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ESTRENOS DELA SEMANA
LION
El León.
- Título original
- Le lion
- Año: 2021
- Duración: 95 min.
Francia- Dirección: Ludovic Colbeau-Justin
- Guion: Matthieu Le Naour, Matt Alexander
- Música: Erwann Kermorvant
- Fotografía: Thomas Lerebour
- Reparto: Dany Boon, Philippe Katerine, Anne Serra, Samuel Jouy, Sophie Verbeeck, Carole Brana
- Productora: Monkey Pack Films, TF1 Films Production, TF1 Films Production, Pathé, Canal+
- Género: Comedia | Espionaje. Buddy Film. Parodia
SINOPSIS: Romain es un médico interino que trabaja en un hospital psiquiátrico. Léo (Dany Boon) es un paciente que dice ser un agente secreto llamado "El León". Sus destinos se cruzan cuando a Romain no le queda otra que contar con Léo para que le ayude a encontrar a su prometida desaparecida. Romain, por supuesto, no está seguro de haber tomado la decisión correcta. ¿Es Léo un espía como dice o simplemente está loco de atar?. MUY BUENA. Película de comedia y de acción francesa protagonizada por un icono francés en el cine de risa, Dany Boon, en una película que mezcla locura, risas y acción a partes iguales.Una película francesa que cumple con el objetivo de pasar un buen rato y entretener, gracias a la buena actuación y la química entre sus protagonistas, en especial de Dany Boon, logrando que nos echemos unas risas en algunos momentos de la película, con unas escenas de acción que aunque no es su plato fuerte, tiene unas cuantas persecuciones bien hechas y una historia que aunque es en algunos momentos previsible y siendo bastante mecánica, te mantiene entretenido, con un final y un giro de guion que te llega a gustar e incluso a emocionar. En resumidas cuentas, es una muy divertida película de humor con toques de acción que hará que te mantengas entretenido durante todo el metraje, gracias a la gran actuación de Dany Boon y a la historia que tiene, logrando que nos saquen unas cuantas carcajadas, ver unas cuantas buenas persecuciones y pasar un buen rato, con un buen giro final, por mi parte creo que es una película muy recomendable, sobre todo para desconectar y disfrutar de Boon. MUY RECOMENDABLE.
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MOTHERING
SUNDAY
El Domingo de las Madres.
- Título original
- Mothering Sunday
- Año: 2021
- Duración: 110 min.
Reino Unido- Dirección: Eva Husson
- Guion: Alice Birch. Novela: Graham Swift
- Música: Rob Moose
- Fotografía: Jamie Ramsay
- Reparto: Odessa Young, Josh O'Connor, Colin Firth, Olivia Colman, Glenda Jackson, Sope Dirisu, Alfredo Tavares, Caroline Harker, Forrest Bothwell, Deano Mitchison, Craig Crosbie, Nathan Chester Reeve, Charlie Oscar, Sarita Gabony, Georgina Frances Hart
- Productora: Number 9 Films, British Film Institute, Film4 Productions, Lipsync Productions. Distribuidora: Lionsgate UK
- Género: Romance. Drama | Años 20. Drama romántico
SINOPSIS: 30 de marzo de 1924, Beechwood (Inglaterra). El matrimonio Niven (Olivia Colman & Colin Firth) perteneciente a la aristocracia inglesa y que ha perdido a sus hijos en la guerra, se prepara para celebrar el Día de la Madre y el compromiso de Paul (Josh O'Connor), el hijo de sus vecinos, con Emma Hobday (Caroline Harker). Los Niven han dado el día libre a su criada, Jane Fairchild (Odessa Young), huérfana de nacimiento y, durante siete años, amante de Paul. Con la casa vacía, Paul y Jane se encontrarán por primera vez en el dormitorio de Paul. La joven pareja dará rienda suelta a la pasión clandestina sabiendo que la aventura llega a su fin y que será su último día como amantes. MUY BUENA. El domingo de las madres es la traducción del título original, The mothering sunday, de Primavera en Beechwood (2022), tercera película de la cineasta francesa Eva Hesson, y con ese título fue publicada por Anagrama la novela adaptada de Graham Swift, autor de la extraordinaria El país del agua, otra obra que combina tiempos, y que adaptada al cine, en 1992, supuso la obra más notable de Stephen Gyllenhaal. Durante ese domingo, un 30 de marzo de 1924, transcurre el pasaje más extenso. El hilo que une esos acontecimientos con el otro pasaje más relevante, ya en la década posterior, es Jane Fairchild (Odessa Young), doncella en el primer pasaje, al servicio de Godfrey Niven (Colin Firth) y Clarrie (Olivia Colman), y ya escritora afianzada en el segundo. Hay un tercera, aunque es más presencia, o constancia de un logro, la consecución de la superación de las adversidades o imprevistos del tiempo, la consecución de la ancianidad (con los rasgos de Glenda Jackson). Es relevante en cuanto que esta es una obra sobre la pérdida, o lo impredecible de la vida, ya que la vida puede ser truncada del modo más imprevisto, sea en un campo de batalla, por un accidente o por una enfermedad crónica (incluso en la flor de la vida). El primer pasaje contrasta la sombra de la muerte por las pérdidas que cuesta asumir y el aliento e impulso de vida, a través de la relación sexual que mantiene Jane con Paul (Josh O'Connor), hijo de otra familia adinerada que vive en una lujosa mansión rural, y de modo particular, y elocuente, por el paseo desnuda de Jane por las estancias de esa mansión, tras que Paul haya marchado hacia una reunión de su familia con la de su prometida, Emma (Emma D'Arcy). La sombra de la pesadumbre se percibe, y palpa, ya de entrada, en los semblantes del matrimonio Niven. Parecen dos figuras a punto de descascarillarse por la pena. Más adelante se revelará que se debe a la muerte de su hijo en la guerra. Pero no es el único matrimonio que los ha perdido entre sus amistades. De hecho, Paul es el único superviviente de cinco, en tres familias. Su prometida ya lo fue de uno de los fallecidos. El semblante de Emma parece también surcado por el pesar combinado con el hartazgo, como la condenada que sabe que deberá casarse con alguien del entorno (de la misma clase), sea quien sea, aunque en su caso sea, de modo ineluctable, con el superviviente (su semblante también expresa la consciencia de lo que, por tanto, puede significar para quien será su marido). Una unión, por tanto, marital que se asemeja más a un entierro. En segundo pasaje, centrado en la relación entre Jane y el filósofo Donald (Sope Dirisu) también queda atravesado, o truncado, por la muerte imprevista. Ese es el hilo conductor. No sabes cuánto se quebrará el hilo que aparentemente guía o trenza el curso de cada vida, o de cada relación. Eva Hussen ha hecho una muy estimable película, siendo su tercer título, que ya es mejor que filmografías completas de algunos directores. Primavera en Beechwood (Mothering Sunday) es el poema o canción desesperada que le escribe una joven y prometedora autora francesa a Inglaterra. IMPERDIBLE.
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BLACKLIGHT
Luz Negra.
(EN CINES)
- Título original
- Blacklight
- Año: 2022
- Duración: 108 min.
Estados Unidos- Dirección: Mark Williams
- Guion: Nick May, Mark Williams. Historia: Nick May, Brandon Reavis
- Música: Mark Isham
- Fotografía: Shelly Johnson
- Reparto: Liam Neeson, Aidan Quinn, Taylor John Smith, Emmy Raver-Lampman, Claire van der Boom, Yael Stone, Tim Draxl, Georgia Flood, Caroline Brazier, Sunny S. Walia
- Productora: Coproducción Estados Unidos-China-Australia; Zero Gravity Management, Sina Studios, Film Victoria, Lightstream Pictures Australia, Screen Australia, Solution Entertainment Group. Distribuidora: Briarcliff Entertainment, Open Road Films, Rialto Distribution, Sina Studios [USA], Eagle Films, Solution Entertainment Grou
- Género: Acción. Thriller
SINOPSIS: Travis Block, un agente del gobierno en la sombra que se especializa en eliminar operativos cuyas coberturas han sido expuestas, descubre una conspiración mortal dentro de sus propias filas que alcanza los niveles más altos del poder. MUY BUENA. Acción, intriga y las reminiscencias al lúgubre episodio histórico de Edgar Hoover por casi medio siglo como director del FBI. Liam Neeson parece hacer con todas sus películas un compendio como siguiendo una mini serie, o sea, Liam Neeson se ha vuelto un género, el del veterano experimentado pero que malogró su matrimonio y de intachable moralidad. Una película que entretiene haciendo gala al géneri y un Neeson que hace suyo el film desde el minuto 1 y que es quien lo mantiene en pie y activo los 96 minutos del mismo ya sea en un momento dramático, violento o familiar (la idea recurrente del film de la familia hace que se tenga una sensación de película familiar por momentos, un aire que ya vimos de algún modo en “El Ladrón honesto”) En mi opinión Blacklight es la mejor peli de Neeson desde Venganza. MUY RECOMENDABLE.
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FRESH
Fresco.
- Título original
- Fresh
- Año: 2022
- Duración: 114 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Mimi Cave
- Guion: Lauryn Kahn
- Música: Alex Somers
- Fotografía: Pawel Pogorzelski
- Reparto: Sebastian Stan, Daisy Edgar-Jones, Andrea Bang, Charlotte Le Bon, Brett Dier, Dayo Okeniyi, Jonica T. Gibbs, Sunghee Lapell, Alina Maris, Jojo T. Gibbs
- Productora: Hyperobject Industries, Legendary Pictures
- Género: Thriller. Drama. Terror. Comedia
SINOPSIS: Thriller sobre los horrores de las citas modernas vistos a través de la desafiante batalla de una joven para sobrevivir a los inusuales apetitos de su nuevo novio. MUY BUENA. Desglosado en sus partes constituyentes, hay mucho sobre Fresh que parece familiar. Es posible que veas a Promising Young Woman en el mordaz comentario de la guionista Lauryn Kahn sobre los horrores de las citas modernas, o Get Out en su astuto uso de tropos de terror para amplificarlos. Hay matices de American Psycho en su ácido sentido del humor, y de Hannibal en su gusto por el lujo. Pero la directora Mimi Cave, en su debut como directora de largometrajes, reúne estas influencias en una película que hace honor a su título. Si Fresh tropieza en el camino hacia su propia línea de meta, sigue siendo una gran manera de iniciar una carrera. El primer acto de Fresh juega más o menos como una comedia romántica. Justo cuando Noa (Daisy Edgar-Jones de Normal People de Hulu) decide que está harta de las citas, conoce a Steve (Sebastian Stan), un apuesto cirujano plástico que comparte su gusto por los Old Fashioned y los chistes oscuros. (En su primera cita, brindan irónicamente por el hecho de que ambos tienen padres muertos). La alegoría central de Fresh es inteligente, y la historia de terror que se deriva de ella nunca deja de ser apasionante. Pero la película se conforma con reiterar sus ideas centrales en términos cada vez más dramáticos, en lugar de profundizarlas o expandirlas. Luego, justo cuando Fresh amenaza con quedarse sin fuerza, los últimos 20 minutos se convierten en un caos total, como si, sin tener idea de cómo terminar la historia de Noa, los realizadores se dieron por vencidos y decidieron hacer todo de una vez con la esperanza de que algo trabajaría. Nada de esto es sutil, y no todo tiene mucho sentido. Pero visto como un todo, Fresh es un éxito: una muestra de las habilidades de sus talentos creativos que dejan al espectador con ganas de más. IMPERDIBLE.
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TRE
PIANI
Tres Pisos.
- Título original: Tre Piani
- Año: 2021
- Duración: 119 min.
Italia- Dirección: Nanni Moretti
- Guion: Nanni Moretti, Federica Pontremoli, Valia Santella. Novela: Eshkol Nevo
- Música: Franco Piersanti
- Fotografía: Michele D'Attanasio
- Reparto: Riccardo Scamarcio, Alba Rohrwacher, Nanni Moretti, Margherita Buy, Alessandro Sperduti, Stefano Dionisi, Adriano Giannini, Denise Tantucci, Anna Bonaiuto, Elena Lietti, Paolo Graziosi, Tommaso Ragno
- Productora: Coproducción Italia-Francia; Sacher Film Rome, Fandango Produzione, RAI Cinema, Le Pacte
- Género: Drama | Familia
SINOPSIS: Relato sobre los miembros de tres familias cuyos apartamentos están en
el mismo bloque de clase media. Se trata de un joven matrimonio, Lucio y
Sara, que sospecha que su vecino Renato, ha abusado de su hija; una
madre, Monica de dos hijos cuyo marido Giorgio está siempre fuera
trabajando; y una juez jubilada, Dora que ejerce el mismo trabajo de su
marido Vittorio. EXCELENTE. En la primera secuencia de Tres pisos (Tre piani, 2021), de Nanni
Moretti, tres vidas, tres hogares vecinos, convergen en un suceso
nocturno, el atropello de un coche a una peatona que cruza la calle. El
coche que conduce Andrea (Alessandro Perdutti), hijo de Vittorio (Nanni
Moretti) y Dora (Margherita Buy), tras el atropello, embiste la
cristalera del piso que ocupa Lucio (Riccardo Scarmaccio) con su esposa
Sara (Elena Lietti) y su hija. Monica (Alba Rohrwacher), que se dirige
al hospital para dar a luz, es testigo del suceso. Atropellos,
colisiones, percepciones. La narración alterna, durante varios años, el
curso de las relaciones en cada uno de esos tres hogares, como si se
estableciera un diálogo especular entre los diferentes conflictos que se
viven en uno y otro. Ese suceso no conecta las tres vidas pero si
señaliza o anticipa los percances que se viven o vivirán en cada hogar.
El atropello se corresponde con la sensación de atropello que siente
Andrea con respecto a la figura de autoridad de su padre, juez. La
rotura de la cristalera con la desestabilización que quebrara la vida de
Lucio cuando tema que su hija haya podido sufrir abuso sexual por parte
de un vecino, anciano, que solía cuidarla cuando ellos estaban
ausentes. Por su parte, Mónica, que no puede dar un testimonio preciso
sobre el accidente, sobre si la mujer cruzó sin mirar o fue
responsabilidad del conductor, se caracterizara por una progresiva
desestabilización de su percepción de la realidad. Por ciertas visiones,
como la de un cuervo en su salón, teme haber heredado la enfermedad
neuronal de su madre, aunque el médico le indique que no tiene por qué
ser así. Fragilidades, inestabilidad. La imprecisa u ofuscada percepción de los
otros ¿Qué percibimos de los demás o qué proyectamos sobre los demás?¿En
qué medida se pueden convertir más en lo que representan, de nuestros
temores o frustraciones, que lo que son? La percepción es una cuestión
capital en el entramado dramatúrgico y conceptual. En especial, en
relación con Lucio, cuya conflicto es el que ocupa más tiempo narrativo
(y que, de modo específico, se hace eco de dinámicas condenatorias
sociales que en la última década han sido recurrentes). A diferencia de
su esposa, se ofusca y obceca con su convicción de que su vecino
infligió abuso sexual a su hija. Cuando les encuentra en el parque en la
noche, no percibe un hombre al que han fallado las piernas, ni se
convence de que sea fiable el relato de su hija. No cree que se
perdieron, como ella le dice, más bien él se pierde en sus temores y
recelos. Hay una cristalera que se rompe en su mente. IMPERDIBLE.
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TOUT
S´EST
BIEN
PASSÉ
Todo va a estar bien.
- Título original
- Tout s'est bien passé
- Año: 2021
- Duración: 112 min.
- Francia
- Dirección: François Ozon
- Guion: François Ozon. Novela: Emmanuèle Bernheim
- Fotografía: Hichame Alaouié
- Reparto: Sophie Marceau, André Dussollier, Geraldine Pailhas, Hanna Schygulla, Charlotte Rampling, Grégory Gadebois, Eric Caravaca, Jacques Nolot, Judith Magre, Daniel Mesguich, Nathalie Richard, Annie Mercier
- Productora: Mandarin Production, Foz, France 2 Cinema, Playtime Production, Scope Pictures
- Género: Drama | Familia. Vejez / Madurez
SINOPSIS: Emmanuèle, una novelista con una vida privada y profesional plena, se
precipita al hospital al enterarse de que su padre, André, acaba de
tener un accidente cerebrovascular. Cuando se despierta, debilitado y
dependiente, este hombre, curioso por naturaleza y amante apasionado de
la vida, le pide a su hija que le ayude. EXCELENTE. François Ozon vuelve a la cartelera y lo hace llevando a la gran
pantalla la historia real de su amiga y colaboradora Emmanuèle Bermheim,
que vio como su vida daba un tumbo, cuando su padre le pidió que le
ayudara a morir dignamente. La mayoría del cine de Ozon tiene unas
constantes muy reconocibles, como son los juegos de identidad, la
tensión entre lo aparente y lo real y el cuestionamiento de una
sexualidad normativa. Pero en sus últimos trabajos ha ido cambiando de
registros y sus películas más recientes han generado un cierto debate y
su ritmo es más íntimo y personal. La cinta tuvo su estreno oficial en
el Festival de Cine de Cannes dentro de la Sección oficial y aquí en
nuestro país la pudimos ver en el Festival de Cine de San Sebastián
dentro de la Sección Perlas. La historia está guiada por la mirada de una escritora madura (Papel
interpretado por Sophie Marceau) que un día recibe la llamada con la
noticia de que su padre ha sufrido un derrame cerebral. El papel del
padre está interpretado de manera estupenda por el veterano actor André
Dussollier. El padre siempre ha tenido un carácter difícil y una
relación muy tensa con sus hijas, especialmente con una de ellas. Aun
así, en mitad de su proceso de recuperación, intenta convencer a su hija
para que se encargue de gestionar su última voluntad, tener una muerte
digna. Pero en Francia la eutanasia está prohibida, así que Emmanuéle y
su hermana Pascale (papel interpretado por Geraldine Pailhas) tendrá que
contactar con una organización suiza para cumplir el último deseo de su
padre. Aunque la película toca un tema muy doloroso, Ozon no se centra en los
pormenores del asunto, sino que prefiere llevar la historia hacia las
ambiguas relaciones entre estos tres personajes, profundizando en la
idea del amor como una elección. En ningún momento nos muestra imágenes
para llevarnos hacia la lagrima fácil, al contrario, tiene escenas
divertidas y que sacaran al espectador más de una sonrisa. Otro aspecto
que trata muy bien la película es la capacidad que tenemos las personas
en aceptar el duelo y como lo llevamos a cabo, mostrando esa sensación
de vulnerabilidad que arrastramos cuando despedimos a los seres
queridos, aunque como en este caso, se trate de una despedida
programada. Cabe destacar el portento reparto que tiene la película, con tres
grandes actores, que se debaten en un duelo interpretativo de principio a
fin. IMPERDIBLE.
2021: Festival de Cannes: Sección oficial.
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Detente Zemlia.
- Título original
- Stop-Zemlia
- Año: 2021
- Duración: 122 min.
Ucrania- Dirección: Kateryna Gornostai
- Guion: Kateryna Gornostai
- Música: Maryanna Klochko
- Fotografía: Oleksandr Roshchyn
- Reparto: Maria Fedorchenko, Yana Isaienko, Oleksandr Ivanov, Arsenii Markov
- Productora: Esse House Producciones, Ukrainian Cultural Foundation, Ukrainian State Film Agency. Distribuidora: Pluto Film Distribution Network
- Género: Drama
SINOPSIS: Una visión auténtica, radical y sensible del perturbador sentimiento de
ser joven y una perspectiva interna de la juventud ucraniana. MUY BUENA. Kateryna Gornostai hace un retrato de la juventud ucraniana, aunque bien
podría ser un retrato de cualquier grupo de chicos y chicas en su etapa
adolescente. Utilizando actores no profesionales muestra las interacciones de una
clase de instituto y a su vez intercala fragmentos de entrevistas a
estos mismos jóvenes a modo de documental donde les pregunta sobre sus
vidas e inquietudes. La propia directora se da cuenta de que el mensaje
que quería transmitir en su película es el mismo que sienten dichos
jóvenes en la vida real. Aunque no sé decir si esta es la manera
correcta de hacerlo, pues en ocasiones estas interrupciones te sacan de
la historia que nos quiere mostrar, pero te acercan al lado real y más
humano de los verdaderos protagonistas. Cualquiera se podría ver reflejado en cierta manera con algunos de los
momentos del film, pues son muchos los temas que trata: alcohol, tabaco,
depresión, ansiedad, sexualidad, amistad, amor... pero lamentablemente
algunos de ellos sin mucha profundidad. Pues se deja entrever el
problema de la homosexualidad en este país pero de una forma muy leve.
Se nos muestra una escena de autolesiones totalmente innecesaria para
que nos demos cuenta de que cierto personaje ha tenido problemas en el
pasado. U otra escena en la que vemos que están haciendo una práctica de
disparo durante la clase -escena que recrea una tensión similar a la de
'Elephant' (Gus Van Sant, 2003)-, la cual abandona otro de los
personajes porque tiene un trauma familiar, aunque de esto no se vuelve a
saber absolutamente nada.
No encontraremos algo novedoso durante esta película, pero puede que
descubras que no eres la única persona que se siente diferente. Y
siempre habrá alguien que experimente lo mismo que tú en otra parte del
mundo. Entonces esta película es para ti. MUY RECOMENDABLE.
2022: Festival de Berlín: Sección Oficial.
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OUT
Freaks Out.
- Título original
- Freaks Out
- Año: 2021
- Duración: 141 min.
- Italia
- Dirección: Gabriele Mainetti
- Guion: Nicola Guaglianone, Gabriele Mainetti
- Música: Michele Braga, Gabriele Mainetti
- Fotografía: Michele D'Attanasio
- Reparto: Claudio Santamaria, Aurora Giovinazzo, Pietro Castellitto, Giancarlo Martini, Giorgio Tirabassi, Max Mazzotta, Franz Rogowski, Eric Godon, Ed Hendrik, Emilio De Marchi, Anna Tenta, Astrid Meloni, Michelangelo Dalisi
- Productora: Goon Films, Lucky Red, RAI Cinema, Gapbusters, VOO, BE TV, Casa Kafka Pictures Movie Tax Shelter Empowered by Belfius, Wallimage
- Género: Drama | Años 40. II Guerra Mundial
SINOPSIS: Roma, 1943. Fulvio (Claudio Santamaria) está cubierto de pelo de la
cabeza a los pies; Matilde (Aurora Giovinazzo) es tan eléctrica que
enciende las bombillas metiéndoselas en la boca; Mario (Giancarlo
Martini) sufre de enanismo; Cencio (Pietro Castellitto) escupe
luciérnagas y cambia la forma de los insectos. E Israel (Giorgio
Tirabassi) es el dueño y director del circo que los acoge a todos, como
una familia sui generis. Pero una explosión les roba su hogar-refugio y
los arroja en medio de la Segunda Guerra Mundial, siendo criaturas
extraordinarias enfrentadas al horror. MUY BUENA. Pocos, fuera de Italia, conocen a Gabriele Mainetti. Al fin y al cabo, tiene 44 años y hasta la fecha solo había filmado una película, Lo llamaban Jeeg Robot. Y, sin embargo, el estreno de su segundo largo suponía todo un acontecimiento en su país. No era para menos: su ópera prima, sobre
un desganado superhéroe de la periferia romana, le descubrió como un
director tan hábil como original. Y seguro. Tanto que realizó una
apuesta con uno de sus productores: si el largo lograba 300.000
espectadores, realizarían una obra más ambiciosa. Se vendieron un millón y medio de entradas. Y ahí estaba un risueño Mainetti, hoy miércoles, presentando en la competición oficial del festival de Venecia Freaks Out. La
promesa se cumplió de sobra: el espectáculo en la pantalla es
mastodóntico. Una superproducción en toda regla, pero en salsa italiana. “Tras Jeeg Robot,
nos preguntamos: ‘¿Y ahora qué hacemos?”, recordó en la rueda de
prensa. Con su coguionista, Nicola Guaglianone, desataron una tormenta
de ideas. Y, de golpe, surgió la Segunda Guerra Mundial. El productor
Andrea Occhipinti intentó moderar el entusiasmo: “Esto sería más bien
para un cuarto o quinto filme”. Quizás todos tenían razón. Porque la
segunda película del director ha supuesto un año de rodaje y muchos
millones de presupuesto. Muy por encima, en ambos casos, del plan
original. Pero la ambición también es alta: hablaron incluso de un
“punto de inflexión” para todo el cine italiano. Por lo pronto, Freaks Out reafirma que Mainetti es un director
con personalidad. Detrás de la cámara, donde filma una obra tan
apabullante como entretenida, tan gigantesca como personal. Hay ecos de
Fellini, Leone o La parada de los monstruos, de Tod Browning,
como admitió el creador, y una nueva mezcla de géneros. Una gran
aventura que también es novela de formación y defensa de los marginados.
Los héroes, aquí, son los raros. Como los X-Men, aunque sin carisma:
hasta sus poderes son improbables, de perdedores. Pero el sello del
creador se impuso también fuera del plató: cuando la pandemia paralizó
el proyecto, rechazó las ofertas millonarias de las plataformas. Solo
quería estrenar donde siempre se ha hecho: en una pantalla grande y bien ue lo hizo ya qu Freaks Out fue la película más taquillera de Italia con millon y medio de espectadores. MUY RECOMENDABLE.
-
2021: Festival de Venecia: Sección oficial a concurso2021: Festival de Sitges: Sección oficial largometrajes a concurso.
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CHE
LA
NOTTE
Antes que Anochezca.
- Título original
- Prima che la notte
- Año: 2019
- Duración: 120 min.
- Italia
- Dirección: Daniele Vicari
- Guion: Claudio Fava, Michele Gambino, Daniele Vicari, Monica Zapelli
- Música: Teho Teardo
- Fotografía: Luciano Federici, Gherardo Gossi
- Reparto: Fabrizio Gifuni, Dario Aita, Lorenza Indovina, Carlo Calderone, Federico Brugnone, David Coco, Fabrizio Ferracane, Barbara Giordano, Selene Caramazza, Simone Corbisiero, Beniamino Marcone, Roberta Rigano, Davide Giordano, Emanuela Ventura, Gaetano Aronica, Aurora Quattrocchi
- Productora: Italian International Film, Radiotelevisione Italiana (RAI)
- Género: Drama | Telefilm. Biográfico. Años 70. Años 80. Periodismo. Mafia. Crimen
SINOPSIS: En 1980, Giuseppe Fava, conocido como Pippo, decidió volver a Catania para fundar un periódico, después de haber cosechado grandes éxitos en el cine, la televisión, la radio y el teatro. Alrededor de esta empresa creó una verdadera escuela de periodismo, basada en la absoluta libertad de opinión, sobre todo en lo que respecta a la mafia. Y es precisamente este enfoque, combinado con una obstinada búsqueda de la verdad, lo que le lleva a chocar con las bandas del crimen organizado. MUY BUENA. Si no supieramos que son hechos reales pensaríamos que la película es una ficción sobre la quimera del periodismo en Sicilia, pero Fava existió como existió la revista El siciliano. La película se enfoca tanto al periodismo como a un homenaje sobre el lado humano y por ahí peca de sensiblería, quizá inevitable cuando se trata de una lucha épica de ese tipo, aunque son el tipo de sucesos tendrían gran color y textura enfocados desde un noir sin contemplaciones. Con todo entretiene de principio a fin y describe con precisión el proceso político y personal objeto del filme. IMPERDIBLE.
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Car
Doraibu mai kâ.
Maneja mi auto.
(EN CINES)
4 NOMINACIONES A LOS
PREMIOS OSCAR 2022
INCLUYENDO
"MEJOR PELÍCULA"
"MEJOR DIRECTOR Ryusuke Hamaguchi"
"MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL"
- Título original
- Doraibu mai kâ
- Año: 2021
- Duración: 169 min.
Japón- Dirección: Ryûsuke Hamaguchi
- Guion: Ryûsuke Hamaguchi, Takamasa Oe. Historia: Haruki Murakami
- Música: Eiko Ishibashi
- Fotografía: Hidetoshi Shinomiya
- Reparto: Hidetoshi Nishijima, Tôko Miura, Reika Kirishima, Sonia Yuan, Satoko Abe, Masaki Okada, Perry Dizon, Ahn Hwitae
- Productora: Bitters End, C&I Entertainment, Culture Entertainment, Asahi Shimbun. Distribuidora: Bitters End, The Match Factory
- Género: Drama | Teatro
SINOPSIS: Pese a no ser capaz de recuperarse de un drama personal, Yusuke Kafuku,
actor y director de teatro, acepta montar la obra "Tío Vania" en un
festival de Hiroshima. Allí, conoce a Misaki, una joven reservada que le
han asignado como chófer. A medida que pasan los trayectos, la
sinceridad creciente de sus conversaciones les obliga a enfrentarse a su
pasado. EXCELENTE. Fuerte candidato junto con Flee y El Buen Patrón a ganar el oscar este año, 'Drive
my car' es la mayor cumbre que ha alcanzado el cine de Hamaguchi
hasta el momento. Una obra en la que se condensan elementos presentes en
muchas de sus primeras películas, como la introducción del teatro que
era el alma de 'Intimacies', la infidelidad de 'Passion' o la
complejidad emocional de 'Asako I y II. Por lo que tengo entendido, la
obra se inspira en un relato de Murakami
pero difiere bastante del mismo. Dentro de sus tres horas de duración
podemos diferenciar claramente dos partes separadas entre sí por un
salto temporal. La primera hace hincapié en plasmar la peculiar relación
entre el protagonista y su mujer, con un tono sensual por momentos que
le sienta muy bien. Esta parte introduce la complejidad emocional que
rige su relación y que será la base para las segunda parte, que ocupa
prácticamente las dos horas posteriores del metraje. En esta segunda
parte es donde se introduce por fin al personaje
principal femenino, una mujer joven poco habladora y muy diligente con
su trabajo con la que el protagonista conectará a través del dolor y de
las cicatrices que han marcado sus vidas, creando entre sí un vínculo
que conseguirá calmar y consolar el dolor que ambos arrastran de una
forma muy íntima y sincera. Hamaguchi ya había usado el coche -o el
metro- en otras de sus películas
como espacio íntimo para desarrollar conversaciones profundas, pero
aquí está en otro nivel. Especialmente interesante el uso del propio
silencio para intensificar las pocas palabras que se recitan en ciertos
momentos. Hamaguchi siempre maneja esto de una manera que resulta
cautivadora. La integración de la obra de teatro es un elemento muy
interesante,
tanto por el carácter multilinguístico de la obra como por la forma en
que exprime la posibilidad de introducir personajes secundarios que
alimentan la trama principal. Los ensayos y la ejecución de la obra se
llevan algunos de los mejores momentos de la película, especialmente con
la mujer coreana muda que interpreta mediante el lenguaje de signos.
Todo esto hace que las 3 horas de metraje transcurran con una velocidad
pasmosa, a diferencia de lo que ocurría en 'Happy Hour' donde los
minutos pesaban más. Sorprendentemente, no es una película densa pero
tiene un calado emocional muy profundo. El contraste entre la
complejidad emocional y la sencillez con la que va poco a poco liberando
ese nudo es maravillosa. El estilo de Hamaguchi, especialmente en esas
conversaciones sin cortes donde los diálogos y el silencio se dan la
mano, me resulta completamente arrebatador. Es, sin duda, una de las
mejores películas japonesas actuales que he visto en mucho tiempo. IMPERDIBLE.
-
2021: Premios Oscar: 4 nominaciones incluyendo mejor película y dirección2021: Globos de Oro: Mejor película de habla no inglesa2021: Premios BAFTA: 3 nominaciones, incl. a mejor película en habla no inglesa2021: Festival de Cannes: Mejor guion y Premio FIPRESCI2021: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película2021: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor película y guion2021: Critics Choice Awards: Nominada a mejor película habla no inglesa2021: Premios Independent Spirit: Nominada a mejor película extranjera2021: Asociación de Críticos de Chicago: Mejor película extranjera. 6 nominaciones2021: Asociación de Críticos de Boston: Mejor película, dirección, actor y guion2021: Premios Gotham: Mejor película internacional2021: Satellite Awards: Nominada a mejor película de habla no inglesa2021: Premios César: Nominada a mejor película extranjera.
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THE
CLOSET
El Closet.
(EN CINES)
- Título original
- The Closet
- Año: 2020
- Duración: 97 min.
Corea del Sur- Dirección: Kim Kwang-bin
- Guion: Kim Kwang-bin
- Música: Jo Yeong-wook
- Fotografía: Choi Chan-min
- Reparto: Ha Jung-woo, Heo Yool, Kim Nam-gil, Kim Shi-A, Shin Hyon-bin, Soo-jin Kim, Park Sung-woong, Kim Jung-chul
- Productora: Moonlight Film, Perfect Storm Film. Distribuidora: CJ Entertainment
- Género: Thriller| Secuestros / Desapariciones
SINOPSIS: Después de que la hija de Sang-Won, Yi-Na, desaparezca sin dejar rastro de su nueva casa, un hombre misterioso contacta con la familia para sugerirle que la busque en el armario. MUY BUENA. El J-Horror fue un auténtico revulsivo para los amantes del género, aunque ya había películas anteriores, fue con Ringu cuando la imagen de esa niña – niña o asqueroso ente que no lo tengo muy claro – tomó occidente al asalto generando unos escalofríos completamente novedosos. Sang Won y su hija, Yi Na, se trasladan a una casa en medio del campo, un lugar ideal para que Yi Na se recupere emocionalmente de la pérdida de su madre. Pero un día, Yi Na cambia radicalmente y, poco después, desaparece sin dejar rastro. La búsqueda desesperada de Sang Won pronto le llevará hacia un rincón oscuro donde mora Myung Jin. Hay mucho del Ringu original en The Closet, el debut como director de Kwang-Bin Kim, como puede ser el tomar un elemento tan integrado – sobre todo por nuestra tendencia a la acumulación - en nuestras vidas como un armario, el hecho de la maldición que rompe una vida o la búsqueda del origen del mal; pero ya no estamos a finales del siglo XX y hay otro tipo de público, ya se acabó el pelo largo sobre la cara y, para rizar el rizo de este mundo globalizado, Kwang-Bin Kim homenajea/plagia al James Wan de The Conjuring que, a su vez, adaptaba con sabiduría ciertos elementos del J-Horror… El círculo se cierra pero, por el camino, se ha perdido algo como la frescura, la rabia, sacrificando el terror primigenio a un producto comercial – la película tiene una clasificación para 15 años - debido a que, aunque la historia no se detenga en momento alguno, hay demasiada ligereza con los toques cómicos del exorcista o la trama innecesaria – pero demasiado presente en la cinematografía coreana – de la familia como elemento aglutinador. RECOMENDABLE.
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CINE NACIONAL
PUNTO
ROJO
Punto Rojo.
(EN CINES)
- Título original
- Punto rojo
- Año: 2021
- Duración: 80 min.
Argentina- Dirección: Nicanor Loreti
- Guion: Nicanor Loreti
- Música: Pablo Salas
- Fotografía: Mariano Suárez
- Reparto: Moro Anghileri, Edgardo Castro, Demián Salomón
- Productora: Boikot Films, Otto films
- Género: Thriller
SINOPSIS: En alguna zona descampada de la provincia de Buenos Aires, Diego está participando de un concurso radial en el cual debe responder una serie de preguntas sobre su amado Racing Club. Mientras tanto, en un abrir y cerrar de ojos, un hombre cae desde el cielo sobre el capó de su auto, otro aparece amordazado dentro del baúl, una agente secreta hace su entrada con un arma en la mano y un avión se estrella a solo unos metros del lugar. MUY BUENA. El cine de género argentino aprendió de segunda mano lo que es la clase B. Esa segunda mano es la de Quentin Tarantino, que no hace género sino cita, parodia, guiño, metagénero. Además cuenta historias, claro, pero eso es lo que a nuestros filmadores se les escapó. Se quedaron con la superficie, lo exterior, lo que está más a la vista. Cortarle la oreja a un tipo mientras bailás, que se te escape un tiro y le vuele la cabeza a un pobre diablo, una pareja bailando à gogo, una espadachina clase A que convierte gente en géiseres humanos. Y eso es todo. No copiaron ni siquiera lo que vino después, hasta ahí llegaron. Kill Bill. 1 y 2. 2003. No sólo copian lo más superficial sino que atrasan 20 años. Es aquí donde aparece una película como Punto Rojo, de Nicanor Loreti, y anula toda esa morralla insípida de un plumazo, construyendo una película de género con todos los elementos que tiene que tener cualquier película para ser buena, muy buena o buenísima: ir todo el tiempo delante del espectador, cruzar las historias que aparentemente no tienen relación, alternar ritmos y velocidades, tener un cast sin un solo punto débil, asombrar con una técnica de primerísima (de lo mejor que se haya visto en el cine argentino en mucho tiempo) y, claro, humor muy negro, cortos golpes a la cara, explosiones que parten la tierra en dos. Y también, claro, personajes. Presentada en la última edición del Festival de Mar del Plata, Punto rojo es un barajar y dar de nuevo para la comedia (muy) negra argentina de acción. Para darle algún nombre a un género que, como cualquier género, es todos los géneros. Realizador de Diablo y las más autoindulgentes Kryptonita y 27, el club de los malditos, Loreti está aquí con todos los motores encendidos. Y mucho saber cinematográfico en juego. No cae en la ignorancia de suponer que una película de acción debe operar necesariamente por acumulación. Acumulación de tiros, de velocidad, de personajes, de situaciones, de duración infinitesimal de cada plano. Todo lo contrario. Deja durar los planos sin preocuparse por los hábitos de consumo del espectador de género. Hasta que rompe esos planos calmos con un corte brutal de montaje. Usa en función expresiva el fondo de la imagen, los espacios vacíos, breves irrupciones de animación, y con la ayuda de un fotógrafo de excepción (Mariano Suárez) le da al desierto (¿de San Juan?) la tonalidad broncínea del de Sonora en París, Texas. Lo demás son el pusilánime contact man de Edgardo Castro (personaje clásico del film noir) y, sobre todo, una irreconocible Marina Anghileri, en un papel de chica imposible de matar, cuya dureza hace pensar en la notable Michelle Rodríguez. Filmada con técnica de primera, con abundante humor negro, un guion inspirado y buenas actuaciones, la película de Loreti supone un auténtico festín. IMPERDIBLE.
2021: Festival de Mar del Plata: Mejor Actuación: Moro Anghileri.
TRAILER
DOCUMENTALES
LUCY AND DESI
Lucy y Desi.
- Título original
- Lucy and Desi
- Año: 2022
- Duración: 103 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Amy Poehler
- Guion: Mark Monroe
- Música: David Schwartz
- Fotografía: Axel Baumann
- Reparto: Documental, intervenciones de: Bette Midler, Carol Burnett, Norman Lear, Michael Stern, Lucie Arnaz
- Productora: Imagine Documentaries, White Horse Pictures
- Género: Documental | Biográfico
SINOPSIS: Explora el ascenso del icono de la comedia Lucille Ball, su relación con
Desi Arnaz y cómo su revolucionaria comedia "I Love Lucy" cambió a
Hollywood para siempre. EXCELENTE. Este documental recorre las vidas, las carreras y la historia de amor
entre las clásicas estrellas televisivas Lucille Ball y Desi Arnaz. Estrenada poco menos de tres meses después que BEING THE RICARDOS,
la película de ficción de Aaron Sorkin, este documental dirigido por la
comediante Amy Poehler centrado también en Lucille Ball y Desi Arnaz
funciona muy bien como complemento de aquel film, recorriendo varios
puntos analizados allí y expandiendo otros, especialmente los ligados a
las vidas posteriores al exitoso show I LOVE LUCY que los consagró a ambos. Realizado con enorme afecto y con el apoyo de los hijos de la pareja, LUCY & DESI es una notable demostración del talento cómico de la actriz y la gran capacidad de Arnaz como productor y organizador. Es, como el film de ficción, fundamentalmente una historia de amor
entre una chica que no lograba triunfar del todo en Hollywood –tenía
fama haciendo películas clase B pero raramente tenía roles en films más
grandes– y un inmigrante de Cuba a los Estados Unidos que había llegado
sin nada y se empezó a hacer famoso como músico y líder de una banda
latina. Poehler organiza el film de una forma clásica y sencilla
–entrevistas y material de archivo– a la que le aporta un hallazgo:
muchas entrevistas y conversaciones de ambos que quedaron guardadas en
casetes. Esas reflexivas y analíticas palabras serán importantes para
darle al documental un tono nostálgico y melancólico. LUCY & DESI –que pasó por el reciente Festival de
Sundance– se ocupará de narrar la historia que el film de Sorkin apretó
en el curso de una semana en la vida de la pareja: se contará sus
paralelos ascensos a la fama, la complicada historia familiar de ambos,
el encuentro, las distancias iniciales, la decisión de trabajar juntos y
todos los aportes al género sitcom que la serie hizo. A tal
punto fue tan fuerte su influencia en la televisión que se puede decir
que buena parte de las costumbres del género que se mantuvieron por
décadas –la grabación en vivo con público en el estudio, las tres
cámaras, el esquema organizativo semanal de producción, entre otras
cosas– las inventaron ellos. En ese material se puede observar y analizar en detalle el enorme
talento para la comedia física de Lucille Ball, que aprendió de Buster
Keaton y otros cómicos del cine mudo. Un talento que, ella misma admite,
no le era natural, pero que trabajó y perfeccionó a lo largo de los
años. Arnaz funcionó siempre como un sparring natural y efectivo, aunque
su mundo estaba más bien del otro lado de las cámaras. Cuando
trabajaron separadamente, de hecho, las cosas raramente les salían tan
bien como cuando lo hicieron juntos. Pero, claro, su vida en pareja no era nada fácil y el documental
ocupará un buen tiempo en mostrar cómo el peso de los años de trabajo y
vida compartida terminaron por dañar su relación. De todos modos, si
bien pasaron gran parte del resto de sus vidas casados con otras
personas, no hay duda que siguieron estando conectados emocionalmente
hasta el final, algo que queda más que claro con una muy emotiva
anécdota que cuenta su hija. Otro de los hallazgos del documental pasa por las home movies de excelente calidad y muchos momentos del «detrás de escena» de la filmación de I LOVE LUCY
que Poehler aporta. En esas situaciones íntimas y fuera de cámara, la
película no solo le otorga a su historia un carácter casi mítico sino
que demuestra la importancia de contar con buen material de archivo si
se quiere mantener viva la historia. Sin esas filmaciones, la película
jamás tendría la fuerza emotiva que tiene y no podríamos celebrar sus
carreras de la misma manera. IMPERDIBLE.
2022: Festival de Sundance: Sección oficial a concurso.
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VILAS
SERÁS LO QUE DEBAS SER
O NO SERÁS NADA
Vilas: Serás lo que debas ser o no serás nada.
- Título original
- Vilas: Serás lo que debas ser o no serás nada
- Año: 2020
- Duración: 94 min.
- Argentina
- Dirección: Matías Gueilburt
- Guion: Matías Gueilburt, Nicolas Gueilburt, Gianfranco Quattrini
- Reparto: Documental, intervenciones de: Guillermo Vilas, Eduardo Puppo, Gabriela Sabatini, Boris Becker, Björn Borg, Roger Federer, Rod Laver, Rafa Nadal, Mats Wilander
- Productora: Distribuidora: Netflix
- Género: Documental | Documental deportivo. Biográfico. Tenis
SINOPSIS: Es la historia de Guillermo Vilas, leyenda del tenis, que durante más de 40 años reclamó por la revisión de los rankings para ser reconocido número 1 del mundo. Es también la historia de un periodista deportivo, Eduardo Puppo, quien haciendo propia la lucha de Vilas, emprendió una cruzada durante más de 10 años contra una de las más grandes corporaciones deportivas para demostrar que efectivamente había sido injustamente desplazado de la cima del tenis mundial. El trabajo del periodista nos adentra en una investigación que revisa todos los resultados que conformaron los rankings del tenis masculino mundial entre 1973 y 1978. EXCELENTE. Del tenis argentino a nivel internacional -y popular entre las clases medias-; aunque antes hubo algunos muy buenos jugadores de ambos sexos con alguna proyección internacional. Tan solo tres logros faltaron en su extraordinaria carrera: no ganó Wimbledon ni la Copa Davis, además del pendiente del que se ocupa el documental. La sinopsis es lo suficientemente extensa y descriptiva como para agregar algo, pero quizás podría inferirse que el trasfondo de la disputa de aquel entonces no es deportiva, sino empresarial: Vilas usaba indumentaria de la marca italiana FILA. Connors era -es- estadounidense... Las cuatro sedes y subsedes de la ATP están en USA-REINO UNIDO-AUSTRALIA-MONACO. En tres de ellos se juegan los Grand Slam... y el cuarto en Francia... A buen entendedor, pocas palabras. Lamentablemente -según se sabe- Guillermo Vilas está enfermo de una especie de Alzhemier. Sería justo y humanitario que la ATP aceptara el resultado de la investigación y le reconociera haber alcanzado la cima del ránking mundial mientras el ex jugador -prócer en Argentina-, esté en condiciones de disfrutarlo... ¿El documental? Bastante entretenido, informativo y llevadero; además de lo emotivo de ver a Vilas en cancha, a otros jugadores top de ayer y de hoy, a Tiriac, a Gaby Sabattini, etc. ¡Salud, Maestro! IMPERDIBLE.
TRAILER
BILARDO
EL DR. DEL FÚTBOL
Bilardo, el doctor del fútbol.
DOCUSERIE COMPLETA
4 EPISODIOS
2 DISCOS.
- Título original
- Bilardo, el doctor del fútbol
- Año: 2022
- Duración: 250 min.
- Argentina
- Dirección: Ariel Rotter
- Guion: Sebastián Meschengieser, Gustavo Dejtiar
- Fotografía: Guillermo Nieto
- Reparto: Documental, intervenciones de: Carlos Bilardo
- Productora: Distribuidora: HBO Max
- Género: Documental | Documental deportivo. Biográfico. Fútbol
SINOPSIS: Docuserie documental deportiva que relata la historia de Carlos Salvador
Bilardo, el célebre entrenador y campeón del mundo en 1986 con el equipo
de Argentina. A lo largo de 4 episodios, la serie develará el camino
que llevó a la Selección del país a ganar el campeonato del mundo en
México 1986 y al subcampeonato en Italia 1990. A través de testimonios y
archivos exclusivos de las figuras emblemáticas del fútbol, se busca
contar la vida de Bilardo dentro y fuera del campo. La producción aborda
las distintas etapas de su trayectoria, desde su momento como
estudiante, su paso por la medicina y la ginecología, hasta su época
como una figura del deporte: jugador, entrenador y comentarista de la
televisión deportiva. EXCELENTE. “De tanto correr por la vida sin freno
Me olvidé que la vida se vive un momento. De tanto querer ser en todo el primero. Me olvidé de vivir” La
canción de Julio Iglesias parece haber sido compuesta para sintetizar
la vida de Carlos Salvador Bilardo. De hecho, no solo se escucha en
varios pasajes de esta docuserie sino que así se titula el cuarto y
último episodio, y es la frase que utilizan varios de sus seres
queridos, incluyendo su esposa Gloria Di Bello. Es que Bilardo es
el ejemplo consumado de la persona obsesiva hasta extremos enfermizos,
del perfeccionismo a ultranza, de la búsqueda del control absoluto, de
lograr que el fútbol (dinámica de lo impensado) se convierta en una
materia dominable y manejable. De ahí el estudio metódico del rival, los
entrenamientos interminables, la insistencia hasta el agotamiento sobre
qué debe hacer o no cada jugador. En esa apasionada y neurótica
relación con su oficio, que le consumía prácticamente las 24 horas del
día, el Narigón se olvidó de vivir. Aunque la grieta Menotti vs.
Bilardo (que la serie aborda de manera tangencial en el primer y el
cuarto episodio) me resulta a esta altura bastante perimida e
insustanciosa, a mis 52 años he sido contemporáneo de buena parte de los
debates futboleros: “la nuestra”, “el anti-fútbol”, “la escuela de
Newell's vs. la escuela de Estudiantes”, “el ganar como sea” (y en ese
sentido la serie no rehuye abordar desde el uso de los alfileres en las
pelotas paradas hasta el bidón de Branco). Volviendo al inicio, las diferencias familiares respecto del “olvidarse
de vivir” son evidentes: mientras su esposa es bastante descarnada a la
hora de hablar -siempre con un dejo de humor- sobre la “locura” de su
marido, su hija Daniela resulta mucho más concesiva. Si bien admite que
su padre estuvo bastante ausente durante su infancia, cierta cuestión
edípica se impone cuando asegura que lo más importante es que haya
cumplido con sus sueños en el fútbol y logrado tantos éxitos. Una de las
tantas contradicciones que genera la existencia y la carrera de Bilardo
y que este documental aborda con inteligencia, profundidad, honestidad,
sin prejuicios ni manipulaciones. IMPERDIBLE.
TRAILER
MINISERIES Y SERIES
VIKINGS
VALHALLA
TEMPORADA COMPLETA
8 EPISODIOS
3 DISCOS.
- Título original
- Vikings: Valhalla
- Año: 2022
- Duración: 480 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Michael Hirst (Creador), Jeb Stuart (Creador), Stephen St. Leger, Hannah Quinn, Niels Arden Oplev
- Guion: Jeb Stuart, Vanessa Alexander, Declan Croghan, Eoin McNamee
- Música: Trevor Morris
- Fotografía: Peter Robertson
- Reparto: Sam Corlett, Laura Berlin, Bradley Freegard, Frida Gustavsson, Caroline Henderson, Jóhannes Haukur Jóhannesson, Pollyanna McIntosh, Asbjørn Krogh Nissen, David Oakes, Julian Seager, Leo Suter, Pääru Oja, James Ballanger.
- Productora: Coproducción Estados Unidos-Irlanda-Canadá; Metropolitan Films International, MGM Television. Distribuidora: MGM Television, Netflix
- Género: Serie de TV. Acción. Aventuras. Bélico. Drama | Secuela. Vikingos. Siglo XI. Histórico. Edad Media
SINOPSIS: Secuela de 'Vikingos' ambientada cien años después, cuando las tensiones entre los vikingos y la realeza inglesa alcanzan un sangriento punto de ruptura y los propios vikingos chocan por sus creencias cristianas y paganas en conflicto. Leif Erikson, Freydis Eriksdóttir y Harald Hardrada comienzan un viaje épico que los llevará a través de los mares y campos de batalla, desde Kattegat hasta Inglaterra y más allá, mientras luchan por la supervivencia y la gloria. MUY BUENA. Si a partir del gran suceso de Ragnar en "Vikings" también notaste como la serie disminuyó el nivel en gran medida, y anhelabas una vuelta a los orígenes de Vikingos, Valhalla es tu lugar. La trama de la serie está ubicada 100 años después de los sucesos del gran Ragnar Lothbrok. Nos encontraremos con nuevas disputas entre la realeza británica y los vikingos, con traiciones, romances, y una nueva epopeya llena de acción al más puro estilo Vikings. Es cierto que mis expectativas no eran demasiadas debido a las últimas temporadas de la serie original, pero aún así, me ha sorprendido gratamente. Valhalla cuenta con un impacto visual muy potente, grandes batallas, buena fotografía, la vestimenta y escenarios vuelven a ser inmejorables, unas actuaciones que sí bien es cierto no llegan a las insuperables de Katheryn Winnick o sobre todo, la de Travis Fimmel, se mantienen en un buen nivel. Durante los ocho capítulos de la primera temporada, he decir que ninguno me ha aburrido; y ya es un logro proviniendo de esta plataforma. Pero más que eso, me ha entretenido como hacía tiempo que una nueva serie de Netflix no lo hacía. Una trama bien definida, unos personajes con mucho potencial, sin duda Valhalla te mantendrá en el sillón de tu casa haciendo que te olvides de todo lo ajeno. No creo que sea una serie sobresaliente, que perdurará en las memorias y los corazones de sus espectadores, no al menos por ahora, pero lo que sí creo es que es una buena serie y con mucho potencial. Rezaré a Dios, a Odín y a Netflix para que esta nueva aventura acabe en el Valhalla luchando junto a otras grandes series. RECOMENDABLE.
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euphoria
SEASON 2
TEMPORADA COMPLETA
8 EPISODIOS
2 ESPECIALES DE 120 MIN
4 DISCOS.
- Disponible la 1er Temporada.
- Título original
- Euphoria
- Año: 2019-2022
- Duración: 520 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Sam Levinson (Creador), Sam Levinson, Augustine Frizzell, Pippa Bianco, Jennifer Morrison
- Guion: Sam Levinson, Ron Leshem, Daphna Levin, Tmira Yardeni
- Música: Labrinth, Gustave Rudman
- Fotografía: Marcell Rév, Drew Daniels, Adam Newport-Berra, Rina Yang, Andre Chemetoff
- Reparto: Zendaya, Hunter Schafer, Sydney Sweeney, Maude Apatow, Barbie Ferreira, Jacob Elordi, Eric Dane, Alexa Demie, Angus Cloud, Storm Reid, Nika Williams, Olivia Grace Applegate, Javon Walton.
- Productora: HBO, A24. Distribuidora: HBO
- Género: Serie de TV. Drama | Adolescencia. Colegios & Universidad. Drogas. Amistad. Remake
- Grupos: Euphoria
SINOPSIS: Rue (Zendaya) es una
joven de 17 años que vuelve de rehabilitación sin intención de
mantenerse sobria. En una fiesta antes del comienzo del curso conoce a
Jules (Hunter Schafer), una chica recién llegada a la ciudad....
Euphoria es una reflexión sobre la adolescencia a través de un grupo de
estudiantes de instituto que tienen que hacer frente a temas recurrentes
de su edad como las drogas, el sexo, la violencia, los problemas de
identidad, los traumas, las redes sociales, el amor y la amistad. EXCELENTE. Hay trabajos que desde el primer momento te dejan claro si su tono es
realista o sub-realista, al igual que otros te lo van mostrando durante
su trascurso, lo cual hace que la perspectiva del espectador y su
criterio sea distinto entre diversas: series, películas, cortometrajes,
etc... Con 'Euphoria' sucede algo particular, lo cual no significa que sea una
serie pionera en ello, se trata de que el tono supone un conflicto entre
realismo y sub-realismo ante el espectador en primera instancia, lo
cual desemboca poco a poco en un completo realismo llevado al máximo
exponente, algo que más adelante desarrollaré bajo mi experiencia
personal. Dicha serie trata temas cómo las drogas, el sexo, la violencia, etc...
tales temas a primera vista pueden generar en el espectador frases cómo:
''¿Adolescentes y temas de sexo y drogas? bah, nada que no haya visto
ya mil veces''. Y es aquí dónde debo aclarar por qué 'Euphoria' vale la
pena y se desmarca de otras series de ámbito adolescente. Digamos que cada problema absorbe a uno de los personajes de esta serie,
cómo si cada personaje fuese una simple marioneta manipulada por alguna
adicción o algún tipo de trauma. Todo queda absolutamente claro con
solo ver el inicio del primer capítulo, dónde ''Rue'' nos desgrana su
infancia (desde su nacimiento) para llegar hasta la actualidad, con la
mera intención de generar una serie de motivos a su adicción a las
drogas. Este patrón será la sombra de cada personaje que nos presenten,
unos con antelación y otros posteriormente. A partir de ahí cada
personaje sufre o ronda a un problema cómo ya he citado anteriormente,
no encontraremos livianas narrativas que nos desmarquen de estos hechos
los cuales suponen el foco principal. Por ello aquí quiero desarrollar un pequeño conflicto mental que me generó la serie: Al comienzo de verla acabé cargado por tanta escena y secuencia de alta
potencia narrativa y muy explícita visualmente, hasta el punto de acabar
el primer capítulo y pensar ''si toda la serie va a ser así, voy a
acabar saturado''. La saturación debida a que la serie quiere temas
polémicos constantes, escenas de un alto tono en continuo trascurso, y
una narrativa que conecta unos temas con otros sin apenas descanso, lo
que generaba en mí, además del miedo a la citada saturación, una duda
con el realismo de la serie. Tras reflexionar sobre ello me dí cuenta de que la serie no relata la
vida de unos jóvenes en sí, para nada, y el que vea dicha serie con esa
idea no va a entender nada. 'Euphoria' es la performance de cada una de
las adicciones y/o problemas que la serie quiere tratar. Los
protagonistas de la serie son las drogas, el sexo, los traumas, etc... y
absorben a través de un maravilloso guión a cada uno de los personajes,
para crear su historia. Y ya que he citado el guión, aprovecho para alabar el trabajo de éste,
ya que trata cada tema con una frialdad y un descaro digno de la crudeza
que le rodea, siendo capaz de crear una atmósfera totalmente propia y
distintiva. La narrativa realista se vuelve excéntricamente exagerada, generando una
explosión de sensaciones que se traducen en mostrar un realismo
totalmente intensificado y elevado al máximo exponente. Por ello, buscar un debate entre si es realista o no lo que sucede, o
criticar que todos los personajes tienen algo grave que tratar
constantemente... es absurdo, ya que cómo dije antes aquí los
protagonistas son los problemas, los cuales hacen su show a través de
personajes adolescentes, que mezclan sus personalidades con todo lo
citado. Por otro lado necesito citar lo maravillosa que es la dirección de
cámara, el montaje y la producción de esta serie. Los planos no sólo
están perfectamente medidos, sino que son ingeniosos en todo momento, al
igual que las secuencias. Planos generales, planos-secuencia,
primerísimos planos... todos ellos al verlos, hacen notar que detrás hay
un gran espacio de reflexión para llevarlos a cabo cómo finalmente han
sido mostrados. El montaje y la producción van totalmente de la mano con la dirección de
cámara, creando una conexión realmente asombrosa. Y he de citar la
fotografía ya que consigue que cada aspecto que ronda la crudeza más
horrorosa, hace que se muestre con un tono de arte y belleza que divide
mi cabeza entre fascinación y horror, o quizá irónicamente las mezcla en
un momento.Termino esta crítica citando que 'Euphoria' ha sido una grata sorpresa, y
espero que la gente sepa verla desde la perspectiva que intentan
mostrar, ya que visto desde ese punto se le puede sacar mucho más jugo, y
entenderás por qué la serie quiere, de forma incisiva, tener ese alto
voltaje dentro de sus ámbitos en todo momento. IMPERDIBLE.
-
2020: Emmy: Mejor actriz en serie drama (Zendaya)2019: Premios BAFTA TV: Nominada a mejor serie de TV - Internacional2019: Critics Choice Awards: Nominada a mejor actriz en serie drama (Zendaya)2020: Sindicato de Guionistas (WGA): Nom. mejor guion en episodio de serie drama2020: Satellite Awards: Nominada a mejor actriz en miniserie o telefilm (Zendaya)2019: Satellite Awards: Mejor actriz en serie drama (Zendaya).
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