DIGITAL MOVIES: ESTRENOS DEL MIÉRCOLES 14/10/2020

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ESTRENOS

DE LA SEMANA

CARTAS

DA GUERRA

Cartas de la Guerra.

SINOPSIS: Cartas da Guerra está basada en un libro del renombrado autor portugués António Lobo Antunes. La novela epistolar, publicada en 2005, reúne las cartas que un joven soldado envió a su mujer desde Angola entre 1971 y 1973, durante la Guerra Colonial. Al igual que el propio Lobo Antunes, el joven soldado es médico y escritor en ciernes. EXCELENTE. El director portugués afincado en Macao, Ivo Ferreira, comienza con este su tercer largo a saldar cuentas con un pasado sombrío de su país del que parece que a nadie le interesa hablar y en el que miles de hombres y sus familias vieron cercenadas sus vidas durante una guerra larga y lejana en una África que se liberaba de sus yugos colonialistas aparentemente para caer de la sartén al fuego desangrandose en luchas intestinas teledirigidas por aquellos que se llevaron sus banderas pero no renunciaron a sus intereses. Lo hace Ferreira desde la belleza melancólica de las cartas (aerogramas) que el prestigioso escritor português Antonio Lobo Antunes le escribió a su mujer embarazada, cuando fue reclutado como médico en la citada guerra colonial angoleña. Y lo hace en una simbiosis de palabra e imagen sobrecogedora, donde los contrarios se complementan, donde el amor y el horror conviven en una distancia física y espiritual que traspasa la pantalla y donde la incertidumbre, la soledad y la angustia de esos hombres nos alcanza desde un glorioso blanco y negro que tiñe de grises, luces y sombras una tierra luminosa y espléndida. La poesía se desborda entre unos hombres que no entienden porque deben dar sus vidas. La Revolución de los Claveles liberó más a los portugueses que a los angoleños de una guerra que no era su guerra y parafraseando al premio nacional de teatro Alberto Miralles, su país era la piel de sus seres queridos. Hermosa película de tiempo pausado que requiere la predisposición del espectador a ver y escuchar como el amor puede tender puentes invisibles que superen las soledades del cuerpo y el alma. IMPERDIBLE.

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LUZ

Luz.

SINOPSIS: La joven taxista Luz llega abatida a una comisaría de policía. Al parecer una entidad demoníaca insaciable la persigue y no descansará hasta poseerla... La ópera prima de Tilman Singer es un thriller en el que lo absurdo y lo sobrenatural convergen hasta crear un nocturno juego sensorial. EXCELENTE. Anticipo que este film no es para cualquier espectador, pero todo aquel que la vea percibirá diferentes sensaciones que pueden ir desde el descrédito a la fascinación sin paradas intermedias, sin embargo no los deja apáticos en ningún momento. Luz es la ópera prima de su director, que está protagonizada por un reparto que a participado mayormente en cortos como la acertada Luana Velis (Diebe des Schlafes, 2015) y un no menos acertado Jan Bluthardt (The Events at Mr. Yamamoto's Alpine Residence, 2014). Luz, una joven taxista, se arrastra hacia la entrada iluminada de una estación de policía en decadencia. Una entidad demoníaca la sigue, decidida a finalmente estar cerca de la mujer que ama. Independientemente de que Luz pueda gustar o no hacerlo (lo cual sería muy comprensible dadas las características del film), lo que no puede negar nadie es que Tilman Singer ha sido un auténtico valiente haciendo una ópera prima con una forma narrativa tan extraña, elementos experimentales y un aire retro muy conseguido. La película confunde al espectador con unos viajes psicotrópicos con los que nos explica una historia que realmente es mucho más sencilla de lo que parece, pero que dota a Luz de una entidad propia y un peso de autor muy marcado mediante escenas de pesadilla que perturban al espectador. Aunque su ritmo y sus formas en que domina lo experimental en muchas ocasiones van a dejar a más de la mitad de los que se acerquen a ver la cinta fuera de esta, Luz es un experimento que merece la pena ver, y a esto se suma un apetecible metraje de 70 minutos. IMPERDIBLE.

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SALOMÉ

Salomé.

SINOPSIS: La historia bíblica de Salomé, una chica que está de acuerdo para llevar a cabo la "danza de los siete velos" a cambio de recibir la cabeza de Juan el Bautista en una bandeja de plata. Variación del docu-drama de 2011 'Salome', también dirigido por Al Pacino. A esta edición se le han excluido todo el material documental. EXCELENTE. La película de Al Pacino insiste en las claves de 'Looking for Richard'. Si entonces se trataba de llegar a la médula de Shakespeare a través de 'Ricardo III', ahora la idea es tocar el corazón doliente de Oscar Wilde haciendo presa en su 'Salomé'. Pacino entrega al esepctador un Wilde apasionado, violento y, sobre todo, mártir. No es nuevo, pero sí brillante. Bien es cierto que al lado de su película sobre la obra de Shakespeare, ésta se antoja por momentos enferma de autor. En ambos casos, los escenarios, como los espejos, se multiplican hasta más allá del infinito con la única intención de alcanzar el momento justo en el que surge eso inidentificable que es la creación. Por eso, decíamos al principio, lo que cuenta es desnudarse. Y así, asistimos a un doble ejercicio de 'strip-tease': el del propio Pacino mientras dirige un montaje de 'Salomé' ante la cámara y el de Wilde. Teatro dentro del cine o cine dentro del teatro. Lamentablemente no les puedo ofrecer la versión anterior de este film el docu-drama al que llamó "Wilde salomé" porque no hay subtítulos en castellano de la misma, pero esta obra realizada dos años más tarde y reacomodada a su nueva visión de la misma no solo no decae, sino que es más profunda y contundente que su predecesora. IMPERDIBLE.

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BLINDSONE

Blindsone.

SINOPSIS: "Blindsone" se centra en las dificultades de una madre para entender la crisis de su hija adolescente, cuando la tragedia golpea a toda la familia. MUY BUENA. La sorpresa del festival llega del norte con un prodigio de filmacion de un solo plano secuencia y una camara que se aferra y no se separa, en 98 minutos, de una familia devastada por un suceso brutal. Hay muchos elementos interesantes a tener en cuenta en ésta pelicula noruega al margen de su compleja filmacion y es que la propia cámara no solo se encarga de grabar, sino que es capaz de decidir "aleatoriamente" en quien posar el objetivo, de manera que la trama es siempre imprevisible al darnos a entender que los protagonistas, magnificas interpreraciones por cierto, pueden ser cualquiera de las personas que aparezcan en plano, creando con ello una inquietante angustia en el espectador que nunca sabe que direccion va a tomar el film. Un trabajo de orfebreria cinematografica que ha enganchado a la mayoria de la audiencia del cubo grande gracias a la brillantez tecnica y una emocionante historia de supervivencia física y emocional. MUY RECOMENDABLE.

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BEASTS

THAT CLING

TO THE STRAW

Bestias aferradas a sorbetes.

SINOPSIS: El propietario de un restaurante que lucha por cuidar a su madre enferma, encuentra una bolsa de dinero en efectivo en un armario de sauna, mientras que un oficial de aduanas se mete en problemas cuando su novia se escapa con el dinero que pidió prestado a un usurero. EXCELENTE. Una bolsa de Louis Vuitton llena de billetes saca a relucir lo peor de las personas que, para empezar, ya son bastante turbias en esta trepidante travesura criminal ambientada en la ciudad portuaria de Pyeongtaek. El dinero pasa por las manos de un empleado de spa de hotel en bancarrota, una anfitriona con un marido abusivo, una mujer fatal traicionera y un gángster despiadado, pero, en esta espeluznante y espeluznante historia, la ganancia inesperada en efectivo no trae buena fortuna a nadie. Escandalosamente exagerada en todo, desde la combinación de colores hasta las actuaciones y la violencia, la película al principio parece ser una comedia negra del inframundo bastante rutinaria. No es hasta el acto final que el manejo seguro del director de largometraje Kim Yonghoon de la intrincada estructura se revela completamente. Esta historia de gente corriente deshecha por la codicia marca el debut del joven director Kim Younghoon, de cual espero muchos más films inteligentes como este. IMPERDIBLE.

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EL DIABLO

A TODAS

LAS HORAS

The Devil All the Time.

Título original: The Devil All the Time
Año : 2020
Duración : 138 min.: Estados Unidos
Dirección : Antonio Campos
Guión : Antonio Campos, Paulo Campos (Novela: Donald Roy Pollock)
Música : Danny Bensi, Saunder Jurriaans
Fotografía : Lol Crawley
Reparto : Tom Holland, Bill Skarsgård, Jason Clarke, Sebastian Stan, Robert Pattinson, Eliza Scanlen, Mia Wasikowska, Riley Keough, Haley Bennett, Mia Goth, Tracy Letts, Gregory Kelly, Gabriel Ebert, Emma Coulter, Harry Melling, Douglas Hodge, Lucy Faust, Drew Starkey, Kristin Griffith
Productora : BorderLine Films, Ninestory Pictures. Distribuida por Netflix
Género : Thriller. Drama | Vida rural (Norteamérica). Asesinos en serie. Años 60. Años 50. Crimen. Religión

SINOPSIS: Desesperado por salvar a su mujer, Willard Russell convierte sus oraciones en un sacrificio. Las acciones de Russel llevan a su hijo Arvin a pasar de ser un niño que sufre abusos en el instituto a convertirse en un hombre que sabe cuándo y cómo ha de pasar a la acción. Los acontecimientos que se dan lugar en Knockemstiff (Ohio) desatan una tormenta de fe, violencia y redención que se desarrolla a lo largo de dos décadas. MUY BUENA. La película basada en la novela homónima de Pollock lleva consigo una gran moraleja que gira en torno al fanatismo y a la falta de madurez intelectual. El filme acierta en el gran elenco de actores que lleva consigo, los cuales hacen todos una labor increíble para expresar las diferentes mentalidades complejas que poseen, relacionándose a la perfección con la imagen cruda que da el pueblo en dónde se sitúa el relato. Destaca el papel de Robert Pattinson y se hace algo desencajado el de Tom Holland, que no termina de convencer del todo su encarnación en el personaje que interpreta, así como los actos que determinan la mentalidad del personaje. El argumento viene a relatar la historia de los diferentes componentes de un pequeño pueblo americano y sus respectivas familias, influenciadas por la corrupción moral y religiosa. Es el poder de la religión y la presencia que tiene en los pequeños pueblos más alejados de las sociedades modernas lo que interfiere en la madurez emocional de los individuos. Al menos esto es lo que vemos de forma general en gran parte de la película. Con una narración en tercera persona y omnisciente, junto a la forma cruda y sórdida de contar los sucesos que acontecen, el ritmo narrativo es eficiente y dedica su tiempo a que la historia transcurra de manera progresiva. “El diablo a todas horas” sorprende por el manejo tan directo y desvergonzado de llevar a sus personajes hacia el dolor y la tragedia, siempre teniendo como recurso la presencia constante del impacto de la corrupción a cualquier esfera socio-comunitaria. Una película que no sorprenderá a demasiados por la condición argumental que se impone desde la adaptación de la novela pero que conmueve y sabe retratar a la perfección la percepción psicológica y emocional que viven los personajes. MUY RECOMENDABLE.

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LA DERNIERE

VIE DE SIMON

La última vida de Simón.

SINOPSIS: Simon es un niño huérfano de 8 años. Su sueño es el de encontrar una familia dispuesta a acogerle. Pero Simon no es un niño como los otros: tiene un poder secreto. Es capaz de adoptar la apariencia de cada persona a la que toque. MUY BUENA. Léo Karmann firma un primer largometraje, sencillo y a la vez sorprendente, construido en tono de realismo mùagico sobre un juego de espejos deformantes de las identidades múltiples. La Dernière Vie de Simon es una película accesible a todos los públicos, donde los temas subyacentes (¿Quiénes somos realmente? ¿Hasta dónde podemos fingir ser otro o proyectarnos en la existencia de otro? ¿Qué hay de los vínculos biológicos de la sangre?, etc.) surgirán para los que desean explorar otra lectura de una película que los más jóvenes apreciarán por lo que aparece en primer lugar: una muy buena historia sobre las peripecias de un superpoder en el mundo real. IMPERDIBLE.

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THE

GLORIAS

Las glorias.

Título original: The Glorias
Año : 2020
Duración : 139 min.: Estados Unidos
Dirección : Julie Taymor
Guión : Sarah Ruhl, Julie Taymor (Libro: Gloria Steinem)
Música : Elliot Goldenthal
Fotografía : Rodrigo Prieto
Reparto : Julianne Moore, Alicia Vikander, Bette Midler, Janelle Monáe, Lulu Wilson, Ryan Kiera Armstrong, Timothy Hutton, Angela Relucio, Olivia Jordan, Olivia Olson, Deetta West, Lorraine Toussaint, Kimberly Norris Guerrero, Victor Slezak, David Shae, Charles Green, Enid Graham, Leah Renee-K, Annika Pampel, Allie McCulloch, Jay Huguley, Kelley Davis, Mo Brings Plenty, Joan McMurtrey, Lynne Ashe, Kimiko Gelman, Bethany DeZelle, Michael Lowry
Productora: June Pictures, Page Fifty-Four Pictures
Género : Drama | Biográfico. Feminismo. Años 60. Años 70

SINOPSIS: Gloria Steinem fue una de las figuras iconicas del movimiento revolucionario por la igualdad, destacando desde su primera experiencia de activismo social entre las mujeres de la India, pasando por su trabajo como periodista en la década de los 60, hasta la histórica Conferencia Nacional de la Mujer de 1977. Así, formó un camino que le permitió escuchar y conectarse profundamente con la gente, entendiendo su contexto y permitiéndole formar parte de un movimiento que cambiaría el mundo. La cinta, basada en las memorias de Gloria Steinem, está dirigida por Julie Taymor (Frida, Across the Universe), y cuenta con un guion escrito por Sarah Ruhl. La actriz que interpretará a la protagonista es Julianne Moore (Gloria, Kingsman: El círculo de oro). MUY BUENA. Está bien si tienes claro lo que vas a ver: una defensa a ultranza del movimiento feminista a través de una de sus más legendarias figuras: Gloria Steinem. No hay dobles lecturas: es una manifestación de las virtudes de esta mujer, narrada de manera eficiente y hasta brillante que nos muestra (como suele pasar en esta clase de obras) una realidad de una sola visión sin ánimo alguno de controversias. Una peli de muy buenos y de muy malos en una visión unívoca y simplista. Pero la peli está muy bien, sobre todo a nivel de producción. Técnicamente es excelente y Julianne Moore disfruta con este papel con el que se luce y que seguro que aplaudirán muchas: tiene fuerza, carisma y todo lo que la película nos hace pensar, en un guion simple y nada rebuscado sobre una realidad muy en boga. Desde este punto de vista, la peli se aprovecha de todo lo que puede para llegar a un gran público y plantearle ideas simples y adoctrinadoras que, estén mal o bien (no nos metemos) convierten a la peli en una cinta “para poner en el cole” y darnos una lección de vida. Eh, insisto: luego tiene sus virtuosismos artísticos y veleidades, pero se quedan ensombrecidas por el mensaje, que parece poseer todas las escenas como un ciclón. MUY RECOMENDABLE.

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CAVALLO

DINHEIRO

Caballo dinero.

SINOPSIS: Resistiendo con fiereza en el barrio lisboeta de Fontainhas, donde lleva más de dos décadas filmando, y flanqueado por Ventura –el caboverdiano de triste figura de Juventud en marcha– Pedro Costa regresa, estableciendo un pasadizo secreto entre la Revolución de los Claveles de 1974 y la actualidad en Lisboa. Mientras los jóvenes toman las calles, la gente de Fontainhas busca a Ventura, perdido en el bosque, en un film de misterioso claroscuro como el de su mente deteriorada, perdida en un sueño febril tras una vida de trabajo duro y pobreza. EXCELENTE. Una de mis recomendadas en el pasado FICCI. Pero obviamente se me olvidó decir o advertir, que el cine de Pedro Costa no es fácil. El conocido como el poeta o maestro de las sombras, tiene la particularidad de ofrecer filmes con un ritmo lento, pausado y totalmente contemplativo entre claroscuros. Lo digo, porque al pasar unos minutos, la gente empezó a salirse cuando veía que la película seguía desarrollándose en un interior, repleto de sombras y miseria… Miseria del flamante protagonista, Ventura, un veterano y antiguo activista de la Juventud en Marcha, que participó en la Revolución de los Claveles en 1974, que se encuentra internado en algún sitio, al parecer un hospital, donde son evidentes los rezagos de las pasadas luchas. Costa nos traslada sin previo aviso entre distintas épocas, desde los recuerdos de Ventura en el pasado, hasta si situación actual en la Lisboa de estos años que corren. Al no hacer cortes que indiquen un previo aviso del cambio de tiempo, el espectador se encontrará confuso… pero eso hacer parte del cine y el estilo de Costa. Pero ya en sí, en mi opinión del filme, creo que es un relato muy interesante, dentro y muy fiel a su estilo, nos sumerge dentro de la mente de ese desahuciado hombre, con escenas como la que tiene en un pequeño espacio, lleno de sombras, y de repente emerge la aparición de un antiguo oficial uniformado. Una imagen brusca y onírica pero al mismo tiempo muy poética. La fotografía como siempre es muy bella, y me parece otro trabajo destacable dentro de la filmografía de Costa, que siempre cuenta las historias a su estilo… un estilo que no siempre es fácil. La sigo recomendando, pero vayan preparados. IMPERDIBLE.

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THE SECRET

WE KEEP

El secreto que guardamos.

Título original: The Secrets We Keep
Año : 2020
Duración : 98 min.: Estados Unidos
Dirección : Yuval Adler
Guión : Yuval Adler, Ryan Covington
Música : John Paesano
Fotografía : Kolja Brandt
Reparto : Joel Kinnaman, Noomi Rapace, Amy Seimetz, Chris Messina, Lucy Faust, Kadrolsha Ona Carole, Victoria Hill, David Maldonado, Jeff Pope, Ritchie Montgomery, Ed Amatrudo, Miluette Nalin, Frank Monteleone, Michael Biss, Angela Abadie
Productora : AGC Studios, Di Bonaventura Pictures, Echo Lake Productions, Fibonacci Films, Kirkhaus Films. Distribuida por Bleecker Street, Kinepolis Film Distribution (KFD), Tohokushinsha Film Corporation (TFC), UGC Distribution, United King Films, Amazon Studios
Género : Drama. Thriller | Secuestros / Desapariciones. Años 50. Venganza. Holocausto

SINOPSIS: En los Estados Unidos post Segunda Guerra Mundial, una mujer (Rapace) intenta reconstruir su vida en los suburbios con su esposo (Messina), y secuestra a su vecino (Kinnaman) en busca de venganza por los atroces crímenes de guerra que cree que cometió contra ella. BUENA. Un thriller forzado aunque muy bien interpretado que toca algunos temas de peso, aunque sin adentrar demaciado en lo histórico pata centrrse en la relación personal y de venganza de sus protagonistas principales. RECOMENDABLE.

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GLORIOUS 39

Glorious 39.

SINOPSIS: En vísperas de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), la vida de Anne Keyes se ve dramática. EXCELENTE .Una soberbia producción inglesa, con una impecable puesta en escena, y buenas actuaciones del elenco. Las tablas y el carisma de Romola Garai juegan su baza en este filme de misterio, que a veces nos trae a la memoria algunas de las buenas películas de Hitchcock. El suspense, tan sutil como letal, va poco a poco subiendo los peldaños hacia el vórtice oscuro de la trama, sabiamente entretejida con el pulso visual de la cinta. Altamente recomendable a los amantes del buen cine. IMPERDIBLE.

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TOMIRIS

La leyenda de Tomiris.

SINOPSIS: Esta es la historia de la vida de la gran reina de la estepa, la legendaria Tomiris. Está destinada a convertirse en una hábil guerrera, sobrevivir a la pérdida de personas cercanas y unir a las tribus escitas / saka bajo su autoridad. MUY BUENA. Los derechos de la mujer y la igualdad ya eran comunes entre los turcos hace años y años y esta película lo muestra. Más allá de esto la gran producción, las actuaciones y la dirección copmfluyen en un gran film que no solo instruye sino que también entretiene. este film es un notable hallazgo en timepos de pandemia. IMPERDIBLE.

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CINE NACIONAL

HASTA QUE

ME DESATES

Hasta que me desates.

SINOPSIS: La película sigue los pasos de dos protagonistas; por un lado, una joven bailarina que, luego de un fatal accidente en el que perdió a su familia, queda sumida en un pozo anímico que la lleva a la autodestrucción, coqueteando con la muerte. Por el otro, un médico que carga con la infamia de alguna mala praxis en su haber. Los caminos entre ellos se cruzan, en el que es el comienzo de una espiral donde la fascinación y la locura se retuercen en una historia de amor pesadillesca. BUENA. Desde su aparición en UPA!, el nombre de Tamae Garateguy fue consolidándose a través de una cuidada estética a la que añade su exploración de los márgenes de la realidad. A veces con mayor fantasía (Mujer Lobo) y otras de manera inversa (Pompeya). El caso de Hasta que me desates presenta de manera conjunta los dos hemisferios creativos de esta realizadora: una historia de ficción pero con un imaginario exacerbado de pulsión sexual y allí un mundo de realidad (la del sadomasoquismo y sus variantes), que existe en la vida cotidiana de quienes buscan placer en el dolor en esos encuentros furtivos. Tal es el caso de la bailarina Clara Dalca, quien tiene destrozado su rostro pero también su interior, y añade en la autodestrucción la experiencia del sadismo y sus derivaciones. Cansada de una vida sin sentido, busca a un médico acusado de mala praxis y que tiene una vida de pareja completamente anodina. La química entre los dos será instantánea y se desarrollará por un andarivel que mezcla los márgenes de realidad y lo reprochable. La sexualidad no convencional y la cuidada estética subyacen en esta película extrema aunque desigual en ciertos giros narrativos y en la calidad de algunas actuaciones. Se destaca la labor de su protagonista, Martina Garello, en quien descansa la construcción de esa mujer salvaje y sin rumbo, en una provocadora mirada casi como un reverso under de las famosas 50 sombras de Grey. RECOMENDABLE.

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EXPIACIÓN

Expiación.

SINOPSIS: En una decadente casa ubicada bajo los días del golpe de Estado de 1976 en Argentina, cuatro enigmáticos personajes deambulan entre habitaciones inundadas y momentos ominosos, los cuales configuran un teatro en el que la muerte, el dolor de la memoria y la nostalgia emergen como elementos desasosegantes para los habitantes de dicho sitio. En su más reciente película, Perrone diseña un universo radical y fantasmagórico que funciona como una suerte de confesionario en donde los protagonistas intentan encontrar la verdad. MUY BUENA. Si hay un cineasta argentino independiente obstinadamente fiel a su propio estilo, ese es Raúl Perrone, quien a lo largo de más de treinta años de trabajo ha hecho de la heterogeneidad un patrón a seguir y desarrollar. Reaparece con una película lúgubre que remite a una época muy oscura de la Argentina (la de la última dictadura militar) sin tropezar con obviedades ni bajadas de línea. Perrone confía en la poesía sonora y visual como recurso para establecer contacto con el espectador. Los cuatro personajes que presenta en Expiación se plantean diversos interrogantes, mientras -como dice uno de ellos- apenas acumulan polvo y cenizas en una vieja casona que podría ser el escenario ideal para una historia de terror. Y efectivamente ese terror flota en el aire, aunque el director mantenga en off cualquier pista concreta de una violencia que amenaza como el peor fantasma. MUY RECOMENDABLE.

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DOCUMENTALES

PERÓN

Y LOS JUDÍOS

Perón y los judíos.

SINOPSIS: Cuando años atrás mis amigos acusaron a mi difunto padre de haber sido en los años 50 "otro judío gorila", refiriéndose a ser reaccionario y antiperonista, me decidí a salir a investigar el supuesto ADN de mi viejo, fallecido en 1983. En este recorrido llegué a amigos de su juventud durante la presidencia de Perón, a historiadores e investigadores y otros testigos en Argentina e Israel, en una búsqueda que es también personal pero que ilumina algo de la grieta que afecta a la sociedad argentina, hasta el día de hoy. EXCELENTE. "¿Mi padre era un gorila?". Esta pregunta lleva al director a emprender una investigación acerca de la relación entre Juan Domingo Perón y la comunidad judía en la Argentina en los años 50 a través de recuerdos, de diálogos con quienes fueron amigos de su padre (fallecido en 1983, con el advenimiento de la democracia) y de un minucioso trabajo de archivo de diarios, revistas y noticieros de la época hasta llegar a nuestros días. Como en sus anteriores documentales (Palos en las ruedas y Disculpas por la demora), el director combina aquí lo personal, lo social y lo histórico, elementos que se entrelazan y permiten vislumbrar la compleja trama de la memoria, de los modos de hacer política en la Argentina, de las propias diferencias en el seno de la comunidad judía en nuestro país y logra tender puentes hasta el presente, relacionando los vaivenes de la opinión pública con fenómenos tremendamente actuales, como la llamada "grieta". El entramado de la historia, filmada en la Argentina y en Israel con indudable calidad, enfrenta algunas preguntas urticantes del pasado, busca siempre la pluralidad y, además, ensaya algunas respuestas a los interrogantes que plantea la compleja relación que da título a la obra. El documental recrea con agudeza ese entramado no demasiado conocido y lo convierte en una serie de episodios de indudable calidad estética y un llamativo retrato de una época del país. IMPERDIBLE.

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REGRESA

EL CEPA

Regresa el Cepa.

SINOPSIS: Hace cuarenta años se rodaba “El crimen de Cuenca” (1979) de la directora Pilar Miró, que será después secuestrada militarmente y su directora procesada. Una película que más tarde se convertirá en uno de los grandes éxitos del cine español y su estreno en un ejemplo de avance de la democracia y de la libertad de expresión. Como en el caso real y en la película, “El Cepa” regresa para contarlo. El actor que interpretó a "El Cepa"en la película de Pilar Miró, Guillermo Montesinos, vuelve a los lugares de rodaje cuarenta años después, los reales del "Caso Grimaldos", para encontrarse con los vecinos. Su visita sirve de hilo conductor del documental en el que serán entrevistados especialistas, juristas, ex responsables institucionales, guionistas, miembros del equipo y actores de la película de Pilar Miró como Mercedes Sampietro o Héctor Alterio. MUY BUENA. Víctor Matellano, el experto en la dirección de documentales y películas de género, es el encargado de este interesante proyecto que nos da a conocer lo que sucedió hace 40 años con la película "El crimen de Cuenca", cuando en los primeros años de la democracia se impidió el estreno de esa película por una censura, y tras un periplo de más de dos años con la lucha personal de los implicados se pudo por fin estrenar en las salas comerciales españolas. El largometraje documental, que se presentó en el pasado festival de cine de Málaga, se inicia con un prólogo en donde Guillermo Montesinos ( el cepa en la película de Pilar Miró ) vuelve a las localidades castellano manchegas en donde se rodó la película, y a partir de allí se mezclan declaraciones de los protagonistas de ese proyecto que todavía están vivos, incluyendo productores, guionistas e intérpretes, y un análisis de lo sucedido de manera cronológica, incluyendo la lectura por una voz en off de algunas declaraciones de la directora. El proyecto sirve para dar a conocer lo sucedido con "El crimen de Cuenca", y animar a su visionado ( reconozco que hasta hace unos días nunca la había visto ) o recuperarla a los que la disfrutaron en su momento. También hay anécdotas importantes sobre el rodaje, y son interesantes los comentarios de los protagonistas, pero se queda corto a la hora de presentar materiales de archivo, y hay muchas más declaraciones que imágenes, y es bastante esquemática. Un largometraje fácil de recomendar ya que es ameno, dinámico y sobre todo informativo e instructivo. MUY RECOMENDABLE.

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CINE CLÁSICO

CICLO: JOYITAS OLVIDADAS (3ra PARTE)

SCARFACE

Scarface, el terror del hampa.

VERSIÓN REMASTERIZADA.

SINOPSIS: Tony Camonte (Paul Muni), un pistolero de origen italiano, ignorante y sin escrúpulos, es el lugarteniente de Johnny Lovo (Osgood Perkins), el hampón más poderoso del South End de Chicago. Ambicioso y cruel, Camonte, que por una cicatriz que le cruza el rostro recibe el apelativo de Cara cortada, elimina poco a poco a los rivales de su jefe hasta que, con la ayuda de su amigo Gino Rinaldo (George Raft), le arrebata el poder también a él y se convierte en el amo de la ciudad. Tras un mes de vacaciones en Florida, descubre que su hermana Cesca (Ann Dvorak), por la que siente un amor confuso y arrebatado, es la amante de Gino. EXCELENTE. Dirigida por Howard Hawks en colaboración con Richard Rosson, es la adaptación al cine de la novela "Scarface" (1930) de Armitage Trail (pseudónimo de Maurice Coons). Se rodó en los United Artists Studios (Hollywood). Producida por Howard Hughes y Howard Hawks, se estrenó el 9-IV-1932. La acción tiene lugar en Chicago entre 1928 y 1930. Narra la historia del ascenso y caída del gángster Tony Camonte (Paul Muni), inmigrante italiano, llegado a EEUU en 1920 con sus padres y su hermana menor. Pasa a formar parte de la banda criminal de Luigi Costillo, que le convierte en su guardaespaldas. Tras asesinarlo friamente, su nuevo jefe, Johnny Lovo (Osgood Perkins) levanta en él enorme envidia por el lujo de su casa y la belleza de su amante, la rubia Poppy (Karen Moley). Después del asesinato de éste y de otros jefes mafiosos, se convierte en el amo de Chicago, hasta que las ansias de dominar a su hermana Francesca (Ann Dvorak) provocan su declive y su perdición. Paradigma del género de gángsters, se sitúa entre las 3 mejores producciones de la época dorada del género (primeros años 30), junto a "Hampa dorada" (1931) y "El enemigo público" (1931). Posiblemente es la mejor de las 3. Contiene numerosos hechos relacionados con la figura de Al Capone, como el sobrenombre "Scarface", la masacre del día de san Valentín (14-II-1929), el asesinato de Big Jim Colosino y otros, pero no es su biopic. Tony dirige una terrible carrera de asesinatos, movido por la ambición de conseguir dinero y poder en la ciudad del crimen y la corrupción, en la que marca un salto cualitativo consistente en el uso de fusiles ametralladores, con capacidad de 300 disparos por minuto. Los antiguos incidentes selectivos se convierten en masacres colectivas, que se ejecutan, con impunidad, desde coches en marcha a la carrera. La obra, de violencia extrema, incluye entre 26 y 28 asesinatos, al amparo de una censura más tolerante que la aplicada a partir de 1934 (Código Hayes). Tony, despreciable y fascinante a la vez, sediento de poder y riqueza y ávido de dominación, guarda similitudes con Macbeth. El compulsivo control que ejerce sobre la hermana contiene atisbos de un amor incestuoso. Fue objeto de un "remake", "El precio del poder" (1983). La música combina jazz, melodías bailables y ambientales de salas de fiesta, con una bonita canción interpretada por una solista. La fotografía, eminentemente expresionista, crea imágenes de gran belleza por composicón y dibujo. Hace uso de soberbios planos secuencia, frecuentes elipsis y escenas fuera de campo, que refuerzan la dimensión trágica del relato. El guión añade a la violencia trazos de humor, negro a veces y macrabro ocasionalmente, soportado en gran parte por la figura del secretario Angelo. La interpretación de Paul Muni es posiblemente la mejor de su carrera. La dirección crea con los recursos precarios de 1931/32 una película culminante. Obra emblemática del cine de gángsters y del cine negro de todos los tiempos. IMPERDIBLE.

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MUERTE

EN ROMA

Rappresaglia.

VERSIÓN REMASTERIZADA.

SINOPSIS: Segunda Guerra Mundial (1939-1945). En la Roma ocupada por los nazis, el coronel Herbert Kappler (Richard Burton), un oficial alemán, se debatirá entre su deber como militar y su amor por Italia cuando sus superiores le ordenen tomar represalias contra la población civil como respuesta a un atentado de los partisanos contra una compañía de las S.S. El Padre Antonelli (Marcello Mastroianni), un experto restaurador de arte, hará lo posible por impedirlo. MUY BUENA. Reconstrucción cinematográfica de 'La masacre de las Fosas Ardeatinas', infame episodio de la Segunda Guerra Mundial perpetrado por las tropas alemanas en suelo italiano, donde 335 civiles murieron asesinados. Un drama bélico bien construido, con dos grandes actores en el centro del reparto, nada menos que Marcello Mastroianni y Richard Burton. No se estrenaría en España hasta después del franquismo, dado su trasfondo sobre las relaciones entre las S.S. y el Vaticano. MUY RECOMENDABLE.

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AGHATA

Aghata.

VERSIÓN REMASTERIZADA.

SINOPSIS: La famosa escritora de novelas policíacas Agatha Christie desapareció de forma misteriosa durante once días en el año 1926. Sobre esta realidad la película desarrolla una historia que comienza con la petición de divorcio que le hace a Agatha Christie (Vanessa Redgrave) a su marido Archibald (Timothy Dalton). Viendo su matrimonio arruinado, Agatha se refugia en un balneario sin dejar sus señas. Todo el país la busca, ya que se trata de un personaje famoso y querido. Al final será un periodista americano (Dustin Hoffman) quien la encuentre y quien la ayude a superar las contrariedades. MUY BUENA. Como bien se indica al principio del metraje, Agatha se basa en el hecho real de la desaparición de la escritora de novelas de misterio Agatha Christie, durante algo mas de una semana, sin que se llegaran a esclarecer los hechos en modo alguno. La versión oficial fue la de una amnesia temporal, si bien, hubo varias teorías al respecto. Esta película se basa en algunas de ellas. Vanessa Redgrave no da ni por asomo la imagen que tenemos que Agatha Christie, y problablemente la película hubiera sido igual de interesante o mas si se hubiera recurrido a los hechos y no a los personajes. Pero Redgrave está fantástica, mostrándose vulnerable y frágil, pero con una intensa determinación, al igual que sucedía en María, reina de Escocia.E igualmente que en esa película, Timothy Dalton también cumple su rol de marido que lleva a la desgracia a la heroína del fime. Eso si, maravillosamente caracterizado. La película recrea de manera mas que notable la época, tanto por la magnífica dirección artística, como por la maravillosa fotografía de Vittorio Storaro, tanto en interiores como en exteriores, muy importante en la recreación visual del ambiente y la luz de las islas británicas. Dustin Hoffman, como acostumbra, está impresionante. Si bien cuenta con el handicap de que la diferencia de altura con Redgrave no está tan bien disimulada como la de Al Pacino y Diane Keaton en El padrino. Sin ser una película sobresaliente, la cuidada producción y varios aciertos narrativos la convierten por lo menos en notable, si bien por momentos parece que el ritmo decrece y se presta mas atención a detalles aparentemente poco interesantes y se pasa por alto algunos otros que podrían tener mas miga. Aun así tanto a nivel visual como narrativo, contiene algunos aciertos que serían dignos de de destacar. Tiene mas miga de lo que parece a simple vista. MUY RECOMENDABLE.

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EL CRIMEN

DE CUENCA

El crimen de Cuenca.

VERSIÓN REMASTERIZADA.

SINOPSIS: En 1913, Gregorio Valero Contreras y León Sánchez Gascón, amigos y vecinos de Osa de La Vega (Cuenca) son detenidos como autores de la muerte de José María Grimaldos López, pastor de oficio y compañero de los anteriores. El pueblo les acusa, incluso la mujer de Gregorio reúne pruebas contra ellos. Los dos hombres confiesan el crimen después de ser sometidos a torturas. Son juzgados en 1918 en la Audiencia Provincial de Cuenca que, tras modificar la petición de pena capital, los condena a dieciocho años de cárcel...EXCELENTE. Esta es una de esas historias que hacen de la filmación casi un éxito seguro. De hecho así se puede comprobar: el producto fílmico de Pilar Miró, a grandes rasgos (salvo la caracterización que sí es bastante buena) es normal, aceptable, pero no un trabajo extraordinario de los de no va más; en cambio, el guión, la historia, lo que se cuenta si que es impactante, sobrecogedor, una narración de las que dejan huella en el alma y ponen los vellos de punta. El filme, deja muy mal a la institución militar española de la "Guardia Civil", sobre todo porque revela cruda y valientemente una de las características por las que la Guardia Civil era tan temida y tan odiada por muchos españoles: su especialización en la tortura (aunque como siempre pasa en todos lados, también estaba compuesta por hombres buenos, por ejemplo el guardia civil noble y humano que cuando le toca su turno de torturar y lo dejan a solas con el detenido, le pide a éste que grite, simulando así que está pegándole correazos, pues no tiene entrañas para realizar una atrocidad de ese tipo). Sea como fuere, viendo esta película, no es extraño cogerle tirria a este estamento armado de la sociedad española. Así lo entendieron las autoridades de cultura y las militares en la España de finales de los años setenta, del s. XX, donde la democracia era aún muy frágil y había signo latentes de ruido de sables y golpismo dentro de los cuarteles, de manera que secuestraron los negativos de la cinta y ésta no pudo verse en las pantallas públicas de los cines hasta el año 1981. Incluso la propia directora Pilar Miró, estuvo semi perseguida por el Poder Castrense bajo la acusación de haber cometido graves ofensas contra la Guardia Civil. La película sin duda es un magnífico testimonio de una historia verídica que debía ser conocida para aprender todos que barbaridades de ese calibre no deben repetirse, y el filme de Pilar Miró lo logró de sobra. Por tanto es una película muy necesaria de contemplar, de las mejores del cine español de todos los tiempos, provoca rabia, lágrimas y grandes sentimientos de todo tipo. El crimen de Cuenca es todo un testimonio universal de como se puede cometer un crimen contra la amistad. IMPERDIBLE.

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FEAR

CITY

Ciudad del Crimen.

VERSIÓN REMASTERIZADA.

SINOPSIS: Después de haber matado a uno de sus contrincantes en el ring, Matt (Tom Berenguer) se retira del boxeo y regenta con su socio Nicky un club de bailarinas de striptease en Nueva York. Cuando dos bailarinas aparecen brutalmente asesinadas, Matt sospecha de Carmine, rival y propietario de varios clubes, pero éste niega cualquier tipo de implicación en el crimen. Mientras tanto, el detective de policía Al Wheeler (Billy Dee Williams), que teme que estalle una guerra entre las bandas, intentará impedirla. Pero los asesinato se suceden y toda parece indicar que la siguiente víctima será Loretta (Melanie Griffith), la primera bailarina del local de Matt. EXCELENTE. Película de Abel Ferrara, temprana en su filmografía pero que ya contiene los ingredientes clásicos del autor: pecado, contrición y redención salpicados con buenas dosis de violencia y erotismo. El título del comentario sobre esta película sería útil para la mayoría de su filmografía. Y es que encontramos aquí situaciones habituales en el cine de Ferrara: un retrato de los bajos fondos como casi nadie sabe hacer, antihéroes o personajes de dudosa reputación pero con ciertos remordimientos, catolicismo, mafia, erotismo, violencia... y momentos un tanto disparatados. La película podría ser la historia del enfrentamiento entre gente de los bajos fondos y la policía, dado que el protagonista está encargado de gestionar junto a un socio un negocio de chicas de baile en clubes de mala muerte, pero pronto entra en juego un asesino en serie empeñado en liquidar a estas chicas y por tanto fastidiar el negocio del protagonista, lo cual aumentaría peligrosamente la tensión entre los sectores más turbios de la población nocturna de esta ciudad. Para muchos espectadores el personaje del asesino puede resultar disparatado, pero a mí me hace muchísima gracia. Es algo con lo que sabes que tienes que lidiar en el cine de Abel Ferrara. Situaciones o desarrollos aparentemente incomprensibles que pueden parecer ridículos. En mi caso el efecto generado no es ese, desde luego. Además, el aspecto de esa ciudad por la noche, con esas calles repletas de tugurios lamentables, gente extraña, luces de neón... a mí la verdad es que me encanta. IMPERDIBLE.

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SERIES Y MINISERIES

Del universo de Jason Bourne

TREADSTONE

MINISERIE COMPLETA

10 EPISODIOS

4 DISCOS.

Título original: Treadstone (TV Series)
Año : 2019
Duración : 440 min.: Estados Unidos
Dirección : Tim Kring (Creador), Ramin Bahrani
Guión : Brandon Guercio, Tim Kring, Robert Ludlum, Marc Bernardin (Novelas: Robert Ludlum)
Música : Jordan Gagne
Fotografía : Thomas Kloss, Paolo Carnera
Reparto : Brian J. Smith, Jeremy Irvine, Michelle Forbes, Omar Metwally, Tracy Ifeachor, Han Hyo-joo, Gabrielle Scharnitzky, Michael Gaston, Shruti Haasan, Emilia Schüle, Patrick Fugit, Tess Haubrich, Donald Sage Mackay, David Michaels, Martin Umbach, Emmett J Scanlan, Dylan Smith, Oliver Walker, Jamie Andrew Cutler, Georgie Farmer, Martin Goeres, Set Sjöstrand, Emma Bercovici, Joe Corrigall, Judit Fekete, Karen Gagnon, Roderick Hill, Julian Kostov, Tzi Ma, Yekaterina Medvedeva, Gyula Mesterházy, Peter Schueller, Alexandra Szucs, Paul Thornley, Daniel Weyman
Productora : Captivate Entertainment, Imperative Entertainment, Pioneer Stilking Films. Distribuida por USA Network
Género : Miniserie de TV. Acción. Thriller | Espionaje
Grupos : Saga Bourne

SINOPSIS: Treadstone era un programa de alto secreto de operaciones encubiertas que utilizaba diferentes formas de modificación del comportamiento humano y un entrenamiento extremo para convertir a los reclutas en armas casi sobrehumanas. Treadstone se creó como respuesta a una Ley del Congreso que prohibió los asesinatos, y se cerró oficialmente después de que Jason Bourne lo pusiera al descubierto. La serie comienza cuando la CIA se entera de que alguien está "despertando" a estos agentes en diferentes partes del mundo que formaban parte de un programa de Treadstone llamado "Cicada". MUY BUENA. Spin-Off de la saga Bourne y una muy entretenida miniserie de acción y espionaje que no solo sabe como satisfacer a los amantes del género, sino que glorifica el universo en el cual se basa. IMPERDIBLE.

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SCHITT´S

CREEK

SEASON 3

GANADORA DE 7 PREMIOS EMMY 2020

INCLUYENDO

MEJOR SERIE COMEDIA DE TV

MEJOR ACTOR (E. Levy)

MEJOR ACTRIZ (C. O´Hara)

DISPONIBLES LAS TEMPORADAS 1 Y 2

TEMPORADAS COMPLETAS

13 EPISODIOS

4 DISCOS

SINOPSIS: 6 temporadas. Schitt$ Creek es una comedia familiar que gira en torno a los Rose. Cuando Johnny Rose (Eugene Levy), el magnate de la tienda de vídeos pierde todo su dinero, su esposa, la estrella de telenovelas Moira (Catherine O'Hara), y sus dos hijos, el inconformista David (Dan Levy) y la pija Alexis, deben romper con su lujoso estilo de vida. De esta manera, la familia se ve obligada a abandonar sus vidas para reagruparse y reconstruir su imperio desde dentro de los límites de una ciudad rural donde se encuentra su único activo, la cala de Schitt que una vez compraron como una broma. EXCELENTE. Cuenta con momentos desternillantes que hacía mucho no disfrutaba y aun así también ha tenido la capacidad de emocionarme y hacerme llorar en varias ocasiones.Los personajes,magníficamente interpretados por un gran reparto (todos,incluso los más secundarios están geniales). Es difícil encontrar una serie tan divertida y que atrape tanto. Con poco más de veinte minutos por capítulo se hace francamente corta, dejándote siempre con ganas de más. IMPERDIBLE.

2020 : Emmy: 7 premios incl. mejor serie comedia, actor (Levy) y actriz (O'Hara)

2019 : Emmys: 3 nominaciones, incluyendo Mejor serie comedia y Mejor actor (Levy)

2019 : Critics Choice Awards: 5 nominaciones incluyendo mejor serie comedia

2018 : Critics Choice Awards: Nominada a mejor serie comedia

2019 : Satellite Awards: Nominada a mejor actor (Eugene Levy) y actriz (O'Hara)

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THE BOYS

SEASON 2

DISPONIBLE LA TEMPORADA 1

TEMPORADA COMPLETA

8 EPISODIOS

3 DISCOS.

Título original: The Boys (TV Series)
Año : 2019-2020
Duración : 480 min.: Estados Unidos
Dirección : Evan Goldberg (Creador), Seth Rogen (Creador), Eric Kripke (Creador), Dan Trachtenberg, Jennifer Phang, Philip Sgriccia, Daniel Attias, Stefan Schwartz, Fred Toye, Matt Shakman
Guión : Eric Kripke, Anne Cofell Saunders, Ellie Monahan, Evan Goldberg, Phil Hay, Matt Manfredi, Garth Ennis, Seth Rogen, Craig Rosenberg, Rebecca Sonnenshine, Geoff Aull, George Mastras (Cómic: Garth Ennis, Darick Robertson)
Música : Christopher Lennertz
Fotografía : Jeremy Benning, Dylan Macleod, Evans Brown, Jeff Cutter, Dan Stoloff
Reparto : Karl Urban, Jack Quaid, Antony Starr, Erin Moriarty, Elisabeth Shue, Laz Alonso, Tomer Kapon, Chace Crawford, Jessie T. Usher, Dominique McElligott, Simon Pegg, Jennifer Esposito, Colby Minifie, Jess Salgueiro, Brittany Allen, Bruce Novakowski, Sarah Camacho, Jaiden Cannatelli, Brittany Drisdelle, Karen Fukuhara, Haley Joel Osment, Aya Cash, Alanna LeVierge, Nathan Mitchell, Jim Pagiamtzis, Lovina Yavari, Jhonattan Ardila, Christian Bako, Abraham D. Juste, Stephannie Hawkins, Andrea Houssin, Akiel Julien, Aniko Kaszas, Anna Khaja, Callum Shoniker, Giancarlo Esposito
Productora : Amazon Studios, Original Film, Point Grey Pictures, Sony Pictures Television. Productor: Evan Goldberg, Seth Rogen. Distribuida por Amazon Studios
Género : Serie de TV. Fantástico. Acción. Drama. Comedia | Superhéroes. Comedia negra

SINOPSIS: La serie tiene lugar en un mundo en el que los superhéroes representan el lado oscuro de la celebridad y la fama. Un grupo de vigilantes que se hacen llamar "The Boys" decide hacer todo lo posible por frenar a los superhéroes que están perjudicando a la sociedad, independientemente de los riesgos que ello conlleva. EXCELENTE. Acostumbrados como estamos a una saturación de superhéroes que ha convertido las sagas en franquicias y las franquicias en fases, con todo tipo de reboots, precuelas, secuelas y spin-offs, es normal que la enésima propuesta que nos llega, esta vez de la mano de Amazon Prime Video, produzca más bien pereza. Acostumbrados como estamos a que las adaptaciones para televisión sean más bien modestas, por no decir funestas, todavía se entiende más el posible hastío hacia un género que parece mostrar síntomas de agotamiento, aunque las cifras de recaudación nos digan más bien lo contrario. The Boys, esta vez sí, supone una apuesta alternativa y arriesgada. No del tipo Deadpool, o Guardianes de la galaxia, o Escuadrón suicida, o de tantas otras variantes que Marvel y DC se han sacado de la manga para expandir sus universos. La adaptación del cómic de Garth Ennis y Darick Robertson por fin supone un soplo de aire fresco, ya que se adentra en un terreno hasta ahora desconocido, con una capacidad de sorpresa y un espíritu crítico que la alejan por completo de toda la oferta previa. De entrada, The boys ofrece tantas lecturas que cada espectador podrá quedarse con la que mejor le convenga. Los amantes de la acción se encontrarán, en el primer episodio, con un par de escenas dignas de las mejores superproducciones. La muerte inicial y la lucha con un superhéroe invisible demuestran que Amazon no ha escatimado recursos en un producto que parecía pertenecer a la serie B. Para los que busquen algo más que el despliegue técnico, la serie les reserva una sucesión de giros de guion que oscilan entre la irreverencia y la crítica despiadada hacia los abusos de poder. Porque en The boys los superhéroes son productos pervertidos por la maquinaria económica, instrumentos en manos de las grandes corporaciones para proporcionar al mundo una sensación de falsa seguridad, mientras en la trastienda se esconde todo un entramado de perversión y falsa moral. La mirada más desesperanzada sobre una sociedad desencantada y necesitada de ídolos a los que aferrarse. En ese punto de vista pesimista y amoral es donde reside la fortaleza de The boys, que convierte a unos superhéroes fácilmente identificables con las factorías Marvel y DC en antagonistas de las personas de carne y hueso, las auténticas heroínas que luchan por desenmascarar un status quo basado en la corrupción. Los paralelismos con el mundo actual, con referencias también a los abusos sexuales, son tan evidentes que la convierten en una serie necesaria, además de entretenida. Producto perfecto para aquellos que reniegan del género superheroico, precisamente porque les ayudará a reafirmar su postura. IMPERDIBLE.

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sábado, 10 de octubre de 2020

ESTRENOS DEL MIÉRCOLES 14/10/2020

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