DIGITAL MOVIES: ESTRENOS DEL MIÉRCOLES 7/3/2021

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ESTRENOS

DE LA SEMANA

GODZILLA

VS. KONG

Godzilla vs. Kong.

(EN CINES)

Título original: Godzilla vs. Kong
Año: 2021
Duración: 113 min.: Estados Unidos
Dirección: Adam Wingard
Guión: Eric Pearson, Max Borenstein (Historia: Terry Rossio, Michael Dougherty, Zach Shields)
Música: Junkie XL
Fotografía: Ben Seresin
Reparto: Alexander Skarsgård, Rebecca Hall, Demian Bichir, Millie Bobby Brown, Eiza González, Shun Oguri, Kyle Chandler, Julian Dennison, Zhang Ziyi, Van Marten, Jessica Henwick, Lance Reddick, Brian Tyree Henry, Ronny Chieng, Hakeem Kae-Kazim, John Pirruccello, Chris Chalk
Productora: Co-production Estados Unidos-Australia-Canadá-India; Legendary Pictures, Warner Bros.
Género: Acción. Fantástico. Ciencia ficción | Monstruos. Simios. Robots. Secuela

SINOPSIS: Godzilla y Kong, dos de las fuerzas más poderosas de un planeta habitado por todo tipo de aterradoras criaturas, se enfrentan en un espectacular combate que sacude los cimientos de la humanidad. Kong y sus protectores emprenderán un peligroso viaje para encontrar su verdadero hogar. Con ellos está Jia, una joven huérfana con la que el gigante tiene un vínculo único y poderoso. En el camino se cruzan inesperadamente con el de un Godzilla enfurecido que va causando destrucción a su paso por el mundo. El choque épico entre los dos titanes -provocado por fuerzas invisibles- es solo el comienzo del misterio que se esconde en las profundidades del núcleo de la Tierra. MUY BUENA. Todo lo relacionado a las películas del Monster-Verse ya esta dicho, son simplemente cintas hechas para los fanáticos de la acción desenfrenada y de ver a monstruos gigantes destruyendo ciudades con sus puños con algunas escenas de humanos que sirven para conectar y darle sentido a dicha acción además de dar exposición y contexto a la historia, el peso que tienen ambos componentes (monstruos y humanos) siempre ha sido y será motivo de debate, yo considero que, como todo en la vida, debe de tener un equilibrio, por un lado, nunca se hará una película que sean 2 horas de acción, destrucción y explosiones ininterrumpida, ni las películas de Michael Bay son así y para películas en que un grupo de personas se sientan a hablar sobre el significado de la vida y el lugar de los humanos en el universo ya hay una gran cantidad de esas, solo hay que saber buscar; es importante que haya un equilibrio, afortunadamente, Godzilla vs Kong logra ese equilibrio.Esto se logra gracias a que el protagonista de la cinta es Kong, el que uno de los grupos de humanos estén en constante contacto con el simio ayuda bastante y el hecho de que varios de esos personajes tienen un vínculo con Kong humaniza bastante al mismo (por no mencionar que su CGI lo hace bastante expresivo) lo cual hace que uno hasta simpatice por él (por eso y mil razones más Team Kong) por no mencionar que el viaje que emprender sirve bastante en el wordbuilding, además de dar algunas de las mejores escenas de la película. Respecto al otro bando, aunque Godzilla tenga apariciones contadas logra impresionar con cada una de ellas y cada vez que sale del mar, se sabe que se viene algo bueno, dudo que haya un Team Godzilla insatisfecho con la participación del personaje en la cinta. El segundo grupo humano, tristemente, cumple todo lo malo anteriormente mencionado, son personajes planos y sin gracia, y su participación, además de aburrida, es pura exposición; lo único que podría interesar es volver a algunos de los personajes de King of Monsters, pero poco más. Respecto a los antagonistas humanos, lo mejor de ellos son sus muertes, en general, una de las mejores cosas del Monster-verse es como la muerte se trata como lo que es, algo abrupto e inevitable; contados personajes (por dar un ejemplo Serisawa en KoM) tienen una muerte heroica o memorable, aquí, si parpadeas puedes perderte la muerte de alguno de ellos, por mi parte, eso es un plus muy grande. Respecto a lo negativo de la cinta, es imposible pasar por alto la poca duración de la misma, no llega a las 2 horas aún con créditos finales y es bastante evidente, las escenas pasan apresuradamente, la trama avanza y las peleas pasan en un respiro, incluso el final de la película deja una sensación de ´´¿ya termino, de verdad?`` Unos 10-15 minutos más no le hubieran hecho nada de mal a la cinta, sobre todo al último tercio de la misma. Pese a esto, Godzilla vs Kong es una de las películas de más entretenidas del Monster-verse que dejara satisfechos a los fanáticos tanto de este universo compartido como de estos míticos personajes, ojala que esto abra las puertas para que se sigan expandiendo y presenten nuevos monstruos para que peleen entre si y destruyan ciudades enteras, que si no ¿Para que vemos estas películas?. MUY RECOMENDABLE.

TRAILER

CAOS

EL INICIO

Chaos Walking.

(EN CINES)

Título original: Chaos Walking
Año: 2021
Duración: 109 min.: Estados Unidos
Dirección: Doug Liman
Guión: Charlie Kaufman, Gary Spinelli, Lindsey Beer, John Lee Hancock, Andrew Gottlieb, David Rosen (Novela: Patrick Ness)
Música: Marco Beltrami, Brandon Roberts
Fotografía: Ben Seresin
Reparto: Daisy Ridley, Tom Holland, Mads Mikkelsen, Demian Bichir, David Oyelowo, Kurt Sutter, Nick Jonas, Óscar Jaenada, Ray McKinnon, Cynthia Erivo, Bethany Anne Lind, Mylene Robic, Olunike Adeliyi, Harrison Osterfield, Vincent Leclerc, Tara Nicodemo, Tyrone Benskin, Claudia Besso Blane Crockarell, Isabelle Giroux, Marché Day, Maxwell McCabe-Lokos Productora: Quadrant Pictures, Bron Studios, Creative Wealth Media Finance (Distribuidora: Lionsgate )
Género: Ciencia ficción. Aventuras. Fantástico | Distopía

SINOPSIS: En Prentisstown, Todd ha crecido creyendo que la "Masilla" fue la responsable de liberar un germen que asesinó a todas las mujeres y contagió con el "ruido" al resto de los hombres. Tras descubrir un remanso de silencio en un pantano, sus padres adoptivos le obligan a huir lo más rápido que pueda, dejando todo atrás salvo un mapa del Nuevo Mundo y un mensaje, así como un sinfín de preguntas sin responder. Pronto descubre la fuente del silencio: una chica llamada Viola. Los dos deben avisar lo antes posible sobre la inminente llegada de una nave para que el intendente Prentiss pueda preparar un ejército para la guerra. BUENA. Lo llaman El Ruido. No es fácil y sí algo engorroso explicarlo. Pero es básico en Caos: El inicio, el filme con Tom Holland (el nuevo Hombre Araña), Daisy Ridley (Rey en la última saga de Star Wars) y un elenco realmente de estrellas. En un mundo distópico, donde no hay mujeres, los hombres que siguen vivos pueden escuchar los pensamientos de los demás en un flujo de imágenes, palabras y sonidos llamado, en inglés, Noise. Ruido. Ese mundo distópico es un nuevo mundo. Y lo del Ruido les pasa a todos los hombres en el planeta. Cada pensamiento queda expuesto. Es como si uno pudiera leer la mente de con quien está conversando. O, por ejemplo, ahí lo tenemos a Todd (el personaje de Tom Holland), que piensa en una serpiente, y una serpiente surge y ataca a Davy Prentiss Jr (Nick Jonas). Una nave espacial sufre un accidente, y cae allí, en este nuevo mundo. Hay una sola sobreviviente, Viola (Daisy Ridley), y por supuesto que cuando Todd la descubre no entiende nada. No es el único. Y ella tampoco entenderá nada. “¿Dónde están las mujeres?”, pregunta la recién llegada, como caída del cielo, literalmente. “Están muertas”, le responden. Algo así como Niños del hombre, de Alfonso Cuarón, pero algo más retorcido. Porque no se trata solamente de que la reproducción humana no tiene cabida. Para ella, claro, es raro ver todo lo que Todd piensa. “Para mí es raro no saber qué pensás”, le replica Todd. A lo mejor el nombre del director Doug Liman les suena porque está, desde hace unos años, íntimamente ligado a otro nombre más famoso: Tom Cruise. Tras dirigirlo en Al filo del mañana, volverá a hacerlo en la secuela Live Die Repeat and Repeat, en SpaceX Project, que los llevará literalmente a rodar al espacio exterior, y en Luna Park. Mientras estos proyectos se liman, Liman se abocó a llevar a la pantalla el best seller El cuchillo en la mano, de Patrick Ness. Y el comienzo es verdaderamente desconcertante, como lo que ocurría en Al filo del mañana. No es que las cosas se repitan una y otra vez como en el filme con Cruise y Emily Blunt. El efecto visual está bueno, y luego la trama comenzará a desandarse sin mayores complicaciones, siguiendo el sendero del relato de aventuras. Es el típico muchachito-conoce-a-muchachita y la ayuda a esconderse y/o huir para que los malos (en el caso, el alcalde Prentiss, padre del personaje de Nick Jonas e interpretado por el gran Mads Mikkelsen) no la atrapen. Porque con el poder de ella, quién sabe que puedan hacer juntos Todd y Viola.Como filme de acción y aventuras, Caos: El inicio no deja de entretener ni un solo instante. Hay un costo de producción importante, y no solamente para contratar al elenco. Sumen a Demián Bichir (Godzilla vs Kong, Cielo de medianoche), David Oyelowo, Cynthia Erivo y para el decolorante del cabello de Daisy Ridley. RECOMENDABLE

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LOS NUEVOS

MUTANTES

The New Mutants.

(EN CINES)

SINOPSIS: En el tiempo presente. Mientras se encuentran en una instalación secreta en contra de su voluntad, un grupo de jóvenes mutantes descubren sus poderosas habilidades. Allí, la doctora Cecilia Reyes (Alice Braga), quien trabaja en la institución secreta del Gobierno donde los jóvenes están encerrados, les estudia y analiza para descubrir su poder para poder curarles. Los mutantes Wolfsbane (Maisie Williams), Magik (Anya Taylor-Joy), Cannonball (Charlie Heaton), Sunspot (Henry Zaga) y Mirage (Blu Hunt) deberán luchar contra sus miedos, sus poderes y los peligros que les rodean. Juntos, su objetivo será escapar de sus pecados pasados y salvarse a sí mismos. Esta adaptación de los cómics de Marvel, que expande el universo X-Men, supone el salto a la gran pantalla de los Nuevos Mutantes. BUENA. Cinco fechas de estreno más tarde (la primera en abril de 2018), llega por fin a las salas la penúltima película de mutantes producida por Fox en asociación con Marvel (la última, X-Men: Fénix Oscura, se le adelantó un año). Ahora que Disney es propietaria de Fox, los mutantes, al igual que Los 4 Fantásticos, podrán irse integrando a fuego lento en el plan maestro de Kevin Feige para su Universo Cinemático Marvel. Lástima que a Los Nuevos Mutantes les haya tocado bailar con la más fea, y no sólo compartiendo fecha de estreno nada menos que con el Tenet de Christopher Nolan, sino porque a casi ningún aficionado le es ajeno el largo y tortuoso camino de esta cinta de superhéroes con alma de película de terror. Pases de prueba infructuosos, reshoots y, para colmo de males, una pandemia. Al final, lo que cuenta es que aquí la tenemos, con su atractivo reparto y atrevida propuesta. Pero ese afán por satisfacer a cualquier precio a ambos públicos la ha dejado a medio camino de ninguna parte. Dani Moonstar es apartada de la reserva Cheyenne en la que vivía junto a su padre tras el devastador ataque de una gigantesca bestia sobrenatural. Cuando despierta, se descubre recluida en un centro de contención para mutantes adolescentes que aún no controlan sus poderes y, según le informa su única supervisora, la doctora Reyes, son un potencial peligro para la sociedad. Aunque Dani desconoce todavía sus habilidades, allí conocerá y chocará con cuatro jóvenes mutantes, descubriendo un mundo lleno de posibilidades, pero también de terror, porque tras su llegada, los miedos de los que allí residen empiezan a cobrar vida. La cinta está inspirada vagamente en la celebrada Saga del Oso Místico (The Demon Bear), publicada en los años 80 a partir del número 18 de la colección original de Los Nuevos Mutantes, el primer spin-off de X-Men (La Patrulla-X en España) antes de convertirse en ese fenómeno superventas que acabó multiplicando como Gremlins sus colecciones satélite. Las innovadoras ilustraciones de Bill Sienkiewicz y los eficaces guiones del patriarca mutante, Chris Claremont, que elevó a las altares la fórmula original concebida por Stan Lee y Jack Kirby dos décadas antes, es homenajeada en su adaptación por Josh Boone y Knate Lee, autores del guión, que rinden pleitesía a la sana diversidad esgrimida en los cómics originales, y que es uno de los aciertos de la película, aunque con poco espacio, habida cuenta de sus exiguos 90 minutos de metraje, excluyendo créditos finales, unos que, por cierto, reproducen algo de ese inolvidable arte de Sienkiewicz. RECOMENDABLE.

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14 JOURS

12 NUITS

14 días, 12 noches.

PRESELECCIONADA AL OSCAR 2021 "MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL POR "CANADÁ".

SINOPSIS: La adolescente hija adoptada de Isabelle muere en un trágico accidente. Un año después, y aún conmocionada por la experiencia, Isabelle regresa al orfanato vietnamita con la esperanza de volver a conectarse emocionalmente con su hija Clara a través de su tierra natal. Inmersa y abrumada, Isabelle inesperadamente se encuentra con la madre biológica de su hija y juntas buscan la forma de seguir adelante. MUY BUENA. No hay más dolor que el de la pérdida de una hija o un hijo, y si es en plena adolescencia todavía más. Hay muchos testimonios en libros vivenciales. 14 días, 12 noches, es una película llena de silencios, pero a la vez con una banda sonora impecable que acompaña el llanto del alma. De la pena que deambula por la aflicción en mayúsculas ante el duelo por la pérdida de la hija. Lo hace con el retumbar de la bravura del mar Ártico que dio acogida a esta niña adoptada, Clara y lo contrasta con el tormento de una madre vietnamita huérfana a la que arrebataron a su hija y la dieron a los bárbaros. Entre dos culturas, dos vivencias y dos formas de maternidad, la película nos sumerge en la emoción del duelo en mayúsculas, sin escenas para la lágrima fácil. Gracias a un trabajo interpretativo de gran calado de las dos mujeres protagonistas, la historia, que puede parecer simple, se convierte en un homenaje a todas las madres y padres que han vivido la experiencia de este tipo pérdida. No es un peregrinaje para concluir un deseo como en The Way llevando las cenizas por el Camino de Santiago para honrarlas en un sitio recordado. Tampoco es un viaje cultural al encuentro de los orígenes de una hija adoptada. Es un viaje a las profundidades del corazón donde arde el tormento, de la pérdida más sentida, la de la hija. Pero sobretodo es un viaje para encontrar la paz del perdón. La película nos lleva de viaje al dolor que persiste en el espíritu de un pueblo al que las guerras rompieron familias enteras y donde el drama sigue vivo no tanto en el rostro siempre sonriente, pero sí en el alma. Es una película claramente intimista pero a la vez con toques costumbristas. Mientras el duelo guía los pasos de la madre adoptiva, la madre biológica transita en silencio por sus muchas pérdidas. Al final, sólo la redención de ambas puede darles la paz que el corazón siempre anhela. MUY RECOMENDABLE.

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DARA of

JASENOVAC

Dara iz Jasenovac.

PRESELECCIONADA AL OSCAR 2021 "MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL POR "SERBIA".

Título original: Dara iz Jasenovac
Año: 2020
Duración: 130 min.: Serbia
Dirección: Predrag Antonijevic
Guión: Natasa Drakulic
Música: Roman Gorsek, Aleksandra Kovac
Fotografía: Milos Kodemo
Reparto: Vuk Kostic, Nikolina Jelisavac, Igor Djordjevic, Natasa Ninkovic, Petar Zekavica, Marko Janketic, Zlatan Vidovic, Bojan Zirovic, Radoslav Milenkovic, Natasa Drakulic, Ivan Zekic, Alisa Radakovic, Bogdan Bogdanovic, Tatjana Kecman, Zeljko Erkic, Ana Lecic, Jelena Grujicic, Dragoslav Medojevic, Goran Jokic, Biljana Cekic, Anja Stanic, Stefan Vukic, Danijela Vranjes, Aneta Tomasevic, Marko Pavlovic, Marta Ceranic, Natasa Balog, Milena Nikolic, Sandra Ljubojevic
Productora: Film Danas, Dandelion Production Inc, Komuna
Género: Drama. Bélico | Nazismo. II Guerra Mundial. Holocausto.

SINOPSIS: Ambientada en la época de la ocupación nazi de Croacia. Una niña de 10 años llamada Dara (Biljana Cekic) es enviada al campo de Jasenovac, también conocido como "el Auschwitz de los Balcanes", justo cuando estaba dirigido por el sádico comandante Maks Luburic. EXCELENTE. 101 Studios ha estrenado el film oficial del drama sobre de la Segunda Guerra Mundial realizado por el aclamado cineasta yugoslavo Predrag Peter Antonijevic, escogido por Serbia como candidato a los Premios de la Academia a la Mejor Película Internacional de este año.En el verano de 1942, la familia de Dara, una niña de doce años, fue llevada y separada en dos campos de concentración. Ella es testigo de todos los horrores del régimen de Ustashe.El elenco incluye a Biljana Cekic como Dara, junto con Anja Stanic, Zlatan Vidovic, Luka Saranovic, Jakov Saranovic, Simon Saranovic, Sandra Ljubojevic, Nikola Radulj y Rajko Lukac. Todos estamos familiarizados con el Holocausto: el exterminio de millones de judíos, romaníes, homosexuales, personas discapacitadas y otros indeseables a manos de los nazis. Su impacto ha sido bien documentado en museos, libros y varias películas. Debido a mi propia educación y crianza, siempre asocié a las víctimas del Holocausto con Polonia, Alemania y Francia, ya que esas eran las historias y voces que típicamente llegaban a los Estados Unidos. Normalmente no asocio los Balcanes con algunas de las mayores atrocidades que el mundo haya visto, así que estaba interesado en hacer una reseña de Dara de Jasenovac, una película cuyo objetivo es dar voz a las víctimas que algunos de nosotros ni siquiera conocemos. Dara de Jasenovac sigue a la titular Dara (Biljana Čekić), una niña serbia de diez años enviada al campo de concentración de Jasenovac con su familia durante el Holocausto. La película se centra en sus esfuerzos por sobrevivir y proteger a su hermano pequeño, a pesar de los constantes peligros y la muerte que los rodea. De buenas a primeras, necesito aclarar algo: aparentemente hay bastante conflicto en el discurso entre serbios y croatas en torno a esta película. Un bando argumenta que la representación de Dara de los croatas está sesgada demasiado negativamente, con Jay Weissberg de Variety describiendo la película como "Anticroata y Anticatólica". El otro bando argumenta que las críticas de la primera a la película son de mala fe, y Maja Gojković, ministra de Cultura e Información de Serbia, sugiere que las críticas negativas han sido presionadas por Croacia. Solo quería que todos ustedes supieran ahora que no tengo un caballo en esta carrera. Sé muy poco sobre los Balcanes en general; Nunca había oído hablar de Ustasha, la propia organización fascista militante de Croacia, antes de ver esta película. Ni siquiera sabía acerca de las controversias que rodean a Dara hasta que comencé a investigar para esta revisión. Como siempre, mi intención es ser lo más honesta y objetiva posible en mi escritura. Dara comienza triste y no se detiene. Ese es en realidad un punto de crítica que podría hacer sobre Dara: la miseria y la crueldad retratadas en la película son tan gráficas y constantes, puedo ver cómo alguien podría argumentar que la película sensacionaliza los eventos oscuros en los que se basa la película. Yo diría que no es necesariamente el caso: Dara se basa en los testimonios de primera mano de personas que vivieron en Jasenovac, y para alguien como yo sin conocimiento previo de lo que estaba sucediendo en los Balcanes durante la Segunda Guerra Mundial, es un experiencia esclarecedora que te hará querer aprender más sobre lo que sucedió en la región durante ese tiempo. Dara es una película difícil de superar. Es un desafío en el buen sentido, pero debes estar preparado para lo que estás a punto de ver: si no estás en un buen lugar mental o emocionalmente, o si luchas con material triste o perturbador en general, no lo haría. Te culpo por no hacer esto por ahora, y esperar hasta que pienses que estás mejor equipado para ver algo como esto. Si cree que está listo para intentarlo, le recomiendo encarecidamente que lo vea. Es especialmente conmovedor ahora para el público estadounidense: al momento de escribir esta reseña, a pesar de dos cambios de administración desde su creación, todavía hay miles de niños migrantes encerrados en jaulas dentro de nuestras fronteras. Los medios de comunicación han hecho todo lo posible por restar importancia a la crueldad de esta acción, pero considero a Dara de Jasenovac como una advertencia. Cuando los niños sean separados de sus familias por la fuerza y llevados a centros de detención sin condiciones de salud dignas dentro de nuestras propias fronteras, ¿qué pensarán las futuras generaciones mundiales de una nación que llora por la crueldad de otros países hacia los niños, mientras permanece ciega ante sus propias fechorías? IMPERDIBLE.

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INSTINCT

Instinto.

SINOPSIS: Pese a su enorme experiencia en el campo, una psicóloga especializada en temas sexuales se enamora locamente del agresor sexual que está tratando en una prisión estatal. MUY BUENA. Cabía ahondar en otra de las cuestiones que plantea la debutante Halina Reijn, como lo es la muy sugerente relación que tiene la protagonista con su madre. El hecho es, que ni quiere dar varios pasos en referente a esa propuesta argumental, ni tampoco pretende ofrecer algo nuevo con la historia que nos cuenta. Veo mucho más interesante la clave maternal que plantea dicho producto, que el tema central de la cinta. De haber gestionado más es otro arco narrativo, la película no perdería tanta garra. Aunque debo decir que, su tercio final, en casa de alguien, es de lo mejor que tiene. Uno de los mejores momentos. Pero, lo verdaderamente importante a mencionar, es que todo resulta muy obvio. Muy predecible. Ves venir con minutos de antelación lo que pueda estar por venir. Y eso, juega mucho en contra. Su mejor aliado, es su dirección. La directiva de Reijn es precisa, bella y efectiva. Y se nutre con frecuencia de primeros planos que acarician el rostro de Carice van Houten, una mujer preciosa. Y resulta curioso que una cinta de estas características, muestre cierta firmeza en cámara (el momento bañera, me parece de un cuidado con la fotografía y del plano que llegan a rozar la ternura), algo que siempre agradezco en películas más pequeñas. Su segunda mejor baza, por supuesto, es la actriz principal. Se echa a hombros la hora y cuarenta minutos, aproximadamente, que dura "Instinct", el primer largometraje dirigido y co-escrito por esta realizadora a la que pienso seguirle la pista en adelante. Una propuesta muy natural, demasiado a menudo, que palpa una inteligente dirección y cuenta con el soporte de Van Houten. MUY RECOMENDABLE.

2020: Premios del Cine Europeo: Nominada al Premio Discovery.

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THE WINTER

LAKE

Invierno en el Lago.

SINOPSIS: Un adolescente introvertido realiza por accidente un descubrimiento en uno de los lagos cercanos a su hogar, destapando así los siniestros secretos de sus vecinos. MUY BUENA. Los niveles decrecientes en un turlough local (un lago que desaparece) hacen que un saco gotee hasta la orilla del agua. La curiosidad de Tom lo lleva a mirar en su interior donde descubre el cráneo y los huesos de un bebé. Es la primera de una serie de revelaciones (incluidos los problemas de manejo de la ira de Tom) que nos permite una mayor comprensión de los personajes y sus relaciones. La propiedad más cercana a la de la familia de Elaine es propiedad del avuncular Ward (Michael McElhatton), otro padre soltero que es muy protector con su hija Holly (Emma Mackey). Los paralelismos en sus circunstancias crean una conexión inicial entre los dos adultos solitarios y también obligan a los dos jóvenes inadaptados a pasar tiempo juntos. Holly es una figura más audaz y mundana que Tom, pero también tiene secretos que se han mantenido ocultos al mundo. Winter Lake es eficaz para mantener el interés en lo que se oculta y en quién se puede confiar. ¿Ward es demasiado bueno para ser verdad? ¿Es Holly tan manipuladora como una mujer fatal? Desafortunadamente, todas las respuestas a estas preguntas tienden hacia lo poco sorprendente mientras nos apresuramos hacia un clímax melodramático. Los discursos diseñados para revelar las verdades caseras sobre el carácter nunca son tan profundos como deberían, especialmente la gran declaración de Elaine: "Sé que soy una madre terrible, pero no una persona terrible". Al final, es esa atmósfera empapada y opresiva y la calidad de la actuación, más un guión bien deconstruído, lo que se destaca en The Winter Lake. MUY RECOMENDABLE.

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VORES MAND I

AMERIKA

El Buen Traidor.

Título original: Vores mand i Amerika
Año: 2020
Duración: 110 min.: Dinamarca
Dirección: Christina Rosendahl
Guión: Kristian Bang Foss, Dunja Gry Jensen , Christina Rosendahl
Música: Jonas Struck
Fotografía: Louise McLaughlin
Reparto: Ulrich Thomsen, Burn Gorman, Ross McCall, Denise Gough, Zoe Tapper, Pixie Davies, Henry Goodman, Mikkel Boe Følsgaard, Nicholas Blane, Levente Puczkó-Smith, Scott Alexander Young, Esben Dalgaard, Miri Ann Beuschel, Henrik Noél Olesen, Søren Sætter-Lassen, Hans Henrik Clemensen, Amber Fernée, Rosemary Aburrow
Productora: Nimbus Film Productions, Copenhagen Film Fund, Radio (DR), Det Danske Filminstitut, Nordisk Film, SF Studios
Género: Drama | Biográfico. Años 30. II Guerra Mundial

SINOPSIS: Henrik Kauffmann fue embajador de Dinamarca en Washington en 1939 cuando comenzó la Segunda Guerra Mundial y se declaró a sí mismo como el único verdadero representante de una Dinamarca libre en oposición a los nazis. MUY BUENA. La fascinante política de trastienda de la Segunda Guerra Mundial se ve enriquecida por el melodrama matrimonial l en "El buen traidor" de la directora danesa Christina Rosendahl, lo que resulta en un drama de época que plantea que responde muchas de las preguntas de la época. La película se centra en la vida del diplomático deshonesto Henrik Kauffmann (Ulrich Thomsen, estoico), que fue destinado a Washington, DC, como embajador de Dinamarca en 1939. Cuando los nazis ocuparon Dinamarca el 9 de abril de 1940, Kauffmann se declaró el único representante verdadero del pueblo danés libre y pasa a tomar una serie de decisiones autónomas de alto riesgo que, a la larga, ayudarán a liberar su patria. MUY RECOMENDABLE.

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HASTA

EL CIELO

Hasta el Cielo.

SINOPSIS: El día que Ángel habló con Estrella en aquella discoteca, su vida cambió para siempre. Tras una pelea con Poli, el posesivo novio de la chica, éste le anima a unirse a una banda de atracadores que tiene en jaque a toda la policía de Madrid. Ángel comienza a escalar rápidamente en una pirámide de atracos, dinero negro, negocios turbios y abogados corruptos que le llevarán a ser acorralado por Duque, un incansable detective. Desoyendo los consejos de su gente, Ángel consigue ascender hasta convertirse en el protegido de Rogelio, uno de los tipos que controla el mercado negro de la ciudad. Con éste y Sole, hija del capo, Ángel descubrirá que el precio del poder es alto y que pronto tendrá que decidir entre su futuro como atracador y el amor de su vida, Estrella. Un viaje que empezó en el más sucio de los suburbios y que tiene como principal objetivo lo más alto: el cielo. MUY BUENA. La película más cara del cine español en 2020 (nota: se han filmado menos de 200 films este año en nuestro país) aprovecha la campaña navideña y se presenta como el Tenet español, no tanto en guion sino en aspiraciones: convertirse en la película que salve la cartelera española de la baja recaudación de este año, debido a la situación y las restricciones. Con una campaña publicitaria de bombardeo en la tv pública (que ha cofinanciado el proyecto), la película se muestra como lo que es: un blockbuster hecho al gusto hispano, es decir, buenos visuales imitando al cine norteamericano pero con una historia que recoge las preocupaciones autóctonas, como los problemas económicos de la gente joven, con gran paro y desatención social en este país, y los mezcla con una trama basada en hechos reales (los robos de bandas organizadas, tema que suele tratarse de pasada en las noticias) que da el ritmo correcto a una película entretenida, con buena realización técnica y unos cuantos clichés y referencias (voluntarias o no) a otras películas de acción y de crítica social, que sobretodo captarán los cinéfilos de edad mayor a la media de sus protagonistas. Sin duda una película recomendable en su género, que no revolucionará nada (como Tenet) pero que entretiene y demuestra que el cine español no tiene que envidiar al de fuera (además muy bien documentada, bastante realista dentro de su condición de film de acción), aunque a veces se le da demasiada importancia a la trama amorosa y se pierde un poco en las subtramas, lo que le quita fuerza, pero no coherencia, que es al final lo mínimo que se le pide a un blockbuster, y no las ensaladas de explosiones sin sentido que parecen algunas de las últimas películas directa-a-video o directa-a-streaming que se han estrenado este año con actores conocidos como Willis o Cage. MUY RECOMENDABLE.

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CINE NACIONAL

LLENO

DE RUIDO

Y DOLOR

Lleno de ruido y dolor.

(EN CINES)

SINOPSIS: 1928. Soria, un joven inexperto, y dos bandoleros, se unen para robar un banco en la Patagonia, pero sus rencores y miserias los llevan por caminos diferentes a los planeados. Un tenaz comisario los persigue, arrastrándolos hasta sus propios límites. MUY BUENA. Basada en una historia real ocurrida en Bariloche en 1928, la película de Aguirre asume su condición de western sin resignar el contexto político y social. Para muchos, el western es tan propio de los Estados Unidos como la Coca Cola, la Casa Blanca, Halloween o el pavo del Día de Acción de Gracias. Pero es sabido que hay vida por fuera de esos límites, como bien demuestra, entre otros ejemplos, el spaghetti western italiano, cuyas películas proponían una relectura mucho más pesimista, crepuscular y afeada de aquellos códigos narrativos de antaño, forjados en su mayor parte al calor de los mitos fundacionales del cine clásico norteamericano. Dirigida por el chubutense radicado en Bariloche Nacho Aguirre, Lleno de ruido y dolor se presenta como un “western patagónico” que sigue a pies juntillas varios tópicos del género. Lo hace incluyendo sus temas habituales, aunque aggiornados con una impronta gauchesca, y un entramado narrativo que vuelve a esa geografía rocosa y seca, siempre gris, de espacios tan abiertos como solitarios, un personaje de enorme relevancia en el devenir de los protagonistas. Basada en una historia real ocurrida en Bariloche en 1928, cuando la ciudad de los estudiantes estaba muy lejos de ser el polo de atracción turística que es hoy, Lleno de ruido y dolor –frase proveniente de un poema escrito por un anarquista– asume su condición de western definiendo desde su título la matriz de hombres rudos y taciturnos, como son Román (Facundo Sáenz Sañudo) y Foster (Juan Manuel Alari), dos forajidos que van de pueblo en pueblo sembrando un respeto temeroso entre sus habitantes. Y también algunas adhesiones, dado que la bandera del conflicto entre peones y terratenientes que levantan no es ajena a ellos. Durante el recorrido por esa zona fronteriza -la otredad es otro de los temas subyacentes- suman al grupo a Soria (Emanuel Gallardo), un muchacho inexperto atraído por la posibilidad de robar un banco que le proponen, dado que sería una buena forma de terminar con su vida de miseria. El problema es que Román y Foster no son ladrones. Mejor dicho, son ladrones pero bastante desprolijos y violentos, capaces de asesinar a quien se les interponga en el camino rumbo a sus objetivos, lo que hace que dejen un reguero de sangre muy sencillo de seguir para Baigorria (Emilio Bardi), el comisario a cargo de imponer orden donde, como en todo western, no lo hay. En estos lugares sí hay un aura de despojamiento, de opresión por parte de un sistema con poco espacio para las disonancias de los que menos tienen. Lo más valioso del film es el progresivo acercamiento entre las cosmovisiones de los forajidos y la del policía, que a la larga son las dos caras de una misma moneda. Aquí los dueños del poder son aquellos que reposan en los cascos de las estancias, desde donde imponen sus deseos con voluntad de hierro en una Patagonia con los ecos de la rebeldía todavía resonando. MUY RECOMENDABLE.

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DOCUMENTALES

TINA

Tina.

SINOPSIS: Documental sobre la legendaria cantante Tina Turner, icono de la música rock a lo largo de varias décadas. Premiere: Festival de Berlín 2021. EXCELENTE.“Tina”, que se estrenó hoy en el Festival de Cine de Berlín (saldrá en HBO el 27 de marzo), es ese tipo de película. Presenta la historia de Tina Turner que se ha convertido, a lo largo de las décadas, en una especie de mitología. Tina hizo público por primera vez el tormento de su vida con Ike Turner, quien abusó físicamente de ella durante la mayor parte de sus 19 años de asociación, allá por 1981, cuando se lo contó a la revista People. Cinco años después, publicó "Yo, Tina", la autobiografía que escribió con Kurt Loder, en la que amplió esa historia con detalles inquietantes y conmovedores. El libro se convirtió en una gran película biográfica de Hollywood, "What’s Love Got to Do with It" (1993), una película que algunos de nosotros pensamos que era un hito oscuramente convulsivo y estimulante. Ganó montañas de elogios para sus dos actores principales, Angela Bassett y Laurence Fishburne (ambos nominados a los Oscar), y plantó la historia de Tina Turner: cómo ella surgió de la nada, fue descubierta por Ike, se convirtió en su estrella y musa y prisionero, y finalmente escapó, solo para ir a alturas aún mayores, al reino de la leyenda. Entré en “Tina” sintiendo que conocía esta historia en mis huesos, pero la película siguió abriéndome los ojos, a nuevas percepciones, nuevos temblores de empatía y una nueva apreciación de lo imponente que es Tina Turner. Una de las cosas que mejoran una biografía como esta es simplemente el paso del tiempo, y si viste a Tina Turner en vivo, o miraste clips de ella en los años 70, 80 o 90, es posible que hayas pensado que era increíble. (Me preguntaría por ti si no lo hicieras), pero abrió caminos de una manera tan imprevista que casi necesitas una película como “Tina” para dar un paso atrás y revelar, con perspectiva, la influencia gigantesca que fue. Cuando bailaba, cada parte de ella parecía moverse, un modo de furia extática que dejó su huella, más profundamente, en el espíritu demoníaco de Mick Jagger. Y cuando cantaba, con esa cremosa áspera, era un volcán en erupción de emoción. What’s Love Got to Do with It" contaba la historia de la fuga de Tina de Ike, infundiéndole una autenticidad aterradora. “Tina” lo cuenta inquietantemente, con Tina dibujando en la violencia y la manipulación, y su propia trascendencia lenta del miedo. Pero la otra revelación de la película es lo que viene después: no solo el final feliz de cómo Tina se reinventó a sí misma como la diva-guerrera solista de los 80 de "Private Dancer", sino todos los obstáculos que tuvo que superar durante casi una década. , para lograr ese éxito. Tenía dos hijos que cuidar, e Ike la obligó a pagar a los acreedores las fechas de sus giras canceladas. Para liberarse de él, le había dado todo en la corte de divorcios (joyas, autos, los derechos de todas sus grabaciones), conservando solo su nombre. Ahora tenía que pagar las cuentas, así que se fue a trabajar, a Las Vegas y a los cabarets. Se salió del camino, pero lo que la estaba arrastrando hacia abajo era su imagen pública. ¿Estaba todavía con Ike? (No, pero muchos no lo sabían.) Y si ella no lo era ... entonces, ¿quién era ella? Cuando consiguió a su nuevo gerente, Roger Davies (que estuvo con ella desde 1979 hasta 2000), fue él quien sugirió que hiciera pública su historia. Esa era la única forma en que iba a dejar a Ike atrás. Cuando lo hizo, se convirtió para el abuso doméstico en lo que Betty Ford fue para el alcoholismo: una narradora de la verdad que rompió las puertas del silencio. Tina le dijo a Davies que quería ser la primera mujer negra de rock 'n' roller en tocar en estadios como los Rolling Stones. Es algo asombroso decirlo: incluso antes de que sucediera, Tina lo vio todo, sabía lo que tenía. Pero cómo sucedió fue igual de asombroso. La canción que revolucionó su carrera, "What’s Love Got to Do with It", fue una canción que a Tina no le gustó. Ella pensó que era demasiado pop, y escuchamos una versión temprana de los drones británicos de synth-pop Bucks Fizz que lo hace sonar exactamente así. Pero en la grabación, Tina se dedicó tan profundamente a la voz que transformó la canción. Ahora sonaba como un capítulo de "La historia de Tina Turner", y esa convicción desbordante, dañada, de haberlo visto todo lo puso fin. Cuando se estrenó "Private Dancer", en 1984, Tina era una mujer negra de 44 años en un panorama pop dominado por hombres. (Escuchamos lo que dijo un ejecutivo entrante de Capitol Records sobre ella, y eso te da un escalofrío). Sin embargo, cuando la ves en el escenario durante este período, comprendes por qué triunfó. Ella no solo jugaba en estadios. Ella no solo se mantuvo firme en ellos. Ella los gobernaba. Se proyectó hacia afuera como pocos intérpretes en la historia del rock 'n' roll (en comparación con ella, incluso alguien como Robert Plant parece medio dormido). “Tina” finaliza con una actuación que dio en Río ante una multitud de 186.000 personas, y todos la acompañan. Ver "Tina" es sorprenderse por dos cosas: que Tina Turner no es simplemente una fuerza, sino un genio; y ese amor tiene mucho que ver con eso.
IMPERDIBLE.

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CINE DE CULTO

MADHOUSE

Mansión sangrienta.

VERSIÓN REMASTERIZADA.

SINOPSIS: Una estrella del cine de terror llamada Paul Toombs regresa al papel que le dió la fama después de doce años en una institución mental cuando una serie de macabros asesinatos empiezan a tener lugar. MUY BUENA. Hace ya bastante que indagando en la filmografía de Vincent Price me di de morros exquisitamente con esta magnifica cinta pero bajo otro nombre: "Casa de locos". La mezcla de los dos monstruos legendarios del terror me entusiasmo pues había sido una dilatada búsqueda hasta dar con este filme en el dichoso y muchas veces sorprendente Emule ya que en dvd ni existía y la cinta de video original tenia precios prohibitivos para mi. Me hizo una ilusión enorme ver juntos a estos dos inolvidables actores compartiendo estrellato en lo que es un súper clásico del terror en la década de los 70 muy al estilo Hammer pero mucho mas currada que las de la productora inglesa o las míticas de Lord Price basadas en los relatos de Allan Poe. Mansión sangrienta reúne los ingredientes necesarios para mantenerte alerta durante todo el metraje. Maquiavélicos personajes inspirados en el Doctor Phibes, majestuosos duelos interpretativos de estos dos monstruos del cine y suspense a raudales con final imprevisto que colma mis expectativas. Robert Quarry que no me hace ni fu ni fa y que es siempre muy pesado, gusta de repetir junto con Vincent Price y no faltan bellezas en el filme como la rubíta Lynda Hayden (El poder de la sangre de Dracula) o Natasha Pyne. Destacable también el papel completamente fuera de si de Adrianne Corri, conocida por sus varias incursiones en el terror como en "El circo de los vampiros" o en la distopica "La naranja mecánica". Una lastima tener que esperar tanto para ver a Price y Cushing juntos ya que en "La casa de las sombras del pasado" para mi llega ya un poco sin sentido aunque nunca es tarde si la dicha es buena. Esta gran cinta de terror se me recuerda bastante en muchos momentos a la legendaria "Los crímenes del museo de cera" y a otra de mis favoritas de Sir Price "Matar o no matar, éste es el problema", la indumentaria, su papel de actor atormentado, el suspense y originalidad en muchos de los cruentos crímenes de esta otra maravillosa peli de Douglas Hickox. MUY RECOMENDABLE.

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THE

VAMPIRE

LOVERS

Las Amantes del Vampiro.

VERSIÓN REMASTERIZADA.

SINOPSIS: Un joven caballero acude al castillo de los Karnstein para vengar la muerte de su hermana, muerta por los vampiros. Allí, tras apoderarse del sudario de uno de los vampiros, lo atrae hacia sí. Pero el terror lo paraliza, y sólo lo salva la cruz que pende de su cuello. Y entonces, decapita a una vampira. EXCELENTE. Para la Hammer no corrían los mejores tiempos a principios de los setenta; la gente quería más sexo y sangre y encima productoras de bajo presupuesto se lo ofrecían a los espectadores desde películas realizadas en Italia, Francia o España. La mítica productora británica no iba a perder el tren de los nuevos tiempos y se lanzó a la conquista de mercados con nuevos productos de terror más subidos de tono. Dentro de este capítulo se inserta quizá la mejor de ellas titulada “Las amantes del vampiro” (“The Vampire Lovers”), que supone un hito a lo que cine vampírico-lésbico se refiere. La historia está basada en los formidables relatos del irlandés Sheridan Le Fanu, auténtico inventor de la novela de vampiros con su obra “Carmilla” (1872), y aunque se trate de una adaptación muy libre, sí recoge el espíritu e intencionalidad de la trama. “The Vampire Lovers” es la primera película de la trilogía Karnstein de la Hammer donde se centra de forma evidente en mostrar lesbianismo y vampirismo. Se encargó de dirigirla un director como Roy Ward Baker, que es una especie de alumno menor de Terence Fisher, pero que tiene una filmografía bastante decente y que debería ser revisionada. Aunque lo mejor de la película es la presencia de un grande del género de terror como Peter Cushing, que aporta mucha calidad y peso, y sobre todo la belleza de mujeres como Madeline Smith, Kate O'Mara y sobre todo una irresistible actriz de origen polaco Ingrid Pitt que consigue a la perfección transmitir el morbo erótico que requiere la acción. Sin ser ninguna maravilla, consigue el objetivo que persigue, que es mezclar terror y erotismo de forma bastante eficiente, algo que en las sucesivas películas de los años setenta que se realizaron dicho objetivo quedó muy distante de obtenerse. IMPERDIBLE.

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MOSCA

The Fly.

VERSIÓN REMASTERIZADA.

SINOPSIS: Tras experimentar en sí mismo una transferencia de materia, un científico observa cómo su cabeza y un brazo empiezan a modificarse. EXCELENTE. Un brillante científico se obsesiona por perfeccionar una máquina que pueda transportar materia de un lugar a otro. Tras conseguirlo con éxito en sus primeras pruebas, decide experimentar con un humano, él mismo. Pero una mosca común se interpone y hace el camino con él, y cuando emergen del experimento, ambas criaturas han cambiado considerablemente. Este es el escalofriante relato de la lucha de un hombre por retener su humanidad, y del desesperado intento de una mujer por salvar a la persona que ama. La mosca es uno de los clásicos indiscutibles de la ciencia ficción de los cincuenta y principios de los sesenta. El guión de James Clavell toma un relato de George Langelaan, como base argumental para desarrollar una historia muy sólida presentada a través de un largo flashback. La película, sin unos efectos especiales espectaculares, y ambientada en apenas un par de escenarios distintos, la mansión de la familia de Andre y la fábrica, que este mismo comparte con su hermano François, logra entretener y atrapar al espectador desde un principio, dejando así mismo una reflexión moral, propia del género de ficción de aquellos años, que plantea los posibles peligros del progreso en una sociedad que todavía no esta preparada para asimilarlos, en este aspecto, el film contrapone muy bien el ambiente rural en el que se mueve la narración con el hallazgo científico, muy adelantado a su tiempo, de una máquina capaz de teletransportar materia. Estéticamente el film resulta correcto, Kurt Neumann dirige con habilidad, otorgando mayor importancia a la historia en si, que a la puesta en escena. Los movimientos de cámara son cadenciosos, con abundancia de planos medios reforzados por una matizada fotografía. El elenco actoral es escaso, destacando como protagonistas a Patricia Owens, en el papel de Helene y a Vicent Price, en el personaje de François. La música suena con fuerza en los instantes de máxima tensión del film y acompaña perfectamente con partituras de viento otros momentos más distendidos de la obra. En definitiva la mosca es ya una leyenda de la ciencia ficción dejando tras de si más de media docena de secuelas y sirviendo de inspiración para otros muchos títulos de posterior realización. Recomendable para todo aquel que quiera disfrutar de un largometraje bien construido y bastante absorbente. IMPERDIBLE.

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CINE CLÁSICO

VIOLÍN ROJO

The Red Violin.

VERSIÓN REMASTERIZADA.

SINOPSIS: En un taller de la Italia del siglo XVII, un maestro artesanal crea su obra definitiva, un violín perfecto y barnizado en rojo, para su hijo a punto de nacer. A partir de ese momento, el instrumento viaja de mano en mano desde Europa a Canadá, pasando por China, hasta la época actual. EXCELENTE. Esta película cuenta la historia a través de tres siglos de un precioso violín Stradivarius, desde su 'concepción', en 1861, hasta nuestros días. La película tiene tres puntos de interés claros. Por un lado, la narrativa utilizada es muy interesante, mezclando lo mejor de la linealidad temporal y 'rompiendo' esa regla durante toda la película para la primera y la última historia, que son los dos eslabones narrativos. Esta última, que se desarrolla en nuestros días, está hábilmente estructurada, repitiéndose y completándose cada vez que sabemos algún dato más de la historia del violín. El objetivo no es sino dotar de intriga y tensión a la última parte de la película, algo que se consigue. El segundo punto de interés está en el diseño de producción. La azarosa aventura del violín le lleva por todo el globo, desde Italia a Austria, pasando por Inglaterra, China y, por último, Canadá, pero con una diferencia de 300 años. Pues bien, todos estos lugares en cada una de sus épocas están conseguidos estupendamente. Quizás se lleven la palma las escenas que recrean Shanghai, seguidas de cerca por las que se desarrollan en Viena.Y, por último, como no podía ser de otra manera, la música. El violín es el protagonista, y se hace notar durante toda la partitura. Creo que ese año ganó el Óscar en este apartado. Pero los logros no acaban aquí, todos los actores están realmente bien. La fotografía es muy atrayente, porque huye de buscar las típicas 'postales' en la recreación de época para mostrar las escenas de una forma completamente realista, con puntos de luz naturales, incluidos la luz de las velas. La dirección está muy conseguida, y la narrativa es clara y precisa. Destacan algunas secuencias que muestran el paso del tiempo, muy bien resueltas. IMPERDIBLE.

1999: Oscar: Mejor Banda Sonora Original

1999: Nominada al Globo de Oro: Mejor película extranjera

1998: 8 Premios Genie (Canadá): Incluyendo Mejor Película, Mejor Director. 10 nominaciones.

1999: Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a Mejor banda sonora.

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SERIES Y MINISERIES

ROMANZO

CRIMINALE

1er TEMPORADA.

TEMPORADA COMPLETA.

12 EPISODIOS

4 DISCOS.

Título original: Romanzo criminale - La serie (TV Series)
Año: 2014-2016
Duración: 660 min.: Italia
Dirección: Stefano Sollima
Guión: Daniele Cesarano, Giancarlo De Cataldo, Barbara Petronio, Leonardo Valenti, Paolo Marchesini (Novela: Giancarlo De Cataldo)
Música: Pasquale Catalano
Fotografía: Paolo Carnera
Reparto: Francesco Montanari, Vinicio Marchioni, Alessandro Roja, Marco Bocci, Daniela Virgilio, Massimo De Francovich, Andrea Sartoretti, Riccardo De Filippis, Mauro Meconi, Edoardo Pesce, Marco Giallini, Lorenzo Renzi, Alessandra Mastronardi, Jesus Emiliano Coltoriti, Roberto Infascelli, Fausto Maria Sciarappa, Claudio Spadaro, Orlando Cinque, Ivano De Matteo, Fausto Paravidino, Giorgio Caputo, Alessandro Prete, Danilo Nigrelli, Dario D'Ambrosi, Antonella Attili, Edoardo Leo, Fabio Camilli, Simone Mori, Greta Scarano, Alberto Gasbarri, Antonio Gerardi, Vincenzo Tanassi, Carolina Felline
Productora: Sky Italia, Cattleya
Género: Serie de TV. Thriller. Drama | Crimen. Mafia. Drogas. Años 70. Años 80

SINOPSIS: Adaptación de la popular novela 'Romanzo criminale'. Narra el ascenso y caída de la banda de la Magliana, integrada por un grupo de jóvenes delincuentes que dominaron el narcotráfico en Roma a finales de los 70, llegando a establecer conexiones con la Mafia, la Camorra e incluso los Servicios Secretos Italianos. EXCELENTE. “Roma Criminal” es la segunda serie italiana que veo sobre la mafia. La primera fue “El capo de Corleone” (excelente serie donde las haya), y ambas me han parecido productos extraordinarios, de chapó. Tengo que admitir que me encanta este género, soy de los que disfrutan como un enano con las películas de la Cosa nostra, la Camorra, etc. No obstante, también he visto productos insípidos hasta la médula donde no es oro todo lo que reluce (como “American Gangster” por ejemplo). Con esto quiero decir que no es fácil hacer una serie de calidad sobre el mundo del hampa, y todavía menos del nivel de “Roma Criminal”. Esta serie no va a contarte nada que no hayas visto antes (ni tampoco lo hace de una forma original). La trama es de corte clásico, o sea, primero vemos a una pequeña banda de delincuentes que empieza a prosperar, luego se va haciendo cada vez más fuerte hasta ser los reyes del mambo y, finalmente, su inevitable decadencia. Durante el transcurso de esa transformación tendremos las habituales dosis de violencia, sexo, drogas, prostitución, juego, traiciones, venganzas, etc. De acuerdo que quizás esto te suene a mil veces visto, pero no por ello deja de ser atractivo si está bien hecho. Y de eso no tengas la más mínima duda, “Roma Criminal” es una serie cuidada con mimo en todas sus facetas. Lo primero que destaca nada más empezar la serie, aparte de ese magnífico preámbulo con el grito de: “¡yo estuve en la banda del libanés!”, es su impecable ambientación de la Roma de los años 70. Todo, repito, todo te transportará a aquella época como si de una máquina del tiempo se tratara. Es digno de alabanza el vestuario, las casas, los coches, las calles y hasta incluso la banda sonora con los éxitos italianos de los años 70. En resumen, extraordinaria recreación histórica propia de las superproducciones hollywoodienses. Otro acierto mayúsculo es su elenco de actores plagado de caras nuevas, de actores desconocidos que encarnan a personajes carismáticos e inolvidables (el libanés, el frío, el dandi, el terrible…). No son personajes planos o insustanciales, sino que están perfilados con maestría. Gran parte de la “culpa” del éxito de esta serie es de ellos sin ninguna duda. Y poco más voy a añadir, salvo que “Roma Criminal” es una serie apasionante que engancha desde el primer hasta el último capítulo. Su pulso narrativo es bueno, ni lento ni apresurado, es el idóneo para ir haciendo avanzar la historia y desarrollar a los personajes. Esta serie hará las delicias de todos aquellos que gusten del género de mafiosos. IMPERDIBLE.

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HIDE AND SEEK

Pryatki.

1er TEMPORADA.

TEMPORADA COMPLETA.

8 EPISODIOS

3 DISCOS.

Título original: Pryatki (TV Series)
Año: 2019-2021
Duración: 400 min.: Ucrania
Dirección: Simor Glasenko (Creador), Irina Gromozda
Guión:Simor Glasenko
Fotografía: Sergey Krutko
Reparto: Yuliya Abdel Fattakh, Vyacheslav Dovzhenko
Productora: Film.ua
Género: Serie de TV. Thriller. Intriga. Drama

SINOPSIS: En un apartamento corriente, un hombre y su hija juegan al escondite. Pero por mucho que busque a la niña, no aparece por ningún lado. Más tarde se publica un video que muestra a la niña sosteniendo un cartel con un misterioso conjunto de números. ¿Pero, qué quieren decir? Ella es la primera de varios niños que desaparecen sin dejar rastro en una pequeña ciudad industrial. Los jóvenes detectives Varta Naumova y Maksim Shumov se encargan del complejo caso. Ambos han experimentado un trauma en sus vidas y este caso les afecta a un nivel más profundo. EXCELENTE. Rara vez he visto un drama policial tan perfecto. Es tan bueno como algunos de los mejores que salieron de Suecia y Dinamarca hace unos años y mucho más espeluznante en su descripción de la realidad. Nada está barnizado o glosado. La fea realidad de la vida tal como la manejan los policías locales de esta ciudad industrial agonizante de dos bits en Ucrania se muestra en toda su realista crudeza. En el camino, algunas personas decentes quedan atrapadas en el inframundo criminal y otras son seducidas por las recompensas que se obtienen. Algunos pagan el precio de su participación en esta espantosa mafia de rivalidad despiadada y forcejeos por posición y dinero. Los dos detectives, Varta Naumova y Maksim Shumov, tienen sus propios demonios e historias. Una posible segunda serie está insinuada por una revelación implícita de quién causó el trauma de Varta y Maksim tiene asuntos pendientes con otros colegas que podrían poner en peligro su carrera. El trabajo de detective es minucioso e intuitivo. No hay nada que no se pueda creer en la forma en que se resuelve el caso. Y, obviamente, hay giros en el camino y también hasta el final. Pero no están ahí para tener efecto. Son parte de una trama muy humana con motivaciones humanas falibles tanto en su debilidad como en su compasión. IMPERDIBLE.

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PEDIDOS Y CONSULTAS: LATINTASINSOMBRAS@GMAIL.COM

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viernes, 2 de abril de 2021

ESTRENOS DEL MIÉRCOLES 7/3/2021

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