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ESTRENOS

DE LA SEMANA

FRENCH

EXIT

French Exit.

SINOPSIS: Una viuda de la alta sociedad de Manhattan se muda con lo poco que le queda de su herencia a un pequeño apartamento en París. Le acompañan su hijo y su gato, que según ella es su marido reencarnado. MUY BUENA. Interpretando a una viuda de la alta sociedad neoyorquina de 65 años que gasta sus ahorros y se muda a París con su hijo en la salida francesa de Azazel Jacobs, Michelle Pfeiffer chupa el jugo de cada línea como una luisiana devorando un cangrejo de río. Es un giro de diva completo: una mezcla heterogénea de ojos de soslayo y sombra, de frases lacerantes despachadas entre caladas de cigarrillos y sorbos de martinis. Los fanáticos del cine francés pueden sentir que están contemplando a una gran dama estadounidense digna de compararse con Isabelle Huppert o Nathalie Baye, mientras que los fanáticos de Sex and the City detectarán un poco de la vampiresa indeleble de Kim Cattrall, Samantha Jones, en el ronroneo patricio de Pfeiffer. Pero la sensación de vulnerabilidad trémula debajo de la altanería campy, la mezcla de calidez y frío, suavidad y acero, es muy propia de la actriz. La actuación de Pfeiffer en esta adaptación desigual pero encantadora de la novela de Patrick deWitt de 2018 ciertamente no es la más sutil, pero se encuentra entre sus más cautivadores de Pfeiffer-ian. MUY RECOMENDABLE.

2020: Globos de Oro: Nominada a mejor actriz comedia o musical (Michelle Pfeiffer)

2020: Premios Independent Spirit: Nominada a mejor actriz secundaria (Valerie Mahaffey)

2020: Satellite Awards: Nominada a mejor actriz comedia (Michelle Pfeiffer)

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WENDY

Wendy.

SINOPSIS: Perdida en una isla misteriosa donde el tiempo y el envejecimiento se han detenido, Wendy debe luchar para salvar a su familia, su libertad y al espíritu alegre de la juventud, del peligro mortal de crecer. MUY BUENA. 'Wendy' ha estado años en construcción, filmándose en una isla perdida (y volcánica) del Caribe, dependiente de la imaginación y espontaneidad de sus artífices y reparto. Un proyecto de amor, a todas luces, que rivaliza con cualquier otra versión del inmortal 'Peter Pan' por una sencilla razón: no habrá nada en esta vida como crecer, y ese mantra se queda bien profundo, en el corazón de este Nunca Jamás. No habrá nada como descubrir la inmensidad del mundo a edad temprana, no habrá nada como creer que los juegos de hoy serán nuestra esperanza del mañana, no habrá, nunca, nada como bailar sin parar al son de nuestra propia muda melodía... y, desde luego, no habrá nada como darse cuenta de que aquella fantasía, por muchas canas y arrugas, jamás abandonará del todo tu vida. Afirmaciones hermosas, puras, que recorren la historia y la sirven sin cinismo o burla ninguna. Aquí había creyentes filmando, y eso es raro de ver. El viaje iniciático de Wendy la lleva a afirmar, con infantil furiosidad, que su vida no será servir los desayunos en la estación a orillas de las vías. Esa idea y una sombra en la pared (apenas marcada, nada fantasiosa o bien señalada) se alían para sacarla de lo que siempre ha conocido, y plantearle la posibilidad de que sí, existe otra posible historia, una que se contará en leyendas sobre esa niña que voló a jugar con los fuegos de la tierra o a nadar entre bioluminiscencias eternas. Solo, tras mucho caerse entre las plantas o secarse a la brisa de la playa, Peter le menciona, de pasada, como augurio innombrable, el secreto: "nunca dejes entrar la tristeza en tu corazón".¿Y si existe la tristeza, cómo es que se evita, en la tierra de milagros e imposibles, su curación? Una pregunta que merece la pena hacerse. Tanto, que también merece la pena reescribir la historia de J.M. Barrie, y encontrarle un sentido a ese hueco del alma adulta, que con nada se llena y parece condenado a permanecer vacío."Tú no entiendes, eres joven." Frase que no nos hemos cansado de usar como arma arrojadiza, quemando el puente de vuelta a casa, porque con un par de arrugas, andrajos y michelines nos creemos merecedores de lo que esos malditos críos de pies descalzos nunca apreciarán. Sin darnos cuenta de que Nunca Jamás es enorme, es eterna. Y nunca nos abandonará, por mucho que queramos virar el rumbo y darnos la vuelta. MUY RECOMENDABLE.

2020: Festival de Sitges: Sección oficial largometrajes a concurso.

2020: Festival de Sundance: Sección oficial largometrajes a concurso.

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TIBURÓN

BLANCO

Great White.

SINOPSIS: Una escapada en hidroavión a la Gran Barrera de Coral australiana se convierte en una pesadilla para un grupo de jóvenes cuando son atacados por un gigantesco tiburón blanco. Varado en alta mar sobre un frágil bote salvavidas, el grupo tendrá que usar todo su ingenio para resistir a la monstruosa amenaza que les acecha bajo el agua. BUENA. Quién iba a decir que una simple escapada, un simple viaje en hidroavión para visitar la Gran Barrera de Coral australiana se iba a convertir en una pesadilla acuática para cinco jóvenes. Unos jóvenes que solamente querían pasar una pequeña e inocente aventura para olvidarse de sus problemos cotidianos. Pues, así son las cosas, aunque si uno quiere ver esta película de terror-suspense será mejor que se abstenga de visionar el tráiler. Es cierto que, casi todos los tráilers son bastante spoileros, pero mejor entrar a la sala sin saber nada de ella. Sinceramente, parece que estemos delante de una mezcla de la magnífica Infierno Azul (Jaume Collet-Serra, 2016) y Open Water (Chris Kentis, 2003). El resultado general tira más hacia la segunda que hacia la primera, pero de todas maneras, termina con bastante buena nota. La guapa e infravalorada actriz Katrina Bowden (American Pie: El reencuentro, Piraña 2) encabeza el reparto, con actores y actrices mayormente desconocidos para mí, de este film rodado mayormente en Australia. Ya sé que Katrina no es Blake LIvely en la mencionada Infierno Azul, pero hace muy suyo a su personaje y consigue meterte en tensión y suspense, junto a sus compañeros, a lo largo de hora y media, más o menos, de metraje. No es una superproducción de Hollywood, no tendré un presupuesto de lo más elevado, pero se nota que han sabido aprovechar bien su presupuesto. Sobretodo en lo que respecta al terreno de los efectos visuales, los tiburones y los efectos que producen sobre los cinco protagonistas. RECOMENDABLE.

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THOSE

WHO

WISH

ME DEAD

Aquellos que desean mi muerte.

SINOPSIS: Connor (Finn Little), un adolescente testigo de un asesinato, es perseguido por dos asesinos gemelos a través de las tierras salvajes de Montana. Aunque cuenta con Hannah (Angelina Jolie), una experta de la supervivencia para evitar que los secuaces le den caza, un incendio cercano pronto amenaza con acabar con la vida de todos los implicados. MUY BUENA. Lo último de Taylor Sheridan después de la magnífica "Wind River"como director es este trepidante thriller de acción que ofrece un buen entretenimiento. Hannah trabaja apagando incendios en una vasta zona forestal de Montana, mientras hace guardia en una torreta de vigilancia se topa con Connor un niño que deambula perdido y que ha visto como asesinaban a su padre un par de sicarios. El padre le ha dado al chico un escrito donde revela una trama que implica a gente importante, por lo que los asesinos no tienen que dejar ningún cabo suelto y matar como sea al pequeño. El pueblo más próximo esta a más de 20 km y con la radio rota por culpa de la caída de un rayo en la torre tendrán que sobrevivir a base de ingenio. Todo se tuerce cuando los asesinos provocan un gran incendio.... Basada en la novela de Michael Koryta de 2014 del mismo título, el guion corre a cargo también de Taylor Sheridan, conocidísimo por sus guiones de "Comancheria", "Sicario" y la recién estrenada en Amazon "Sin remordimientos". Un autor que le gusta mucho contar sus historias en vastos lugares poco poblados ahora le ha tocado a Montana tras las praderas de Texas o la tundra nevada de Wyoming.La hija de John Voigth, Angelina Jolie de 45 años andaba un poco alejada de este tipo de heroína de acción que ya había interpretado en "Salt","Tomb Raider", "Wanted" o "El sr. y la sra Smith" y alternaba sus papeles de actriz dirigiendo películas muy interesantes como "Invencible". Aquí retoma con fuerza este personaje valiente, un tanto atormentado por un trágico suceso que le ocurrió mientras apagaba un incendio forestal y que estará dispuesta a arriesgar su vida para proteger al pequeño. Completan el reparto Nicholas Hoult, Tyler Perry, Jon Bernthal, Aidan Gillen y el niño pequeño está interpretado por Finn Little al cual hemos podido ver en "Angel of mine" o "Stormboy" al cual se le augura una buena carrera. Sus cien minutos se pasan sin dar mucho respiro con un ritmo muy acelerado, y garantizan que pases un rato muy disfrutable. MUY RECOMENDABLE.

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MALMKROG

Malmkrog.

SINOPSIS: Un grupo de invitados pasa las vacaciones de Navidad en la mansión de un aristócrata de Transilvania. Según van surgiendo los diferentes debates y el ambiente se va caldeando, la tensión llega a cotas insoportables. MUY BUENA. Malmkrog destaca por su impresionante ambientación en la Europa del Este de finales del XIX. Como reconoce el propio director, este éxito se debe a un proceso de documentación prolongado, en una labor fructífera porque tanto la mansión -un personaje más- como el vestuario, trasladan a la época de forma deslumbrante. La gran ganadora del 17.º Festival de Sevilla, es una película provocadora cuyo interés se encuentra en el combate dialéctico de sus personajes, magníficamente interpretados. Su apuesta por el uso de pocos planos fijos lastra los largos diálogos sobre temas trascendentales e inmortales. Así, el film que desesperaría a Alfred Hitchcock gustará solo a aquellos cinéfilos que acepten renunciar al uso del conflicto narrativo como motor de una historia. Todo un reto. MUY RECOMENDABLE.

2020: Festival de Sevilla: Mejor película y guion.

2020: Festival de Berlín: Competencia Internacional.

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ERNA I KRIG

Erna i krig .

SINOPSIS: 1918. La primera guerra mundial asola Europa mientras Erna Jensen vive una vida convencional con su hijo Kalle en Bramstrup. Un día, el jefe de policía de su pueblo alista a Kalle en el servicio militar para luchar por el Imperio Alemán. Erna se disfraza de soldado para ir al frente con su hijo. MUY BUENA. El drama bélico de Henrik Ruben Genz, Erna at War, ha tenido su estreno mundial en la competición principal del Festival Black Nights de Tallin de este año. Genz se graduó en la National Film School de Dinamarca en 1995, y desde entonces ha sumado numerosas cintas de ficción, series de televisión y documentales a su filmografía, incluyendo su anterior largometraje, la comedia Word of God. La película de Genz, una adaptación de la aclamada novela de Erling Jepsen, cuenta una apasionante historia de valentía y amor maternal. Dyrholm ofrece una buena interpretación, al igual que el resto del elenco. En concreto, la fuerza de voluntad de su personaje, dispuesta a proteger a su hijo a toda costa, así como su resiliencia y su franqueza, están perfectamente representadas y logran aportar una gran fuerza a la película. La narración y la dirección siguen códigos y convenciones bastante tradicionales, pero esto no es para nada un defecto, ya que se trata de una obra cinematográfica que no pretende reinventar la rueda ni experimentar sin sentido. En su lugar, opta de forma encomiable por utilizar algunas herramientas artísticas bien engrasadas para construir una pieza sólida y creíble, nada más y nada menos. Por lo tanto, la falta de adornos permite al espectador centrarse en el espíritu de sacrificio de Erna y su amor por Kalle, así como en las relaciones que desarrolla con Meier y Anton (Anders W. Berthelsen), un antiguo herrero de Jels que ahora forma parte de su pelotón. Además del tema central del amor maternal, Genz logra transmitir el sentido de pertenencia de los personajes hacia su verdadera patria, a través de varios elementos como la presencia de diálogos relevantes (en la escena inicial, Erna y Kalle están tumbados en cama, hablando sobre su identidad danesa, a pesar de verse obligados a ser ciudadanos del Reich), o el hecho de que Erna lleve consigo una pequeña bandera de Dinamarca, que se muestra en varias ocasiones importantes a lo largo de la película. MUY RECOMENDABLE.

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AYKA

Ayka.

SINOPSIS: Ayka acaba de dar a luz, pero no puede permitirse tener un hijo. Es ilegal en Moscú, no tiene trabajo y tiene que pagar demasiadas deudas. No tiene ni siquiera un lugar donde dormir. Y sin embargo, la naturaleza pone todo en orden. Después de dar a luz a su hijo, lo deja en el hospital. Sin embargo, algún tiempo después, su instinto maternal le lleva a intentos desesperados de encontrar al niño abandonado. EXCELENTE. La estructura de Ayka se produce con una cadena de planos secuencias que siguen en todo momento a la protagonista. Por ende, consiguen dar esa sensación de cercanía y ser parte de la puesta en escena. Así, la dirección de fotografía ha apostado por un formato de cámara en mano, sin preocuparse de la posición o el movimiento, al contrario, da rienda suelta a que se adapte a lo que sucede en pantalla. Luego, ese efecto irregular evoca perfectamente a esa sensación de desprotección y de una vida inconclusa, llena de desequilibrios. Por lo cual, sabe darle ese punto visual que hace que el resultado tenga ese ritmo bien conservado, sin buscar exagerar las situaciones extraídas del guión. Un efecto que toca de cerca la dureza que se recrea en todo momento.Después, la dirección artística se ha movido entre unos colores fríos y oscuros, dando una sensación de distancia, de conflicto y de soledad. Junto a esa mezcla de colores, también se han mostrado las calles de Moscú desde una helada no sólo física y ambiental, sino también esa realidad espinosa y nada acogedora. Sumado a ello, se ve un cuidado por el detalle muy importante, en el que se hace alusión a los apegos que se desarrollan, o la falta de ellos. Por lo cual, se comprueba que la protagonista se encuentra huérfana de sentimiento, dado que no está unida absolutamente a nada. No obstante, el modo de resolver ese conflicto personal se hace desde un procedimiento sutil y sin necesidad de ser muy concreto. Debido a ello, se da rienda suelta a la poesía visual de un final abierto que no necesita ser explicado. Ayka es una historia difícil, que se aleja de dramas lacrimógenos para dar mayor verosimilitud a su relato. Además, su camino vital es la puerta a mostrar realidades que son duras y complejas. Unido a ello, Samal Yeslyamova está soberbia, con un talento increíble. Es capaz de desgarrarse ante la pantalla con una expresividad alejada de adornos innecesarios. Después, la artesanía de la imagen expone un escenario lleno de vacíos y frialdad, que se equilibra con un manejo del detalle y una posición que convierte al espectador en parte de la escena. La supervivencia emocional cruda ante una herida propiciada por una vida lejos del estándar social. IMPERDIBLE.

2019: Festival de Cannes: Mejor actriz (Samal Yeslyamova)

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T E A C H E R

El Profesor.

SINOPSIS: Un profesor de instituto hace todo lo posible para proteger a sus alumnos preferidos de los abusadores que se meten con ellos. MUY BUENA. En El profesor (Teacher), el enfoque es distinto. David Dastmalchian interpreta a un profesor de inglés, bastante creepy, que debe lidiar con sus propios demonios. Es un hombre con problemas para controlar la ira y con el consumo de alcohol, como consecuencia de las secuelas traumáticas de una adolescencia en la que sufrió bullying. En la actualidad, intenta evitar que en su clase haya jóvenes que sufran ese mismo acoso, pero deberá enfrentarse a un sistema educativo cobarde que prefiere mirar hacia otro lado, esperando que las cosas se solucionen por sí solas. El profesor (Teacher) de esta película, utiliza la literatura shakesperiana para mostrar a sus alumnos la delgada línea que separa al héroe del villano, y como muchas veces comparten sentimientos o características. Esa es la cuestión central que emerge en la película y que se plantea como una cuestión moral al espectador. ¿Debemos tomarnos la justicia por nuestra mano o esa es la manera de seguir alimentando una cadena de odio y violencia? ¿Un acto violento nos convierte en héroe o villano según las circunstancias en qué se produce? El profesor (Teacher) juega constantemente con nuestras expectativas. Es provocadora cuando nos incita a posicionarnos y devastadora cuando éstas casi nunca se cumplen. No siempre es sutil o acertada en sus planteamientos, pero sí logra captar nuestra atención desde el principio y no nos suelta hasta el final. El debutante realizador, Adam Dick, se muestra enérgico y directo con una puesta en escena no demasiado lucida, pero dotando a su narrativa de un vigor sorprendente. Hay una sensación de desasosiego latente que te mantiene en tensión durante toda la película. El profesor (Teacher) es el debut de Adam Dick. Un drama sobre el abuso en toda su extensión, desde el abuso escolar hasta el abuso de poder. Utiliza los textos de William Sakespeare como lienzo para reflexionar sobra la violencia social y sobre como dependiendo del punto de vista puedes pasar de ser un héroe a un villano (y viceversa). Es un debate moral interesante que está intrínseco a la historia, pero que nunca se interpone a la acción o el suspense de los acontecimientos.Sin llegar a los insoportables extremos de la terrorífica Después de Lucía (Michel Franco, 2012), El profesor (Teacher) es una película muchas veces incómoda que generará una parecida impotencia en el espectador. Una ópera prima que elude el tono sentimentaloide de cierto cine centrado en el profesorado educativo, que resulta tan imperfecta como llena de ideas sugerentes. IMPERDIBLE.

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DOCUMENTALES

BE WATER

Se como el Agua.

SINOPSIS: En 1971, tras ser rechazado por Hollywood, Bruce Lee regresó a la casa de sus padres en Hong Kong para completar cuatro películas icónicas. Ilustrando su lucha entre dos mundos, este retrato explota la cuestión de la identidad y de la representación a través de material inédito, entrevistas con sus seres queridos y los propios textos escritos por el legendario maestro de las artes marciales. EXCELENTE. Be Water es un documental tan emotivo como clásico. Como especialista y profesional en el tema que nos ocupa, creador en los 80 del Bruce Lee JKD Club de España, y autor de Bruce Lee, la senda del luchador, publicado en 2018, soy consciente de mi especial posición a la hora de valorar este documental. Ya desde la presentación y las primeras escenas, tomamos cuenta de que estamos ante un trabajo especial, de esos que se hacen con amor. La historia, de principio a fin, está muy bien construida, proporcionándonos una visión global del personaje que, a casi 50 años de su muerte, puede mirar atrás con la experiencia acumulada por el tiempo. Uno de los elementos interesantes del documental, es hacernos comprender las vicisitudes a las que tuvo que enfrentarse Bruce Lee en una época convulsa de los EE.UU, en los que imperaba el racismo más radical y en la que los chinos eran vistos como una etnia inferior. Algo contra lo que Bruce Lee luchó con denuedo durante toda su vida. A través de los testimonios orales de gente que lo conoció, y apoyado con imágenes sugerentes, poco a poco vamos adentrándonos en los avatares de su vida, en los diferentes lances a los que se enfrentó y en su excitante personalidad. Cuando hablo de clásico, lo hago desde el prisma de la experiencia, ya que he visto muchísimos documentales de Bruce Lee a lo largo de los años, y este sigue la estela clásica; es decir, se limita a plasmar la vida y pensamiento del personaje, sin ahondar ni polemizar en algunos de los aspectos más controvertidos que han ido saliendo a la luz con los años, tal y como sería el referido a su muerte. En definitiva, se trata de un buen trabajo documentalista de cara a la generación actual, que no defraudará a nadie demasiado exigente. IMPERDIBLE.

2020: Festival de Cannes: Sección oficial documentales a concurso.

2020: Festival de Sundance: Sección oficial documentales a concurso.

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SHOWBIZ

KIDS

Los niños de Hollywood.

SINOPSIS: Documental sobre los altibajos de las carreras infantiles en el mundo del espectáculo, con entrevistas a algunos de los ex niños actores más famosos del cine. EXCELENTE. La película nos lleva a varios ambientes, a varias décadas, y por supuesto a todos les da una voz solemne y que genera confianza. Estos chicos, con los que crecimos, y quienes protagonizaron películas en la gran pantalla, no son necesariamente tan felices como parecen. Showbiz Kids no es un aterrizaje generalizado que desmiente lo que imaginamos. Es solo una apertura hacia un submundo que simplemente no conocemos del todo. Sus vidas contenían las dificultades típicas, pero también las atípicas. Los padres que se querían enriquecer con el talento de sus chicos, la mentira de personalidades plásticas que las revistas y los talk shows querían perfilar como verdaderas, y la no aceptación del tiempo como causa de deterioro físico y mental. Showbiz Kids esclarece esto desde el punto de vista de quienes vivieron todo esto y de quienes lo sobrevivieron. La vida de Henry Thomas (el mismísimo Elliot en E.T.) fue tan difícil como impactante en todo lo que quiso hacer después, Mara Wilson (Matilda) explica por qué su carrera fue tan corta, Milla Jovovich relata lo que vivió en su difícil período de adolescente, y Evan Rachel Wood realiza una poderosa declaración sobre la sexualidad en la industria. El testimonio de todos es una verdad tan contundente como un tren a toda velocidad. Pero insisto, Showbiz Kids no utiliza un sentido morboso de sensacionalismo. Es una película honesta y de gran poder. Una que depende mucho del espectador que debería entender quiénes son los chicos que sonríen, lloran y actúan en nuestras películas favoritas.De todo esto me gusta indagar. Me gusta pensar en algo quizás polémico. Evan Rachel Wood algo cuenta en la película. Y es que creo que mucho se esconde en ese oscuro mundo de Hollywood, contratos, y explosivas sorpresas exitosas en forma de sonrisas y gestos infantiles. El abuso infantil es una realidad que no se suele asumir demasiado. Y ni siquiera hablo de abuso sexual. A veces ni siquiera tiene que llegar a algo tan monstruoso como eso. Creo que los padres a veces pueden llegar a ser los depredadores de estos inocentes seres que todavía no cuentan con la madurez suficiente para determinar lo que está bien y está mal, o lo que es aceptable o condenable. La película nos muestra un testimonio real de alguien que está buscando incursionar en el éxito infantil en Hollywood. No creo que sea el único que se vaya a dar cuenta de que hay algo mal en esa entrevista. Es como un guiño sospechoso de Winter que no nos muestra la verdad filtrada. Solamente nos muestra la versión clara de la misma. IMPERDIBLE.

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CINE CLÁSICO

CICLO: EL AMOR Y LA COMEDIA EN LA WWII

ON THE

BEACH

La hora final.

VERSIÓN REMASTERIZADA.

SINOPSIS: Un holocausto nuclear ha aniquilado casi por completo a los seres humanos, excepto a un grupo de personas que viven en Australia. Gregory Peck es el comandante de un submarino cuya misión consiste en buscar a los supervivientes. Mientras tanto, la nube radioactiva que ya ha destruido el hemisferio norte, se va acercando al último enclave humano. EXCELENTE. Ya es hora de reconocer la labor de este importante productor y maravilloso director. Stanley Kramer realiza películas que rezuman pasión y dedicación al oficio, auténticas piezas maestras, colosales ( p. ej. Vencedores o vencidos ). La hora final se compone de un rosario de actuaciones entregadas y memorables que crean una obra difícilmente olvidable ( la expresión de Perkins ante la duda del suicidio, la enajenación de Peck al recordar a su familia, la desdicha y la pasión de Ava Gardner, el Último sueño de Astaire...). El tempo narrativo se sostiene de manera excelente entremezclándose momentos desesperadamente románticos con otros terriblemente dramáticos. La fotografía es maravillosa ( el beso de Gardner y Peck junto al mar es imperecedero en mi memoria ), la música ( Ernerst Goild ) remarca con acierto las intenciones del director y la realización de Kramer incide en su técnica favorita: el zoom hacia el rostro de los personmajes para profundizar en sus sentimientos. El guión es un poco tópico, pero la mano maestra de Kramer y el reparto le confieren una profundidad notable. Quien desee ver una película excelentemente actuada, filmada y realizada con amor al oficio que consiga visionar este filme que a la vez es romántico, dramático, demagógico, directo, sincero, presuntuoso, brillante, apático, apasionado: tal es su grandeza. IMPERDIBLE.

1959: Nominada al Oscar: Mejor Banda sonora (Drama o Comedia)

1959: Globos de Oro: Mejor banda sonora. 5 nominaciones

1959: Premios BAFTA: Nominada a mejor actriz extranjera (Ava Gardner)

1959: National Board of Review: Top 10 mejores películas

1959: Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a mejor película.

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1941

1941.

VERSIÓN REMASTERIZADA.

SINOPSIS: La histeria colectiva se apodera de los habitantes de las costas de California en los días posteriores al ataque japonés contra Pearl Harbor. Un submarino nipón se ha extraviado y la población teme una invasión. EXCELENTE. Todo transcurre con el fondo de la paranoia de la costa Oeste americana en 1941, cuando se creía la inminencia de un ataque japonés. Esa situación no es el tema de la película, sino meramente el contexto de las acciones disparatadas de una serie de personajes alocados, que me hicieron reir del principio al fin, hace treinta años y ahora. Los gags son un aluvión continuo y en varios niveles, así que es preciso estar atento para no perderse ninguno. La cámara cumple un ciclo, saltando muy frecuentemente de uno a otro hilo siguiendo sus personajes, que además, están acosados por eventos vertiginosos. Hay que llevar entonces el control de varias hebras argumentales y a no olvidarse, caso contrario todo parecerá una ensalada. Todos los personajes son entrañables y graciosos, pero el argumento favoreció a dos, la cupla enfrentada del cabo Sitarski y el adolescente descocado Wally, cuya única preocupacion es no perder su novia en las garras del primero y ganar la competencia de baile (la gorda enamorada del cabo Sitarsky está impagable). Hasta el último momento de la cinta, todo resulta memorable: la película se despide a las carcajadas. Por todo esto resulta llamativo e injusto que 1941 se haya evaporado de la memoria popular. En mi opinión, entre los mejores films de Spielberg, superior a la serie Indiana, al ET, al Color Púrpura (un hato de remordimientos políticamente correctos), mejor que La lista de Schindler (tema remanido si los hay), mejor que IA (otra versión de Pinocho), etc, etc. En 1941 tenemos un retrato fresco del joven e irreverente Spielberg que nunca mas volveríamos a ver. IMPERDIBLE.

1979: 3 nominaciones al Oscar: Mejor fotografía, efectos visuales, sonido.

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MINISERIES Y SERIES

DEAD

MOUNTAIN

Pereval Dyatlova.

MINISERIE COMPLETA

8 EPISODIOS

3 DISCOS

Duración: 480 min.

Género: Thriller. Drama. Intriga | Miniserie de TV

Starring:	Pyotr Fyodorov Aleksey Bardukov Ivan Mulin Mariya Lugovaya
Directed by:	Valeriy Fedorovich Evgeny Nikishov
Produced by:	1-2-3 Production

SINOPSIS: Basado en los archivos desclasificados del caso de la vida real que tuvo a personas hilando teorías locas en todo el mundo durante más de 60 años, desde avalanchas hasta pruebas de armas secretas e interferencia alienígena. EXCELENTE. Una de las series más vistas en el mundo.Enero de 1959, Unión Soviética. En las heladas montañas de los Urales, un grupo de nueve estudiantes emprende una caminata de esquí. Aunque todos son senderistas experimentados, nunca llegan a su destino. Cuando sus cuerpos aparecen un mes después, deja perplejos a los investigadores locales. Su tienda fue cortada desde adentro, se encuentran congelados y rígidos en ropa interior esparcida por todo el campamento, algunos incluso están parcialmente destrozados. ¿De quién o de qué huyeron? ¿Por qué murieron y cómo? Cuando Oleg, un mayor de la KGB, llegue a la provincia, su investigación se mantendrá en estricta confidencialidad. Preocupado por su pasado como veterano de la Segunda Guerra Mundial, tiene un sexto sentido y la muerte parece seguirlo mientras profundiza en el misterioso incidente. Con la ayuda de Katya, la forense local, Oleg está empeñado en encontrar la verdad. Pero cuanto más aprende, más claro queda: la razón por la que murieron los estudiantes nunca verá la luz del día. Nadie puede saber nunca lo que sucedió realmente. Nadie. Excepto él. IMPERDIBLE.

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TOO

CLOSE

MINISERIE COMPLETA.

3 EPISODIOS

2 DISCOS.

SINOPSIS: Un psiquiatra forense tiene que evaluar a una mujer acusada de un crimen y que afirma no recordar nada. MUY BUENA. Es difícil apartar la mirada de este juego del gato y el ratón, ya que una mujer acusada de un crimen terrible comienza a meterse bajo la piel de su psiquiatra. La idea de que un psiquiatra se sienta fascinado (o manipulado) por un paciente no es un territorio inexplorado, pero Gough y Mortimer son dos de nuestras mejores actrices. Verlos enfrentarse cara a cara es un placer, incluso si sus intercambios a veces son demasiado prolijos para sentirse totalmente auténticos. Afortunadamente, la tendencia de Connie a hablar con pronunciamientos siniestros se ve socavada por la actuación cinética de Gough. En las primeras escenas, interpreta a Connie como un resorte en espiral; cuando finalmente se deshace, es aún más perturbador. La parte de Watson es naturalmente más discreta, pero Emma es intrigante de una manera diferente, agobiada por una tragedia pasada de la que seguramente aprenderemos más en episodios futuros, que se transmitirán en las noches posteriores de esta semana. Con ella y Gough al timón, es difícil apartar la mirada de este juego del gato y el ratón. MUY RECOMENDABLE.

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sábado, 15 de mayo de 2021

ESTRENOS DEL MIÉRCOLES 19/5/2021

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