PEDIDOS Y CONSULTAS: LATINTASINSOMBRAS@GMAIL.COM / WHATS UP 1155170077 (Fer)
ESTRENOS
DE LA SEMANA
Maestro.
(EN CINES)
4 NOMINACIONES A LOS PREMIOS
GOLDEN GLOBE 2024
INCLUYENDO
- "MEJOR PELÍCULA DRAMA"
- "MEJOR DIRECTOR: Bradley Cooper"
- "MEJOR ACTOR PRINCIPAL DRAMA: Bradley Cooper"
- "MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL DRAMA: Carey Mulligan"
- Título original
- Maestro
- Año: 2023
- Duración: 120 min.
Estados Unidos- Dirección: Bradley Cooper
- Guion: Josh Singer, Bradley Cooper. Biografía sobre: Leonard Bernstein
- Reparto: Bradley Cooper. Carey Mulligan. Matt Bomer. Maya Hawke. Sarah Silverman.
- Música: Leonard Bernstein
- Fotografía: Matthew Libatique
- Compañías: Sikelia Productions, Amblin Entertainment, Netflix, Fred Berner Films, 22 & Indiana Pictures. Productor: Martin Scorsese, Steven Spielberg, Bradley Cooper, Todd Phillips. Distribuidora: Netflix
- Género: Drama | Biográfico. Música.
- SINOPSIS: Biopic sobre el legendario Leonard Bernstein, compositor, pianista y
director de orquesta estadounidense, con foco en su matrimonio con
Felicia Montealegre. EXCELENTE. Maestro comienza con un trasnochado Bernstein tocando una pieza al piano
grabada en directo para un programa de radio. Al término de la misma,
reconoce cuánto sigue echando de menos a su esposa. Cigarrillo en mano,
durante toda la película aparece fumando de manera empedernida, da paso a
los recuerdos. Su debut como director de la Orquesta Filarmónica de Nueva York comenzó
en 1943, al tener que sustituir a Bruno Walter, pionero en la difusión
de la obra del gran Gustav Mahler. Compositor austríaco-checo, que
influyó notablemente, también, en Leonard. Desde ese momento, queda patente su "especial" amistad con su amigo
Arthur Laurents. Sin embargo, una joven y decidida actriz, medio chilena
y medio costarricense, despertará en él sentimientos desconocidos. Bernstein fue un compositor prolífico e inquieto. Transitaba entre las
sinfonías y óperas conmovedoras, hasta los musicales más punteros y
populares del momento. Se hizo muy famoso en los Estados Unidos por una
serie de cincuenta y tres programas en el canal de televisión, CBS. Eran
conciertos para jóvenes que comentaba antes de interpretarlos. Maestro es un maravilloso recorrido por la música que compuso o
interpretó de otros autores. Es como estar en un palco de paredes
aterciopeladas escuchando fragmentos de obras de Bellini, Verdi, Brahms o
Schumann. Es estremecerse de emoción al vibrar con las notas de la
solemne "Misa" que le encargó la propia Jaqueline Onassis para honrar la
memoria de su primer marido: John F. Kennedy. Es una inyección de nostalgia ante los musicales "Un día en Nueva York",
protagonizado por Gene Kelly, Frank Sinatra y Jules Munshein; o "West
Side Story", una de las historias de amor más racial y audaz creadas. Felicia Montealegre, siempre supo la inclinación sexual de su marido. Y
no le importó para decidirse a casarse con él, estaba dispuesta a
aceptar a Leonard como era. En aquella época fueron muchos los hombres
gays que se casaron. La homosexualidad estaba considerada una
depravación. En Maestro se ve la evolución de esta pareja tan peculiar, basada más
bien en la ternura y el respeto mutuo que en la pasión. Aun así,
llegaron a tener tres hijos, formando una familia que, según las propias
palabras de la mayor, Jamie, el amor y la conexión fue capaz de
mantenerlos unidos en las situaciones más difíciles. Maestro cuenta con dos mastodontes del cine: Steven Spielberg y Martin
Scorsese, esta vez como productores. Quizás, también por este motivo, se
considere una de las películas que obtenga algo en los premios Oscar. Ninguno de los dos viajaron a Venecia, debido a la huelga de SAG-AFTRA.
Tampoco lo ha hecho Bradley Cooper, a pesar de sentir algo especial por
la romántica ciudad de los canales, ya que fue allí donde estrenó, en
2018, "Ha nacido una estrella". Respetuoso y emotivo biopic sobre Leonard Bernstein, en el cual, Bradley
Cooper, demuestra, por segunda vez, sus grandes dotes de director;
además de aportar su indiscutible experiencia de excelente actor,
poniéndose en la piel del polémico genio. Maestro tiene las mismas características que el célebre compositor y
director de orquesta, es decir, pasión, energía y amor. Así mismo, cabe
destacar la magistral interpretación de Carey Mulligan, la perfecta
compañera y esposa del músico. IMPERDIBLE.
- TRAILER
- SALTBURN
- Saltburn.
2 NOMINACIONES A LOS PREMIOS
GOLDEN GLOBE 2024
INCLUYENDO
- "MEJOR ACTOR PRINCIPAL DRAMA: Barry Keoghan"
- "MEJOR ACTRIZ DE REPARTO DRAMA: Rosamund Pike"
- Título original
- Saltburn
- Año: 2023
- Duración: 127 min.
Reino Unido.- Dirección: Emerald Fennell
- Guion: Emerald Fennell
- Reparto: Barry Keoghan, Jacob Elordi, Archie Madekwe. Rosamund Pike. Alison Oliver.
- Música: Anthony B. Willis
- Fotografía: Linus Sandgren
- Compañías: LuckyChap Entertainment, MRC Film, Media Rights Capital (MRC), Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Distribuidora: Amazon Prime Video, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
- Género: Drama. Comedia. Thriller | Homosexualidad.
- SINOPSIS: Mientras lucha por encontrar su lugar en la Universidad de Oxford, el estudiante Oliver Quick se ve arrastrado al mundo del encantador y aristocrático Felix Catton, que le invita a Saltburn, la extensa finca de su excéntrica familia, para pasar un verano inolvidable. EXCELENTE. Con ecos de Brideshead y The Talented Mr Ripley, la anárquica sátira de clase de Emerald Fennell es el estímulo que el cine británico necesita. Emerald Fennell supera cualquier posible desplome de estudiante de segundo año con Saltburn, una historia inmensamente retorcida de obsesión y exceso que la comedia negra eventualmente entra en un territorio mucho más oscuro. Es audaz, provocativo y muy divertido, presentado por un elenco que comprende completamente la tarea y ofrece resultados gloriosos. Barry Keoghan ofrece una actuación intrépida y lo soporta todo en más de un sentido. Su personaje es tan fascinante, inicialmente un sustituto de la audiencia que podría haberse sentido demasiado seguro, pero su constante entrar y salir de control es un verdadero punto culminante, lo que lo hace mucho más interesante y defectuoso. Jacob Elordi es encantador, es muy amable sin ninguna preocupación en el mundo y una de las pocas personas aparentemente agradables en Saltburn, aunque no sin sus propios defectos obsesionados con sí mismo. Rosamund Pike y Richard E. Grant marcan el número hasta las once y consiguen algunas de las mejores risas. Emerald Fennell y el director de fotografía Linus Sandgren crean una magnífica película de vívida saturación e imágenes sorprendentes (algunas de las cuales no pueden pasar desapercibidas). Bellamente filmada, se ve increíble, parte del trabajo de la cámara es exquisito y ese edificio es simplemente glorioso. Igualmente fuerte es el guión de Fennell, que es divertidísimo, casi cada escena tiene al menos un chiste memorable o una línea de diálogo mordaz. IMPERDIBLE.
- TRAILER
- PRISCILLA
- Priscilla.
(EN CINES)
1 NOMINACIÓN A LOS PREMIOS
GOLDEN GLOBE 2024
- Título original
- Priscilla
- Año: 2023
- Duración: 110 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Sofia Coppola
- Guion: Sofia Coppola. Memorias: Priscilla Presley
- Reparto: Cailee Spaeny, Jacob Elordi, Ari Cohen.
- Fotografía: Philippe Le Sourd
- Compañías: American Zoetrope, Stage 6 Films, The Apartment. Distribuidora: A24
- Género: Drama | Biográfico. Música. Años 60/70.
SINOPSIS: Cuando la adolescente Priscilla Beaulieu conoce a Elvis Presley en una
fiesta, él ya es una meteórica superestrella del rock and roll pero se
convierte en alguien totalmente inesperado en momentos privados: un
apasionante flechazo, un aliado en la soledad, un vulnerable mejor
amigo. Película basada en las memorias 'Elvis and Me', escritas por
Priscilla Beaulieu Presley, publicadas en 1985 y que relatan el largo
noviazgo y turbulento matrimonio de Elvis y Priscilla, desde una base
militar alemana hasta su finca de ensueño en Graceland. EXCELENTE. Basada
en el libro titulado "Elvis y yo", las memorias de Priscilla han
despertado polémica. Los herederos y los que gestionan el patrimonio del
cantante, no comparten la versión que aparece en el largometraje. Un
hombre consumido por las drogas, mujeriego y violento, un marido que ni
siquiera sentía deseo hacia su esposa. Es cierto que él se quedó
prendado en cuanto la conoció, creándose una
complicidad con la jovencita que no compartió con otras mujeres. Sin
embargo, no fue capaz de corresponder con el amor que ella merecía. O al
menos, no de la manera que una mujer desea. La madre de Elvis hacía
poco que había muerto, siendo algo que nunca
llegó a superar, según las propias palabras de Priscilla durante la
rueda de prensa que tuvo lugar en la Mostra Veneciana. Esa confidencia
de la incipiente estrella de rock sirvió para crear aquella relación tan
especial. Priscilla también expresó la extraña sensación que tuvo al
ver la
película sobre su historia de amor. Ver en una pantalla el estilo de
vida que resultó ser tan difícil de llevar para ella. Sin poder reprimir
su emoción, al punto de tener que callar unos segundos para no llorar
al recordar la reciente muerte en enero de su única hija con Elvis, Lisa
Marie, dijo que siempre se aseguró de que se vieran tras el divorcio.
Durante el tiempo que vivió, o mejor dicho, donde languideció Priscilla,
fue perdiendo la ilusión, la inocencia, la dignidad. Allí mantuvieron
una relación tóxica y compleja. Comenzando desde que se conocieron en
1959 en una base norteamericana en Alemania, teniendo ella, apenas 14
años y él, 25. Rodeada de lujo y de todo lo material que se pudiera
imaginar, le
faltaba lo más valioso: la presencia y el cariño de su pareja. Aunque
convivieron durante ocho años antes de contraer matrimonio, no
mantuvieron relaciones hasta la boda. Ese "respeto" que mostraba Elvis
hacia Priscilla, parecía estar cubierto, más bien, de indiferencia. A
pesar de todo, sería en aquel escenario y con el peculiar vínculo que
les unía, el lugar que inspiró algunas de las canciones más famosas del
cantante. Una pura declaración de amor, sin mácula ni bajos instintos.
Así era la situación de la mujer en los años 50 y 60. Estar a la sombra
del hombre al que amaban. Siempre complaciente y alegre, a pesar de las
humillaciones que debían soportar. Priscilla no es una película
feminista, es la odisea de una mujer
anulada, sola y traicionada, hasta que decide emanciparse, abandonar al
hombre del que siempre había estado enamorada. Podría tratarse de una de
las numerosas situaciones de abuso
psicológico, del desamparo de la protagonista; sin embargo, el encanto y
la magia inicial de la relación, superan lo negativo, dejando un
sosegado y emotivo gusto en el espectador. Priscilla es una hermosa
película sobre los sentimientos, ilusiones y
frustraciones de la esposa de la icónica estrella del Rock, Elvis
Presley, el gran amor de su vida. Con una delicada puesta en escena,
Sofía Coppola pretende, y lo
consigue, mostrar la inocencia perdida de una joven enamorada, hasta el
punto de quedar anulada como mujer y como persona. El amor que siente
por el famoso cantante, lo redime en cierto modo,
revelando el ocaso de un desdichado hombre a quien la fama, las drogas y
un erróneo estilo de vida, terminan con él. IMPERDIBLE.
TRAILER
- LA SECTA DEL
- HIMALAYA
- Home for rent.
- (EN CINES)
- Título original
- Home for Rent
- Año: 2023
- Duración: 124 min.
Tailandia- Dirección: Sopon Sukdapisit
- Guion: Tanida Hantaweewatana, Sopon Sukdapisit
- Reparto: Nittha Jirayungyurn. Sukollawat Kanarot. Penpak Sirikul. Namfon Pakdee.
- Música: Hualampong Riddim, Vichaya Vatanasapt.
- Fotografía: Niramon Ross
- Compañías: GDH 559, N8 Studios. Distribuidora: CJ HK Entertainment, Fortune Arts International, GSC Movies, Golden Village Pictures
- Género: Terror. Thriller. Intriga | Sectas.
- SINOPSIS: Una joven pareja que atraviesa dificultades económicas decide alquilar su casa y mudarse a un departamento más pequeño con su hija de 7 años, sin sospechar que sus nuevos inquilinos forman parte de una secta demoníaca que busca víctimas para sus sangrientos rituales. MUY BUENA. Qué peligroso es jugar con el espectador, en estos tiempos donde la pantalla del móvil es como el canto de una sirena cuando lo que hay en pantalla no interesa. Home For Rent juega con el espectador, pero qué bien le ha quedado la jugada a Sopon Sakdaphisit. El apartamento que alquila Ning ha quedado destrozado por unos inquilinos vandálicos. La única solución, si no quiere perderlo en manos del banco, es alquilar la hermosa casa de su marido, Kwin, mientras ellos se instalan en el apartamento recién arreglado. Los nuevos inquilinos son muy extraños, tanto que Ning acabará temiendo por su vida y por los suyos. James Wan estrenó Malignant en el 2021, una película que, como Home For Rent, jugaba con expectativas y planteaba un escenario movedizo que, pasado el ecuador de la película, se convertía en algo completamente diferente; el resultado dividió a público y crítica, que se repartieron entre los que se sentían timados y a los que convenció el giro arriesgado en su último tercio. Algo así es lo que plantea Sopon Sakdaphisit, jugar con el espectador y la historia, ya que la trama arranca con mucha fuerza y rapidez, tanta que uno apenas se ha asentado en la película cuando lo sobrenatural y la extrañeza han tomado al asalto la pantalla. Hay ecos de su título más celebrado hasta la fecha, Ladda Land al tener el punto de vista puesto en una familia, utilizar como escenario las zonas suburbiales y la ruptura entre lo natural y lo sobrenatural. Pero todo suena a ya visto en el guion coescrito entre Sahdaphisit y Tanida Hanteweewatana – basada lejanamente en la historia de una familia que se vio envuelta en líos con los miembros de un culto al que alquilaron su casa - demasiados lugares comunes y un exceso de jumpscares por parte del director. Pero es cuando Home For Rent llega al minuto 50 que empieza el juego y al igual que hizo James Wan, la historia gira sobre sí misma y Sopon Sakdaphisit demuestra que todo lo anterior era necesario para la hora y pico siguiente, donde se nos contarán partes de la historia desde otros puntos de vista, jugando con los flashback y yendo hacia atrás y adelante en el tiempo; el director acierto de pleno con una secuencia a plena luz del día, la demostración laboral de los bomberos en el patio del colegio, al narrarla hasta cuatro veces desde distintos puntos de vista para jugar con los intereses/sentimientos de los personajes. Por todo lo anterior, al espectador se le implicará en una historia mucho mayor, más compleja y terrorífica cuyo último tercio está repleto de terror, sangre y elementos sobrenaturales que confluyen en un final repleto de sentimientos (que no sentimentalismos aunque podría haberse dejado llevar) y emoción; atención a todos los hallazgos en lo que rodea el culto como el símbolo, el ritual y especialmente el libro rojo. Incluso la música de Hualampong Riddim y Vichaya Vatanasapt cambia radicalmente a lo largo del metraje, pasando del típico score de terror que subraya los jumpscares al hermoso tema final – triste y repleto de melancolía pero también inocencia – que acompaña los títulos de crédito. Interpretativamente la película se sustenta en el trabajo de Nittha Jirayungyurn como la madre Ning, un personaje egoísta que cambiará radicalmente a lo largo de la historia; Sukonallat Kawarot es Kwin, el padre que se verá inmerso en la historia debido a secretos del pasado; Thanyaphat Mayuraleela interpreta a la niña Ing y al contrario que en muchas películas asiáticas, no resulta irritante y sus momentos finales son muy emotivos. Home For Rent es la demostración de que siempre hay caminos por explorar en el terror, que lo ya visto puede volver a sorprender si juegas bien tus cartas para revelar una historia más compleja y emocional de lo que parecía en principio. MUY RECOMENDABLE.
- TRAILER
NIGHT
Venganza silenciosa.
(EN CINES)
- Título original
- Silent Night
- Año: 2023
- Duración: 104 min.
- Estados Unidos
- Dirección: John Woo
- Guion: Robert Archer Lynn
- Reparto: Joel Kinnaman, Kid Cudi, Harold Torres.
- Música: Marco Beltrami
- Fotografía: Sharone Meir
- Compañías: Capstone Studios, Thunder Road Pictures, A Better Tomorrow Films. Distribuidora: Lionsgate
- Género: Acción | Navidad. Venganza.
SINOPSIS: Es Nochebuena y un padre es testigo de la muerte de su hijo cuando este queda atrapado en un fuego cruzado entre bandas. Roto de dolor y sin voz, debido a una herida profunda que afecta a sus cuerdas vocales, decidirá someterse a un estricto entrenamiento para vengar su muerte. MUY BUENA. Vuelve John Woo, seguramente no para quedarse, sino para despedirse, y lo hace con una película pequeñita, lejos de las grandes superproducciones que hizo en Hollywood en los 90 y 2000, pero no por ello menos digna. Aprovecha su ajustado presupuesto para forzar al máximo sus recursos narrativos y nos trae una película prácticamente sin diálogos, enfatizando todos los demás elementos. Quitando la curiosidad de filme sin diálogos, se nos queda una película mil veces vista y que todos conocemos al dedillo con cero sorpresas, El justiciero de la ciudad, Punisher, Sentencia de muerte... Pero al César lo que es del César, y lo que con otro director hubiera sido una película DTV del montón, aquí tenemos auténtico cine de autor, le pese a quien le pese. Joel Kinnaman no es santo de mi devoción, le tengo tirria desde el remake de Robocop, pero oye, el hombre se esfuerza y tanto él como todos los demás tienen que mostrar todo sin decir ni una frase, y eso tiene mérito. Además su personaje transmite una vulnerabilidad lejos de lo que estamos viendo últimamente, véase John Wick, no es ese superhéroe invencible e imperturbable. El meollo de la cuestión es la acción, y obviamente no hay pasta para las florituras made in John Woo, pero deja destellos de genialidad. Y si bien se nota que es un estilo de cine que ya no tiene cabida en la actualidad, el resultado es infinitamente mejor que, por ejemplo, Domino de Brian de Palma que daba mucha pena ver para lo que había quedado. Ojalá vuelva para otra más grande, pero si este es su capítulo final, no dudo que con el tiempo será de culto, y probablemente tendrá una segunda vida en streaming, porque en cine es obvio que se la va a pegar. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
LOS JUEGOS DEL HAMBRE
LA BALADA DE PÁJAROS
CANTORES Y SERPIENTES
The Hunger Games: The Ballad of Songbirds and Snakes.
(EN CINES)
- Título original
- The Hunger Games: The Ballad of Songbirds and Snakes
- Año: 2023
- Duración: 157 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Francis Lawrence
- Guion: Michael Arndt, Michael Lesslie. Libro: Suzanne Collins
- Reparto: Rachel Zegler, Tom Blyth, Viola Davis.
- Música: James Newton Howard
- Fotografía: Jo Willems
- Compañías: Color Force, Lionsgate, Good Universe. Distribuidora: Lionsgate
- Género: Ciencia ficción. Acción. Aventuras. Thriller | Distopía. Precuela.
SINOPSIS: Ambientada en un Panem postapocalíptico, nos hace retroceder varias décadas antes del comienzo de las aventuras de Katniss Everdeen. El joven Coriolanus Snow será el mentor de Lucy Gray Baird, la niña seleccionada como tributo del empobrecido Distrito 12. La joven sorprenderá a todos al cantar en la ceremonia de inauguración de los Décimos Juegos del Hambre en los que Snow intentará aprovecharse de su talento y encanto para sobrevivir. MUY BUENA. Ha pasado casi una década desde que se estrenase la última entrega de la saga de Los Juegos del Hambre. Con la publicación de Los Juegos del Hambre Balada de pájaros cantores y serpientes, se esperaba con ganas la versión cinematográfica, que expande el universo para conocer a uno de sus personajes más importantes: Snow. En primer lugar, cabe destacar que el film ha sabido concretizar los eventos más imprescindibles del libro, pero también ha sabido moldear las motivaciones, logrando una construcción más efectiva y coherente. Gracias a ello, se humaniza y se comprende la transformación del que será el Presidente de Panem en el futuro. La evolución del personaje sigue unas consignas que hacen entender su fijación del distrito 12, aunque se han omitido detalles que daban más consistencia en esta parte u otras como la de Sejanus. Con respecto a la estructura del film, sigue la división que ya aparecía en el libro, quedándose en tres partes que inician desde el origen de los mentores hasta el destino final de Snow. En las dos primeras, se muestra la relación entre Snow y Lucy Gray, de una forma totalmente orgánica, evitando rodeos y simplificándola de una manera pertinente. Además, no pierde ese tono de espectacularidad que se le da a los juegos en todos los films, pero habiéndolo adaptado a la perfección con el tiempo en el que se representan. Por otro lado, se ha focalizado las intervenciones de otros personajes con acierto, eligiendo qué aporta de una manera más clara a la trama. No obstante, personajes como el decano Highbottom no han quedado tan redondos. A pesar de ello, se puede decir sin problema que la película supera al libro en varias partes. Tom Blyth y Rachel Zegler son los encargados de recoger el testigo de Jennifer Lawrence como protagonistas de Los Juegos del Hambre Balada de pájaros cantores y serpientes. En primer lugar, Tom Blyth está inmenso como el joven Snow, su transformación se percibe en su manera de expresarlo a través de la mirada, incluso de su forma de moverse. Asimismo, su presencia ante la cámara le permite transmitir la dicotomía entre el bien y el mal que envuelve a su personaje, dando los matices para no quedarse en un mero maniqueísmo. Sin duda, es uno de los mejores trabajos del film. Junto con él, una estupenda Rachel Zegler, la cual le da un toque de socarronería. Lo mejor está en su voz, que enmarca el talento que ya se podía extraer de Lucy Gray en las películas. Tener a Viola Davis es todo un honor y una apuesta segura y así lo demuestra. Su trabajo como la dr. Gaul es fascinante, lleva la locura de la doctora hasta el final y eso hace que sea un absoluto éxito. Davis sabe cómo hacerlo sin caer en lo forzado, todo esa excentricidad, combinado con maldad, se palpa en su lenguaje no verbal. Maravillosa. También hay que mencionar el trabajo de Hunter Schafer como Tigris. Pese a no salir en exceso en el film, su labor se queda en la retina, es el perfecto contrapunto con Blyth, viéndose además una química muy bonita entre los dos actores. Schafer expone esa fragilidad y bondad sin problemas. Por último, Peter Dinklage da vida al decano Highbottom de una forma plausible, aunque no le ayuda el guion que hay detrás. Uno de los atractivos de Los Juegos del Hambre Balada de pájaros cantores y serpientes era volver a Panem, pero también descubrir cómo era el cambio muchas décadas antes de los sucesos en los que interviene Katniss Everdeen. La producción del film ha cumplido y con creces las expectativas, explorando no solo la década posterior a los Días Oscuros, sino que ya desde el inicio se ve la búsqueda de afianzar este universo con más información y cuidando en todo momento lo estético, lo visual y lo artístico. Con lo cual, la construcción de Panem es de alto nivel, incluyendo la Arena arcaica que se ve ante la pantalla. Han sabido crear un código nuevo, pero sin perder la cohesión con las anteriores películas. Los guiños hacia la saga original son sutiles, pero suficientes para satisfacer la necesidad de nostalgia para aquellos que busquen este tipo de Easter Eggs que tanto justan a los espectadores. A pesar de tener una duración de cerca de dos horas y media, es innegable que el ritmo consigue que el espectador transite por esta aventura de una manera fluida y dinámica. Únicamente, la tercera y última parte, seguramente porque ya pasaba en el libro, sigue percibiéndose como algo abrupta. No obstante, no afecta de una forma negativa de forma incisiva. El diseño de vestuario es todo un acierto, así como la dirección de arte que ha sabido cuidar los detalles de las localizaciones y escenarios que se ven en pantalla. Un regreso a Panem por todo lo alto. Los Juegos del Hambre Balada de pájaros cantores y serpientes logra regresar a la famosa saga, pero con sello de identidad propio y supliendo las flaquezas que se encontraron en el libro. Por tanto, la historia concretiza y equilibra los hechos para dar mayor fluidez a la transformación del presidente Snow. Únicamente, se pierden detalles que podrían haber servido para obtener más matices sobre la forma de actuar del joven. Después, el elenco está estupendo, en especial, un maravilloso Tom Blyth, que se come la cámara como Snow. A nivel artístico y visual, se agradece una construcción tan cuidada, en sintonía con las tres primeras películas, pero creando un código nuevo. Visualmente es muy potente. La expansión de los orígenes de los Juegos del Hambre consigue atrapar al público y cumple con las expectativas depositadas en ella. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
THANKSGIVING
Viernes negro.
(EN CINES)
- Título original
- Thanksgiving
- Año: 2023
- Duración: 107 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Eli Roth
- Guion: Jeff Rendell. Historia: Eli Roth, Jeff Rendell
- Reparto: Patrick Dempsey, Ty Olsson, Gina Gershon.
-
Música: Brandon Roberts
- Fotografía: Milan Chadima
- Compañías: Spyglass Media Group, Cream Productions, TriStar Pictures, Ethereal Visage Productions. Distribuidora: TriStar Pictures
- Género: Terror | Slasher. Día de Acción de Gracias.
SINOPSIS: Tras un Black Friday en el que se producen disturbios que acaban en tragedia, un misterioso asesino inspirado por la festividad de Acción de Gracias aterroriza Plymouth, en Massachusetts –lugar de origen de la tristemente célebre festividad. Versión en largometraje del falso tráiler de Eli Roth para 'Grindhouse'. MUY BUENA. Dentro de sus incursiones en el género de terror Viernes negro representa la obra más pulida de Eli Roth. Un artista que nunca fue santo de mi devoción y en esta oportunidad sorprende con un sólido slasher que retrata su evolución como realizador. Dentro de los campos técnicos sobresale como la película más sofisticada y profesional que presentó hasta la fecha, donde maneja con efectividad los momentos de tensión y suspenso y se divierte con el desquicio gore centrado en el humor negro. Esta propuesta que tuvo su origen en el cortometraje que aportó para el proyecto Grindhouse, de Robert Rodríguez y Quentin Tarantino, trae al recuerdo esas producciones que coparon los cines a fines de los años ´90, tras el fenómeno de Scream. Roth toma un riesgo del que logra salir bien parado al narrar una historia con un reparto de personajes que generan rechazo con sus actitudes mezquinas y por momentos justifican las acciones del villano. La trama no presenta demasiada simpatía por la generación de los centennials y el director los atiende en el comentario social que elabora en torno a la relación de los jóvenes con las redes sociales y la naturaleza consumista de las festividades. Frente al despliegue de estupidez que vimos en la última entrega de Scream, Viernes negro sin llegar a ser una obra memorable al menos trabaja el subgénero con un afecto más honesto. Para tratarse de una obra de Eli Roth el balance es más que positivo y se puede tener en cuenta. RECOMENDABLE.
TRAILER
SMOKE SAUNA
SISTERHOOD
Smoke Sauna Sisterhood.
Precandidata a los premios OSCAR 2024
"MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA" (Estonia)- Título original
- Smoke Sauna Sisterhood
- Año: 2023
- Duración: 89 min.
Estonia- Dirección: Anna Hints
- Reparto: Documental
- Música: Edvard Egilsson
- Fotografía: Ants Tammik
- Compañías:Alexandra Internazionale Cinematografica, Kepler 22 Productions, Ursus Parvus
- Género: Documental | Feminismo. Amistad.
- SINOPSIS: En la oscuridad de una sauna finlandesa, las mujeres comparten sus
secretos y experiencias más íntimas, lavando la vergüenza retenida en
sus cuerpos y recuperando su fuerza a través de un sentimiento de unión. EXCELENTE. A las personas que no residen en los países nórdicos o bálticos
probablemente les resulte un tanto ridícula la idea de que la sauna sea
algo sagrado, ya que los clichés de los gimnasios y los centros de ocio
abarrotados abundan en el imaginario colectivo de los no iniciados. Sin
embargo, el hecho de que la Unesco haya incluido la tradición de la
sauna de humo de Võrumaa, una región en el sur de Estonia, en la lista
de Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, demuestra cómo de
importante es la sauna en la vida de muchas personas y sociedades. Smoke Sauna Sisterhood, el primer largometraje documental de Anna Hints, presentado en la Competición World Cinema Documentary de Sundance,
es una celebración de la sauna tradicional, que explora los rituales y
el folclore que se esconden tras esta experiencia, pero también es un
canto a su poder curativo, tanto espiritual como físico, y a la fuerza
interior de las protagonistas que la utilizan. En este lugar, las mujeres se sientan juntas y participan en una
experiencia única. El calor sube, los cuerpos desnudos gotean sudor y
las espaldas reciben golpes con ramitas de abedul. Por otra parte,
mientras sus cuerpos se limpian, con el calor de la sauna y los fríos
estanques del exterior trabajando conjuntamente, las mujeres encuentran
tiempo para revelar sus historias. Historias de tristeza, de terribles
agresiones sexuales y profundas pérdidas, de sexualidades confusas y
desesperación absoluta. También hay relatos sobre encuentros sexuales
cargados de humor, amor y esperanza. En la sauna no hay juicios, solo
aceptación. El alma acaba tan limpia como el cuerpo. Hints consigue generar un espacio etéreo y mágico en una película que
debe ser experimentada en pantalla grande y con público. En lo que
obviamente supone un logro técnico extraordinario (Hints ha confesado en
varias entrevistas que muchos pensaban que las cámaras no serían
capaces de soportar el calor de la sauna), a menudo tenemos la sensación
de estar allí, dentro de la sauna, y es fácil imaginar a algunos
miembros del público sintiendo un aumento de la temperatura (aunque solo
sea por sugestión). Gracias a la inteligente fotografía de Ants Tammik,
la película juega con el anonimato que ofrece este lugar. Las sombras,
el humo y los reflejos de la piel rosada crean una belleza abstracta, un
espacio seguro y desconocido, pero libre y acogedor. La honestidad de las protagonistas resulta a menudo conmovedora, y
sus historias son desgarradoras. De hecho, aunque estamos ante una
exploración de la experiencia que se genera en la sauna, también se
trata de un documento marcadamente feminista. En muchas de las historias
de subyugación femenina, el subtexto nos habla de una sociedad que aún
tiene mucho que aprender sobre la igualdad de género. A pesar de todo,
también hay unión, un vínculo que ofrece la esperanza de un futuro mejor
para las nuevas generaciones. Hay ciertos paralelismos entre la sauna y el cine. Ambos son lugares
de oscuridad colectiva, donde nos reunimos para escuchar, aprender y, en
las circunstancias adecuadas, salir mucho mejor de lo que estábamos
antes de entrar. Aquellos que tengan el placer de ver Smoke Sauna Sisterhood sin duda saldrán reconfortados. IMPERDIBLE.
TRAILER
OPPONENT
Motståndaren.
Precandidata a los premios OSCAR 2024
"MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA" (Suecia)- Título original
- Motståndaren
- Año: 2023
- Duración: 119 min.
Suecia- Dirección: Milad Alami
- Guion: Milad Alami
- Reparto: Peyman Moaadi, Arvin Kananian, Ardalan Esmaili, Björn Elgerd, Joonas Saartamo, Magnus Mark.
- Música: Jan Ekstrand, Carl-Johan Sevedag
- Fotografía: Sebastian Winterø
- Compañías: Coproducción Suecia-Noruega; Ape&Bjorn As, Tangy
- Género: Drama | Wrestling/Lucha libre. basado en Hechos Reales.
SINOPSIS: Iman es un campeón de lucha libre que se ve obligado a marcharse de Irán
rumbo a Suecia con su familia por culpa de un rumor devastador.
Incumpliendo una promesa que le hizo a su esposa, y con el
convencimiento de que así tendrá más números para obtener asilo
político, Iman se une al club de lucha local. Pero a medida que los
rumores comienzan a resurgir, el miedo y la desesperación comienzan a
apoderarse de él. EXCELENTE. Opponent es una de esas películas que combina varios géneros o tópicos
de manera muy acertada, principalmente el drama y el thriller. Iman
(Peyman Moaadi) es un luchador de lucha libre iraní que escapa de su
país a Suecia con su mujer Maryam (Marall Nasiri) y sus dos hijas, a
causa de un motivo que no se explica, pero por el que se deja claro que
constituye una clara amenaza para su vida. En Suecia, como refugiado,
tendrá que enfrentarse a su dura condición en un panorama de pobreza y
miseria, razón que le empuja a volver a competir como luchador para
tener más opciones de obtener el permiso de residencia para él y su
familia. En primer lugar, Opponent podría definirse como un drama de carácter
psicológico, social, familiar y deportivo. El perfil de drama
psicológico se debe al profundo análisis que Milad Alami realiza del
personaje principal, Imán, y de otros personajes como Maryam o Thomas
(Björn Elgerd), explorando sus emociones, sentimientos y relaciones a lo
largo de toda la película. También explora el concepto de masculinidad,
especialmente a través del protagonista y su equipo de lucha libre. Al mismo tiempo es un drama familiar y deportivo porque se incide en
aspectos como la condición y la situación que afrontan los refugiados en
un país como Suecia, la relación de Iman con su familia y, en especial,
con su mujer; y el compromiso en el análisis realizado de un deporte
como la lucha libre, considerado deporte nacional en Irán. Por otro lado, Milad Alami define su película como un film noir,
situándola en el espectro del thriller, asegurando que, en este caso,
“el misterio es el personaje principal”. Y es que más allá de las
implicaciones dramáticas o sociales de la película, lo cierto es que la
trama gira en torno a aquello por lo que Iman y su familia abandonan
repentinamente Irán, creando un ambiente continuo de tensión,
incertidumbre y misterio, propios del thriller clásico. En ocasiones el
planteamiento recuerda a películas como Rebeca (1940) o al leitmotiv que
esconde Armónica en Hasta que llegó su hora (1968), en el sentido en el
que se hace partícipe al espectador del misterio que planea alrededor
del protagonista, invitándole a tratar de descifrarlo a través de las
distintas pistas que va dando el director a lo largo del filme. Uno de los temas principales que enfrenta la trama de Opponent es la
condición de los refugiados, tema que toca de cerca al director al haber
sido éste un refugiado iraní en Suecia durante su niñez. A través de Iman y su familia, Milad Alami muestra los desafíos internos
y externos a los que se enfrentan los refugiados y las distintas
situaciones que tienen que vivir durante esta etapa. El reto de aprender
un nuevo idioma y comunicarse con los nativos, el choque cultural,
trabajos precarios, miseria, denegaciones continuas del permiso de
residencia, tensas reuniones con los equipos de inmigración,
deportaciones o la añoranza de las tradiciones y del país de origen son
algunas de las pinceladas que el director ofrece en su retrato del
refugiado. Todo ello se afronta desde una perspectiva cruda y realista, sin
sensacionalismos, mostrando la ansiedad y la desesperación que en
ocasiones ahoga a la familia de Iman por los conflictos que plantea su
situación. Y es que en conexión con lo anteriormente comentado está la causa por la
que una persona o una familia tiene que emigrar de su país de origen en
busca de un futuro mejor. En ocasiones es la guerra, en otras la
pobreza y, en este caso, es la falta de libertad que existe en los
países gobernados por un régimen opresor que infunde el miedo sobre sus
ciudadanos. Milad Alami explica que “la película es una crítica a sociedades como la
iraní, que no son libres. Y a qué le hace esta falta de libertad a la
gente”. El director denuncia esto de una manera certera y directa
durante toda la cinta. En la primera escena se puede observar a Iman
escapando de su centro de entrenamiento mientras acude la policía iraní,
que se lleva a una persona para interrogarla y que, según dice, no ha
hecho nada para tener que ser interrogada. Además de esto, se incide en la presión que recibe el círculo cercano de
las personas que están siendo investigadas y en el peligro que supone
para la vida de aquellas personas que están bajo sospecha de cometer
cualquier tipo de actividad que el régimen considere que no se alinea
con sus ideas. El propio hecho de tener que escapar del país es un claro
síntoma, de por sí, del miedo de las personas y de la falta de libertad
que el director expone en la película. Opponent también se para a analizar un deporte no tan popular en España y
Europa, a diferencia de Irán, donde se considera el deporte nacional.
La lucha libre se describe como un deporte intenso tanto física como
mentalmente, donde aspectos como la fuerza, la técnica, la resistencia o
la concentración juegan un papel muy importante en el desarrollo de la
competición. Por otro lado, se exploran también las amistades y relaciones
interpersonales entre los compañeros de un equipo. Esto se desarrolla
principalmente a través de la relación que mantiene Iman con su
compañero Thomas, sueco; y en la relación que también conserva con
algunos de sus compañeros del equipo iraní. En Opponent se pueden observar valores como el respeto, la amistad, el
compañerismo o la competitividad y situaciones que dan lugar a
enfrentamientos y tensión de distintas maneras. Junto al gran guion y al trabajo de Milad Alami como director hay que
destacar, sin duda alguna, la actuación excepcional de Peyman Moaadi. IMPERDIBLE.
TRAILER
CET ÉTE - LA
Nuestro verano.
- Título original
- Cet été-là
- Año: 2022
- Duración: 99 min.
Francia- Dirección: Éric Lartigau
- Guion: Delphine Gleize, Éric Lartigau. Novela gráfica: Jillian Tamaki, Mariko Tamaki
- Reparto: Marina Fois. Gael García Bernal. Chiara Mastroianni. Rose Pou Pellicer.
- Música: Evgueni Galperine, Sacha Galperine
- Fotografía: Jacques Girault
- Compañías: Studiocanal, France 2 Cinema, Forty 12 Films, Trésor Films, Artemis Productions
- Género: Drama. Comedia | Comedia dramática. Adolescencia.
SINOPSIS: Todos los veranos, Dune, de 10 años, va con sus padres a la costa
suroeste de Francia, donde conoce a su mejor amiga Mathilde. Juntas,
exploran bosques de pinos, contemplan la forma de las nubes, siguen a
adolescentes, van a sus fiestas, y ven películas de terror a escondidas.
Pero este verano es especial para Dune: el año pasado, la familia se
saltó sus vacaciones habituales sin que ella supiera por qué. Ella
siente que algo ha cambiado. A medida que la infancia se vuelve un poco
más lejana, comienza a ver a los adultos y adolescentes de manera
diferente y a comprender sus secretos. MUY BUENA. Con un reparto muy atractivo, y Éric Lartigau, director de La familia Bélier, esperábamos bastante más de esta propuesta que se queda reducida al paso a la adolescencia de su protagonista, Dune -Rose Pou-Pellicer-,
una niña que, como cada año, excepto el anterior, pasa el verano con
sus padres junto a un lago de la zona de Las Lanass. Allí se reencuentra
con su amiga Matilde -Juliette Havelange-, con quien
disfruta y admira el entorno, desde los bosques de pinos a las formas de
las nubes. Sin embargo, esta vez siente que algo ha cambiado. Es distinta la percepción que tiene de sus padres, un matrimonio compuesto por Marina Foïs y Gael García Bernal,
y mira con detenimiento como unos jóvenes se intercambian besos con
pasión. No le hacen ya gracia los caramelos que tiñen su lengua de azul y
las películas de terror que veía a escondidas junto a su amiga no le
provocan tanto miedo. El ambiente bucólico en el que conviven va dando
paso a unas vivencias que parecen no corresponderles. Incluidas fiestas
en las que se bebe alcohol y donde no se quedan al margen el tabaco y
las drogas. El guion presenta familias desestructuradas en mayor o menor grado.
Los padres de Dune discuten con frecuencia y no ocultan sus diferencias.
La niña lo sufre en silencio y extrae sus propias consecuencias. No
cabe duda de que está madurando. Por lo que respecta a Matilde, vive con
una madre lesbiana –Chiara Mastroianni-, y una abuela moderna y casquivana –Ángela Molina-.
En ninguno de esos personajes se profundiza. No hay exigencias en el
guion para ellos y son simples acompañantes para que comprobemos in situ
la evolución de la protagonista. Lo único que importa es el paso a la adolescencia que, como es norma
en este tipo de relatos, se produce en verano. Los mayores son como una
suerte de cromos para pegar en un álbum. Con su atenta mirada, no tan
relevante como debiera, Dune forja su personalidad, que se aventura como
una joven tímida, pero abierta a las experiencias que se corresponden
con esa edad. Las dos crías aceleran a distinta velocidad, aunque no
cabe duda de que el verano siguiente llegarán a converger. Todo será
diferente, y hasta los adultos anuncian cambios. RECOMENDABLE.
TRAILER
Waikiki.
- Título original
- Waikiki
- Año: 2021
- Estados Unidos
- Dirección: Christopher Kahunahana
- Guion: Christopher Kahunahana
- Reparto: Danielle Zalopany, Peter Shinkoda, Jason Quinn, Claire Johnson, Kimo Kahoano, Cora Yamagata.
-
Música: Woody Pak
- Fotografía: Ryan Miyamoto
- Compañías: Hula Girl Productions, Island Film Group, Kinetic Productions, Waikiki The Film
- Género: Drama.
- SINOPSIS: Una bailarina de hula que está huyendo conoce a un hombre roto por dentro y ambos empiezan un viaje hacia un mundo desconocido, desarrollando una conexión a través de la humanidad, la naturaleza y la cultura. MUY BUENA. Siempre es una experiencia surrealista ver una película que se desarrolla en tu barrio. Este es un retrato magníficamente representado pero austero del Waikiki moderno. Son las Vegas del Pacífico y el costo de vida está por las nubes. Los salarios son algunos de los más bajos y muchas personas tienen tres trabajos mientras viven de sueldo en sueldo. El trabajo es vender el paraíso sin tener nunca tiempo para disfrutarlo nosotros mismos. Muchas culturas indígenas ven la Tierra como Madre y nuestro propósito de vida es cuidarla y prosperar juntos en nuestro entorno. Es una relación simbiótica. El actual sistema de capitalismo de mercado, donde todo está a la venta al mejor postor, es incompatible con esta antigua creencia. El hecho de que haya tantos hawaianos sin hogar viviendo en las calles de Hawaii es una vergüenza. Esta película te mostrará por qué, pero lo más importante es que te hará sentir el dolor de estar desconectado de tu tierra natal y de tu historia mientras sigues viviendo en la Tierra. En hawaiano, el Aina. Aloha Aina. Amor por la tierra.Waikiki hace un buen trabajo al no deletrear su mensaje mientras lo miras, pero si te permites sentir el dolor de su protagonista, dejarás atrás la idea del Hawaii azul de Elvis y entrarás en una nueva comprensión de Hawaii en 2020. MUY RECOMENDABLE.
- TRAILER
Unicornios.
- Título original
- Unicornis
- Año: 2023
- Duración: 93 min.
España- Dirección: Àlex Lora
- Guion: Pilar Palomero, María Mínguez, Àlex Lora, Marta Vivet
- Reparto: Greta Fernández, Nora Navas, Elena Martín, Alejandro Pau, Pablo Molinero, Lídia Casanova.
-
Música: Isabel Latorre
- Fotografía: Thais Català
- Compañías: Inicia Films, Jaibo Films, TV3
- Género: Drama. Romance | Internet / Informática. Redes sociales.
- VERSIÓN CON SUBTÍTULOS EN ESPAÑOL.
-
- SINOPSIS: Isa lo tiene todo. Es inteligente, guapa y segura de sí misma. Feminista y poliamorosa, defiende su vida con pasión. Cuando Guillem le propone ser una pareja monógama, Isa no está segura de querer cambiar su vida y, ante su falta de decisión, Guillem decide romper la relación. Viviendo en un mundo de apariencias y comodidades, sus contradicciones salen a la luz y su universo se va desmoronando a golpe de 'likes' y juicios morales en esta telaraña en la que se han convertido las redes sociales. EXCELENTE. Drama íntimo de una joven que, en efecto, en un primer vistazo, lo tiene todo, juventud, belleza, buen trabajo e ideas para prosperar y una intensa vida sexual libre, sin prejuicios y sin compromisos. Pero, tras todo ello se esconde una insatisfacción vital, un descenso a los infiernos debido a que todo se va desmoronando a su paso, principalmente por sus propias contradicciones y no saber hacia dónde derivar su, en esencia, vacía vida. Un film duro, áspero y con un personaje protagonista con la que no es nada fácil empatizar, llegando incluso (por lo que me contaron amigo/as acreditado/as en el reciente Festival de Málaga 2023) a resultar antipático y desagradable. No es mi opinión, y es que en el mundo actual, donde las redes sociales, el poliamor y otros "avances" en nuestra moderna sociedad, no es difícil perder el rumbo vital. Lo cierto es que Greta Fernández está muy bien, expresando con fuerza, humanidad y desasosiego, su alma en pena, ayudando la férrea realización de Álex Lora. Es una película difícil, amarga, que se ve sin dificultad pero sin llegar a apasionar, pero con algunas buenas escenas, como el magnífico final. No es para todos los gustos esta cinta, valiente, desapacible, agria. IMPERDIBLE.
- 2023: Festival de Málaga: Premio del Jurado.
- TRAILER
- CINE NACIONAL
- NORMA
- Norma.
- (EN CINES)
- Título original
- Norma
- Año: 2023
- Duración: 93 min.
Argentina- Dirección: Santiago Giralt
- Guion: Santiago Giralt, Mercedes Morán
- Reparto: Mercedes Morán. Alejandro Awada. Lorena Vega. Marco Antonio Caponi.
-
Música: Tomi Lebrero
- Fotografía: Guillermo Saposnik
- Compañías: Coproducción Argentina-Uruguay-Chile; Magma Cine, Ají Molido, Los Griegos Films, El Cielo Cine, Prisma Cine. Netflix.
- Género: Comedia. Drama | Comedia dramática. Amistad.
- SINOPSIS: Norma, una mujer de 64 años que vive una vida “normal”. Es una buena ciudadana de una pequeña localidad de provincia y es el vivo ejemplo de su nombre. Un día, Rosita, su empleada doméstica de toda la vida, decide renunciar sin darle mayores explicaciones. La realidad de Norma se desgarra y se transforma. Poco a poco, y ante la sorpresiva aparición en el pueblo de Judith, una psicóloga foránea, Norma comienza a romper las reglas y construye una red de vínculos con mujeres del pueblo que, como ella, desafían las convenciones del sistema en el que viven. Este viaje de autodescubrimiento le develará una nueva versión de sí misma, modificada por la experiencia de otras mujeres de diversas generaciones. MUY BUENA. Mercedes Morán no solo es la protagonista absoluta de esta película en el papel de la Norma del título sino que además debuta como coguionista con esta historia que (según nos enteramos en los créditos finales) está basada en una novela inédita del propio Santiago Giralt. Norma (anagrama de Morán) vive en Las Tucas, un pueblo gris, prejuicioso y conservador como tantos, está casada desde hace mucho (¿demasiado?) tiempo con Gustavo (Alejandro Awada) y el buen pasar económico se mezcla con una rutina exasperante. El hasta entonces seguro universo de Norma comienza a resquebrajarse cuando Rosita (Claudia Cantero), su empleada doméstica de toda la vida, le dice que renuncia. El golpe es doble: en términos prácticos (ella de golpe debe ocuparse de tareas que tenía resueltas) pero también en el anímico, ya que lo percibe como una traición y un abandono. Desde ese momento, la precaria solidez y falsa seguridad empiezan a tambalear. Norma inicia un complejo proceso en el que se combinan angustia, paranoia, resentimiento, desilusión, agobio, soledad y frustración que llevan a replanteos y deconstrucciones. La aparición de Judith (Lorena Vega), una psicóloga porteña de pelo rojo que apuesta a las terapias alternativas con ciertos aires new age, hacen que la protagonista busque en ella no tanto una terapeuta sino una compañera de aventuras, una compinche, una amiga. La película maneja con soltura, ligereza y encanto las típicas miserias familiares de tres generaciones (Elvira Onetto es Estela, la madre octogenaria; Mirella Pascual interpreta a la hermana Beba; Mercedes “Mey” Scápola, hija de Morán en la vida real, a su hija en la ficción, una médica llamada Inés; y Awada encarna a un tipo aburrido y machista que ha dejado de regar el matrimonio y vive en su mundo), pero lo más interesante es el proceso interno de nuestra querible heroína, un viaje de progresivo redescubrimiento, empoderamiento e independencia. El film no pretende dar lecciones de vida y muestra de forma orgullosa veta algo ingenua y naïve a la hora de abordar cuestiones como el consumo de drogas o cierta vuelta de tuerca feminista. Giralt y Morán prefieren el humor, las pequeñas observaciones y gestos cotidianos a las bajadas de línea altisonantes. Estamos, en definitiva, en el universo de la comedia que, sabemos, es un género en el que cabe la crítica social, pero cuyo resultado es mucho más eficaz cuanto menos se cae en el subrayado aleccionador. La modestia, en este caso, es también parte del encanto. MUY RECOMENDABLE.
- TRAILER
DOCUMENTALES
MY NAME IS
ALFRED
HITCHCOCK
Mi nombre es Alfred Hichcock.
- Título original
- My Name Is Alfred Hitchcock
- Año: 2022
- Duración: 120 min.
- Reino Unido
- Dirección: Mark Cousins
- Guion: Mark Cousins. Biografía sobre: Alfred Hitchcock
- Reparto: Documental
- Música: Donna McKevitt
- Compañías: Hopscotch Films
- Género: Documental | Documental sobre cine.
- SINOPSIS: Reexamina la vasta filmografía y el legado de uno de los cineastas más grandes del siglo XX, Alfred Hitchcock, a través de la propia voz del director. EXCELENTE. Imprescindible documental sobre una de las figuras icónicas del cine. “Alfred Hitchcock nunca escribió ni locutó esta película, pero muchas de las cosas que dice son verdad. Su voz sigue viva entre todos los cinéfilos. Aquí lo interpreta Alistair McGowan”. Esta declaración aparece al final del documental de Mark Cousins sobre el mago del suspense, Alfred Hitchcock. Pero he querido ponerla al principio de la crítica para evitar la tentación de creer que Cousins había recurrido a la Inteligencia Artificial para reproducir la voz de Hitchcock. Me parece importante decirlo, como me parece importante decir que, a pesar de que el director inglés es uno de los más estudiados, analizados, diseccionados y criticados, de la historia del cine, solo alguien como Cousins podía acercarse a su figura desde una perspectiva nueva. En cierto modo, el documental me hizo pensar en el famoso libro de entrevistas de François Truffaut con Alfred Hitchcock. Aquel no era un libro de entrevistas más, éste no es un documental más. Cousins ha demostrado con sus trabajos anteriores, especialmente la magnífica serie Women make films de 2018, que es un mago del montaje no solo de las imágenes, también de los pensamientos. Hacer que sea el propio Hitchcock el narrador de su historia le da la coartada perfecta para acercarse a él desde una inesperada selección de temas que se tratan en los distintos capítulos: Evasión, Deseo, Soledad, Tiempo, Plenitud y Altura. Cousins conoce muy bien la obra de Hitchcock y sabe sacar partido de su cine, especialmente del cine mudo inglés en el que ya están casi todas las semillas de lo que iba a ser un estilo inconfundible. Aunque hay algunas elecciones formales que no acaban de funcionar, Mi nombre es Alfred Hitchcock es una lección de cine, un espectáculo y un estimulo para volver a ver sus películas, todas, no solo las más conocidas. IMPERDIBLE.
- TRAILER
CINE ARTE
EUROPA,
EUROPA
Europa, Europa.
- Título original
- Europa, Europa
- Año: 1990
- Duración: 115 min.
Alemania- Dirección: Agnieszka Holland
- Guion: Agnieszka Holland. Autobiografía: Solomon Perel
- Reparto: Marco Hofschneider. July Delpy. Hanns Zischier. André Wilms.
-
Música: Zbigniew Preisner
- Fotografía: Jacek Petrycki
- Compañías: Coproducción Alemania-Francia-Polonia;
- Género: Drama | Nazismo. II Guerra Mundial. Basado en hechos reales.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN HD 1080P.
SINOPSIS: Al estallar la Segunda Guerra Mundial, Solomon Perel, un joven judío
polaco, fue internado en un orfanato soviético. Más tarde fue reclutado
por los alemanes, que desconocían su identidad, y se convirtió,
involuntariamente, en un héroe del ejército nazi. EXCELENTE. Esta obra es la prueba evidente de que la vida está muy, pero muy por
encima, de la imaginación del más febril de los guionistas. La película
adapta las memorias de Salomon Perel que nos narra sin pudores su
insólita adolescencia (su hermano le recomendará que nunca cuente esta
historia “pues nadie se la creerá”) durante la IIGM. Tras su huída hacia
el Este, una vez que los nazis inician su política antisemita la vida
de “Jupp” pasará por avatares cada vez más increíbles en el seno de los
dos mayores totalitarismos del siglo XX: el estalinismo y el nazismo. Su primera parada será un orfanato soviético donde comenzará su
“reeducación” y asistirá, como testigo en primera línea, a los primeros
coletazos de la purga estalinista. El giro radical se produce cuando el
ejército nazi invade a la URSS y “Jupp”, judío de pura cepa oculta su
condición y pasa de prisionero de los nazis a ser el héroe de ese
batallón (es tomado como una víctima de los “malvados rojos”), lo que le
da la entrada al mismísimo nido de víboras: una escuela de élite para
las juventudes hitlerianas. Lo maravilloso de la película es su acertada visión (factor que no gustó
nada en Alemania, que pese al Globo de Oro a la mejor película
extranjera, no fue nominada por la Academia germana, y eso que es una de
las películas más premiadas de ese país, repescándola la Academia de
Hollywood y nominándola al “mejor guión adaptado”). La película no nos
narra una tragedia épica, como tantas otras que ilustran el “Holocausto”
o la IIGM, sino la vida cotidiana de una gran representación (“Jupp” no
vive una vida, la representa) en la que cabe de todo: amistad, amor,
traición, el miedo... haciendo de todo lo que muestra una verdad
incontestable. Esta tragedia tan íntima, nos es ofrecida por la
directora polaca A. Holland con una sobriedad impecable, construyendo un
discurso de una ironía finísima. La misma exploración del nazismo, la
realiza en el impecable e idóneo escenario de un colegio, donde toda su
mística e ideología cae por su propio peso y ante la verdad íntima que
oculta “Jupp”. Despojada de sus aparatosos y ampulosos envoltorios, el
nazismo es mostrado desde sus entrañas, no como ideología, sino como
teología del odio, un odio que encuentra en la voluntariosa población un
perfecto caldo de cultivo, no cuestionándose jamás (y ahí radica la
tragedia) qué consecuencias trae ese cargamento.
La dirección de A. Holland es pausada, dejando que los planos expresen
todo su contenido y dirigiendo a sus actores hasta que den lo mejor de
sí. Ese es el caso del debutante, Marco Hofschneider, que realiza una
interpretación prodigiosa, llena de autenticidad en todos sus momentos y
trasmitiendo todo el caos que lleva semejante actuación. El resto del
reparto está a igual altura, con una deliciosa Julie Delpy (era en
coproducción con Francia, de ahí su presencia), haciendo de “novia” de
Jupp, pero enamorada del partido nazi al que dará un hijo. Una película necesaria y valiente. IMPERDIBLE.
-
1991: Nominada al Oscar: Mejor guión adaptado1991: Globo de Oro: Mejor película extranjera1991: National Board of Review: Mejor película extranjera1991: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película extranjera1991: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor banda sonora. 2 nominaciones1991: Asociación de Críticos de Boston: Mejor película en habla no inglesa.
TRAILER
CINE DE AYER
Marlowe: Un detective muy privado.
- Título original
- Marlowe
- Año: 1969
- Duración: 96 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Paul Bogart
- Guion: Stirling Silliphant. Novela: Raymond Chandler
- Reparto: James Garner. Gayle Hunnicut.Carroll O´Connor. Rita Moreno.
-
Música: Peter Matz
- Fotografía: William H. Daniels
- Compañías: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
- Género: Intriga | Policíaco. Crimen. Neo-noir
- Grupos: Adaptaciones de Raymond Chandler
VERSIÓN REMASTERIZADA EN HD 1080P.
SINOPSIS: Basada en la novela "La hermana pequeña" de Raymond Chandler, creador
del personaje de Philip Marlowe; un duro y honesto detective privado,
cuya sensatez contrasta con el entorno sórdido y brutal de los bajos
fondos de California donde trabaja. Marlowe es contratado por una
apocada rubia de Kansas que trata de encontrar a su hermano
desaparecido. MUY BUENA. Si ves cruzar por el aire a un hombre con la pierna estirada como para
dar una patada que sepas que es Bruce Lee. Yo me imagino que antes que
choque contra el suelo con un golpe pesado y sordo, aún tendrá tiempo
según cae de lanzar otra patada lateral al aire a la altura del piso
trece y una más giratoria a la altura del segundo piso. Marlowe, detective muy privado, es una película para adeptos al creador
del detective privado por antonomasia: Philip Marlowe. Philip Marlowe es
al cine negro lo que la nata es a una buena tarta y las flores a un
jardín. Es el icono de la honradez, es el insobornable personaje a
contracorriente del mundo entero. Es el símbolo de la testarudez. Un
soborno es siempre una tentación y para terminar con la tentación, lo
mejor es aceptar el soborno. Marlowe perderá los muebles antes que pasar
por ello. No es una película descarada, pero si para anotarla en los haberes del buen
cine. Ahora bien, tiene un racimo estupendo de buenos ejemplos de cómo
se desenvuelve este personaje. Encontronazos, contestaciones, cinismo y
diálogos auténticamente fieles a la manera de ser de Marlowe. James
Garner encarna al personaje con total acierto, aplicando ironía a
raudales y honradez absoluta. La película es la forma, más que el fondo.
Como en la hermana pequeña del sueño eterno, escruta con dramatismo la
personalidad humana y en especial a la mujer, viniendo a cuento para
evidenciar su naturaleza aquella máxima inolvidable del gran Joe
Hallenbeck que siempre recuerdo: El cielo es azul, el agua moja y las
mujeres tienen secretos. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
MINISERIES Y SERIES
HUSET
Prisioner.
MINISERIE COMPLETA.
6 EPISODIOS
2 DISCOS.
- Título original
- Huset
- Año: 2023
- Duración: 300 min.
Dinamarca- Dirección: Frederik Louis Hviid, Michael Noer
- Guion: Kim Fupz Aakeson, Frederik Louis Hviid, Michael Noer. Novela: Kim Fupz Aakeson
- Reparto: Sofie Gråbøl ... Miriam
David Dencik ... Henrik
Youssef Wayne Hvidtfeldt ... Sammi
Charlotte Fich ... Gert
Bjarne Henriksen ... Torsten
Daniel Flamgaard ... Tommy. - Música: Martin Dirkov
- Fotografía: Adam Wallensten
- Compañías: Radio (DR), Norsk Rikskringkasting, SVT, Ríkisútvarpið-Sjónvarp (RÚV), YLE/SARI Volanen. Distribuidora: Radio (DR), YLE/SARI Volanen
- Género: Miniserie de TV. Drama. Thriller | Drama carcelario. Crimen.
SINOPSIS: Sammi, Henrik, Miriam y Gert son oficiales de prisión y colegas en una antigua prisión danesa desgastada. Su ambiente de trabajo es crudo y hostil y sus respectivas vidas fuera de los muros de la prisión están llenas de conflictos, secretos y soledad por razones muy diferentes. Secretos, que pronto resurgirán y tendrán grandes consecuencias no solo para los cuatro oficiales de prisión, sino para todos dentro y fuera de las paredes. EXCELENTE. Seleccionada en Canneseries y en la competición de series internacionales del Festival Internacional de Cine de Ginebra (GIFF), Prisoner se presenta como la nueva serie de eventos del Norte. Creado por Kim Fupz Aakeson, Frederik Louis Hviid y dirigido por actores y actrices increíblemente talentosos como la diva escandinava Sofie Gråbøl, David Dencik, Charlotte Fich y Youssef Wayne Hvidtfeldt, Prisoner nos invita a encerrarnos voluntariamente, durante seis episodios (de 60 minutos cada uno), en una prisión danesa, un microcosmos dominado por reglas muy precisas donde luchar por la supervivencia es una necesidad diaria. Gracias a unos movimientos de cámara suaves y entrecortados, y a una localización totalmente creíble (está ambientada en una prisión real), la cárcel que encierra a los personajes de la serie (tanto prisioneros como guardias) se convierte en un lugar infernal donde reina la ley de la selva. reina. IMPERDIBLE.
TRAILER
SILENCE
SEASON 1
El Silencio.
TEMPORADA COMPLETA
6 EPISODIOS
2 DISCOS.
País:
Croacia. 
Ucrania.
Título internacional: The Silence.
Año: 2022-2024.
Género: Drama. Thriller.
Duración: 320 Minutos.
Elenco:Kseniya Mishina (Olga)
Goran Bogdan (Stribor)
Darko Milas (Inspektor Vladimir Kovac)
Sandra Loncaric (Inspektorica Vesna Horak)
Tihana Lazovic (Lana Kralj)
Viktor Saraykin (Nikolaj)
Director: Dalibor Matanic.
Guión: Marjan Alcevski.
SINOPSIS: Eventos dramáticos se desarrollan en Croacia y Ucrania. Primero una niña
se ahoga, otra muere por una sobredosis de drogas. Sin embargo, el
principal sospechoso de estas muertes pronto resulta ser inocente, y
también muerto. EXCELENTE. Esta serie no blanda en lo que respecta a la crítica sobre la eficiencia de los servicios de policía croatas y ucranianos. Todo lo contrario, muestra que los poderosos son en su mayoría unos corruptos hijos de puta que están dispuestos a todo por un grado de poder (Aquí lo llamaríamos Peronismo k). Las actuaciones de los protagonistas principales Kseniya Mishina, Viktor Saraykin y Goran Bogdan son papeles realmente estelares y totalmente convincentes, como también el guión y la dirección que son de excelencia. La primer temporada es más bien un drama criminal tipo thriller que prepara a la audiencia hacia una segunda temporada de la cual no espero más, con que mantenga el ritmo y la brillantez autoral y de interpretación me conformo, porque eso en si ya es demasiado para esta joya proveniente de Europa del Este. IMPERDIBLE.
TRAILER
DIGITAL MOVIES TE RECUERDA QUE TAMBIÉN PODÉS VER LOS ESTRENOS DE LAS SEMANAS ANTERIORES. (SOLO TENÉS QUE CLIKEAR "ENTRADAS ANTIGUAS" AL FINAL DEL BLOG O IR A "ARCHIVOS DEL BLOG" A LA DERECHA DE LA PÁGINA.
PEDIDOS Y CONSULTAS: LATINTASINSOMBRAS@GMAIL.COM / WHATS UP 1155170077 (Fer)
