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ESTRENOS
DE LA SEMANA
EN
VENECIA
A haunting in Venice.
(EN CINES)
- Título original
- A Haunting in Venice
- Año: 2023
- Duración: 103 min.
Estados Unidos- Dirección: Kenneth Branagh
- Guion: Michael Green. Novela: Agatha Christie
- Reparto: Kenneth Branagh , Michelle Yeoh , Jamie Dornan. Tina Fey.
- Música: Hildur Guðnadóttir
- Fotografía: Haris Zambarloukos
- Compañías: 20th Century Studios, Scott Free Productions, Mestiere Cinema, Kinberg Genre. Distribuidora: 20th Century Studios
- Género: Intriga. Thriller. Terror | Crimen. Años 40
- Grupos: Adaptaciones de Agatha Christie | Hércules Poirot
SINOPSIS: En la Venecia posterior a la Segunda Guerra Mundial, Poirot, ahora retirado y viviendo en su propio exilio, asiste a regañadientes a una sesión de espiritismo, cuando uno de los invitados es asesinado, por lo que depende del ex detective descubrir una vez más al asesino. MUY BUENA. Llega la tercera parte de la que podríamos llamar la “Hercules Poirot saga”, dado a que es una nueva entrada de las versiones modernas de Asesinato en el Oriente Express (2017) y Muerte en el Nilo (2022). Otra vez, el gran Kenneth Branagh protagoniza y dirige una adaptación de Agatha Christie, en esta oportunidad de la novela Las manzanas. Debo de decir que hasta ahora resultó ser mi favorita de las tres. Seguro esto se debió a su “clima de terror” y el ambiente en esta oportunidad. Recordemos que las murderer mistery movies ocurren en un solo lugar, por un tiempo limitado y donde todos los protagonistas son sospechosos. Una casona veneciana con -supuestos- fantasmas me parece más atractiva que un tren o un barco. Y dicha premisa está muy bien explotada por Branagah, quien se adueña muy bien de los clichés del género, pero nunca se pierde en los mismos. La película no pierde su identidad predeterminada. Más allá del mismo director/protagonista, el resto del elenco está muy bien. Las caras conocidas en esta oportunidad son Michelle Yeoh, Tina Fey y Jamie Dornan. Pero la que se destaca es Kelly Reilly. La producción es de excelencia, Branagha exprime con maestría los hermosos paisajes de una Venecia producida en post-guerra, como cada rincín del hermoso y terrorífico Palace. En definitiva, Cacería en Venecia es gran entretenimiento y una oferta superadora dentro de esta franquicia. IMPERDIBLE.
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H I P N O S I S
ARMA INVISIBLE
Hypnotic.
(EN CINES)
- Título original
- Hypnotic
- Año: 2023
- Duración: 92 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Robert Rodriguez
- Guion: Robert Rodriguez, Max Borenstein
- Reparto: Ben Affleck, Alice Braga, JD Pardo. William Fichtner. Hala Finley.
- Fotografía: Pablo Berron
- Compañías: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; Solstice Studios, Studio 8, Double R Productions, Hoosegow Productions, Ingenious Media
- Género: Thriller. Acción. Intriga.
SINOPSIS: Un detective se ve envuelto en un misterio en el que está involucrada su
hija desaparecida y un programa secreto del gobierno mientras investiga
una serie de atracos de alto nivel. BUENA. Robert
Rodríguez, saliendo de su hábitat natural y de la mano de Ben
Affleck, indaga en un género ajeno para él y nos trae este thriller al
mejor estilo memento. Un laberinto por la mente humana lleno de idas y
vueltas, una película para prestar atención desde el arranque. El elenco
también cuenta con dos grandes actores como Alice Braga y
William Fichtner, ambos con una participación relevante, sobre todo este
último, ya que sin su participación nada hubiera sigo igual. Sin lugar a
dudas, Rodríguez cuenta con armas naturales para este
tipo de historias, por lo que no solo entretiene sino que mantiene al
espectador pegado a su butaca hasta el final. RECOMENDABLE.
2023: Festival de Cannes: Sección "Midnight Screenings"
TRAILER
EL SACRAMENTO
DEL DIABLO
Consecration.
(EN CINES)
- Título original
- Consecration
- Año: 2023
- Duración: 90 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Christopher Smith
- Guion: Laurie Cook, Christopher Smith
- Música: Nathan Halpern
- Fotografía: Rob Hart, Shaun Mone
- Reparto: Jena Malone, Danny Huston, Ian Pirie, Janet Suzman, Steffan Cennydd, Thoren Ferguson, Angela White, Marilyn O'Brien, Eilidh Fisher, Victoria Donovan, Charlotte Palmer, Emma Hixson
- Compañías: AGC Studios, Bigscope Films, Moonriver Content. Distribuidora: IFC Midnight, Shudder
- Género: Thriller | Crimen. Religión.
SINOPSIS: Después del presunto suicidio de su hermano sacerdote, Grace viaja al remoto convento escocés donde cayó y murió. Desconfianda del relato de la Iglesia, descubre un asesinato, un sacrilegio y una inquietante verdad sobre sí misma. MUY BUENA. El sacramento del Diablo trae de regreso al director inglés Christopher Smith, quien a comienzos del siglo 21 obtuvo notoriedad con muy buenas películas como la comedia de humor negro Severance, Triangle y Black Death, donde combinó el cine de acción con el terror junto a un gran Sean Bean. A diferencia de lo que venden los trailers promocionales su nueva obra ofrece una propuesta de misterio construida con elementos del género de terror. En cierta manera y para bien, se encuentra más cercana a la temática del Nunsploitation (películas de monjas turbias) de los años ´70 que el cine de horror sobrenatural de la actualidad. A diferencia de sus obras previas en este proyecto Smith optó por narrar la trama con un ritmo narrativo mucho más pausado donde desarrolla dos líneas argumentales que luego confluyen en el clímax. Para aquellos que busquen un relato frenético plagado de jumpscares esto podría resultar una tortura ya que el tono del film le escapa a la fórmula habitual que solemos encontrar en los estrenos semanales de este tipo. La película resulta un pasatiempo decente gracias a las atmósferas inquietantes que elabora el director y las interpretaciones de Malone y Danny Huston (recordado villano de 30 Days of Night) que fueron aprovechados dentro del reparto. Dentro de la puesta en escena sobresale especialmente todo el diseño de arte que evoca con su simbología los viejos títulos del Nunsploitation. Shudder, la distribuidora de terror, garantiza, ya a estas alturas, que vamos a ver algo de calidad. Es una cumplida interpretación feminista del mito de la caída de Lucifer. Deja lugar para pensar, igual, se trata de un feminismo abierto, defensivo. Me gustó. Pero, no es de alta inspiración; no tiene una estética sofisticada. Hay fuerza, pero cierto desgano. Es que el asunto es remanido y paradójico. De tanto alcance que extenúa de antemano. Son temas enormes y complejos, que requieren de legitima inspiración onírica. Vale, la alegoría. Es clara y llega a despertar nuestra consideración. MUY RECOMENDABLE.
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AIRE
The Dive.
(EN CINES)
- Título original
- The Dive
- Año: 2023
- Duración: 91 min.
Alemania- Dirección: Maximilian Erlenwein
- Guion: Maximilian Erlenwein, Joachim Hedén
- Reparto: Louisa Krause, Sophie Lowe.
- Fotografía: Frank Griebe.
- Compañías: Augenschein Filmproduktion, Falkun Films, Film- und Medienstiftung NRW, Filmförderung Hamburg Schleswig-Holstein Logical Pictures, MFG Film, Protagonist. Distribuidora: Augenschein Filmproduktion, Protagonist, Wild Bunch, ZDF
- Género: Thriller | Supervivencia. Submarinismo /. Aventuras Submarinas.
SINOPSIS: Dos hermanas van a bucear a un hermoso y remoto lugar. Una de las hermanas es golpeada por una roca, dejándola atrapada 28 metros más abajo. Con niveles peligrosamente bajos de oxígeno y temperaturas frías, depende de su hermana luchar por su vida. BUENA. Las hermanastras Tuva e Ida se reunen en Noruega para ver a su madre en Navidad, y de paso bucear en las aguas gélidas del lugar. Tuva sufre un accidente y queda atrapada en una roca, a partir de aquí su hermana tendrá que sufrir mil desencuentros para intentar salvarla y sacarla de una profundidad de más de 30 metros. Película que mezcla la emoción y la supervivencia, no tiene nada que envidiar a recientes producciones bajo el agua como "Underwater" o "A 47 metros 2", la verdad es que los suecos han estado brillantes en la producción, y el montaje de escenas son realmente de tensión y angustia. Todo bajo el manto de nieve en preciosos parajes nórdicos, dónde se mezcla la tensión y la supervivencia, pero también destaco el lado sentimental y nostálgico que guardan ambas hermanas que luchan hasta el final. Escenario maravilloso, banda sonora interesante, e interpretaciones muy dignas. Además la 1:18h se pasa volando, no se van a arrepentir. RECOMENDABLE.
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L´ULTIMA
NOTTE DI AMORE
La última noche de amor.
- Título original
- L'ultima notte di Amore
- Año: 2023
- Duración: 124 min.
Italia- Dirección: Andrea Di Stefano
- Guion: Andrea Di Stefano
- Reparto: Pierfrancesco Favino (Franco Amore)
Linda Caridi (Viviana)
Antonio Gerardi (Cosimo)
Francesco Di Leva (Dino)
Martin Francisco Montero Baez (Ernesto)
Katia Mironova (Rodica) - Música: Santi Pulvirenti
- Fotografía: Guido Michelotti
- Compañías: MeMo Films, Indiana Production, Adler Entertainment, Vision Distribution, Sky Italia
- Género: Intriga. Thriller | Policíaco.
- SINOPSIS: La noche antes de jubilarse, el teniente de policía Franco Amore es llamado para investigar la escena del crimen donde mataron a su mejor amigo y compañero de toda la vida, Dino. EXCELENTE. Andrea Di Stefano dirige con pulso firme un thriller que pone el foco en las condiciones de vida de los agentes de policía, entre salarios bajos, pluriempleo y corrupción. En su tercer largometraje tras la cámara (después de Escobar: Paraíso perdido, protagonizada por Benicio Del Toro, y The Informer ), Andrea Di Stefano, que también trabajó recientemente como guionista de la serie policiaca Bang Bang Baby , además de ser un actor con una larga trayectoria, dirige este thriller dramático con pulso firme, logrando transmitir la dosis adecuada de suspense y tensión, y manteniendo un buen ritmo narrativo (el director también firma el guion), utilizando de forma eficaz el recurso de recrear las mismas escenas desde distintos puntos de vista (al volver a verla, entendemos que la emoción de Franco en la fiesta se debía a otra cosa). El talento interpretativo de Favino es bien conocido, pero cabe destacar aquí la actuación de Linda Caridi, que da vida con gracia (y un marcado acento calabrés) a un personaje femenino muy complejo y polifacético, que inicialmente parece ser la cómplice de su marido, pero que realmente lleva las riendas de todo. También encontramos en el reparto a Francesco Di Leva, en el papel de Dino, amigo y compañero de Franco, otro agente (un buen hombre) para el que la corrupción es un doble trabajo necesario, casi una elección obligatoria. IMPERDIBLE.
- 2023: Festival de Berlín. Berlinale: Competencia Oficial.
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Y TÉ CON SAL
Die Adern der Welt.
- Título original
- Die Adern der Welt.
- Año: 2021
- Duración: 92 min.
Mongolia- Dirección: Byambasuren Davaa
- Guion: Byambasuren Davaa, Jiska Rickels
- Reparto: Bat-Ireedui Batmunkh, Enerel Tumen, Yalalt Namsrai, Algirchamin Baatarsuren, Ariunbyamba Sukhee, Purevdorj Uranchimeg, Alimtsetseg Bolormaa, Unurjargal Jigjidsuren, Batzorig Sukhbaatar, Sarantsetseg Myagmar, Batbaatar Uukhaan
- Música: John Gürtler, Jan Miserre
- Fotografía: Talal Khoury
- Compañías: Coproducción Mongolia-Alemania; Basis Berlin Filmproduktion, MongolTV, ARTE, RBB Fernsehen. Distribuidora: Global Screen
- Género: Drama | Familia.
SINOPSIS: En una provincia en medio de la estepa mongola, Amra, de 11 años, vive una vida nómada tradicional con su madre Zaya, su padre Erdene y su hermana pequeña Altaa. Mientras Zaya cuida del rebaño, Erdene trabaja como mecánico y vende el queso casero de Zaya en el mercado local. Su pacífica rutina se ve amenazada por la invasión de empresas mineras internacionales, que excavan en busca de oro y devastan el hábitat natural. Erdene es el líder de los últimos nómadas que se oponen a ellas, y trata de unirse y convencer a sus compañeros de que no acepten las indemnizaciones que las empresas han ofrecido. EXCELENTE. La directora y guionista Byambasuren Davaa ya sorprendió al mundo en 2005 con su largometraje El perro mongol. Casi veinte años después, vuelve a trasladarnos, con su delicada e impactante maestría, a la estepa de Mongolia para acompañar a la familia de Amra y mostrarnos su curioso modo de vida. En su largometraje anterior, el relato discurría a medio camino entre el documental y la ficción. En esta ocasión, se inclina más hacia la segunda opción sin dejar por ello de ser clara y contundente en su descripción de los rituales cotidianos de esta etnia seminómada que se incorpora, sin prisa pero sin pausa, al universo de las nuevas tecnologías y la globalización de los programas televisivos y las marcas de coches. Dos componentes hacen muy grande esta película de Davaa. Por un lado, el retrato que realiza de los protagonistas es un prodigio de sutileza basado en la contemplación, en un natural dejar hacer y en una planificación alejada de complicados movimientos de cámara. Logra mostrar los pequeños detalles que aderezan y describen a los miembros de la familia, sobre todo en el interior de la yurta, la milenaria vivienda circular propia de los nómadas de Asia Central. Allí, en la penumbra, se muestra el microcosmos familiar, sus aspiraciones, contradicciones, intimidades, enfados e incomprensiones. Esta intromisión del espectador en el núcleo íntimo de Amra, contrasta y se refuerza con la inabarcable extensión de la estepa que Davaa plasma con, de nuevo, una planificación exquisita. La horizontalidad del paisaje se complementa con mínimos elementos verticales, en especial el árbol de las cintas, o se corona con una luna que aumenta la grandeza del panorama al que se enfrentan los recios habitantes de la zona. Los nítidos contornos de cada pieza del paisaje se convierten en un dibujo preciso que delimita el horizonte vital de sus pobladores. La amenaza de las empresas mineras parece minimizarse ante la fortaleza del entorno, haciendo que sea el factor humano el que perciba el peligro y luche por sus derechos. Queso de cabra y té con sal es una pequeña gran obra, cargada de humanidad y preciosa en lo visual. IMPERDIBLE.
2021: Premios del cine Alemán: Mejor Película.
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Esto va a doler.
- Título original
- Fingernails
- Año: 2023
- Duración:113 min.
- Estados Unidos
- Dirección:Christos Nikou
- Guion: Christos Nikou, Sam Steiner, Stavros Raptis
- Reparto: Jessie Buckley, Riz Ahmed, Jeremy Allen White, Luke Wilson, Annie Murphy, Katy Breier, Nina Kiri, Avaah Blackwell, Juno Ruddell, Tanhay Redvers, Subhash Santosh, Delaine Marcia, Christian Meer.
-
Música: Christopher Stracey
- Fotografía: Marcell Rév
- Compañías: Filmnation Entertainment, Dirty Films.
- Género: Romance. Ciencia ficción | Drama romántico. Comedia dramática.
SINOPSIS: Anna (Buckley) sospecha cada vez más que su relación con su pareja de
toda la vida, Ryan, puede no estar funcionando de verdad. En un intento
por mejorar las cosas, se embarca en secreto en una nueva misión
trabajando en un misterioso instituto diseñado para incitar y probar la
presencia del amor romántico en parejas cada vez más desesperadas. MUY BUENA. 'Fingernails’, de Christos Nikou, se pesentó a competición en la Sección
Oficial, de la 71 edición de Festival Internacional de Cine de San
Sebastián. El director griego Christos Nikou debuta en lengua inglesa con una
fábula sobre nuestra necesidad de certeza y la invasión de la tecnologia
en nuestra vida cotidiana. Para dar forma a su propuesta cuenta con una
magnífica Jessie Buckley, a la que da réplica con naturalidad Riz Ahmed
y Jeremy Allen White. Los tres actores con veracidad nos ayudarán a
adentrarnos en esta innovadora exploraración sobre un tema universal: el
amor. La propuesta es un viaje interesante, que parte de una situación
distópica, y presenta un Instituto del Amor, que logra medir de forma
científica el grado de enamoramiento entre dos seres humanos. Con la
inteligencia artificial, ya casi presente en nuestras vidas, y con el
conocimiento del amor como una reacción neurobiológica en el cerebro
causada por una combinación de hormonas, sensación de recompensa y
neurotransmisores, se hace interesante contemplar una ficción sobre uno
de los misterios todavía no desvelados: las claves del enamoramiento.
Cómo cuantificar algo que creemos intangible. Dominados por la parte
cognitiva desde Descartes, “pienso luego existo”, todavía hay un dèficit
en entender nuestras emociones, por lo que se hace inquietante dejar a
la ciencia tomar el mando, para aumentar la desconexión de nosotros
mismos ¿Se puede cuantificar una mirada de amor? ¿Podemos medir el deseo
? Su valor es un acto de presencia, de conciencia. Lo que sí es cierto, que podamos o no aproximarnos a medirlo, el amor
duele. Vincularte con alguien es abrir una puerta a la emoción pura. Al
gozo, la alegría, pero también al dolor o la decepción. Nadie nos puede
asegurar cruzar o no esa puerta. Aunque pobre del que no se atreva a
cruzarla, a arriesgarse a sentirse vulnerable. Estará quizás más seguro,
pero habrá renunciado a una de las fuentes que más nos conecta con ser
humanos y con sentirnos vivos. IMPERDIBLE.
2023: SSIFF Festival de San Sebastián: Premio FIPRESCI.
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TOUJOURS
VOS VISAGES
Las dos caras de la justicia.
- Título original
- Je verrai toujours vos visages
- Año: 2023
- Duración: 118 min.
Francia- Dirección: Jeanne Herry
- Guion: Jeanne Herry
- Reparto: Birane Ba (Issa )
Leïla Bekhti (Nawelle)
Anne Benoît (Yvette)
Dali Benssalah (Nassim)
Élodie Bouchez (Judith)
Suliane Brahim (Fanny) - Música: Pascal Sangla
- Fotografía: Nicolas Loir
- Compañías: Chi-Fou-Mi Productions, Trésor Films, Canal+, Ciné+, France 3 Cinéma. Distribuidora: Studiocanal
- Género: Drama | Drama carcelario. Drama psicológico.
SINOPSIS: Desde 2014, en Francia, la justicia restauradora ofrece a las víctimas y perpetradores de delitos la oportunidad de diálogo a través de sistemas seguros, supervisados por profesionales y voluntarios como Judith, Fanny o Michel. Nassim, Issa y Thomas, sentenciados por robo con violencia, Gregoire, Nawelle y Sabine, víctimas de robo y bolso. También Chloe, víctima de una violación incestuosa, se involucra en medidas de justicia restauradora. En su viaje, hay ira y esperanza, silencio y palabras, alianzas y desamor, conciencia y confianza recuperada. Y al final del camino, a veces, reparación. EXCELENTE. La justicia restaurativa es una práctica que funciona en varios países, especialmente en Francia desde 2014. Se basa en la escucha sin juicio, en no hablar en lugar de otro, en guardar silencio y, sobre todo, en dejar espacio para el pensamiento propio y ajeno. Este programa permite realizar un intercambio entre las víctimas de un delito y los autores de un delito similar. El objetivo, por un lado, es superar el trauma y, por el otro, tomar conciencia de las consecuencias de nuestros actos, todo ello a través de un diálogo sin tabúes. En definitiva, cuestionar el por qué y el cómo. Por ello, Las dos caras de la justicia no se centra en la violencia sino en la conversación, en el renacimiento de una nueva vida. Las víctimas, Grégoire, Sabine y Nawelle, se unen a este programa de discusión junto a los atracadores y ladrones violentos, Issa, Thomas y Nassim. Chloé, por otra parte, que fue abusada sexualmente por su hermano en la infancia, decide ponerse en contacto con su agresor al conocer que ha regresado a la ciudad. Entre los actores destacan grandes intérpretes como Adèle Exarchopoulos, Dali Benssalah o Gilles Lellouche. Las dos caras de la justicia trata sobre la intrahistoria que subyace a la historia visible de la sociedad. Cada personaje tiene el espacio que necesita y no hay protagonistas; el rostro y la voz general es el centro sobre el que gravita toda la cinta. Este equilibro perfecto se logra sin forzar la emoción ni sacrificar a ninguno de los personajes. La puesta en escena es sobria y modesta para dar voz a cada individuo, sin necesidad de una música invasiva que los interrumpa. Al igual que las víctimas y los agresores, la cineasta también aparece discreta y humilde tras la cámara. Sin pronunciarse, ella se limita a filmarlos mientras cada uno se toma su tiempo, con paciencia. Los diálogos, las caras y las voces son la materia prima de la obra y la comunicación es la acción principal, quien genera la intriga. Las dos caras de la justicia convierte cuestiones sociales en ficción de una manera cercana al documental. El abanico tan variado de personajes combina dos universos muy diferentes: el de una obra coral y el del cara a cara. Conmovedora y sorprendente, la película refleja el mundo oculto tras el sistema legal penitenciario. Una representación poderosa del perdón que, sin ser predicadora, incluye situaciones cómicas presentando la emoción de forma inteligente y devolviendo así la fe en la humanidad. IMPERDIBLE.
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Agnes Joy.
- Título original
- Agnes Joy
- Año: 2021
- Duración: 92 min.
Islandia- Dirección: Silja Hauksdóttir
- Guion: Silja Hauksdóttir, Gagga Jonsdottir, Jóhanna Friðrika Sæmundsdóttir. Idea: Mikael Torfason
- Reparto: Katla M. Þorgeirsdóttir Þorsteinn Bachmann Björn Hlynur Haraldsson.
-
Música: Jófríður Ákadóttir
- Fotografía: Víðir Sigurðsson
- Compañías: Vintage Pictures
- Género: Drama | Familia.
- SINOPSIS: Rannveig está viviendo una crisis. Está atrapada en un trabajo que odia y en un matrimonio que se está muriendo. Además, está constantemente luchando con su hija rebelde, Agnes, y no acepta la posibilidad de que ella crezca y algún día le deje. De repente, aparece un nuevo vecino y Rannveig y su familia tienen que afrontar nuevos retos. MUY BUENA. A muchos europeos y argentinos les parece que Islandia está cercano a Marte, una sociedad de naturaleza extraña y gente aún más extraña debido al relativo aislamiento del país. La película refuta la "extrañeza" de los islandeses, confirmando la antigua regla de Anna Karenina de que "las familias felices son iguales, pero las familias infelices son diferentes". El espectador quedará muy satisfecho con el escenario aunque el drama en la trama no es simple, sino doble. Y quedará aún más satisfecho con la actuaciones de los actores, los cuales descollan en sus papeles,haciendo creíbles a sus personajes. Agnes Joy no es una película fácil y allí radica su magia, recomienddo verla en pareja o con amigos, porque su visión de segura va a dar para el debate. MUY RECOMENDABLE.
- TRAILER
MONTE VERITÁ
Monte Veritá.
- Título original
- Monte Verità
- Año: 2021
- Duración: 116 min.
Suiza- Dirección: Stefan Jäger
- Guion: Kornelija Naraks
- Reparto: Max Hubacher,Julia Jentsch,Hannah Herzsprung,Joel Basman,Maresi Riegner,Philipp Hauß,Daniel Brasini.
- Música: Volker Bertelmann
- Fotografía: Daniela Knapp
- Compañías: Coproducción Suiza-Austria-Alemania;Tellfilm, KGP Kranzelbinder Gabriele Production, Coin Film, MMC Movies Cologne.
- Género: Drama | Basado en hechos reales. Años 1900 (circa). Fotografía.
SINOPSIS: En 1906 una joven madre, Hanna, no quiere más que liberarse de su papel burgués y sus limitaciones sociales. Huye al sanatorio Monte Verità, donde, rodeada de la naturaleza idílica del cantón del Tesino y dedicándose en cuerpo y alma y con valentía al arte, se enfrenta a una dolorosa decisión. ¿Podrá volver con su familia sin renunciar a sí misma? MUY BUENA. Construida con un montaje audaz, y exhibiendo una fotografía ligeramente preciosista, que alterna el impresionismo con el realismo amable para huir del encorsetamiento de un filme de época enraizado en el oscurantismo del siglo XIX, la película muestra el viaje a la libertad de una mujer asfixiada (Maresi Riegner, porcelana desquebrajada iluminada por dentro) que lo deja todo, posición social y marido brutal, para liberarse en todos los sentidos. Así se convertirá en la autora de todas esas fotos, como la de Herman Hesse enseñando el pompis, que han quedado para la posteridad, inmortalizando todas las actividades paganas a las que se libraron aquellos artistas e intelectuales atraídos por un enclave libertario. Si todo este material merecía quizás una aproximación algo más atrevida, estilo Serra, la película permanece como un conmovedor y delicado manifiesto feminista. MUY RECOMENDABLE.
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CINE NACIONAL
CUANDO
ACECHA
LA MALDAD
Cuando acecha la maldad.
(EN CINES)
- Título original
- Cuando acecha la maldad
- Año: 2023
- Duración: 99 min.
Argentina- Dirección: Demián Rugna
- Guion: Demián Rugna
- Reparto: Ezequiel Rodríguez, Luis Ziembrowski, Demián Salomón.
- Música: Pablo Fuu
- Fotografía: Mariano Suárez
- Compañías: Shudder, La Puerta Roja, Aramos Cine, Machaco Films
- Género: Terror |Thriller. Leyenda Urbana.
- SINOPSIS: En un pueblo remoto, dos hermanos descubren a un hombre infectado por
fuerzas malignas que está a punto de dar a luz a un demonio.
Desesperados por evitar la entrada del Mal a su pacífico mundo, los
hermanos descubrirán la terrible verdad: es demasiado tarde. EXCELENTE. Tenía muchas ganas de ver lo nuevo de Demián Rugna y no me ha
decepcionado en absoluto,por el contrario me sorprendió. En un pueblo remoto de Argentina, un hombre dice haber sido poseído por
el diablo. Dos hermanos de la misma aldea intentan deshacerse de él para
que el diablo salga de su zona, sin ser conscientes de que eso
empeorará la situación… Rugna no lo tenía fácil. Cuando sorprendes con una película que gusta
tanto como su primer film Aterrados (review) las expectativas están muy
altas. Es muy fácil decepcionar y que el público o la crítica se agarren
a lo que sea comparando para mal tu nueva peli con la anterior. Sin
embargo, ha salido victorioso gracias a una película donde el corazón
que late es puro género de terror, sin concesiones ni tonterías, al
grano y directo a la yugular. La tensión que desprende y algunas escenas
son sencillamente de diez. En los aspectos más flojos de la cinta, podríamos mencionar alguna
escena menos trabajada. Mencionaría como ejemplos alguna escena en coche
en la que los fondos/cromas son notorios (no sabemos si se debe al
presupuesto) y confieso que alguna actuación un tanto chillona dentro
del elenco también me saturó un poco. Sin embargo, el maquillaje es
estupendo, la violencia está muy bien retratada, y en ese aspecto y
muchos otros de la cinta no notamos escasez de recursos. Además, los
actores principales Ezequiel Rodríguez y Federico Liss están muy bien.
Y, sobre todo, como mencionábamos antes, hay algo en la forma de hacer
cine de su director que es como una bofetada en toda la cara. Podría
definirse como que se atreve con el terror genuino, hace cine de terror
sin florituras. Por lo tanto, Cuando Acecha la Maldad es un ejemplo de esas películas
que sin tener todos los medios del mundo da una lección de cómo hacer
cine, y hacer que el espectador sienta adrenalina por dentro. Cuando Acecha la Maldad logró este año lo que ningún film argentino había logrado antes, ganar el premio a Mejor Película en STIGES el mejor festival de cine de terror, suspenso y fantástico del mundo. IMPERDIBLE.
2023: Festival de Sitges: Ganadora Mejor película y Premio Blood Window.
2023: Festival de Cannes: Midnight Screening.
TRAILER
LAUQUEN
1ra y 2da Parte
Trenque Lauquen.
- Título original
- Trenque Lauquen
- Año: 2022
- Duración: 250 min.
- Argentina
- Dirección: Laura Citarella
- Guion: Laura Citarella, Laura Paredes
- Reparto: Laura Paredes, Ezequiel Pierri, Rafael Spregelburd, Cecilia Rainero, Juliana Muras, Elisa Carricajo, Verónica Llinás, Cecilia Romero.
- Música: Gabriel Chwojnik
- Fotografía: Yarara Rodriguez
- Compañías: El Pampero Cine, Grandfilm
- Género: Drama. Intriga | Historias cruzadas. Secuestros / Desapariciones.
SINOPSIS: Una mujer desaparece. Dos hombres salen en su busca: ambos la aman. ¿Por
qué se fue? Cada uno de ellos tiene su propia sospecha, y la oculta al
otro que -misteriosamente- nunca llega a ser su rival. Ninguno tiene
razón, pero, ¿alguien la tiene? Esa huida repentina se revela como el
centro secreto de una serie de ficciones que el filme, sutilmente, se
encarga de entretejer: el secreto del corazón de otra mujer, perdida
también hace ya muchos años; el secreto de la vida de un pueblo de
campo, sacudido por un acontecimiento sobrenatural que nadie parece
percibir; el secreto de la llanura, que no deja de extenderse y
devorarlo todo, como las sombras que inundan el mundo después del
atardecer. EXCELENTE. Dirigida por Laura Citarella, en nuestro país este maravilloso film solo se proyectó el Festival de Cine de mar del Plata y en el Malba en su versión completa como la que les estoy brindando ahora. Consiste en dos partes de alrededor de dos
horas cada una. Lleva el sello de la productora creada por Santiago
Mitre y Mariano Llinás, que aquí participa como asistente y consultor. Trenque Lauquen se inscribe en la misma línea y estilo de narración
cinematográfica que Historias Extraordinarias (2008) y La Flor (2018).
Como en aquellas obras, el escenario está dado por el interior
bonaerense. En este caso, por la ciudad que da título a la película.
Además, el relato recorre distintas historias, se ramifica y vuelve,
cada tanto, al centro de la cuestión. Por otra parte, este film tiene
una apariencia visual similar e incluye otras marcas de estilo comunes
en las películas de esta productora, como por ejemplo un uso intensivo
de la voz en off. La película comienza mostrando a dos hombres que buscan a una mujer
llamada Laura (Laura Paredes). Son Ezequiel (Ezequiel Pierri) y Rafael
(Rafael Spregelburd), dos hombres de carácter distinto. Ezequiel es más
retraído pero a la vez parece más interesado en la aparición de Laura. A
su vez, Rafael es extrovertido y luce confiado en sí mismo, pero es
también más frío que su partenaire. Es importante aclarar que la
desaparición de Laura no está contada en clave policial. O sea, es claro
desde un primer momento que este personaje está en algún lado haciendo
algo que los demás no saben qué es. El recorrido combina algunas pesquisas tanto en Trenque Lauquen como en
otros pueblos cercanos e incluye visitas a estancias y campos, ya que
Laura estaba desarrollando un proyecto de investigación de especies de
flora silvestre para la municipalidad. Mediante flashbacks, la historia
de la protagonista y la de los dos hombres que la buscan se empieza a
aproximar a un punto común. Trenque Lauquen es un film con una clara vocación literaria. Los
parlamentos en off dan lugar a algunos diálogos o directamente se
superponen con lo que dicen los personajes. Además, Laura emprende una
búsqueda de información a partir de un intercambio epistolar que la
obsesiona y la lleva a distintos lugares de la ciudad. Esta
investigación ocupa buena parte del primer volumen de la película.
Mientras tanto, en el presente de la narración, Ezequiel y Rafael
develan sus verdaderos intereses con respecto a la protagonista. En cambio, la segunda parte tiene un elemento sobrenatural, a partir del
cual el derrotero de Laura se bifurca. Aquí cobra importancia la pareja
integrada por Verónica Llinás y Elisa Carricajo, dos mujeres que
esconden varios misterios. Al mismo tiempo, Ezequiel continúa con la
búsqueda que lo lleva a una radio local, ya que Laura era columnista de
un programa conducido por la periodista que interpreta Juliana Muras. En síntesis, Trenque Lauquen entrelaza distintos mundos integrados por
personajes diferentes. La dupla formada por Ezequiel y Rafael es uno de
ellos. La investigación sobre un romance del pasado que conduce Laura es
otro. En la segunda parte, la radio local es un pequeño mundo con sus
reglas propias, al igual que la casa de Verónica y Elisa. Todos estos
pequeños cuentos dentro de la gran novela están hilados por el personaje
de Laura. Por último, como es habitual en las producciones de El Pampero Cine,
tanto la fotografía de Agustín Mendilaharzu (junto a Inés Duacastella y
Yarará Rodríguez) como la música de Gabriel Chwojnik son elementos
destacados de la película. Trenque Lauquen es una nueva invitación a
perderse por historias sin fin que transcurren en la pampa húmeda
bonaerense, entre rutas, ocasos, misterios y personajes inquietos, que
intentan llegar al fondo de los que buscan. IMPERDIBLE.
DOCUMENTALES
ESVÁSTICA
SOBRE EL
BIDASSOA
Esbastika bat bidasoan.
- Título original
- Esbastika bat bidasoan
- Año: 2019
- Duración: 80 min.
España- Dirección: Alfonso Andrés, Javier Barajas
- Guion: Javier Barajas
- Reparto: Documental
- Música: Pascal Gaigne
- Fotografía: Aitor Sarabia
- Compañías: RTVE, ETB
- Género: Documental | Nazismo. Años 40. Documental sobre Historia
SINOPSIS: Hendaya, 1940. El ejército alemán acaba de ocupar Francia y sus avanzadillas llegan al río Bidasoa. Entre 1940 y 1944 esta región se convertirá en una zona de descanso de las tropas hitlerianas. MUY BUENA. El documental es muy interesante sobre todo si te gusta la historia y en especial el que aquí se trata (la Segunda Gerra Mundial). Si bien es un documental de corte clásico mantiene la tensión de manera muy cinematográfica, y sorprende en momentos cuando descubres la existencia de contactos entre el nacionalismo vasco y los nazis (dicho por un ex cargo del pnv) Interesante y valiente. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
CINE ARTE
Wanda.
- Título original
- Wanda
- Año: 1970
- Duración: 101 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Barbara Loden
- Guion: Barbara Loden
- Reparto: Barbara Loden. Michael Higgings. Dorothy Shupenes. Valery Manches.
-
Fotografía: Nicholas T. Proferes
- Compañías: Foundation for Filmakers, Bardene International
- Género: Drama | Road Movie. Película de culto. Cine independiente USA.
- VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HD 1080P.
- SINOPSIS: En la zona obrera de los suburbios de Pennsylvania, Wanda Goronski, una mujer con problemas, abandona a su familia y acaba sumergida en un mundo de perdición. EXCELENTE. Lo de Wanda tomando vuelo tras tantos años es un milagro cinéfilo. Sepultada en el tiempo durante generaciones, su restauración y reestreno hace un par de años volvió a situar esta película de culto en el mapa. No les cuento nada nuevo si me uno al coro de amantes del cine que afirman que el público no estaba listo para un film como este hace cincuenta años. La historia de Barbara Loden también es de todo menos convencional. Nacida en Carolina del Norte, comenzó su carrera como modelo y bailarina en Nueva York cuando tenía 17. Estuvo casada con el célebre director Elia Kazan (fue su segundo marido y le sacaba 20 años) y apareció en varias películas de éste además de en películas y obras de teatro de otros directores. Para cuando rodó su primera película, ya estaba cerca de los cuarenta. Y, por desgracia y debido a su prematura muerte a los 48 años, Wanda fue la única película que rodó. Pese a que en Hollywood ya se estaba fraguando una revolución cinematográfica que cambiaría el medio tal y como se conocía para siempre, Wanda lo tenía todo como para no tener una buena recepción por parte del público de la época. En primer lugar, por poner el foco en una protagonista a la que el público no estaba acostumbrado: una mujer de clase trabajadora y totalmente abandonada a su suerte por la sociedad y por sí misma. En segundo lugar, por su estética cruda y directa, sin adornos innecesarios y sin embargo muy conseguida y que alcanza un efecto inmersivo total. Y en tercer lugar, y esto quizá ya es una visión más personal sobre los porqués, por su mezcla desprejuiciada de géneros cinematográficos. Barbara Loden rompió las normas establecidas con Wanda y se adelantó a su época. Incluso a día de hoy sigue siendo relativamente raro ver a una “mala madre” en el cine. Cuanto ni mucho hace medio siglo. La escena en que Wanda le otorga la custodia de sus hijos a su exmarido no solo sin rechistar, sino incluso estando de acuerdo en que estarán mejor con su ex y su nueva pareja, sigue resultando sorprendente aún habiendo pasado décadas. Y la triste razón por la que es aún sorprendente es porque sigue habiendo mucho menos cine hecho por mujeres y sobre mujeres del que debería. El feminismo de Barbara Loden sigue resultando incómodo a día de hoy. Es incómodo porque no presenta una visión idealizada de su protagonista, encarnada por ella misma con una fiereza y devoción que impresiona. Y quizá en menor medida porque es un fiero ataque al matrimonio y a la vida en los suburbios: Wanda prefiere colgarse de un ladrón de bancos aunque le pueda costar la vida antes que continuar con su existencia doméstica (y domesticada). Y ese viaje hacia ninguna parte no está exento de violencia. Wanda no parece valorarse a sí misma, va a la deriva y eso atrae un comportamiento despectivo y agresivo de su inesperado compañero de fechorías. Es bastante común leer que Barbara Loden fue la versión femenina de John Cassavettes y, pese a que obviamente esta es una teoría válida y que se sostiene a nivel estético, lo cierto es que Wanda ocupa un lugar propio en la historia del cine. Es una película descarnada y rotunda, sí, pero también una película que consigue que nos acerquemos hasta niveles insospechados a la mente de protagonista. No voy a desvelaros nada porque espero que la veáis en cuanto acabéis de leer esta crítica, pero el final no es el que ustedes espen. Es aún mejor. IMPERDIBLE.
- TRAILER
OF SOULS
El Carnaval de las Almas.
- Título original
- Carnival of Souls
- Año: 1962
- Duración: 78 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Herk Harvey
- Guion: John Clifford
- Reparto: Candace Hilligoss, Frances Feist, Sidney Berger, Art Ellison, Stan Levitt, Tom McGinnis, Forbes Caldwell, Dan Palmquist, Bill de Jarnette, Pamela Ballard
- Música: Gene Moore
- Fotografía: Maurice Prather (B&W)
- Compañías: Herts-Lion International
- Género: Terror. Intriga | Drama psicológico. Surrealismo. Sobrenatural. Fantasmas. Película de culto. Cine independiente USA.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HD 1080P.
SINOPSIS: Mary Henry es víctima de un accidente automovilístico; desde un puente colgante su vehículo se ha precipitado a un río. Horas después, Mary aparece sola y desorientada en un banco de arena. En seguida notará que el mundo que le rodea ha cambiado. La línea que separa a los vivos de los muertos se hace cada vez más borrosa. Es entonces cuando aparecen… ellos... EXCELENTE. Sí, ya sé que eso de “obra maestra” lo has leído once mil veces y que a estas alturas te deja frio. Pero, créeme, lo es realmente: una verdadera “obra maestra” en el sentido más puro del término. Porque si una “obra maestra” es, como el propio nombre indica, la que sirve de referente e inspiración a otros autores, hay pocas en la historia del cine que merezcan tanto el dichoso epíteto. Pero hablar es gratis. Así que ahí van tres ejemplos: -Quizás tú seas de los incautos que creen que “El Sexto Sentido” es el culmen de la originalidad, y que su argumento (sobre todo el final) es “una genialidad”, ¿a qué sí? Pues, mira por dónde, sin destriparte la película: todo, absolutamente todo, lo que te impresionó de “El Sexto Sentido” está aquí, filmado cuarenta años antes. Tanto que podría decirse sin exagerar demasiado que Shyamalan hizo un remake parcial: cambió desarrollo y personajes, pero mantuvo intacta la esencia del argumento. Así que si eres de los que siempre se ha preguntado por qué a Shyamalan se le acabaron las ideas tras su primera película, ahí tienes tu respuesta: nunca las tuvo. -Como ya ha mencionado un compañero, la influencia de esta película en “La Noche de los Muertos Vivientes” de Romero es evidente: desde su decisión (voluntaria) de Rodar en blanco y negro hasta la caracterización de los zombies, pasando por la fotografía. Y esta influencia no sólo se limita a su primera película: si habéis visto “La Tierra de los Muertos”, prestad atención; un par de escenas de “Carnival of Souls” os sabrán a “deja-vu”… -Y si eres de los que te has “muerto” de miedo jugando por horas al Silent Hill… Sí, efectivamente: como los propios desarrolladores han confesado, las ideas principales del juego y algunos de sus escenarios más conocidos (la feria) están inspirados en esta película. Y no es de extrañar que haya resultado tan influyente, que haya cautivado a tantos creadores de talento… porque es portentosa, un absoluto peliculón: extremadamente original y dotada de unos recursos narrativos que, incluso hoy, a pesar de haber sido imitados un millón de veces, resultan todavía frescos y vanguardistas. -Tan vanguardista y adelantada a su tiempo, por desgracia, que en su momento pasó completamente desapercibida-. Una película que, gracias a su fotografía expresionista y a una música fantasmagórica y enervante, consigue crear una atmosfera propia, siniestra e irreal. Y que, por si fuera poco, nos regala algunas de las imágenes más espeluznantes y perturbadoras que ha dado el género -a estas alturas, y con permiso de “El Resplandor”, la única película que todavía consigue asustarme-. Todo ello rodado con cuatro perras y con nulos efectos especiales, a puro golpe de imaginación y talento. En definitiva, una auténtica joya, lo que se dice una obra de culto. No digas que entiendes de cine de Terror si no la has visto. Imprescindible (en serio). IMPERDIBLE.
TRAILER
MINISERIES Y SERIES
IOSI
EL ESPÍA ARREPENTIDO
2DA TEMPORADA
FINAL DE LA SERIE
TEMPORADA COMPLETA
8 EPISODIOS
3 DISCOS.
- Título original
- Iosi, el espía arrepentido
- Año: 2022
- Duración: 450 min.
- Argentina
- Dirección: Daniel Burman (Creador), Daniel Burman, Sebastián Borensztein
- Guion: Daniel Burman, Sebastián Borensztein, Natacha Caravia, Andrés Gelós.
- Reparto: Gustavo Bassani. Natalia Oreiro. Mercedes Morán. Alejandro Awada.
- Música: Federico Jusid
- Fotografía: Rodrigo Pulpeiro
- Compañías: Oficina Burman, Amazon Studios, Mediapro, Cimarrón Cine. Distribuidora: Amazon Prime Video
- Género: Serie de TV. Thriller. Drama | Basado en hechos reales. Espionaje. Terrorismo. Años 80. Años 90.
SINOPSIS: Basado en hechos reales. Un agente de inteligencia argentino se infiltra en la comunidad judía de Buenos Aires en la década de los 80 bajo el nombre en clave de Iosi. Sin que él lo supiera, estaba allanando el camino para dos de los peores atentados terroristas de la historia de América Latina, los atentados con bomba contra la embajada de Israel en 1992 y contra el edificio de la AMIA en 1994. Años después, carcomido por la culpa, intenta llevar ante la justicia a los verdaderos autores intelectuales. EXCELENTE. No encuentro las palabras justas y merecidas para expresar las sensaciones que me provocó esta conmovedora historia real ficcionada hacia el género de suspenso. La actuación de Gustavo Bassani cómo Iosi Peres es consagratoria. Las actuaciones en gral son impecables, se destacan las de: Alejandro Awada, Natalia Oreiro. Una historia real, muy inteligentemente contada y editada, que describe cómo se formaron e introdujeron (luego del retorno a la democracia, en 1983) los servicios de inteligencia de la Policía Federal Argentina, en las bases de la colectividad Judía, buscando desarticular el Plan Andinia (supuesto plan de la comunidad judía, para quedarse con la Patagonia), y que terminaría, muchos años más tarde, durante la presidencia de Carlos Saúl Méndez, con la mayor conspiración criminal de la historia argentina. Estando involucrados: gobierno, servicios de inteligencia locales y del exterior, organizaciones terroristas, banqueros, militares retirados… con un broche final en los atentados a la Embajada de Israel en 1992 y AMIA en 1995. Tiene la mejor banda sonora que haya escuchado en el cine argentino. IMPERDIBLE.
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