí la condición artística, lo que le hace doblemente simpático) son además su mejor carta de presentación a la hora de configurar el retrato entrañable de un perdedor, de un solitario que se refugia en la metafísica vegetariana y orientalista como recurso para exorcizar su mala fortuna con las mujeres, incluso cuando alguna se siente atraída por él. Las imágenes limpias y sencillas del film son además una invitación a empatizar con una propuesta que destila, en sordina, la indudable ternura que, a pesar de todas sus torpezas, el protagonista le inspira a su creador. MUY RECOMENDABLE.
2023: Festival de San Sebastián: Nominada a Concha de Oro: Mejor Película.
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DE PABLO
Las voces de Pablo.
(EN CINES)
- Título original
- Las voces de Pablo
- Año: 2024
- Duración: 75 min.
- Argentina
- Dirección: Gonzalo Murúa Losada
- Guion: Gonzalo Murúa Losada
- Reparto: Documental
- Música: Gonzalo D'Alessandro
- Fotografía: Matías Slupski
- Compañías: Obsidiana Films
- Género: Documental
SINOPSIS: En 2013, murió Pablo Murúa, hijo del actor y director argentino Lautaro Murúa. Impulsado por la necesidad de sanar un vínculo fracturado durante años, su hijo Gonzalo decide emprender un viaje hacia la historia del “ingobernable" Pablo. Es una reconstrucción de recuerdos propios y ajenos por la que Gonzalo se adentra en lo que piensa que constituye a su padre: los cuentos que nunca publicó. MUY BUENA. El documental muestra el intento de un hijo de abrazar a un padre al que, por motivos diversos, nunca terminó de conocer del todo. La película funciona como un doloroso ejercicio de memoria en busca de sanar un vínculo roto. “Uno tiende a pensar que a los hijos se los quiere, que ese amor no se cuestiona: simplemente ocurre”, se afirma en off en algún momento del documental Las voces de Pablo. Tratándose de una película sobre la figura de Pablo Murúa, hijo mayor del gran actor y cineasta Lautaro Murúa, la frase resulta particularmente densa y sugestiva. Pero termina de mostrar una profundidad de abismo en la figura de Gonzalo Murúa Losada, el hijo de Pablo, director, guionista y sobre todo narrador de esta búsqueda cinematográfica en la que las ramas genealógicas de la familia Murúa se entrelazan, hacia arriba y hacia abajo, de un modo más torturado que tortuoso. Y es que la experiencia de Gonzalo como hijo, según queda claro conforme avanza el relato que él mismo va tejiendo (o destejiendo), quedó abierta como un cuento inconcluso, como una herida, tras la muerte de Pablo en 2013. En ese sentido, el documental es el intento de un hijo de abrazar a ese padre al que, por motivos diversos, nunca terminó de conocer del todo, un doloroso ejercicio de memoria en busca de sanar un vínculo roto. Ante ese recorrido, el cine es la lengua paterna que en la familia Murúa todos aprenden a hablar desde la cuna, y que acá funciona como una cuerda floja que le permite al director atravesar el vacío que le dejó la muerte del padre. La frase citada al comienzo opera como una expresión de duda antes que de certeza. ¿Realmente me amó papá?, parece ser el interrogante inefable que pone a este documental en movimiento y lo convierte en un ejercicio catártico, casi terapéutico, al que a veces resulta tentador abordar desde el imaginario freudiano. Es curioso, por ejemplo, que nadie llame a Lautaro y a su esposa Violeta Tolnay por el vínculo que los unía a los familiares que aportan su testimonio. Nunca son abuelos, padres, madres o tíos, sino que, casi con reverencia, se los llama Lautaro y Violeta, como si nadie estuviera a la altura del parentesco o no fueran familia. Como si pesara sobre ellos la misma prohibición que en algunas religiones impide pronunciar el nombre de Dios. Gonzalo recurre a todas las fuentes disponibles para ir en busca de Pablo y entender cuáles fueron los motivos que le impidieron ser el padre que él hubiera deseado tener. Los cuentos que dejó escritos; las cartas y los correos electrónicos que le envió, algunos de ellos muy crueles; el testimonio de su hermana, de sus tíos, de su madre e incluso de Graciela Borges, la madrina de Gonzalo. De la misma manera, suma diferentes recursos cinematográficos en busca de hilvanar un relato a partir de todo eso. A veces lo logra y otras su esfuerzo resulta insuficiente, como si el objeto que busca retratar en Las voces de Pablo, su propio padre, fuera inabarcable. MUY RECOMENDABLE.
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CINE DE CULTO
EL PRECIO
DE LA
AMBICIÓN.
Rambling Rose.
- Título original
- Rambling Rose
- Año: 1991
- Duración: 112 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Martha Coolidge
- Guion: Calder Willingham. Novela: Calder Willingham
- Reparto: Laura Dern, Robert Duvall, Diane Ladd, Lukas Haas.
- Música: Elmer Bernstein
- Fotografía: Johnny E. Jensen
- Compañías: New Line Cinema, Carolco Pictures, Seven Arts Pictures
- Género: Drama | Adolescencia. Años 30. Años 70. Película de Culto.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HD1080P.
SINOPSIS: Georgia, 1971. Buddy Hillyer regresa a la vieja mansión familiar.
Huérfano de madre, va a visitar a su padre. Numerosos recuerdos del
pasado se agolpan en su cabeza, sobre todo la turbadora aparición de la
joven y desinhibida Rose (Laura Dern), una tarde de agosto de 1935.
Buddy (Lukas Haas) tenía trece años y ella diecinueve. Llegó a la casa,
sensual y coqueta, contratada por sus padres para ayudar en las tareas
domésticas. Fue el primer amor de Buddy, pero provocó problemas en la
familia por el descontrol absoluto de sus impulsos sexuales. EXCELENTE. Entre 1991 y 1994, se realizó un trío de películas
notables: PERDIDOS EN YONKERS (con Richard Dreyfuss y Mercedes
Ruehl), ANGIE con la también un tanto 'mising' Geena Davis y EL PRECIO DE LA AMBICIÓN, título superortopédico y nada
identificativo para "RAMBLING ROSE", que sí se ajusta a su contenido, la
dirección de actores es excelente -incluyendo las sobremesas con los
niños que aprenden sólo al mirar; mirar y escuchar- encabezados por
Laura Dern y Diane Ladd (hija y madre en la vida real), junto a un
Rovert Duval de 'matiz'. Y matiz equivale a decir que en una familia
sureña con toda la 'tramuntana' que resopla por allí, los quiebros de
las miradas y de las conversaciones entre ellos son muy dignos de
apreciar; apreciar y disfrutar, con el joven Lukas Haas incluido y más
tarde John Heard, siempre agradable de reencontrar. Ya véis que de
'spoiler' nada porque sólo pretendo apoyar la historia de esta chica,
errante y sentimental que, a pesar de ser ¿ninfómana? sólo persigue el
amor. O séase, como tod@s ;) La ambientación, por otro lado, está muy
bien lograda y se nota también que el guión lo ha escrito el mismo autor
de la novela, Calder Willingham, en una conjunción perfecta. IMPERDIBLE.
TRAILER
La bestia del reino.
- Título original
- Jabberwocky
- Año: 1977
- Duración: 100 min.
- Reino Unido
- Dirección: Terry Gilliam
- Guion: Terry Gilliam, Charles Alverson. Poema: Lewis Carroll
- Reparto: Michael Palin, Max Wall, Deborah Fallender, John Le Mesurier.
- Fotografía: Terry Bedford
- Compañías Python Films, Umbrella Entertainment Productions
- Género: Comedia. Fantástico. Aventuras | Fantasía medieval. Edad Media. Monstruos. Película de Culto.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HD1080P.
SINOPSIS: En la Edad Media un monstruo aterroriza una tierra que alguna vez fue alegre. Dennis, joven aldeano a quien no le interesa la aventura, inicia un viaje que lo lleva hasta un pueblo donde un dragón llamado Jabberwocky ha cometido una ola de asesinatos. ¿Podrá Dennis matar al dragón y salvar al reino? EXCELENTE. Jabberwocky (La Bestia del Reino, 1977) se inspira, que no adapta, en el poema de título homónimo que escribió el célebre escritor británico Lewis Carroll. La película se trata del debut como director en solitario de Terry Gilliam, quien hasta el momento era conocido especialmente por su trabajo dentro del grupo cómico de los Monty Pytthon. De hecho, Gilliam ya había coodirigido alguna película con otro miembro del grupo, más en concreto con Terry Jones, en Monty Python and the Holy Grail (Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores, 1975). Sin embargo, La Bestia del Reino es una película que parte de un guión del propio Gilliam (en colaboración con Charles Alverson) y que a pesar de que cuenta en el reparto con varios miembros de los Monty Python, como John Palin y Terry Jones (este último en un papel muy menor) su autoría se debe exclusivamente a Gilliam, quien como ya he dicho, dirige exclusivamente la película. La Bestia del Reino muestra ya algunas señas características del cine de Gilliam que encontraríamos en obras posteriores, como Brazil (Brazil, 1985). También es verdad que la promoción de la película buscó descaradamente la conexión con el grupo cómico, llegando a vender la película con el título de Jabberwocky Monty Python’s, algo que molestó profundamente a Gilliam. La película se adentra en una edad media fantasiosa, que en parte recuerda a la que habíamos visto en Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores. El protagonista principal es interpretado por Michael Palin es un tonelero al que su padre deshereda, con lo que debe buscarse la vida fuera del campo, marchándose a la ciudad. Entre medias, Gilliam añade una tremenda bestia, que da el título al español y que quien sea capaz de destruirla se ganará la gratitud del rey (no hace falta ser muy listo para ver por dónde van los tiros). Lo cierto es que La Bestia del Reino no es una película histórica, sino todo lo contrario. Gilliam utiliza el contexto histórico para elaborar una fantasía delirante que poca relación tiene con la auténtica realidad. La fantasía, elemento indispensable para entender a este cineasta, aparece ya en su primera película. Eso sí, con un gusto malsano y contracultural. La Bestia del Reino recurre a influencias pictóricas como las del Bosco o Peter Bruegel para elaborar una atmósfera oscura y siniestra, que tiene mucho en común con películas como Brazil. El Mundo que elabora Gilliam está distante de la realidad y para una mente cualquiera resulta imposible que se sustente. Sin embargo, una de las virtudes del director es la de ser capaz de construir un mundo que tiene sentido por sí mismo, en cuanto es mirado en su globalidad (La composición organizada de la sociedad no tiene sentido visto pieza por pieza, pero juntas forman un mosaico básico). Seguramente mucha gente no entendió el humor del filme, y eso explica en parte la recepción comercial tan pobre del filme. Y es que la película va mucho más allá del humor surrealista de los Monty Python, añadiendo las gotas que son indisociables a Gilliam, como es un humor mucho más negro, que en ocasiones roza lo repulsivo y subversivo. Por si fuera poco, el director añade secuencias de gore que pueden dejar descolocado a más de uno, que no conozca el gamberrismo delirante de este cineasta. Y es que La Bestia del Reino no es una película amable, ni trata de serlo. Parte de su gracia parte del rechazo que constantemente trata de provocar al público, mediante una estética feista (personajes sucios, vestuario que se recrea en la pobreza de las clases populares, gotas de humor escatológica). En realidad, Gilliam no deja de realizar una mirada sobre la Edad Media poniendo al desnudo la ignorancia y la estupidez humana. Palin es un personaje que sirve al director para describir las relaciones comerciales y lo absurdo que resulta un sistema capitalista incipiente (paradojas de tonelero, que son constantes a lo largo de la película). La Bestia del Reino es en gran parte una metáfora política. IMPERDIBLE.
TRAILER
TIME
BANDITS
Los aventureros del tiempo.
- Título original
- Time Bandits
- Año: 1981
- Duración: 110 min.
- Reino Unido
- Dirección: Terry Gilliam
- Guion: Terry Gilliam, Michael Palin
- Reparto: Sean Connery, Craig Warnock, David Rappaport, David Warner, Jack Purvis, John Cleese, Michael Palin.
- Música: Mike Moran, George Harrison
- Fotografía: Peter Biziou
- Compañías: HandMade Films
- Género: Fantástico. Comedia. Aventuras | Viajes en el tiempo. Película de Culto.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HD1080P.
SINOPSIS: A Kevin, un chico con una imaginación desbordante, una noche lo despierta un grupo de enanos que sale de su propio armario. Estos personajes eran antiguos criados del "Ser Supremo", pero, cansados de trabajar para él, decidieron robarle un mapa para poder viajar a través del tiempo y del espacio con la intención de robar grandes tesoros en distintas épocas. Además, sus viajes les han permitido conocer a diversos personajes históricos: Napoleón, Agamenón, el rey de Micenas (Sean Connery), e incluso Robin Hood (John Cleese). EXCELENTE. Es curiosa la pésima traducción al español de la película, pues aparte de cambiar totalmente el significado de la película (de ladrones a héroes hay un trecho bastante considerable) nos aporta bastante sobre una de las características del cine de Terry Gilliam. Y es que sus personajes principales, generalmente, nunca se tratan de héroes o personajes que tengan un alto sentido de la moralidad. De hecho en la película, somos meros espectadores de las peripecias de unos personajes que se mueven alrededor de la historia sin tratar de cambiarla (es decir, la misma interacción que tiene el espectador con la película) y que sólo buscan su propio enriquecimiento. En “Brazil” por ejemplo, el protagonista no era más que un funcionario inmerso en un futuro distópico claramente inspirado en la novela de George Orwell “1984”. En “El imaginario del Doctor Parnassus” también sucedía algo parecido. Y en “Tideland”, y “En el rey pescador”y etcétera. Terry Gilliam es un tipo singular, como no podría ser de otra manera. Para ser un Monty Pithon hay que serlo, queda claro. Pero es que quizá Gilliam sea el más especial del grupo cómico (así que imaginad…). Recordemos que él fue el creador de aquellas míticas viñetas que hacían su aparición en el show televisivo (que o destetabas o amabas sin término medio) que creaban un mundo tan alucinante, surrealista y absurdo. También se trataba por ende, del miembro más plástico y pictórico. Todas estas características nos las encontramos en el noventa por ciento de su carrera, y por supuesto, en Los héroes del Tiempo. También la película contará con más elementos Pythonianos aparte de la dirección de Gilliam. Sin duda el humor que destila el film es seguramente su segunda inclusión. Ese humor tan corrosivo y caustico, que caracterizaba ya aquellas viñetas. Pero no sólo esto, sino también la participación en la película de algún que otro miembro de los Python, como el gran John Cleese (interpretando a Robin Hood). También aparece Sean Connery, en un papel más bien secundario, pero que borda con gran magnitud. Como en otras películas, Terry Gilliam crea un mundo particular propio. Bueno para ser verdad no crea un único mundo, sino que elabora diversos. Y para ser más certeros debemos decir que los une todos en una mezcolanza que demuestra unas ganas de jugar y fantasear admirables. Todo es para Gilliam un pretexto para poder seguir desarrollando su imaginación y sus ganas de jugar, de hecho el pretexto de la situación familiar apenas dura dos minutos, pues el director se encarga de ventilar rápido una situación con la que no se siente nada augusto y que molesta al director. Y es que el propio niño podría ser perfectamente un álter ego de Terry Gilliam. La película no está destinada al público más pequeño (de hecho hay alguna que otra escena más bien cruda para los ojos de un niño) pero a la vez tiene un espíritu altamente infantil. Tampoco esto es nuevo, pues gran parte de las películas de Gilliam nos evocan las nostálgicas épocas de nuestra infancia. Por este motivo la película desarrolla un argumento casi calcado al de las películas que coquetean con la aventura y la fantasía. De hecho la música utilizada puede recordarnos perfectamente a otras películas del género. Los ochenta y la imaginación, ¿casualidad? Para nada. En esta década surgieron ya muchas películas que al igual que los héroes del tiempo trataban de mostrarnos una serie de mundos imaginativos que permitían soñar al público más joven. En cierto sentido la película se acerca a este tipo de películas, como podría ser “La historia interminable”, “Dentro del laberinto” o “La princesa prometida”. También es cierto que sin llegar a poder decir que la película es le reverso oscuro de aquellas, si es cierto que se trata de una de las más oscuras películas de la generación. No por el argumento, que no deja ser uno más calcado a las otras películas, sino por el tratamiento estético que realiza Gilliam sobre la película, elaborando ciertas partes más bien que llenan la composición de manera paroxística, como si Gilliam tuviera cierto miedo al Horror vacui, así como algunas soluciones oscuras (hay un momento de la película en que el tratamiento de la fotografía deja en suspensión el tratamiento de luz) y una interesante utilización de la niebla y la oscuridad. Así pues Gilliam amolda a su gusto personal un mundo fantástico en que los elementos más curiosos y surrealistas harán su aparición. La historia no es más que una excusa, pues los elementos que vemos poca relación o intención de imitación tienen con su verdadero contexto histórico. IMPERDIBLE.
TRAILER
MINISERIES Y SERIES
SE PRESUME
INOCENTE
Presumed Innocent.
MINISERIE COMPLETA
8 EPISODIOS
3 DISCOS.
- Título original
- Presumed Innocent
- Año: 2024
- Duración: 450 min.
- Estados Unidos
- Dirección: David E. Kelley (Creador), Anne Sewitsky, Greg Yaitanes
- Guion: David E. Kelley. Libro: Scott Turow
- Reparto: Jake Gyllenhaal, Ruth Negga, Renate Reinsve, Bill Camp.
- Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans
- Fotografía: Daniel Voldheim, Doug Emmett
- Compañías: Apple Studios, Bad Robot, David E. Kelley Productions, Warner Bros. Television, Old Curiosity Shop. Distribuidora: Apple TV+
- Género: Miniserie de TV. Intriga. Drama | Crimen. Drama judicial / Abogados/as. Serie de antología
SINOPSIS: Un asesinato horrible trastoca a la Fiscalía de Chicago cuando uno de los suyos, el fiscal Rusty Sabich, es sospechoso del crimen. El acusado deberá luchar por mantener unida a su familia... Remake en formato miniserie de la película de 1990 protagonizada por Harrison Ford. EXCELENTE. PRESUMED INNOCENT produce más o menos lo mismo que aquellas películas: funciona, intriga, no inventa nada nuevo y entretiene lo suficiente con sus giros y vueltas de tuerca para posibilitar pasar de las dos horas de la película a las seis o más a través de las que se extiende la miniserie. El thriller legal es algo así como «el pan y manteca» de los géneros audiovisuales y literarios: uno ya sabe, más o menos, el gusto que tiene y raramente falla. No se descubre nada al verlos, es cierto, pero uno no necesariamente espera que este tipo de series equivalentes a los best sellers de la literatura reinventen el formato. Jake Gyllenhaal encarna aquí a Rusty Sabich, el fiscal de Chicago que encarnaba Ford en el film de 1990. Sabich es un abogado intenso y dedicado, metido en medio de una interna política –las clásicas elecciones de fiscal de distrito–, que se desayuna con una noticia impactante mientras está en su casa con su esposa Barbara (Ruth Negga) y sus dos hijos adolescentes: su colega Carolyn Polhemus (Renate Reinsve) ha sido asesinada. Shockeado por la noticia ya que trabajaban juntos, Rusty va a la escena del crimen y descubre su cuerpo atado y físicamente abusado. Es un golpe para todos los que trabajan en la fiscalía ya que Carolyn era muy querida en el grupo, por lo que Rusty toma las riendas de la investigación. Pero cuando el fiscal del distrito –su jefe y amigo Raymond Horgan (Bill Camp)– pierde las elecciones a manos de Nico Della Guardia (O-T Fagbenle), Rusty es reemplazado por Tommy Molto (Peter Sarsgaard), un colega con el que tiene una relación complicada. Encargado ahora de la investigación, Molto descubre muchas huellas de Rusty en la casa de Carolyn. El tipo trata de explicarlas por cuestiones laborales pero pronto queda claro que hay más que eso: Rusty y Carolyn tenían un affaire amoroso. Barbara lo sabía, pero creía que era algo del pasado. Para los demás no solo es un shock sino que pronto muchas pistas parecen indicar que quizás el propio Rusty haya sido el asesino. Y él tendrá que explicar, defenderse y buscar otros posibles sospechosos mientras su vida personal, familiar y laboral se hacen pedazos.SE PRESUME INOCENTE tiene muchas escenas en las que Rusty recuerda –en breves flashbacks a veces a modo de sueños o pesadillas– situaciones vividas con Carolyn, la mayoría de ellas cálidas y románticas, aunque algunas dan a entender la existencia de tensiones entre ambos. Si bien no es un relato en primera persona, uno tiende a confiar en los recuerdos del protagonista, por lo que es dable pensar que no se trata del asesino. Pero con el paso de los minutos las evidencias lo encierran y uno ya no sabe a quién creer. Y si bien Molto parece odiarlo tanto que es capaz de cualquier cosa para encarcelarlo, a la vez las acciones de Rusty no permiten demasiado confiar en él.En el contexto de las series televisivas de la actualidad, la miniserie de Kelley –J.J. Abrams es uno de los productores– es lo más parecido a un «tanque» comercial, con un título conocido, actores respetados y una trama sólida y probada. Uno puede imaginar que, estrenada por Netflix, sería un éxito enorme, pero el hecho de que salga en AppleTV+, una plataforma no demasiado vista, seguramente limitará su impacto. SE PRESUME INOCENTE es, en ese sentido, otra invitación a sumarse a esa plataforma. Hay en su limitado pero llemativo catálogo un promedio de series mucho mejores que en la mayoría de sus pares. IMPERDIBLE.
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