DIGITAL MOVIES: ESTRENOS DEL JUEVES 14/4/2021

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ESTRENOS

DE LA SEMANA

RIFKIN´S

FESTIVAL

Rifkin's Festival .

Título original: Rifkin's Festival
Año: 2020
Duración: 92 min.: Estados Unidos
Dirección: Woody Allen
Guión: Woody Allen
Música: Stephane Wrembel
Fotografía: Vittorio Storaro
Reparto: Wallace Shawn, Gina Gershon, Elena Anaya, Louis Garrel, Christoph Waltz, Sergi López, Richard Kind, Nathalie Poza, Douglas McGrath, Steve Guttenberg, Enrique Arce, Tammy Blanchard, Damian Chapa, Georgina Amorós, Yan Tual, Bobby Slayton, Andrea Trepat, Ben Temple, Luz Cipriota, Karina Kolokolchykova, Elena Sanz, Carmen Salta, Manu Fullola, Isabel García Lorca, Ken Appledorn, Rick Zingale, Godeliv Van den Brandt, Natalia Dicenta, Stephanie Figueira, Nick Devlin, Yuri D. Brown, John Sehil
Productora: Co-production Estados Unidos-España-Italia; Gravier Productions, Mediapro, Wildside
Género: Comedia. Romance. Drama | Cine dentro del cine. Comedia romántica

SINOPSIS: Narra la historia de un matrimonio estadounidense que acude al Festival de San Sebastián. La pareja queda prendada de la ciudad, así como de la belleza y encanto de España y la fantasía del mundo del cine. Ella tiene un affaire con un aclamado director de cine francés y él se enamora de una bella médico española residente en la ciudad. MUY BUENA. Ya es un lugar común comentar que Woody Allen ha perdido ingenio, no tiene ideas para nuevas historias y rueda por no quedarse en casa. Y es cierto que en los últimos años sus películas no están a la altura de su mejor cine y que probablemente —tras cuarenta y tantas cintas— ya ha dicho todo lo que tenía que decir. Pero ya quisieran muchos lograr la empatía con el espectador con la agilidad, gracia y fascinación del cineasta de Brooklyn; y seguir haciéndolo a sus 85 años. Rifkin’s Festival no va a convencer a los desafectos, pero tampoco defrauda a los espectadores que apreciamos el sentido de la vida que Allen reitera, con su peculiar humor, en cada título. Se trata de una de sus películas más cinéfilas, tanto por el protagonista profesor de cine y por las citas de autores y filmes de culto como por el marco espaciotemporal en que transcurre toda la historia, que no es otro que una edición del Festival de San Sebastián. Las películas y, sobre todo, los rincones y paisajes de la ciudad permiten a los personajes unos días de ensueño; el propio cineasta explica su pretensión: «Quiero presentar al mundo mi visión de San Sebastián que, para mí, es la visión del Paraíso». La belleza de la ciudad, la aventura amorosa y la memoria de buenas películas logran esa visión. Sin embargo, no se trata de una cinefilia compulsiva y acrítica, pues en la presentación de las conversaciones y en la rueda de prensa se muestran la superficialidad y el postureo que dominan ese mundo de los festivales. El protagonista Mort Rifkin —alter ego de Woody— tiene como enemigo a un director pedante y como amiga a una médica; y su amor al cine es indisociable de su propia vida, de manera que sus sueños / pesadillas adoptan las variaciones de secuencias de Orson Welles (Ciudadano Kane), Federico Fellini (Ocho y medio), François Truffaut (Jules et Jim), Luis Buñuel (El ángel exterminador), Jean-Luc Godard (Al final de la escapada) o Ingmar Bergman (Persona, El séptimo sello), que le permiten pensar en lo que de verdad importa, en el amor y la muerte, en el sentido de la vida. Estas citas-homenajes no están sobrepuestas al relato con artificio, sino que se engarzan de forma muy natural, como breves y enjundiosos apuntes. Como no podía ser de otro modo, a estas graves cuestiones se suman las obsesiones y constantes de todo el cine de Woody Allen, como el misterio o fascinación por las mujeres (presente en toda la historia y condensado en el personaje de Elena Anaya), la religión —ahora con más referencias al catolicismo— y el sexo, con menor intensidad. Todo el filme se presenta como la conversación de Rifkin con su psicoanalista, a quien cuenta su estancia en San Sebastián, la infidelidad de su esposa y la atracción que ha sentido por la médica española. Y esa conversación, como la propia película, termina con preguntas sin resolver. Por ello, Allen vuelve sobre estos temas con una insistencia enfermiza. Esos mismos asuntos y su propia concepción del cine están presentes en la autobiografía A propósito de nada, cuya lectura complementa muy bien esta película. Probablemente porque ambos tienen cierto tono de recopilación de toda una vida y cierto talante otoñal, de mirada condescendiente y comprensiva ante cualquier conflicto o esas preguntas que siguen inquietando. La fotografía de Vittorio Storaro refuerza la belleza natural de las localizaciones —la película es “bonita” y a ratos está a un punto de la postal— y se vale de luces de atardeceres con tonos ocres y anaranjados para subrayar el clima cálido y crepuscular que tiene la historia y los personajes. MUY RECOMENDABLE.

2020: Festival de San Sebastián: Sección oficial (fuera de concurso)

2020: Premios Feroz: Mejor cartel.

TRAILER

MON

COUSIN

Mi Primo.

SINOPSIS: Pierre (Vincent Lindon) es el consejero delegado de un gran grupo familiar. Cuando está a punto de firmar el trato del siglo, debe resolver una última formalidad: lograr la firma de su primo Adrien (François Damiens) quien posee el 50% de la empresa. Éste es un soñador idealista algo gafe que, sin embargo, está muy feliz de reencontrarse con Pierre y solo quiere pasar tiempo con él y retrasar la firma. Pierre no tendrá otra elección que embarcarse con su primo en un turbulento viaje de negocios donde su paciencia será seriamente puesta a prueba. MUY BUENA. El cine francés se enorgullece de su comedia, muy personalizada y que suele alejarse de las características típicas de la más extendida comedia hollywoodense. Con distintos niveles, Mi primo (Mon cousin) hace gala de todas las variantes de comedia francesa pareciendo, al final, casi un homenaje al género. Con aires de vodevil, mantiene un equilibrio estupendo entre la sátira frívola y el humor sencillo de situaciones disparatadas encadenadas. Una combinación que recuerda a éxitos como La cena de los idiotas, de 1998. La crítica desde el cinismo, además, no podía faltar. Se fusionan así momentos disparatados con escenas más intensas y de clara crítica no solo a la sociedad como conjunto, si no al ser humano como individuo. Llevado con mucha inteligencia, el espectador recorrerá este camino llevándose como obsequio una moraleja que, si bien no es nada nuevo, sí es un epicentro idóneo para rodear a ambos protagonistas. La fórmula también es muy habitual: dos personajes muy antagónicos el uno del otro que, por circunstancias de la vida, se ven obligados a congeniar. Esto lo hemos visto en todo tipo de comedias, desde la también francesa La Cabra de 1981 o la americana Los gemelos golpean dos veces. Hollywood, en realidad, se lucró hasta el exceso con esta fórmula (Arma letal, 48 horas más, un sinfín de películas de Jackie Chan…). Podemos decir que, pese a ser un punto de partida muy utilizado, sigue funcionando a la perfección si se sabe manejar, como Jan Kounen ha conseguido con Mi primo (Mon cousin). Para ello es esencial que ambos personajes combinen equilibrando los excesos de uno y otro. La química entre ellos es crucial si no queremos un producto incómodo y poco creíble. Esto lo consiguen sus dos protagonistas, los actores Vincent Lindon y François Damiens. Ambos actores consagrados, su fuerza interpretativa es palpable en cada escena, formando un tándem estupendo y repleto de guiños al espectador. Su trabajo es sólido y, a fin de cuentas, lo que mantiene el valor de esta comedia intacto. Aunque el espectador disfrutará de pocas sorpresas a lo largo de Mi primo (Mon cousin), saldrá del visionado más que satisfecho. Jan Kounen nos demuestra que no es necesario romper los moldes habituales para ofrecer un largometraje fresco y original. Es más, ya terminada, recordaremos algunas escenas magníficas como la ocurrida en el avión. La montaña rusa entre comedia, romanticismo y el pequeño toque de drama familiar y personal, rozarán el corazón del espectador sin darse cuenta, entre carcajada y carcajada. Jan Kounen se ha esforzado, no solo por homenajear a los grandes de la comedia francesa como Yves Robert, sino por dejar, quizás algo escondida por miedo a desbocarla, su propia huella personal. El resultado en una mezcla de risas cínicas, carcajadas simplonas, moralejas crudas con las que juzgarnos a nosotros mismos y ternuras demasiado intensas. Si el espectador se cierra en banda ante semejante mezcla cuando vino solo a reír un rato, se perderá una parte importante de la cinta. Sin embargo, eso no evitará que disfrute de lo que vino a ver. MUY RECOMENDABLE.

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THE

DRY

La Sequía.

SINOPSIS: Aaron Falk, investigador de delitos financieros, quien regresa a su ciudad natal, Kiewarra, pequeña comunidad al sureste de Australia, para asistir al funeral de un amigo de la infancia que cometió un acto horrible debido a la larga sequía que ha afectado a la comunidad. EXCELENTE.Una ciudad de campo con muchos secretos y un policía de ciudad con un pasado turbulento son los ingredientes de una apasionante historia dirigida por Robert Connolly. Bana ancla maravillosamente bien el drama inteligentemente escrito. Imbuyendo su carácter acerado y sensato con la cantidad justa de inseguridad e introspección, Bana asegura que el público estará pegado a todo lo que Aaron Falk hace y dice. Un reparto uniformemente espléndido incluye a James Frecheville ("Animal Kingdom") como el evasivo joven agricultor Jamie Sullivan, y al actor australiano convertido en director John Polson (en la pantalla por primera vez desde "Mission: Impossible 2") como el director de la escuela Scott Whitlam. Al igual que con la novela de Harper, la naturaleza contradictoria de los australianos que abrazan visiones románticas de su vasto continente mientras mantienen profundos temores de su interior seco nunca está lejos de la superficie aquí. El director de fotografía Stefan Duscio ("El hombre invisible") captura este conflicto con imágenes en pantalla panorámica del árido presente marrón de Kiewarra y su exuberante pasado verde. La decadente fortuna de la ciudad y el peso sobre los hombros de Aaron se visualizan de manera memorable en escenas de él caminando en el lecho seco y cavernoso del otrora magnífico río en el que nadaba alegremente cuando era joven con Luke, Gretchen y Ellie. La tierra estéril que rodea a una ciudad australiana asolada por la sequía proporciona un terreno fértil para el misterio, el suspenso y el drama emocional impactante en "The Dry". Esta apasionante adaptación del bestseller internacional de Jane Harper está protagonizada por Eric Bana como un detective de la ciudad cuya investigación de un aparente asesinato-suicidio en su ciudad natal despierta nuevas sospechas sobre su participación en una misteriosa muerte que ha perseguido a la comunidad durante dos décadas. Dirigida por expertos y coescrita por el respetado cineasta Robert Connolly ("Balibo", "Paper Planes"), "The Dry" tiene toda la intriga de los personajes, ingeniosos giros en la trama y pistas falsas para que los espectadores sigan adivinando. IMPERDIBLE.

TRAILER

THE

POWER

El Poder.

SINOPSIS: En 1973, una joven enfermera se ve obligada a realizar el turno de noche de un hospital en ruinas justo cuando una huelga de mineros provoca cortes de luz por todo el país. Dentro de las paredes del hospital se esconde una aterradora presencia que amenaza con consumir a la joven y a todo aquel que se encuentre cerca de ella. MUY BUENA. El debut como directora de Corinna Faith utiliza una configuración ingeniosa para ofrecer un thriller profundamente inquietante, con la estrella Rose Williams presentando una actuación reveladora. A medida que "The Power" aumenta los escalofríos, insinúa tanto una mitología más profunda como preocupaciones más amplias en juego, pero sobre todo, da miedo. Faith aprovecha al máximo las habitaciones oscuras y los susurros espeluznantes, y toda esa tensión es ayudada inconmensurablemente por una actuación transformadora de Williams, mientras su Val se desenreda lentamente en el transcurso de la noche. (La actriz tiene una escena de posesión que contorsiona el cuerpo que haría que incluso los dedos de los pies de Linda Blair se doblaran). El trabajo de Williams le permite a Faith dar grandes saltos, anclando la película a través de giros y vueltas inesperados, sangre deslumbrante y una serie de revelaciones. que sumergen la película en su mitología en ocasiones complicada. "The Power" se basa en elementos sutiles, pero los saltos más ambiciosos del director son igual de electrizantes. Williams, que puede ser mejor conocida como la estrella de "Sandition" de Masterpiece Theatre, es reveladora aquí, y mantiene todo junto durante sus impactantes minutos finales. Ella, y el final ganado de la película, dejan una carga emocional que pica a través de los escalofríos, un vistazo a la oscuridad que nunca puede pasar desapercibida, una luz que nunca se puede volver a encender. MUY RECOMENDABLE.

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ENRICO PIAGGIO

UN SOGNO ITALIANO

Enrico Piaggio: Vespa Un sueño Italiano.

SINOPSIS: Pontedera, 1945. La fábrica de Enrico Piaggio está en ruinas. Piaggio siente la enorme responsabilidad que pesa sobre sus hombros: la vida de muchas familias depende de su capacidad para crear nuevos puestos de trabajo. Un proyecto, un sueño comienza a formarse en su mente: crear un medio de transporte pequeño, ágil y económico, capaz de relanzar la movilidad y dar impulso a la recuperación. El camino hacia la afirmación, para Piaggio y para su creación, está plagado de obstáculos. Un financista ávido, Rocchi Battaglia, utiliza todos los medios para hacerse cargo de la fábrica. Piaggio comprende que su scooter puede y debe convertirse en "el ícono del renacimiento" y así, cuando se entera de que el director estadounidense William Wyler rodará la película Vacaciones en Roma en Italia, envía a Suso, un joven y talentoso empleado de la oficina de publicidad. , para tomar contacto con él para convencerlo de hacer de la Vespa el "carruaje de Cenicienta" en el que viajarán las dos jóvenes y amorosas protagonistas. MUY BUENA. Muy grata reconstrucción, ambientación fiel a los años 50 y buenos actores hacen de esta película un genial e interesante documento del nacimiento de la mítica "avispa". MUY RECOMENDABLE.

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D A N Y K A

Danyka.

VERSIÓN CON SUBTÍTULOS EN ESPAÑOL.

SINOPSIS: Danyka (antes conocida como Mar de fondo) es la cuarta película del cineasta australiano afincado en México, Michael Rowe. Cuenta la historia de Armando, un escritor en sus cincuentas que va junto con Tere, su esposa, a casa de una pareja de amigos en la costa de Sinaloa. Entre las pláticas para ponerse al día, ellos se separan de sus mujeres para tumbarse frente al mar. En ese lugar conoce a una adolescente de espíritu libre llamada Danyka –amiga de la hija de sus anfitriones– con la que comienza una plática que durará algunas horas y en las que pareciera haber un velado flirtreo. Esa tarde sirve para cada uno de los dos revele situaciones personales de cada uno aunque la diferencia de edad se ira imponiendo al reflexionar sobre la juventud, la familia, sus relaciones y la forma de ver el mundo. El título es una analogía del fenómeno natural en donde la marea sale de los límites comunes para arrasar con el espacio de tierra en una playa. MUY BUENA. Danyka, cuarto largometraje del ya naturalizado mexicano Michael Rowe (Manto acuífero, 2013; Early Winter, 2015), es, de nueva cuenta, una exploración de la sensualidad femenina, aunque esta vez se trata de una adolescente de 16 años, Danyka (Sasha González), y de los efectos que su desenfado sexual y su espíritu libre provocan en el equilibrio emocional de Armando (Demián Bichir), un hombre cercano a los 50 años. La primera gran diferencia de esta cinta con Año bisiesto es el desplazamiento de la acción desde un ámbito urbano y las estrecheces del modesto apartamento en que se ofician los rituales eróticos, hacia el espacio abierto y luminoso de un club de playa, Villa del Mar, en la costa sinaloense. Hasta ese lugar llegan Armando y su esposa Tere (Lisa Owen), para visitar a otra pareja conyugal, Neto (Marco Treviño) y Chayo (Claudia Ríos), para alejarse por un tiempo de las rutinas laborales y las incomodidades de una Ciudad de México irremediablemente caótica. Para los cuatro personajes maduros ese paraíso en la playa es un refugio perfecto, un lugar ideal para esperar el fin del mundo. Pero sin que de modo alguno se avizore una catástrofe semejante, lo que sí se produce en Armando es un cataclismo menor y silencioso, marcado por la irrupción fugaz en su existencia de Danyka, amiga de juegos de la hija menor de la pareja de anfitriones, quien de modo inusual e inesperado (dada la diferencia de edades), se volverá su interlocutora privilegiada y también su muy ilícito objeto de deseo. Danyka, confirma el talento de un director que no evita temas difíciles, como la existencia de pulsiones que pueden no ser constructivas, pero tampoco desaparecen al ser ignoradas. IMPERDIBLE.

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EVERY BREATH

YOU TAKE

Cada respiro que tomas.

SINOPSIS: Tres años después de la muerte de su hijo, Phillip (Casey Affleck), un psiquiatra que investiga nuevas formas de ayudar a sus pacientes, y Grace (Michelle Monaghan), una agente de bienes raíces, lo están haciendo a su manera. Phillip se sumerge de cabeza en su trabajo mientras se aleja de su familia (hasta el punto de la frustración), Grace intenta mantener la normalidad y el equilibrio, y su hija Lucy (India Eisley) es expulsada de la escuela. Su vida cambia completamente después de que la paciente de Phillip, Daphne, muere en lo que parece un suicidio. Cuando su hermano James Flagg (Sam Claflin), un autor, es bienvenido en el hogar y la vida de Phillip, las cosas toman un giro extraño y peligroso. BUENA. Cada respiro que tomas tiene muchas ideas que, por separado, podrían haber funcionado. Desafortunadamente, la película, aunque cohesiva, nunca está a la altura del potencial de la historia que establece al principio. Los thrillers psicológicos son interesantes cuando realmente exploran la interioridad de sus personajes, pero Cada respiro que tomas apenas pasa de la superficie de los temas o historias de fondo que presenta. Se centra en la creciente tensión, pero habría sido más satisfactorio si Stein y Murray se hubieran demorado más en los personajes. A medida que la trama se vuelve más tediosa, la película flaquea en su capacidad de reunir todo. Los giros y vueltas solo pueden hacer mucho. RECOMENDABLE.

TRAILER

PEQUEÑOS

SECRETOS

The Little things.

(EN CINES)

SINOPSIS: Deke, un sheriff adjunto del condado de Kern, California, se empareja con Baxter, un sheriff de Los Ángeles para atrapar a un asesino en serie. La capacidad de Deke para darse cuenta de las "pequeñas cosas" es inquietantemente precisa, pero su disposición a eludir las reglas envuelve a Baxter en un dilema desgarrador. Mientras, Debe debe enfrentarse a un oscuro secreto de su pasado. Little Things es un thriller sobre crímenes, dirigido por John Lee Hancock (El novato, Un sueño posible) con un reparto encabezado por Denzel Washington (Fences, El vuelo), Rami Malek (Bohemian Rhapsody, Mr. Robot), y Jared Leto (Escuadrón suicida, Dallas Buyers Club). MUY BUENA. Los pequeños detalles son los que pueden dejar en evidencia lo que te esfuerzas en ocultar. Un pequeño detalle puede ser la leve fisura que se engradezca y exponga la película con la que habías tejido una apariencia, como conveniente narrativa, que no posibilitara que se percibiera cómo eres o qué has hecho. En Más allá de la duda (1956), de Fritz Lang, el protagonista revela que es el asesino, de modo inconsciente, cuando alude a alguien por su nombre real, en vez de su nombre artístico, por el que era conocida. Evidenciaba, de ese modo, que la conocía. Un nombre real puede ser un pequeño detalle que exponga realmente cómo eres o qué has hecho. Pero otros pequeños detalles son los que determinan que cometas un error cuando te domina la intemperancia o tus nervios te superan. Un mero gesto, un dedo que pulsa un gatillo, una reacción exasperada, y cruzas un umbral que solo podrá ser maquillado con el autoengaño, como una pinza que sostiene un vacío. Esos pequeños detalles son a los que alude Pequeños detalles (The Little things, 2021), de John Lee Hancock. El sheriff del condado Deacon (Denzel Washington) señala que los pequeños detalles son a los que hay que estar atentos porque son los que desvelan al infractor. Esos detalles que escapan al control, siempre hay una pequeña fuga. Se lo dice al detective Baxter (Rami Malek), al cargo de la investigación de un crimen, que parece es otro más cometido por un asesino en serie. La realidad puede ser esquiva, como una pantalla que obstaculiza el discernimiento, pero también la mirada puede ofuscarse. Y las buenas intenciones tornarse obsesiones que pueden generar catástrofes. La realidad está constituida por sombras, pero también por luces que ciegan. Se ha hablado de que Pequeños detalles parece una película fuera de su tiempo, un tipo de producción más bien de los 90. Desafortunadamente, no un tipo de producción que se haya privilegiado en la última década en los Estudios hollywoodienses. Su lugar parecía ya ser el televisivo. Como la excepcional serie Mindhunter (2017-19), creada por Joe Penhall, aunque David Fincher sea su inspiración creativa. Precisamente, se ha traído a colación, con respecto a Pequeños detalles, la seminal Seven (1995), de David Fincher, una de esas obras que han marcado un antes y un después en la Historia del cine, y que aún sigue siendo uno de los más certeros reflejos de nuestro tiempo (de nuestra civilización). Una plantilla: dos polícías, uno veterano y uno joven, y un asesino en serie. De hecho, Hancock escribió el guion por aquel entonces, poco después del que desarrolló para Un mundo perfecto (1993), de Clint Eastwood. Se lo propuso a Spielberg, pero a éste le pareció demasiado oscuro. El estilo de Pequeños detalles no tiene mucho que ver con la atmósfera perturbadora de Seven, sino con el estilo más bien templado de Eastwood, como ya evidenciaba, también, en su obra previa, la también notable Emboscada mortal (2019). Una distancia templada modulada por la magnífica banda sonora de Thomas Newman, que conduce, emocionalmente, la narración como si fuera su médula espinal. Los pequeños detalles sintoniza más con Zodiac (2008), de nuevo, no en estilo, pero si enfoque. El desarrollo narrativo de Zodiac derivaba, o se enturbiaba, en la obsesión del periodista que encarnaba Jake Gyllenhaal. Necesitaba dotar de rostro a un asesino escurridizo, una fisura en la realidad que quemaba la película sobre la que se sostiene la ilusión de realidad (la rutina de continuidad). El asesino podía ser cualquiera, la muerte podía irrumpir en cualquier momento (un cliente en un taxi, una figura en un descampado cuando retozas plácidamente con tu pareja): la realidad quedaba expuesta como un desazonador sumidero de posibles, como si las purulencias fueran componente consustancial. No hay manera de controlar la (película de la) realidad. No cuentes el final. IMPERDIBLE.

2020: Globos de Oro: Nominada a mejor actor secundario (Jared Leto)

2020: 2020: Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor actor secundario (Leto)

TRAILER

PINOCHIO

Pinocho.

(EN CINES)

2 Nominaciones a los premios
Oscar 2021.
INCLUYENDO

Mejor Diseño de Vestuario.
Mejor Maquillaje.

Título original: Pinocchio
Año: 2019
Duración: 125 min.
Italia
Dirección: Matteo Garrone
Guión: Matteo Garrone, Massimo Ceccherini (Cuento: Carlo Collodi)
Música: Dario Marianelli
Fotografía: Nicolai Brüel
Reparto: Federico Ielapi, Roberto Benigni, Gigi Proietti, Rocco Papaleo, Massimo Ceccherini, Marine Vacth, Paolo Graziosi, Marcello Fonte, Teco Celio, Davide Marotta, Gianfranco Gallo, Massimiliano Gallo, Alida Baldari Calabria, Maurizio Lombardi, Alessio Di Domenicantonio, Nino Scardina, Maria Pia Timo, Enzo Vetrano
Productora: Coproducción Italia-Reino Unido-Francia; Archimede / Recorded Picture Company (RPC) / Le Pacte / RAI Cinema / Leone Film Group
Género:Fantástico. Aventuras. Drama | Cuentos.

SINOPSIS: Adaptación de la famosa historia, basada en el libro de Carlo Collodi Las aventuras de Pinocho (1883), sobre una marioneta de madera que se convierte en un niño de verdad y tiene como padre a Geppetto (Roberto Benigni), un pobre y solitario tallador de madera. Como cualquier niño, Pinocho siente curiosidad por el mundo y aprende por ensayo y error. En un mundo entre lo real y lo fantástico, en una Italia rural y atemporal, Pinocho inicia un viaje que lo enfrentará cara a cara con la naturaleza, el reino animal y el mundo de la imaginación. EXCELENTE. Matteo Garrone y Roberto Benigni completan el 'Pinocho' más truculento, turbio, bello y profundamente fiel al texto original de Carlo Collodi. Un oportunidad para hablar de la fantasía y de la mentira. Cuentan que Carlo Collodi concibió Pinocho como una historia para adultos. Sin embargo, acabó por publicarla por primera vez en un revista infantil. Y en esa contradicción, ni humano ni muñeco, vive desde entonces. Matteo Garrone, director, y Roberto Benigni, Geppetto, son conscientes de ello. Y de más. Su película refuta la versión Disney que acaba de cumplir 80 años y gran parte de las infinitas lecturas para un cine con demasiado miedo al miedo que provoca el miedo. El propio Benigni fue protagonista en su propio Pinocho de 2000. Esta nueva versión estaría del lado de todas aquellas que apenas llegaron a nacer. Por miedo quizá. Las de Fellini, Coppola o Guillermo del Toro. Todos ellos lo intentaron y en la confusión y contradicción del personaje desistieron. Esta vez, no lo duden, Pinocho duele. Sus creadores se preparan para la presentación oficial que será unas horas después de la entrevista y hacen acopio de razones para dejarse engañar por el gran mentiroso. «La mentira en el arte», apunta Benigni, «es el camino de la verdad». IMPERDIBLE.

2020: Premios Oscar: Nominada a mejor diseño de vestuario y mejor maquillaje

2020: Premios BAFTA: Nominada a mejor maquillaje y peluquería

2019: Premios David di Donatello: 5 premios inc. mejores efectos visuales.

TRAILER

CALLES

EN GUERRA

We die young.

(EN CINES)

SINOPSIS: Lucas (Elijah Rodriguez) es un adolescente de 14 años al que la vida de pandillero ha seducido en la ciudad de Washington D.C. Pese a ello, tiene claro que hará todo lo posible por evitar que su hermano de 10 años siga sus mismos pasos. Cuando un veterano de la guerra de Afganistán (Jean-Claude Van Damme) llega a su barrio, Lucas encuentra una oportunidad única para que éste se convierta en el tutor de su joven hermano. MUY BUENA. Este film del casi debutante Lior Geller con Jean Claude Van Damme es un film de muy poco presupuesto, producido por el viejo productor, y zorro del cine, Mosche Diamant, viejo amigo de Van Damme , que sorprende por su calidad. No esperaba sinceramente, que a lo largo de sus apenas 90 minutos me transmitiera mucha emoción esta historia de LIOR GELLER que es un futuro director de campanillas... La película ofrece, acción muy bién rodada, grandes interpretaciones, sobre todo de los niños protagonistas y Van Damme y emoción a raudales. Todo con un presupuesto bajísimo, pero ojo con este joven director israelí por el que han apostado dos viejos lobos de esto como Mr. Diamant y JCVD. Si te gusta el cine de acción y quieres una historia que se sigue del tirón sin aburrir un minuto, esta pelicula te gustará. Ojo con este director desconocido, repito, que apunta muuuuuy alto,y aquí lo pongo con este casi su debut..., que promete muchisimo en el futuro,y apuesto firmemente por él... MUY RECOMENDABLE.

TRAILER

DOCUMENTALES

Exterminate all the

BRUTES

Exterminen a todos los salvajes.

DOCU-MINSERIE COMPLETO

4 EPISODIOS

2 DISCOS.

SINOPSIS: Exterminate All the Brutes, Exterminad a todos los salvajes en España, es una serie documental que explora los momentos más oscuros de la humanidad, desde los aspectos genocidas del colonialismo europeo, desde América hasta África, hasta su impacto en la sociedad actual. La historia se basada en tres aclamadas obras de tres autores diferentes: Exterminad a todos los salvajes de Sven Lindquvist, La historia indígena de Estados Unidos de Roxanne Dunbar-Ortiz y Silenciando el pasado de Michel-Rolph Trouillot. Este producto audiovisual mezcla animaciones dinámicas, escenas interpretativamente guionizadas y mucho material de archivo, todo para contar una historia amplia en la que la vida contemporánea y la ficción están completamente entrelazadas. EXCELENTE. La serie de documentales de HBO de cuatro partes de Raoul Peck asedia el mito romántico de los Estados Unidos, narrando el sangriento arco del imperialismo utilizando metraje documental, referencias de películas, gotas de aguja y narración, todo con precisión concentrada. Abrasador y denso, "Exterminar a todos los brutos", continúa donde lo dejó su "No soy tu negro" con su eliminación implacable de las falsedades aceptadas. Desde las primeras Cruzadas hasta el panorama racial actual de Estados Unidos, Peck identifica siglos de opresión impuesta a los negros e indígenas y narra un arreglo siempre cambiante de atrocidades históricas que trazan el auge del racismo científico. Es una narrativa académica extensa, pero es Peck quien la hace accesible con su propia pasión y ambición. Estilísticamente, la serie documental es tan amplia como su línea de tiempo. Peck combina recreaciones de eventos históricos, ficcionalizaciones provocativas, metraje documental fascinante y animación. También hay referencias autorreflexivas a sus propias películas y devoluciones de llamada cómicas a otras películas. Más de 1,000 años de eventos genocidas son mucho para consumir, pero Peck crea un viaje cohesivo que muestra cómo los pecados originales se manifiestan en las injusticias raciales actuales. IMPERDIBLE.

TRAILER

I AM

NOT YOUR

NEGRO

No soy tu Negro.

SINOPSIS: A través de las palabras del escritor y activista afroamericano James Baldwin y su obra Remember This House, conocemos uno de los grandes problemas de la sociedad estadounidense: el conflicto racial entre la población blanca y la población negra. A través de las vidas, y posteriores asesinatos, de tres amigos íntimos del autor, Martin Luther King Jr., Medgar Evers y Malcolm X, el documental aporta una visión genuina sobre el racismo en este país. Un problema social y político forma parte de la historia norteamericana, pero también es una preocupación actual. I Am Not Your Negro es un documental dirigido por Raoul Peck (Siempre en abril, Lumumba) y cuenta con la participación de Samuel L. Jackson (Capitán América: El soldado de invierno, Los odiosos ocho), James Baldwin (De todo corazón) y Dick Cavett (Frecuency), entre otros. EXCELENTE. “La historia de los negros en América es la historia de América”, esta frase enunciada durante “I Am Not Your Negro”, define la idiosincrasia de Estados Unidos, donde la esclavitud fue legal hasta 1865. La nueva propuesta de Raoul Peck formó parte de la sección oficial del 17º Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria. El haitiano Raoul Peck, que lleva años volcando su activismo en un cine politizado, teje en “I Am Not Your Negro” un potente “collage” cinematográfico en el que recupera la voz del malogrado James Baldwin, que dejó inconcluso un manuscrito de 30 páginas que contenía los recuerdos de los activistas por los derechos de los negros Malcom X, Martín Luther King y Medgar Evers, los tres asesinados antes de cumplir los 40 años. Esa voz que llega del pasado, de los años 50 y 60 del siglo XX está repleta de ira por la violencia policial que sufrió y sufre la raza negra. “I Am Not Your Negro”, nominado al Óscar 2017, en la categoría de documental, es un filme que tiene espíritu de grito urgente. Sus imágenes, en las que se incluye una guagua de Alabama en 1955 en la que había zonas reservadas para los blancos, la paliza descomunal a Rodney King acaecida en 1991 en Los Ángeles por parte de la policía, o un encadenado de publicidad que etiqueta a los negros como serviciales…, deberían remover conciencias. El montaje, que alterna imágenes de películas, programas de televisión, fotografías o imágenes publicitarias, es crucial en este filme por eso hay que destacar el trabajo de Alexandra Strauss. Ante la avalancha de imágenes de gran impacto se hace necesario un escapismo, por eso aparecen, en determinados momentos, imágenes que permiten que el espectador respire como una playa, un celaje o unos manglares. El discurso de Baldwin, que en la película emplea la voz en off de Samuel L. Jackson, reclamaba su derecho a no ser etiquetado ni reducido a una identidad de grupo. Resulta execrable que todavía se siga reduciendo a la gente a estereotipos, ya sean negros, blancos, mujeres, hombres, cristianos o musulmanes, ricos o pobres. IMPERDIBLE.

2016: Premios Oscar: Nominado a mejor documental

2016: Festival de Toronto: Premio del Público (Mejor documental)

2016: Premios Independent Spirit: Nominado a mejor largometraje documental

2016: Críticos de Los Angeles: Mejor documental

2016: Premios Gotham: Nominado a mejor documental

2016: Sindicato de Directores (DGA): Nominado a Mejor director / Documental.

TRAILER

CINE CLÁSICO

CICLO: STEFANIA, EL AMOR A LA ITALIANA.

DIVORCIO

A LA

ITALIANA

Divorzio all'italiana.

VERSIÓN REMASTERIZADA.

SINOPSIS: Un barón siciliano (Mastroianni), casado desde hace doce años, se enamora locamente de su sobrina Angela (Stefania Sandrelli), una muchacha de dieciséis. Cuando comprueba que su amor es correspondido, empieza a pensar en el método más seguro para deshacerse de su mujer (Daniela Rocca): hace todo lo posible para inducirla a la infidelidad con el fin de matarla. Las leyes italianas de la época castigaban los llamados "delitos de honor" con penas mínimas. Como su mujer es decente, el plan no funciona hasta que regresa al pueblo Carmelino, un antiguo admirador suyo. EXCELENTE. La película tiene un punto de partida totalmente real que en la época hubiera podido darse igualmente aquí, en España. En Italia no se introduce el divorcio hasta la Ley Fortuna-Baslini (nº 898 del 1º diciembre de 1970) y en España hasta la Ley 30/1981, de 7 de julio. Hasta entonces, los matrimonios eran "hasta que la muerte los separe" y agilizar ese trámite es lo que se propone el personaje que interpreta genialmente Marcello Mastroianni. Y también en este punto eran similares las leyes italianas y españolas que establecían penas muy leves para los maridos que, sorprendiendo a sus esposas en adulterio, les causaban la muerte, dando un trato privilegiado a los crímenes de honor, que persistiría en Italia hasta su derogación por la Ley 442 del 5 agosto 1981, y en España por el Decreto 168/1963. Este planteamiento se desarrolla genialmente, parodiando en cierta forma también a las películas de crímenes perfectos, en un guión pleno de situaciones hilarantes en las que resulta imposible no ponerse en el lugar del protagonista Ferdinando Cefalù al que hay que compadecer por su insufrible esposa (Daniela Rocca) y envidiar por su estupenda prima (Stefania Sandrelli). Los secundarios son memorables destacando el abogado De Marzi y el mafioso local don Ciccio Matara. Y lo mismo la visión de la sociedad italiana de la época. Mención aparte merece también la música de Carlo Rustichelli, que los transporta hasta esa Sicilia en la que se desarrolla la acción. Una película imprescindible para la videoteca de cualquier cinéfilo que marca un antes y un después en la comedia Italiana. IMPERDIBLE.

1962: Oscar: Mejor guión original. 3 nominaciones

1962: Globos de oro: Mejor película extranjera

1962: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a Mejor director

1962: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)

1962: National Board of Review: Top mejores películas extranjeras

1963: Premios BAFTA: Mejor actor extranjero (Mastroianni). 3 nominaciones.

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ALFREDO

El Divorcio es cosa de tres.

SINOPSIS: Alfredo, un tímido joven italiano, suspira por la excitante y coqueta Maria Rosa. Inesperadamente, ella toma la iniciativa y decide casarse con él. Pero la pasión inicial desaparece rápidamente, y el desencanto y el odio se apoderan de ambos, de modo que deciden divorciarse; pero entonces comienza un largo peregrinar por los juzgados que da lugar a cómicas situaciones. EXCELENTE. Pietro Germi fue un director que empezó enrolado en las huestes del neorrealismo, con obras que impresionaron mucho en su momento, como El ferroviario, El hombre de paja y Un maldito embrollo. Después, se fue decantando hacia un cine más comercial, centrado en la comedia cáustica, y alcanzó su cénit con (Divorcio a la italiana , Seducida y abandonada) y su carrera como director finalizó grandilocuentemente con (Alfredo, Alfredo) donde Dustin Hoffman borda el papel de pobre hombre en esta película en la que él destaca sobre todas las demás interpretaciones. No es solo una comedia, no es totalmente un drama, es una película real como la vida misma. IMPERDIBLE.

1973: Globos de oro: Nominada a mejor película extranjera

1972: Premios David di Donatello: Mejor película (ex-aequo)

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LA CHIAVE

La Llave.

VERSIÓN REMASTERIZADA, COMPLETA SIN CORTES.

SINOPSIS: Nino es un hombre mayor que está casado con una bella joven. El tipo no está muy satisfecho con su vida sexual, pero una posibilidad de cambio se abre una noche que sorprende a su esposa dormida... EXCELENTE. Estupendo film de un T. Brass, perfecto conocedor del ritmo narrativo y de la combinación de la tramas, para que el interesante argumento -novela de J. Tanizaki- adquiera en la pantalla prestancia y solidez. Al interés intrínseco del relato se une la sugestiva música de E, Morricone y la excelente interpretación de los protagonistas. Fluido, sutil, directo y casi cautivador, el largometraje posee el encanto de una magnífica comedia y la seriedad derivada de una compleja situación psicológica de relación entre personas. El director acierta a conjugar ambas realidades en un ámbito íntimo, distendido e ingenioso de enorme eficacia cinematográfica. IMPERDIBLE.

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UNA DONNA

ALLO SPECCHIO

Una Mujer en el espejo.

VERSIÓN REMASTERIZADA.

SINOPSIS: Desde la ciudad sureña donde trabaja, Fabio regresa a su Ivrea natal, para participar (como siempre) en los tres días de carnaval, durante la tradicional fiesta local. En la ciudad, Fabio conoce a Manuela, una mujer que como él se encuentra de vacaciones sola y con ganas de escapar. El encuentro desemboca en tres días de amor sin sentido y desenfrenado, de descubrimientos y confesiones: los dos saben perfectamente que se irán y esto también los empuja a abandonarse por completo en una total y sensual"transgresión". MUY BUENA. “Son tres días de amor desenfrenado con un solo almuerzo, aunque espléndido. Entre una pausa y otra, claro, de reflexión. La hermosa Stefania Sandrelli incendia la pantalla con cuerpo y sensualidad. y un guión o que ahonda en el espíritu y la sensualidad femenina como pocas veces se ha visto. Es una excelente propuesta para ver en pareja, a la que no le han pasado los años ". IMPERDIBLE.

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SERIES Y MINISERIES

PROMESSE

MIISERIE COMPLETA

6 EPISODIOS

2 DISCOS.

Título internacional: LA PROMESSE (2021).
Género: Drama, Thriller. Policial
Duración: 360 Minutos.
Francia Francia.
Reparto:
Sofia Essaïdi (Sarah Castaing)
Olivier Marchal (Pierre Castaing)
Lorànt Deutsch (Jérôme Sambuc)
Guy Lecluyse (Serge Fouquet)
Nadia Farès (Inès Castaing)
Creador: Anne Landois, Gaëlle Bellan.

SINOPSIS: Es el Boxing Day de 1999, Charlotte Meyer, una niña de 11 años, desaparece sin dejar rastro. El capitán Pierre Castaing, a cargo de la investigación, no la encuentra. A unos cientos de kilómetros de distancia, una joven investigadora se enfrenta a una desaparición similar... EXCELENTE. No esperes otra historia de detectives sino una inmersión real en la intimidad de los personajes. Este singular logro emana de un encuentro entre la guionista Anne Landois, quien escribió la trama de la serie “Engrenages”, la directora Laure de Butler y la actriz Sofia Essaïdi, que encarna acertadamente a esta sensible heroína, el resulñtado es simplemente excelente. IMPERDIBLE.

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SNOWPIERCER

SEASON 2

TEMPORADA COMPLETA

10 EPISODIOS

4 DISCOS.

Título original: Snowpiercer (TV Series)
Año: 2020-2021
Duración: 600 min.: Estados Unidos
Dirección: Graeme Manson (Creador), James Hawes, Sam Miller, Helen Shaver, Fred Toye, Everardo Gout
Guión: Josh Friedman , Tina de la Torre, Donald Joh, Graeme Manson, Hiram Martinez, Aubrey Nealon, Chinaka Hodge, Benjamin Legrand, Jacques Loeb, Lizzie Mickery, Jean-Marc Rochette, Nick Runyeard (Cómic: Jean-Marc Rochette, Jacques Loeb)
Música: Marco Beltrami, Dennis Smith
Fotografía: John Grillo, Thomas Burstyn
Reparto: Jennifer Connelly, Daveed Diggs, Mickey Sumner, Iddo Goldberg, Aaron Glenane, Lena Hall, Happy Anderson, Jonathan Walker, Michel Issa Rubio, Karin Konoval, Manoj Sood, Timothy V. Murphy, Roberto Urbina, Dylan Schmid, Stephen Lobo, Kerry O'Malley, Kwasi Thomas, Shaun Toub, Ian Collins, Amanda Brugel, Sam Otto, Madeleine Arthur, Kelly-Ruth Mercier, Susan Park, Sheila Vand, Annalise Basso, William Stanford Davis, Miranda Edwards , Steven Ogg, Alison Wright, Ellie Harvie, Jaylin Fletcher, Geraldine Chiu, Gary Hetherington, Doron Bell, Rohan Campbell, Jazmine Campanale, Stefania Indelicato, Jane McGregor, Sam Quinn, Kristie Sita, Yael Yurman, Katie McGuinness, Yee Jee Tso, Jennifer Li
Productora: Tomorrow Studios, TNT Originals (Distribuidora: Netflix) (Emitida por: TNT)
Género: Serie de TV. Ciencia ficción. Acción. Thriller | Trenes/Metros. Futuro postapocalíptico. Distopía. Cómic

DISPONIBLE A LA VENTA LA 1er TEMPORADA.

SINOPSIS: Ambientada siete años después de que el planeta Tierra se haya convertido en un páramo helado, 'Snowpiercer' sigue a los restos de la humanidad, que habitan en un tren de grandes dimensiones en continuo movimiento. Clases sociales, justicia social y juegos políticos se dan dentro de lo que para la humanidad es su único hogar. Adaptación de la novela gráfica homónima. MUY BUENA. “Buen reparto con actores carismaticos” Si algo teníamos claro, Jennifer Connelly y su cara de poker no iba a decepcionar. Tampoco lo han hecho otras caras conocidas, al igual que las menos. El protagonista se pone a la espalda el trabajo de suplir las carencias de la serie, y no lo hace nada mal. Aún queda mucho camino por recorrer, pero la serie pinta excelentemente bien con una gran segunda temporada. IMPERDIBLE.

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PEDIDOS Y CONSULTAS: LATINTASINSOMBRAS@GMAIL.COM

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sábado, 10 de abril de 2021

ESTRENOS DEL JUEVES 14/4/2021

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