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ESTRENOS
DE LA SEMANA
Mantícora.
- Título original
- Mantícora
- Año: 2022
- Duración: 115 min.
España- Dirección: Carlos Vermut
- Guion: Carlos Vermut
- Reparto: Nacho Sánchez, Álvaro Sanz Rodríguez, Xabi Tolosa, Aitziber Garmendia, Joan Amargós, Ignacio Ysasi, Stella Arranz, Chema Moro, Ángela Boix, Lara Tejela López, Miquel Insua, Catalina Sopelana, Violeta Gil, Zoe Stein, Araceli Galán, Patrick Martino, Javier Lago, Martina Gutiérrez, Ariadna Paniagua, Vicenta N'Dongo, Albert Ausellé, Arantxa Zambrano.
- Fotografía: Alana Mejía González
- Compañías: Aquí y Allí Films, BTeam Pictures, RTVE, Movistar Plus+, TV3, ICAA, Crea SGR
- Género: Drama | Thriller psicológico.
VERSIÓN SUBTITULADA EN CASTELLANO.
SINOPSIS: El veinteañero Julián es un exitoso diseñador de videojuegos que vive
atormentado por un oscuro secreto. Cuando Diana aparece en su vida,
Julián sentirá cercana la oportunidad de ser feliz. EXCELENTE. Si hay un director en España que hace un cine diferente, ese es Carlos
Vermut. El cineasta madrileño ha logrado, con 4 largometrajes al frente,
labrarse una fama dentro del cine de autor nacional, y tener bastantes
aficionados que están deseando ver sus nuevos trabajos. Han pasado 11 años desde su debut con esa película de bajo presupuesto y
tan extraña llamada "Diamond flash", y durante este tiempo ha sido el
responsable de "Magical girl", ganadora de la Concha de oro en 2014, y
"Quién te cantará". "Mantícora" tuvo su presentación internacional en la pasada edición del
Festival de Toronto, y en nuestro país se pudo ver por primera vez en el
Festival de cine fantástico de Sitges, unos meses antes de su estreno
comercial en las salas españolas. Los Académicos españoles se han vuelto a acordar de ella a la hora de
emitir sus nominaciones a los Goya pero, como es habitual en sus
trabajos anteriores, menos de lo que merecía una cinta de tanto nivel,
aunque en esta ocasión es lógico teniendo en cuenta que estamos ante uno
de los mejores años del cine nacional, con una cuantas películas de
gran nivel. Vermut está nominado por partida doble en las categorías de
dirección original, y las otras dos nominaciones son en apartados
interpretativos (Nacho Sánchez en la de actor protagonista y Zoe Stein
en la de actriz revelación). La película tiene todos los elementos del cine de Vermut, y aborda
algunos temas conocidos por el cineasta, como el del mundo de los
videojuegos, los cómics, la maldad del ser humano, y los traumas. A los largo de sus casi dos horas de duración se mueve entre diferentes
géneros, desde el drama y el romance, hasta un suspense de fondo,
terminando siendo un thriller psicológico con muchos elementos de cine
de género. Nos encontramos ante una película de ritmo bastante pausada, de
apariencia sencilla en donde parece que no pasa nada, salvo la vida
rutinaria de un joven diseñador gráfico que trabaja en una compañía de
videojuegos, y que vive solo en el centro de Madrid. Es una de esas cintas en donde hay que estar atento a cada uno de los
detalles, a los fuera de campo, porque hay muchas situaciones que
parecen intrascendentes, pero que tendrán su importancia, en el gran
desenlace que nos ha preparado el guion escrito de manera minuciosa por
Carlos Vermut, en donde se nota su conocimiento y amor por los thriller
psicológicos, y grandes directores como Alfred Hitchcock, y el mostrar
la belleza del centro de la ciudad de Madrid con, entre otras cosas,
paseo por el Parque del Retiro o visita al Prado. Los puntos más fuertes del proyecto son el guion, muy bien escrito por
el cineasta español que, como cité anteriormente, plantea muchos
asuntos, algunos de manera indirecta, y un tema de fondo que está muy de
actualidad, y que saldrá a relucir en la parte final, en un desenlace
sorprendente, que recuerda mucho al de "Magical girl". Nacho Sánchez está magnífico, y merecería ganar el Goya como
protagonista, al igual que Bárbara Lennie por su actuación en la
película de Vermut citada anteriormente. Es una interpretación
contenida, que expresa mucho con su mirada, y que está creíble como
Julián, ese joven que vive una vida aparentemente sencilla que se
enamora de Diana. Zoe Stein también lo hace muy bien, en otra interpretación contenida,
con un personaje al que coges cariño, y es difícil de olvidar. La joven
actriz catalana tiene muy difícil ganar el premio de actriz revelación,
el mismo que ganó Eva Llorach por "Quién te cantará", el tercer trabajo
de Vermut. El otro aspecto destacado es el de la dirección, en donde hay un gran
trabajo con los intérpretes, con un movimiento de cámara sutil para
presentarnos unos planos muy bien encuadrados y algún virtuosismo como
la escena con espejo en la parte final. Escuchamos muy pocas veces la música compuesta por Alberto Torres, ya
que se prefiere dar más importancia a los silencios y los ruidos de
fondo que a una banda sonora, pero cuando está presente funciona
bastante bien, como al principio y al final de la película. Una película que no es sencilla, que puede desesperar a los que buscan
propuestas en donde te lo den todo mascado, pero que recomiendo a los
que disfrutaron con las anteriores películas del director, y es uno de
los casos en donde da para un debate posterior a su visionado, sobre
varias escenas o algunos detalles que pueden haber pasado
desapercibidos, y en el tema central de fondo que sale a relucir en la
parte final, que es un tema que desgraciadamente está de actualidad. IMPERDIBLE.
TRAILER
Joyland.
- Título original
- Joyland
- Año: 2022
- Duración: 126 min.
Paquistán- Dirección: Saim Sadiq
- Guion: Saim Sadiq, Maggie Briggs
- Reparto: Ali Junejo, Alina Khan, Rasti Farooq, Sarwat Gilani, Salmaan Peerzada, Sania Saeed, Sameer Sohail, Ramiz Law, Honey Albela, Priya Usman Khan
-
Música: Abdullah Siddiqui
- Fotografía: Joe Saade
- Compañías: Coproducción Paquistán-Estados Unidos; Khoosat Films, All in Caps Productions, Blood Moon Creative, Film Manufacturers Inc. (FMI), Noruz Films, One Two Twenty Entertainment, Vested Interest
- Género: Drama | Transexualidad / transgénero.
VERSIÓN HABLADA EN ESPAÑOL.
SINOPSIS: La primera película pakistaní en competir en el Festival de Cannes y
candidata al Óscar por su país. Una bella historia de amor entre un
joven paquistaní y una ambiciosa estrella de la danza trans que ha
enamorado a públicos del mundo entero. También desató la furia en su
país de origen y llegó a estar vetada, de forma temporal, como candidata
a los Óscar por no ajustarse "a los valores sociales y estándares
morales" de la sociedad paquistaní. Mientras los Rana —una
familia patriarcal y felizmente unida— esperan el nacimiento de un niño
para continuar con el linaje familiar, su hijo más joven se une en
secreto a una compañía teatral de danza erótica y se enamora de una
joven y ambiciosa estrella. Su historia de amor imposible termina por
avivar las ansias de rebeldía sexual de toda la familia Rana. EXCELENTE. Joyland ha sido y está siendo historia para la cinematografía de
Pakistán. Un país del que no se suele hablar mucho en términos fílmicos y
que ahora misma está consiguiendo un sinfín de merecidas alabanzas. Por
ello, fue la primera película pakistaní en competir en el pasado
Festival de Cannes. Así como se postuló como representante del país
asiático en la lucha por la nominación al Oscar. La película supone el
debut en el largometraje de Saim Sadiq. Un joven guionista y realizador
que ha decidido estrenarse tras la cámara con una conmovedora historia
localizada en su Lahore natal. Una trama que protagonizan Haider (Ali Junejo), Biba (Alina Khan) y
Mumtaz (Rasti Farooq). Haider es un joven muy alejado de la prototípica
masculinidad imperante en Pakistán y en muchos países del mundo. Porque
aunque Haider está casado con Mumtaz, no tiene trabajo y sueña con
bailar. Por si no fuera poco, Haider no tiene trabajo y vive gracias al
sueldo de su mujer, Mumtaz, quién trabaja como esteticista. Ambos viven
en la casa familiar, con el patriarca y el la familia del hermano mayor
de Haider. Una situación tensa que se precipitará cuando Haider consiga
un trabajo en un teatro erótico. En un espectáculo como bailarín de una
transexual llamada Biba. Tres personajes que Joyland teje a la perfección para ir abordando
multitud de temas y lamentos silenciosos. Con dos partes bien
diferenciadas, quizás demasiado. Y es que primero asistiremos a la
especie de embrujo que Haider sentirá por Biba. Dos personajes que no
tienen un lugar entre tanta represión y que se enamorarán. En una de
esas historias inesperadas e irremediables que pueden recordar a otras
bellezas particulares. Cada cuál tendrá la suya, yo personalmente recordaba Deseando amar o la
más reciente Two Lovers. En cuanto a un amor triste, callado, apenas
consumado, pero fervientemente deseado. Un amor que, además, resulta un
gran ejemplo de cine queer. Cine novedoso y valiente que puede ayudar a
normalizar otro tipo de historias. Producidas en otras latitudes y con
otras idiosincrasias. Una historia de amor que se convertirá en triángulo trágico en la
segunda parte de Joyland. Cuando el personaje de Mumtaz cobra el relevo
del protagonismo. Una mujer infeliz, pero muy independiente que es
privada de su oxígeno, su trabajo. Ya que cuando Haider empieza a ganar
dinero como bailarín, ella tiene que encerrarse en casa. Para hacer el
trabajo de tantas mujeres, lo que le llevará a la reclusión. En un
ejemplo de la supeditación del deseo de ella en beneficio del de su
marido. Aunque la película refleje un marido alejado de las
masculinidades tóxicas. Aquí, como casi siempre, la mujer es la que más
sufre las consecuencias. Aunque más allá del fondo, quizás lo mejor de Joyland es la forma de
contar. La forma de decir sin palabras, de mostrar con apenas pocos
elementos. Todo en ella es de una infinita delicadeza y gusto narrativo.
Siempre midiendo muy bien los ritmos y con una mezcla de tonos que es
muy acertada. Con momentos incluso divertidos y otros de una tremenda
tristeza. Porque lo que está contado su director rezuma verdad y la
amargura de Mumtaz o los sueños incompletos de Biba y Haider llegan. Da
igual que los planos nos muestren una ciudad lejana como Lahore. El
sentimiento de pérdida, de extrañamiento y dolor por no ser lo que
quieren otros resulta emocionante. Dicho esto, la pericia de Sadiq con la cámara es más que palpable. Con
algunas secuencias muy simbólicas, como cuando Haider y Biba viajan en
una motocicleta junto a un enorme cartel de ella. O con ese flashback
tan tierno del final, en el que descubrimos los inicios de Haider y
Mumtaz. Pequeños ejemplos de decisiones acertadas, combinadas con una
frescura innegable de sus actores. Capaces de traspasar barreras e
imprimir pulso a cada uno de sus personajes. En resumen, Joyland es un gran descubrimiento para cualquier cinéfilo
hambriento de estímulos nuevos y sinceros. Una historia emotiva y
delicada, sobre personajes arrinconados por una sociedad represora. Con
una historia de amor imposible, una mujer casada asfixiada por la
tradición y un joven provisto de un masculinidad alejada de la norma.
Seres, todos ellos, que tendrán que malvivir por una ciudad que no les
ve. En un ejemplo de cine contado desde las profundidades. Cine de una
gran carga simbólica que dice a base de silencios y muestra con apenas
un puñado de elementos. IMPERDIBLE.
TRAILER
MATTARELLA
Un hombre contra la Mafia.
- Título original
- Il delitto Mattarella
- Año: 2022
- Duración: 97 min.
Italia- Dirección: Aurelio Grimaldi
- Guion: Aurelio Grimaldi
- Reparto: Antonio Alveario,Claudio Castrogiovanni,Nicasio Catanese,Domenico Ciaramitaro,David Coco,Vincenzo Crivello,Francesco Di Leva,Donatella Finocchiaro,Lollo Franco,Sergio Friscia,Ivan Giambirtone,Fabio Costanzo,Leo Gullotta,Guia Jelo,Francesco La Mantia,Vittorio Magazzù,Tuccio Musumeci,Tony Sperandeo,Andrea Tidona,Angelo Tosto.
- Música: Marco Werba
- Fotografía: Alfio D'Agata
- Compañías: Arancia Cinema, Cine 1 Italia. Distribuidora: Cine 1 Italia
- Género: Drama | Mafia. Crimen.
SINOPSIS: 6 de enero de 1980. El presidente de Sicilia, Piersanti Mattarella, iba a misa con su familia cuando un joven se acerca a su coche y le dispara a sangre fría, matándolo. El joven fiscal adjunto de turno ese día es Pietro Grasso, futuro fiscal general antimafia y presidente del Senado italiano. Sus investigaciones son continuadas por Giovanni Falcone, quien descubre conexiones peligrosas entre la mafia, el gobernante Partido Demócrata Cristiano, los terroristas neofascistas y los servicios secretos. MUY BUENA. La palabra a la Historia. Han pasado cuarenta años desde el asesinato de Piersanti Mattarella, hermano del actual Presidente de la República. Era el 6 de enero de 1980. Mattarella ocupaba el cargo de Presidente de la Región de Sicilia. Primero el rastro del terrorismo, luego el que condujo a los Corleonesi, también gracias a las declaraciones de Tommaso Buscetta, colaborador de la justicia sobre la que Marco Bellocchio construyó Il traditore, y Gaspare Mutolo. Es una de las páginas más duras de las noticias policiales italianas. Por tanto, se vuelve importante pensar en el concepto de memoria, para seguir hablando del pasado incluso a través de la pantalla grande. El crimen de Mattarella, entre las primeras películas que regresan a las salas a partir del 2 de julio, se presenta como un ejemplo de cine civil, tras la estela de grandes maestros como Francesco Rosi y Elio Petri. El director Aurelio Grimaldi ya había demostrado su espíritu militante en 2004 en Si la luz será bella, sobre el secuestro de Aldo Moro. Por problemas de producción, la película se estrenó en 2008. Quizás la historia más personal dirigida por Grimaldi sea la de Nerolio, un controvertido retrato de Pasolini. En Il delitto Mattarella hay atención a la tragedia, la necesidad de no repetir los errores de hace unas décadas. Grimaldi trata de reconstruir las dificultades políticas de la época, la relación entre Andreotti y la mafia, hasta la Banda della Magliana y Gladio, una organización paramilitar impulsada por la CIA para contrarrestar una posible invasión soviética de Europa. Pero es precisamente el peso de los acontecimientos lo que que lleva al director a utilizar pruebas duras de lo que esta contando. Este mix de Documental - Película lo que hace aún más interesante. IMPERDIBLE.
TRAILER
LOUIS VAN
BEETHOEVEN
Louis van Beethoven.
- Título original
- Louis van Beethoven
- Año: 2021
- Duración: 120 min.
Alemania- Dirección: Niki Stein
- Guion: Niki Stein
- Reparto: Tobías Moretti, Colin Putz, Anselm Bresgot. Ulrich Noethen. Caroline Hellwig.
- Música: Ludwig van Beethoven
- Fotografía: Arthur W. Ahrweiler
- Compañías: Coproducción Alemania-República Checa;Eikon Media GmbH
- Género: Drama. Histórico. Música. Biográfico.
SINOPSIS: Año 1779. Con 8 años, el pequeño Beethoven ya es conocido como un niño prodigio musical. Aprende a seguir su propio camino, para consternación de las personas que le rodean. Años más tarde, conoce a Mozart en tiempos de agitación política. Su carácter poco convencional y la Revolución Francesa provocan un incendio en su corazón: Ludwig no quiere servir a un maestro, sólo a las artes. Haciendo frente a tiempos de tragedias familiares y amor no correspondido, casi se da por vencido. Sin embargo, en 1972 llega a Viena para estudiar con Haydn. El resto de la historia ya es Historia.... Biopic sobre la figura del célebre compositor Ludwig van Beethoven, para conmemorar el 250 aniversario de su nacimiento, que se celebra en diciembre de 2020. Apasionado por la música, la libertad y la verdad, su vida será una batalla contra las convenciones. MUY BUENA. En diciembre de 2020 se cumplieron 250 años desde el nacimiento de uno de los maestros de la música, Ludwig van Beethoven. Para celebrarlo, Niki Stein ha realizado una película en su honor bajo el mismo nombre, Beethoven. El director tiene un bagaje experimentado en largometrajes para televisión. Sin embargo, en este proyecto, a pesar de ser orientado a la pequeña pantalla, cuida muchísimo los detalles en torno a la figura del compositor. A través de un viaje sustentado en dos líneas temporales en paralelo, el guion muestra los inicios de un pequeño Beethoven hasta su máximo esplendor. Asimismo, también aborda la última etapa del alemán, donde se introduce en los graves problemas de audición y ese carácter tan difícil de manejar. Sin duda, las distintas piezas que conforman el film, saben causar sensación en el espectador y arrojan luz sobre su parte más personal. Sigue un esquema más estándar de las películas biográficas, pero se aprecia notablemente que haya apostado por una humanización de la leyenda. Así luce un libreto en el que hay una visión más cercana, que permite al espectador conectar más con su figura. Por lo cual, esos detalles, como su pensamiento revolucionario, o el amor por su familia, dejan constancia que no buscan idolatrar al músico, sino también darle un homenaje a su propia existencia. Por ello, no se convierte en una película difícil de digerir, sino, al contrario, se hace amena y agradable. Es cierto que falta algo de majestuosidad y ser más ambiciosa. Aun así, resuelve muy bien y obtiene un resultado satisfactorio. Como apunte, la utilización de las principales referencias profesionales del autor se hace desde una influencia perfecta, ya que no invaden ni quitan protagonismo a la historia del compositor. Durante Beethoven se observan tres etapas diferenciadas en la vida del músico, por lo que son tres los actores elegidos para dar vida a esta leyenda. En primer lugar, Tobias Moretti es el encargado de desempeñar su papel durante su etapa más adulta. Con determinación y fuerza, es una de las mejores interpretaciones de la película. Desde el principio, se ve ese carácter en su actuación, pero no se excede ni cae en la sobreactuación. Al contrario, la deja emerger de una forma muy natural, dándole unos matices que elevan todavía más su trabajo. Luego, el joven pianista Colin Pütz se mete en el pequeño ‘Louis’, como llamaban cariñosamente a Beethoven antes del comienzo de su carrera profesional. A diferencia de Moretti, hay partes en las que está excelente, mientras que en otras se mantiene demasiado comedido y sin expresión. Entre Pütz y Moretti, se encuentra Anselm Bresgott, que desarrolla su etapa juvenil y madurez temprana. Tiene cierto temperamento, que hace verosímil la evolución dramática en la etapa de Moretti. Dentro de esa expresión muy singular, hay también una sensibilidad muy suave, que no es totalmente perceptible. Por lo cual, aunque hay escenas en las que se deshace de esa facción más rebelde y dinámica, no logra envolverse en una emocionalidad más patente. En consecuencia, expresa notablemente, pero se queda levemente debajo de lo que podría dar. Por otro lado, hay un amplio reparto, donde se ve la intención de poder dibujar las vivencias más cercanas del autor. A nivel general, hay un desempeño eficaz, que se detiene en nombres específicos para dar más potencia a la cinta, como es el caso de Ulrich Noethen o Caroline Hellwig. La estructura de Beethoven se mueve en el presente con un intercalado de flashbacks a lo largo de la película. Para comenzar, es totalmente comprensible los momentos que se explican, ya que siguen una coherencia temporal, la cual hace más fácil que el espectador vaya observando el avance en la vida del autor. Al mismo tiempo, observa las consecuencias de unas vivencias marcadas por todo ese bagaje vital. Sin embargo, se podrían haber omitido los lugares y fechas en texto, ya que no terminan de obtener tanta atención y se pueden resolver con el contexto que se hace a través de los diálogos o la composición visual. Por tanto, se puede prescindir de ello. Luego, el montaje lleva un buen ritmo, que, incluso pese a sus dos horas, se hace totalmente llevadero y entretenido. La dirección de fotografía y de arte son, indudablemente, de los mejores aspectos técnicos del film. Se deshace del estigma de los telefilmes, para dar rienda suelta a una composición visual magnética y con exteriores impresionantes. Al mismo tiempo, hace viajar al público al pasado con una buena caracterización y cuidado de la ambientación del siglo XVIII y XIX que se quiere dar. Esa artesanía da un efecto cautivador, haciendo uso del rigor histórico pertinente. Por último, el uso de la música es fundamental, lo que hace que la película se apoye bastante en ello. La línea que va siguiendo esa musicalización está muy bien escogida, dado que hace un repaso donde se aprecia la sinergia con el resto de elementos plásticos. No es siempre fácil dar el valor suficiente sin perder de vista lo que se quiere contar y, en este caso, la banda sonora encuentra su lugar. Beethoven indaga en la parte más humana y personal del compositor, sin dejar de lado su progreso profesional, que lo convirtieron en una leyenda. A pesar de su carácter de película para televisión, se observa un guion que presenta un homenaje cercano de este mito de la música. Únicamente, sigue un esquema estándar del biopic, pero se valora la forma de ejecutarlo. Luego, Tobias Moretti ofrece una interpretación a la altura, acompañado de compañeros que dejan una buena sensación. Por otro lado, a nivel visual registra una propuesta excelente, que sumerge al público ante un viaje histórico y lo envuelve en esa atmósfera musical. El hombre detrás del mito, que luce en su plano más cercano. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
MOVING ON
Hacia adelante.
- Título original
- Moving On
- Año: 2023
- Duración: 85 min.
Estados Unidos- Dirección: Paul Weitz
- Guion: Paul Weitz
- Reparto: Lily Tomlin, Jane Fonda, Malcolm McDowell, Richard Roundtree, Eddie Martinez, Nancy De Mayo, Mo Aboul-Zelof, Marcel Nahapetian, Catherine Dent, Carol Herman, Sarah Burns, Jeremiah King, Dan Aho.
-
Música: Paul Croteau, Amanda Delores
- Fotografía: Tobias Datum
- Compañías: Boies Schiller Film Group, Depth of Field, Limelight
- Género: Comedia. Drama.
SINOPSIS: Dos viejas amigas distanciadas se reencuentran en un funeral de una amiga común y deciden vengarse del viudo que se metió con ellas décadas antes. MUY BUENA. El escritor y director Paul Weitz escribió la sublime comedia de carretera Grandma para Lily Tomlin, y ahora, por sugerencia de Tomlin, escribió una nueva película para Lily y Jane Fonda, una con personajes irreconocibles de la pareja que interpretaron durante siete años en Netflix. comedia de situación, Grace And Frankie, en una historia teñida de un lado oscuro, así como algunos comentarios mordaces sobre el efecto del trauma sexual, incluso casi medio siglo después. Este es el tipo de película que me encanta, hecha de forma independiente, con grandes actores en tipos inesperados de papeles, con una duración de 85 minutos ajustados y sin grasa, y siendo completamente entretenida con algo que decir también. RECOMENDABLE.
TRAILER
Santuario.
- Título original
- Sanctuary
- Año: 2023
- Duración: 96 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Zachary Wigon
- Guion:Micah Bloomberg
- Reparto: Margaret Qualley, Christopher Abbott, Danita Battle, Rene Calvo.
-
Música: Ariel Marx
- Fotografía: Ludovica Isidori
- Compañías: Charades, Hype Film, Mosaic Films, Rumble Films
- Género: Drama. Thriller.
SINOPSIS: El heredero de un imperio hotelero (Christopher Abbott) y la dominatrix que lo ha preparado para el éxito (Margaret Qualley) se enfrentan en una habitación de hotel mientras él intenta terminar su relación. EXCELENTE. Un impecable thriller es el que nos regala en su segundo largometraje el director Zachary Wigon bajo el guion de Micah Bloomberg. Es un thriller con tintes sexuales que tiene su gran fortaleza en la impecable química que nos ofrecen Margaret Qualley y Christopher Abbott quienes son capaces de sostener entre sus hombros un contundente juego de dar y recibir para transformarlo en un placer visual y emocional de primera. La película funciona de maravilla gracias al contundente guion con el cual sostiene 96 minutos que pasan de manera rápida y contundente bajo el hipnótico juego de diálogos y acciones que ofrece la película en su totalidad. Con una inteligente dirección por parte de un director que hace méritos para tenerlo muy presente para futuros proyectos, tiene la astucia de manejar la cámara de forma que te sientas uno más de la tormenta de relación por la cual pasan sus dos protagonistas a eso le sumamos la intensidad interpretativa de su pareja protagonista lo que nos da como resultado tener una muy gratificante película que termina siendo una sorpresa absoluta que demuestra la inteligencia detrás de ella por parte de todos sus involucrados. Es una película para adultos que se disfruta como tal, es una película llena de intenciones de todo tipo y que te invitan como espectador a disfrutarla como se debe con una mirada audaz y sarcástica de los deseos y las acciones o de las necesidades ocultas que tenemos todos en nuestra vida más íntima. Una apuesta inquietante y adictiva que te sumerge en una tensión sexual evidente, pero que tiene la facultad de dejar todo lo sexual de lado y llevarte al deseo solo con diálogos y miradas que te envuelven en un deseo constante de saber como terminara todo lo que estamos viendo. Una película inteligente es lo que mejor describe a Sanctuary a la cual vale la pena darle una oportunidad y disfrutarla con todo lo positivo que tiene y también con los puntos más bajos que le podamos encontrar. Una grata sorpresa que se gana un lugar entre lo más satisfactorio que llevamos de este 2023. IMPERDIBLE.
TRAILER
LIVE /ACTION
DEL ZODÍACO
SAINT SEYA (EL INICIO)
Saint Seiya: Knights of the Zodiac.
- Título original
- Saint Seiya: Knights of the Zodiac
- Año: 2023
- Duración: 112 min.
Japón. Estados Unidos.- Dirección: Tomasz Bagiński
- Guion: Josh Campbell, Matthew Stuecken, Kiel Murray. Manga: Masami Kurumada
- Reparto: Mackenyu, Famke Janssen, Madison Iseman, Sean Bean.
- Música: Yoshihiro Ike
- Fotografía: Tomasz Naumiuk
- Compañías: Coproducción Japón-Estados Unidos-Hungría; Toei Animation, Sony Pictures, Toei, Sola Entertainment, Hero Squared, Stage 6 Films
- Género: Acción. Fantástico. Aventuras. Drama | Artes marciales. Manga. Live-Action
HABLADA Y SUBTITULADA EN INGLÉS Y CASTELLANO.
SINOPSIS: Seiya (Mackenyu), un testarudo adolescente callejero, se pasa el tiempo luchando por dinero mientras busca a su hermana secuestrada. Cuando en una de sus peleas se le revelan poderes místicos que desconocía, Seiya se ve inmerso en un mundo de santos en guerra, antiguos entrenamientos mágicos y una diosa reencarnada que necesita su protección. Para sobrevivir, tendrá que aceptar su destino y sacrificarlo todo para ocupar el lugar que le corresponde entre Los Caballeros del Zodiaco. BUENA. Hacer una adaptación en acción viva de un producto animado siempre ha sido algo polémico, ya sea porque algunas veces dicha adaptación no tiene el encanto visual o argumental de la obra animada, o porque la persona a cargo de la adaptación tiene una visión diferente de como debería ser la adaptación. Es por eso que hacer una adaptación de algo animado puede llegar a complacer a algunos y decepcionar a otros. En el caso de esta película de Saint Seiya, se tenían muchas sospechas con el trailer. Además, hay que aclarar que hacer esta película no fue idea de Hollywood, sino del mismo autor del manga, Masami Kurumada. Para empezar, la película no es una historia completa como tal, es solo el primer capítulo de lo que vendría a ser una saga. El mismo título lo anuncia y hasta yo mismo ya lo veía venir. Parece que para muchos hacer un primer episodio de una saga no suele convencer al público, ya que eso sucedió con Fantastic Four (2015) y Power Rangers (2017). La trama sé mayormente en los comienzos de Seiya, desde que es reclutado, hasta su entrenamiento y cuando obtiene la armadura. La película no cuenta exactamente lo que sucede al principio del anime, se trata de una historia que sirve como reinicio de lo ya visto en el anime. Es complicado hablar de esto debido a que los años han pasado y no recuerdo mucho del anime. La mayoría de los actores no están mal y debo admitir que Mackenyu como Seiya quedo bastante bien. Madison Iseman como Atenea al principio no me convenció, pero tras su gran revelación, debo admitir que me dejo sin palabras. Nick Stahl como Cassius es algo complicado, ya que todos recordamos a Cassius por ser un gigante musculoso, el cual podría haber sido interpretado por un fisicoculturista. Por suerte, Nick logra personificar un personaje rudo que está casi al nivel de Cassius. Marin si logra estar al nivel de su contraparte animada y el actor de Mylock realmente estuvo estupendo. Los efectos especiales, las escenas de pelea y el diseño de las armaduras son mayormente aceptables. Así que para dejar esto bien en claro, ¿esta película es realmente tan mala como Dragon Ball: Evolution? La respuesta en realidad es “No”, pero pudo haber sido peor. Toei Animation estuvo involucrado en la producción de la película, así que al menos eso es suficiente para que la película no haya acabado siendo tan mala como muchos la están pintando. Decir que esta película es tan mala como Dragon Ball: Evolution es totalmente erróneo y solo es otro lloriqueo típico de un fandom. Al menos esta película en cuanto argumento y contexto si toma algunos aspectos del anime y en realidad no lo hace tan mal. Ciertamente, aún tenía más que ofrecer, pero al ser el primer capítulo obvio que será poco lo que podrá ofrecer. Seguramente muchos fueron a verla con una idea errónea tras ver el trailer o con demasiadas expectativas y por eso lo más conveniente sería verla con las expectativas bajas. Desde luego no es lo mismo que el anime, así que hay que tener en cuenta que se trata de una versión diferente de lo que ya se conoce. Si me lo preguntan, creo que si deberían hacer una secuela. Al menos en el siguiente capítulo podrían empezar a ofrecer lo que no se vio en esta película y compensar un poco lo que algunos habrán esperado ver. En conclusión, Knights Of The Zodiac no es una de las peores adaptaciones de la historia, pero si es una adaptación polémica que, como muchas otras, puede ser aceptada o rechazada dependiendo del nivel de fanatismo que tienen los fanáticos. Es entretenida, ideal para una tarde con pochoclos juntoa tus hijos, sobrinos o nietos. RECOMENDABLE.
TRAILER
CINE NACIONAL
SIAMESAS
Las siamesas.
- Título original
- Las siamesas
- Año: 2021
- Duración: 81 min.
Argentina- Dirección: Paula Hernández
- Guion: Paula Hernández, Leonel D'Agostino. Cuento: Guillermo Saccomano
- Reparto: Rita Cortese, Valeria Lois, Sergio Prina.
-
Música_ Ulises Conti
- Fotografía: Iván Gierasinchuk
- Compañías: Tarea Fina
- Género: Drama | Road Movie.
SINOPSIS: Estela y su madre Clota deben viajar desde Junín, donde viven, hasta la
localidad de Costa Bonita, en Necochea, para ver unos departamentos que
el padre de Estela le dejó en herencia. Esto se volverá un incordio para
Estela, ya que su madre es alguien difícil de tratar: se queja, le
tiene miedo a todo, dice cosas hirientes y se pasa el tiempo recordando
el pasado. MUY BUENA. El cine argentino contemporáneo hizo de la Costa Atlántica uno de los
destinos predilectos de hombres y mujeres en crisis que, ya sea por
obligación o voluntad propia, parten hacia allí con la idea de cerrar
una etapa de la vida con más sinsabores que alegrías. Así ocurre con
Stella (Valeria Lois), que en Las siamesas debe
emprender un viaje junto a su madre Clota (Rita Cortese) para conocer un
par de departamentos heredados de su padre, recientemente fallecido. Las cosas no andan nada bien entre las protagonistas de esta road movie dirigida por Paula Hernández (Herencia, Lluvia, Los sonámbulos).
Mientras Stella intenta atravesar el duelo por la pérdida de ese hombre
al que conoció poco y nada, Clota se dedica a decirle cosas hirientes y
rememorar el pasado hablando pestes de su ex marido, como si no
quisiera que su hija fuera una mujer libre e independiente. En ese
sentido, el viaje desde Junín hasta la localidad de Costa Bonita, en
Necochea, asoma como una salida de la extraña zona de confort en la que
están, a la vez que una posibilidad de saldar las cuentas pendientes
entre ellas. Película de viajes y clausuras, drama filial atravesado por el duelo con algunos pasos fugaces de omedia romántica, Las siamesas
es una de esas ficciones hechas en base a pequeños gestos que van
revelando progresivamente las aristas emocionales más conflictivas, más
enquistadas en los usos y costumbres de sus personajes. Hernández construye, al igual que en Los sonámbulos,
una tensa convivencia entre estas mujeres que se miran poco a los ojos
–un síntoma de incomodidad constante- e irán incrementando su malestar
recíproco, sobre todo en un espacio físico reducido (casi toda la trama
se desarrolla dentro de un micro) que las presiona incluso más que la
dependencia mutua. IMPERDIBLE.
TRAILER
CINE ARTE, EXTRAÑESAS
ONNATACHI
Mujeres de la noche.
- Título original
- Yoru no onnatachi
- Año: 1948
- Duración: 73 min.
- Japón
- Dirección: Kenji Mizoguchi
- Guion: Yoshikata Yoda. Novela: Eijiro Hisaito
- Reparto: Kinuyo Tanaka,sanae Takasugi, Tomie Tsunoga.
-
Música: Hisato Osawa
- Fotografía: Kohei Sugiyama (B&W)
- Compañías: Shôchiku
- Género: Drama | Prostitución. Post-Guerra. Cine de Culto.
- SINOPSIS: En un Japón devastado por la Segunda Guerra Mundial, la crisis económica y moral parece exacerbar lo peor de una sociedad tradicionalmente machista, acostumbrada a someter y a explotar a las mujeres, acorraladas por el hambre, la miseria y la soledad. Justamente, éste es el caso de las tres protagonistas del film: Fusako (Kinuyo Tanaka), Natsuko (Sanae Takasuji) y Kumiho (Tomie Tsunoda), cuyos destinos, por tratarse de dos hermanas y una vecina, se entrecruzan. EXCELENTE. "Retrato desgarrador y crudamente realista de la prostitución durante la ocupación de posguerra, se dice que Mujeres de noche, de Mizoguchi, contribuyó decisivamente a la aprobación de la ley japonesa contra la prostitución. Kinuyo Tanaka interpreta virtuosamente a Fusako, una joven de Osaka obligada por las circunstancias económicas a convertirse en la amante de un contrabandista de narcóticos. Cuando su novio, un traficante, empieza a acostarse con su hermana pequeña, Fusako, angustiada y desesperada, no ve otra alternativa que dedicarse a la prostitución callejera. Más tarde, las dos hermanas se reencuentran cuando ambas son detenidas durante unas redadas policiales, y descubren que ahora deben enfrentarse a enfermedades venéreas y embarazos no deseados." "Un excelente retrato de la posguerra y del patetismo y la amargura de las mujeres" (Audie Bock). "Los hallazgos de Mizoguchi conmocionaron a la nación" IMPERDIBLE.
- 14 Mejores películas japonesas de la historia.
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Primavera Tardía.
- Título original
- Banshun (Late Spring)
- Año: 1949
- Duración: 108 min.
- Japón
- Dirección: Yasujirō Ozu
- Guion: Kazuo Hirotsu, Kogo Noda, Yasujirō Ozu
- Reparto: Chishû Ryû, Setsuko Hara, Yumeji Tsukioka, Haruko Sugimura, Masao Mishima, Kuniko Miyake.
-
Música: Senji Ito
- Fotografía: Yuuharu Atsuta (B&W)
- Compañías: Shôchiku
- Género: Drama | Familia. Bodas.Cine de Culto.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HD 1080p.
SINOPSIS: Noriko vive con su padre viudo y cuida de él, pero ya va siendo muy
mayor para permanecer soltera. Su padre desearía casarla, aunque ello
represente su definitiva soledad. Lo malo es que el candidato a
matrimonio se casa con la mejor amiga de Noriko. Su tía Masa le presenta
a un joven a su pesar. EXCELENTE. Con esta bellísima película Ozu inaugura el ciclo que definitivamente le
consagra como uno de los más grandes cineastas de la historia. Son trece admirables películas —la mayoría, obras maestras—, trece
eslabones que avanzan inexorablemente hacia la depuración temática y
estilística que identifica el llamado “sistema Ozu”: pequeños dramas
domésticos narrados con planos fijos a la altura de un hombre sentado. El actor y la actriz fetiches de Ozu, Chishu Ryu y Setsuko Hara, son
padre e hija en esta Primavera tardía, donde no hay más trama argumental
—como sucederá con frecuencia— que la boda de la hija y la consiguiente
soledad del progenitor. Conozco pocas películas que sean capaces de transmitir una intensa
emoción desde su inicio mismo, cuando todavía no sabemos nada de los
personajes ni la acción propiamente ha arrancado. Me sucede con el
prólogo de El hombre que mató a Liberty Valance y también con Primavera
tardía; los encuadres, su cadencia rítmica y la música transforman la
escena inicial de la ceremonia del té en un mágico instante de profunda
emotividad. Todo se transforma en esta película: un jarrón o una fruta mondada se
convierten en algo más de lo que aparentan. Ozu extrae poesía de los
detalles más nimios; un trayecto en tren de padre e hija, una excursión
en bicicleta de ella con un amigo —moviendo, esta vez sí, la cámara con
más elegancia que nunca—, los avatares durante una representación de
teatro Nô o el postrero viaje a Kioto de los protagonistas son, entre
muchos otros, momentos privilegiados de una obra hermosa y sentida como
pocas. IMPERDIBLE.
-
- 10 Mejores películas japonesas de la historia.
- 12 Mejores películas de los años 40 de la historia.
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TRAILER
WORLD OF
SAMMY LEE
El pequeño mundo de Sammy Lee.
- Título original
- The Small World of Sammy Lee
- Año: 1963
- Duración: 107 min.
Reino Unido- Dirección: Ken Hughes
- Guion: Ken Hughes
- Reparto: Anthony Newly, Julia Foster, Robert Stephens, Wlfrid Brambell.
- Música: Kenny Graham
- Fotografía: Wolfgang Suschitzky (B&W)
- Compañías: Bryanston, Elgin Films
- Género: Drama. Suspenso. Cine de Culto.
VERSIÓN REMASTERIZADA HD 720P.
SINOPSIS: Sammy Lee, un artista de un club de striptease, solo dispone de 24 horas para pagar sus deudas de juego o arriesgarse a que le corten la cara con una navaja. Se apresura desde la tienda de su hermano en Petticoat Lane al otro lado de la ciudad hacia los clubes de billar y los clubes de jazz del Soho en una búsqueda frenética de dinero en efectivo. EXCELENTE. "Anthony Newley está perfectamente caracterizado como Sammy Lee en esta joya olvidada del cine británico. Sammy es uno de esos personajes oprimidos que habitan el cine negro y muchos dramas criminales de la época. Es inteligente, pero no lo suficiente como para superar los obstáculos que encuentra una y otra vez. Aunque la mayor parte de las veces es culpa suya -Sammy es más de recibir que de dar-, podemos sentir simpatía por su situación gracias a la fina interpretación de Newley. La película, bellamente fotografiada, hace uso de lugares del West End londinense, mostrándonos calles y fachadas reales (algunas de las cuales seguramente ya no existen), para crear el mundo de Sammy. Es probable que el nombre del film no ayudó cuando se estrenó, pero sí sugiere la forma en que está concebida la película. Nunca vemos nada fuera del barrio de Sammy: vive frente al Club Peepshow, donde trabaja como maestro de ceremonias. Este es el mundo de Sammy (el ambiente chabacano y deprimente del club y sus habitantes es un factor importante), un purgatorio en el que cree que puede ganar la partida constante que disputa con jugadores más ricos, más inteligentes y más duros. La trama principal se centra en el intento de Sammy de recaudar dinero para pagar una deuda a un ser misterioso e invisible llamado "Connor". Connor tiene secuaces, y son rápidamente despachados cuando Sammy admite que no tiene el dinero que le corresponde. Sorprendentemente, el matón principal se muestra comprensivo con las súplicas de Sammy y le da varias horas para reunir el dinero. Es muy divertido ver las maquinaciones de Sammy mientras trabaja para conseguir este fin. En esta historia hay suspenso, dramatismo y angustia, todo excelentemente interpretado". IMPERDIBLE.
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- 62 Mejores películas de los años 60 de la historia.
- 53 Mejores películas de drama de la historia.
TRAILER
CINE FAMILIAR
DE LOS
ANIMALES MÁGICOS
Die Schule der magischen Tiere.
- Título original
- Die Schule der magischen Tiere.
- Año: 2022
- Duración: 93 min.
- Alemania
- Dirección: Gregor Schnitzler
- Guion: John Chambers, Arne Nolting, Viola Schmidt, Oliver Schütte. Novela: Margit Auer. Diálogos: Alexander Dydyna
- Reparto: Emilia Maier, Leonard Conrads, Loris Sichrovsky, Nadha Udl, Justus Von Dohnanyi.
- Música: Dominik Giesriegl
- Fotografía: Wolfgang Aichholzer
- Compañías: Coproducción Alemania-Austria; Bayerischer Banken-Fonds, Kordes & Kordes Film
- Género: Aventuras. Fantástico | Cine familiar. Animales.
VERSIÓN HABLADA Y SUBTITULADA EN CASTELLANO Y ALEMÁN.
SINOPSIS: Ida es nueva en la ciudad y le cuesta mucho hacer amigos. Un día, su
extraña maestra de clase, la señorita Cornfield, anuncia que todos en la
clase pronto tendrán un animal mágico que los acompañará. Ida escoge al
zorro Rabbat. Benni, al igual que Ida también una forastera, escoge a
la tortuga Henrietta como nueva compañera. Pero esos animales son algo
muy especial: no solo tienen habilidades mágicas, ¡también pueden hablar
y desarrollar su propio carácter! MUY BUENA. La película arranca presentando a quienes nos acompañarán a lo largo del
film. Por un lado, muestra a los entrañables animales mágicos y, por
otro, a Mortimer Morrison, el propietario de la “Tienda de animales
mágicos”, que junto a su cuervo recorre el mundo en busca de más
criaturas mágicas. Ida, la protagonista, es una adorable niña –y bien podría ser la
sucesora de Pipi Calzaslargas– que llega a su nuevo pueblo junto a su
madre. Allí conoce a sus nuevos amigos Benny y Joe. Uno es un pequeño
patoso y el otro el típico chavalín espabilado que quiere ir de malo,
personalidad que el actor no acaba de interpretar con soltura. Además,
el colegio tiene personajes muy cómicos como el director y el bedel,
entre otros, que tienen cierto paralelismo con Seymour Skiner y Willy de
Los Simpsons. La cinta sorprende en muchos puntos con escenas musicales al estilo de
El gran showman o High school musical. Y sorprende porque es un título
que no acaba de definirse entre el género musical o el de aventuras. Esa
combinación resultará curiosa para algunos, mientras que para otros
gustos puede ser idónea. Aun así, El colegio de los animales mágicos es
una propuesta entretenida, con valores como la amistad y unos
protagonistas que harán disfrutar a toda la familia. MUY RECOMENDABLE.
2022: Premios Cine Alemán: Mejor Film Infanto- Juvenil. Mejor Actríz Revelación (Emilia Maier)
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CINE CLÁSICO
CICLO: LOS CELOS Y ASESINOS NO SON COMEDIA.
CELOS
A LA ITALIANA
Il magnifico cornuto.
- Título original
- Il magnifico cornuto
- Año: 1964
- Duración: 124 min.
- Italia
- Dirección: Antonio Pietrangeli
- Guion: Diego Fabbri, Ruggero Maccari, Ettore Scola
- Reparto: Claudia Cardinale, Ugo Tognazzi, Gian María Volonté, Salvo Randone, Bernard Blier.
- Música: Armando Trovajoli
- Fotografía: Armando Nannuzzi (B&W)
- Compañías: Coproducción Italia-Francia.
- Género: Comedia. Romance | Celos.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HD 1080p.
SINOPSIS: Andrea Artusi (Ugo Tognazzi) constata la facilidad con la que una mujer puede engañar a su marido. Andrea empieza a sospechar que su mujer le es infiel. La duda se transforma rápidamente en una verdadera obsesión que le lleva a comportarse de una manera insensata con su mujer, que en verdad le está siendo fiel. Andrea llega al punto de obligarla a revelar el nombre de su supuesto amante. Hecho una furia, Andrea sale a buscar al amante y acaba teniendo un accidente de coche.Celos a la italiana está dirigida por Antonio Pietrangeli (Yo la conocía bien) y protagonizada por Ugo Tognazzi en el papel de Andrea Artusi y Claudia Cardinale que da vida a la mujer de Artusi, María Grazia. MUY BUENA. En la opulenta ciudad industrial de Brescia, el mayor pasatiempo de los burgueses industriales parece ser el adulterio, que es también el principal tema de conversación en las fiestas. Andrea Artusi, dueño de una próspera fábrica de sombreros, felizmente casado con la joven y bella Maria Grazia, parece estar completamente seguro de la fidelidad de su esposa, de reputación inmaculada. Sin embargo, no puede resistir la tentación cuando Wanda, la esposa de un amigo, se le propone explícitamente. Pero esta relación, aparentemente inocua, se convierte en su ruina mental: después de haber experimentado de primera mano lo fácil que es para una mujer de traicionar a su esposo sin que nadie se entere, empieza a dudar de su esposa y pronto se encuentra obsesionado con la sospecha de que ella tiene un amante. Entonces comienza a hacerla espiar por un antiguo empleado y de ahí en más su cabeza comienza a imaginar a su esposa seduciendo a cuanto hombre se le cruza, lo cual lo lleva a comportarse de una manera cada vez más ridícula. Estupenda comedia de celos que, más allá de lo divertidísima que es, cala profundo en tópicos como el machismo y el matrimonio. Un Tognazzi inmenso y una Cardinale bellísima y sensual, cuyos personajes van de mayor a menor y de menor a mayor respectivamente, para llegar a un final antológico y justiciero. IMPERDIBLE.
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LURED
El Asesino Poeta.
- Título original
- Lured
- Año: 1947
- Duración: 109 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Douglas Sirk
- Guion: Leo Rosten. Historia: Jacques Companeez, Simon Gantillon, Ernst Neubach
- Reparto: George Sanders, Lucille Ball, Charles Coburn, Boris Karloff, Cedric Hardwicke, Joseph Calleia.
-
Música: Michel Michelet
- Fotografía: William H. Daniels
- Compañías: United Artists
- Género: Intriga. Thriller. Cine negro.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HD 1080p.
SINOPSIS: Siete bellas jóvenes son encontradas asesinadas. La única coincidencia entre ellas es que todas respondieron a anuncios clasificados. El encargado de la investigación es el inspector Temple (Charles Coburn) de Scotland Yard. Sandra, una amiga de Lucy, la última joven asesinada, le servirá como anzuelo. Bajo la protección de un guardaespaldas (George Zucco), Sandra responderá a todos los anuncios que puedan proporcionar una pista a la policía. La joven asiste a una fiesta, en la que Robert Fleming (George Sanders) intenta chantajearla; a partir de ese momento Temple cree que el caso está resuelto. EXCELENTE. He empezado a ver las peliculas de Douglas Sirk por Almodóvar y aún estoy temblando por este descubrimiento. Este alemán, que empezó en la UFA, ha sido capaz de convertir el drama romántico protagonizado por mujeres en algo simplemente exquisito. Cuánto me alegro de que los nazis le dejasen salir de aquel país, de verdad. Sus peliculas son dramas sensatos en los que siempre triunfa el amor, pero de manera inteligente. Muestra los males de la sociedad de la época y, al mismo tiempo, habla de los individuos. Son profundas y sofisticadas, graciosas y claras. Sirk es un experto en dos géneros supuestamente opuestos: el thriller y el melodrama. En esta película demuestra cómo los dos son más parecidos de lo que se cree, cómo el rosa y el negro pueden ser dos colores que combinen a la perfección ("La flor de mi secreto"). "La belleza es aún más bella en la muerte", ¿no existe una mejor frase que demuestre la atracción de tales elementos? Eros y Tánatos, tan opuestos y tan dependientes el uno del otro. El prota de "Ensayo de un crimen" que sueña con matar a la mujer que desea o el personaje de Antonio Banderas en "La ley del deseo" que mata a un hombre por conseguir el amor de otro. La muerte y el amor son tan cómplices como el thriller y el melodrama ( el asesino - poeta), por mucho que nos cueste admitirlo. Sirk no solo mezcla romanticismo con intriga sino que lo hace con unos diálogos maravillosos (la escena del policia y el poeta) y jugando con la imaginación del espectador en todo momento.Resaltar el magnífico trabajo conque Sirk se molesta en enseñar el procedimiento policial, los trámites de la investigación, el estudio de las pruebas (las huellas, tipo de papel usado, características del teclado de la máquina, etc...), sobre todo los perfectos interrogatorios mostrando a Sanders agotado y con barba de dos días, y el buen hacer de los agentes británicos tan bien representados por el inspector jefe. Además queda sobresaliente el episodio de los mafiosos que se dedican a la trata de blancas, dirigidos por un sorprendente señor Moriany, que suena a Moriarty (no en vano las escenas nos llevan en la imaginación a las investigaciones del señor Holmes). Un individuo que ahorra las palabras, desconfiado y de mirada torva. La pelea en el parque con las secuencias en la que el artero señor Moriany muestra su habilidad con el cuchillo, hacen pensar que Sirk era un entusiasta también del género del cine negro y que sin duda cultivó y dejó su maestría demostrada en películas como ésta. IMPERDIBLE.
TRAILER
MINISERIES Y SERIES
THE
ROOKIE
SEASON 1
TEMPORADA COMPLETA
20 EPISODIOS
5 DISCOS.
- Título original
- The Rookie
- Año: 2018 - 2023
- Duración: 860 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Alexi Hawley (Creador), Liz Friedlander, Michael Goi, Greg Beeman, Timothy Busfield, Adam Davidson, Toa Fraser, Nelson McCormick.
- Guion: Alexi Hawley, Inda Craig-Galvan, Fredrick Kotto, David Radcliff.
- Reparto: Nathan Fillion -- John Nolan
Richard T. Jones -- Sergeant Wade Grey
Afton Williamson -- Talia Bishop
Richard T. Jones -- Sergeant Wade Grey
Eric Winter as Tim Bradford -- Eric Winter as Tim Bradford
Mercedes Masöhn -- Captain Zoe Andersen
Alyssa Diaz -- Angela Lopez. - Música: Jordan Gagne
- Fotografía: Alan Caso, Doug Emmett
- Compañías: eOne, Perfectman Pictures, American Broadcasting Company (ABC). Emitida por: American Broadcasting Company (ABC)
- Género: Serie de TV. Comedia | Policíaco. Crimen.
- SINOPSIS: La serie se centra en John Nolan (Nathan Fillion), un hombre de 46 años que se muda a Los Ángeles para perseguir su sueño de ser oficial de policía en el LAPD. Tendrá que amoldarse al peligroso, cómico e impredecible mundo de un policía "joven" decidido a hacerse valer. EXCELENTE. Serie donde podemos ver a Nathan Fillion a las ordenes de su director en Castle y se nota bastante. La serie tiene una temática poco vista dentro del género polcial no había visto algo similar y eso la hace tan especial. Tiene sus toques de humor, un muy buen reparto que se reconoce en otras series de la actualidad y cada capítulo no solo aporta frescura a la trama sino que te deja prendido a tu pantalla ya que pueden aparecer historios de diferentes géneros coacionando entre sí lo que resulta brillante. Todo el equipo actoral descolla pero Nathan Fillion es un tema a parte ya que su personaje contiene a toda la serie sobre sus hombros sin desentonar un segundo. Brillante. En lo personal voy por la 4ta temporada y aún no me ha decepcionado, todo lo contrario la trama crece y crece junto al personaje sin volverse repetitiva en ningún momento, eso si es adictiva. IMPERDIBLE.
- TRAILER
BARRABRAVA
MINISERIE COMPLETA
8 EPISODIOS
3 DISCOS.
- Título original
- Barrabrava
- Año: 2023
- Duración: 336 min.
- Argentina
- Dirección: Jesús Braceras (Creador), Jean Michel Cerf, Jesús Braceras, Gabriel Nicoli, Lucía Garibaldi, Felipe Gomez Aparicio
- Guion: Jesús Braceras, Diego Fió, Gustavo Grabía, Gabriel Nicoli, Mariana Wainstein, Bruno Luciani
- Reparto: Gastón Pauls, Matías Mayer, Gustavo Garzón, Ángelo Mutti Spinetta, Liz Solari. Mónica Gonzaga, Cande Molfese.
- Fotografía: Daniel Ortega
- Compañías: Coproducción Argentina-Uruguay; Cimarrón Cine
- Género: Miniserie de TV. Drama. Fútbol.
SINOPSIS: Cuenta la historia de César (Gastón Pauls) y su hermano menor «Polaco» (Matías Mayer) que forman parte de la barra brava del Club Atlético Libertad del Puerto, la cual es liderada por «El Tío» (Gustavo Garzón). A partir de una fuerte interna, los hermanos son expulsados del grupo de su amado club de fútbol. Ante esto, los hermanos le declararán la guerra a la barra brava poniendo en riesgo su integridad, su vida y su relación. MUY BUENA. Una miniserie argentina más que me da lo esperado, quizás inicia un poco lenta pero su desarrollo y cierre final son más que interesantes, buena producción, buenas actuaciones, buen producto. Barrabrava nos describe la cara oculta del fútbol, lo que vemos como entretenimiento o deporte, todo lo oscuro detrás de este deporte, mafias que manejan las barras, conflicto entre las mismas y la corrupción que domina muchos barrios involucrados con un equipo de fútbol, todo esto en relación a dos hermanos que lideran la barrabrava de un equipo inventado. Argentina tiene su fuerte en este género, los dramas sociales enfocado a este tipo de situaciones, me dió lo esperado, violencia desmesurada en ocasiones pero para lo que vas a ver es válido. MUY RECOMENDABLE.
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