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ESTRENOS DE
LA QUINCENA
RED
ROCKET
El Cohete Rojo.
- Título original
- Red Rocket
- Año: 2021
- Duración: 128 min.
Estados Unidos- Dirección: Sean Baker
- Guion: Sean Baker, Chris Bergoch
- Fotografía: Drew Daniels
- Reparto: Simon Rex, Suzanna Son, Bree Elrod, Ethan Darbone
- Productora: Superprime. Distribuidora: A24
- Género: Drama. Comedia | Cine independiente USA. Comedia dramática. Sexualidad y pornografía
SINOPSIS: La cinta narra la historia de Mikey Saber, una antigua estrella del
porno que tras vivir la época dorada y ahora vivir en el absoluto
fracaso decide regresa a su ciudad natal de Texas. Sin embargo, sus
vecinos no están dispuestos a hacerle la vuelta nada fácil. Nadie le
quiere de nuevo cerca. Los habitantes de localidad son personas cuya
única forma de salir adelante es hacerse pasar por veteranos de guerra y
para vemder objetos militares o bien vender pasar droga a baja escala.
Sean Barker ofrece una visión realista del llamado sueño americano, a
través de unos personajes que viven de la mentira y el desprecio al
otro. EXCELENTE. Sean Baker con su película "Tangerine" nos sorprendió, con "The florida
project" nos emocionó, ahora con su último film "Red Rocket" nos
entusiasmó en el pasado Festival de cine de San Sebastián. Sin lugar a
dudas una de las mejores películas proyectadas en el certamen. Esta historia parece que suceda en un mundo de fantasía, pero al mismo
tiempo está empapada por una fuerte voluntad de captar la realidad donde
se mueven sus protagonistas. Está, por una parte, la enérgica música de
NSYNC, que suena antes siquiera de que hayamos tenido tiempo de ver
nada… y, por otra, está la primera imagen: los motivos de los asientos
acolchados de un autobús en marcha. El movimiento del vehículo, sumado a
la cercanía exagerada del plano detalle, hacen que todo vibre, como si
estuviéramos en una de las últimas películas de los Safdie. Y por ahí
van los tiros. Red Rocket consigue
retratar muy bien historias de personajes marginales en unos Estados
Unidos un poco decadentes. Simon Rex interpreta a la estrella del porno Mikey Saber, endeudado y
sin dinero regresa a su Texas natal, cuando aparece en la casa de su ex
Lexi (Bree Elrod), de la que huyo en el pasado para marcharse a Los
Ángeles. El recibimiento es malísimo por parte de ella y su suegra, pero
a regañadientes le dejan dormir allí una temporada con la condición de
que pague el alquiler. Mickey tiene mucho carisma y labia por lo que
pronto comienza a trapichear con marihuana para ganarse la vida... Al igual que hizo en Florida Project, las casas del pequeño pueblo de
Texas (se rodó en Galveston) están pintadas de colorines muy vivos, algo
que le da una estética especial algo apartada de la realidad y que
también claramente nos recordaba a su film anterior. Un casting impecable con actores poco conocidos, pero que abordan unos
papeles totalmente creíbles, odiosos y muchas veces bastante
despreciables, que mucha naturalidad consiguen hacerte reír, con las
situaciones locas en las que se ven envueltos. Una película muy grande, con un magnetismo especial que te atrapa de principio a fin a pesar de su larga duración. IMPERDIBLE.
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El Canto del Cisne.
1 NOMINACIÓN A LOS
GOLDEN GLOBE 2022
"MEJOR ACTOR DRAMA: Mahershala Ali"
- Título original
- Swan Song
- Año: 2021
- Duración: 112 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Benjamin Cleary
- Guion: Benjamin Cleary
- Música: Jay Wadley
- Fotografía: Masanobu Takayanagi
- Reparto: Mahershala Ali, Naomie Harris, Glenn Close, Awkwafina, Adam Beach, Jayr Tinaco, Lee Shorten, Nyasha Hatendi, Dax Rey
- Productora: Anonymous Content, Apple, Concordia Studio, Know Wonder. Distribuidora: Apple TV+
- Género: Ciencia ficción. Drama
SINOPSIS: Ambientada en un futuro cercano, narra la historia de Cameron
(Mahershala Ali), amante esposo y padre de familia al que diagnostican
una enfermedad terminal, y a quien su médico (Glenn Close) ofrece una
solución alternativa que podría evitarle a su familia el dolor del
duelo. Mientras Cam decide sobre si debe alterar o no el destino de su
familia, aprenderá más sobre la vida y el amor de lo que jamás hubiera
imaginado. MUY BUENA. Muchos se quejaban de que Mahershala Ali tardaba demasiado en alcanzar
papeles protagónicos en cine (lo había conseguido sí hace tres años en
la tercera temporada de la serie True Detective), pero con dos premios Oscar como intérprete secundario por Moonlinght: Luz de Luna y Green Book: Una amistad sin fronteras ya había hecho méritos suficientes para ser considerado una estrella de Hollywood. En El canto del cisne tiene no uno sino dos personajes como para contrarrestar tamaña injusticia. Ali
es Cameron, un diseñador gráfico e ilustrador que está casado con Poppy
(Naomie Harris), que está embarazada y con quien ya tienen otro hijo.
El matrimonio no está pasando por su mejor momento, pero se nota que el
amor sigue estando presente. Cameron sufre de una enfermedad terminal y
los diagnósticos son cada vez peores. Sin embargo, no se anima a
contarle la verdad a sus seres queridos. Como estamos en algún momento
del futuro, se le ofrece una solución: en un laboratorio manejado por la
científica Jo Scott (Glenn Close) pueden hacer un tratamiento con ADN
para conseguir una exacta réplica suya, una suerte de clon perfecto que
copia no solo su aspecto sino al que pueden transmitírsele también todas
las características de su personalidad y los recuerdos acumulados hasta
ese momento. Así, mientras su salud se degrada, ve cómo su doble se va
incorporando a la dinámica de la que fuera su familia. El guion del debutante Benjamin Cleary -que remite por momentos a diversos episodios de la serie Black Mirror, Ex Machina, Eterno resplandor de una mente sin recuerdos y The Truman Show-
plantea cuestiones psicológicas, éticas y filosóficas bastante
inquietantes y, aunque las resoluciones no son particularmente sutiles,
tampoco cae en la demagogia, la manipulación ni la bajada de línea
horrorizada o aleccionadora. Con una puesta (quizás demasiado) elegante (piensen en un look publicitario con todos los gadgets imaginables y el tema Idioteque
de Radiohead pero en versión instrumental de Wooden Elephant de fondo),
Cleary deja el camino despejado para que Ali vaya de la contención
inicial a los inevitables celos y contradicciones íntimas para luego dar
rienda suelta a una genuina emoción. MUY RECOMENDABLE.
2021: Globos de Oro: Nominada a mejor actor principal drama (Ali)
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Memoria.
PRESELECCIONADA AL OSCAR 2022 "MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL POR "COLOMBIA".
- Título original
- Memoria
- Año: 2021
- Duración: 136 min.
Colombia- Dirección: Apichatpong Weerasethakul
- Guion: Apichatpong Weerasethakul
- Música: César López
- Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom
- Reparto: Tilda Swinton, Daniel Giménez Cacho, Jeanne Balibar, Juan Pablo Urrego, Elkin Díaz, Daniel Toro, Agnes Brekke, Jerónimo Barón, Constanza Gutiérrez
- Productora: Coproducción Colombia-Tailandia-Francia-México-Reino Unido-Alemania;Kick the Machine, Burning Blue, Piano Producciones, Illuminations Films, Anna Sanders Films.
- Género: Drama.
- VERSIÓN SUBTITULADA EN CASTELLANO.
SINOPSIS: A Jessica (Tilda Swinton), botánica británica establecida en Colombia,
la despierta una noche un sonido como de otro mundo. La protagonista
emprende un viaje hasta el corazón de la selva en busca del origen de
este ruido que solo ella parece oír. MUY BUENA. El cine de Apichatpong Weerasethakul es un misterio de lo intangible, su
filmografía se centra principalmente en la intuición donde el poder
simbólico sobrepasa el tradicional ‘instrucción, nudo y desenlace’ para
hacer una sopa de sensaciones que se abren y cierran constantemente; su
línea se basa más en la fuerza de la expresión y la relación que
establecemos con la vida y la muerte, de los miedos e inseguridades, de
la futilidad de la existencia y sus complejidades que en las narrativas
simples u orales-tradicionales. El particular estilo de Apichatpong lo catapulta como un artista que
sobrepasa la capacidad tradicional de comunicación que lo ha hecho un
director icono de nuestro tiempo, por ello confunde, deja perplejo al
espectador por su visión metafísica de la vida donde sueños,
percepciones, miedos, recuerdos y por supuesto la memoria son ejes
fundamentales de la sopa que hace de sus creaciones; y sí, es una sopa
porque abarca guerras, fantasmas, extraterrestres, recuerdos,
espejismos, virus, poesías inconclusas, plantas, sentimientos, toda una
multivocalidad de elementos en una sola idea de la que no es ajena en
Memoria. La película lleva su marca, planos largos y fijos, paisajes envolventes,
sueños (tanto para los espectadores como los personajes principales)
silencios y contemplaciones. Su nombre hace eco a la realidad colombiana
si a eso se le suma el primer acercamiento que la mayoría de
colombianos tuvieron de la película fue la postura del elenco apoyando
las protestas en Colombia y divulgando la violación de derechos humanos
por muertes a causa de la policía colombiana a jóvenes que protestaban, y
la el exceso de la fuerza del ESMAD (escuadrón móvil antidisturbios), a
su vez que su nombre ( Mrmoria, el de la película) evoca a la
reconstrucción la historia, y es que efectivamente en Colombia se suele
relacionar la memoria con base a la reconstrucción del pasado, y en
términos de violencia, para la no repetición de hechos victimizantes. Apichatpong viene de un país que ha sufrido controles militares,
desapariciones y muerte, él sabe de qué habla cuando de dolor y
desaparecidos se trata, y aunque Memoria tiene tantos matices y
contrastes en los que el vidente y sobre todo la escucha puede perderse,
debe esforzarse para captar la trama, y está película sin duda tiene
una posición política que se demuestra en las escenas de los soldados en
las carreteras, de las conversaciones en el restaurante, el panico en
la calles ante cualquier ruido, un pinchazo de carro que evoca la epoca
de atentados, y sobre todo en el sonido de los cuerpos, ese sonido
bestial, ese estruendo que atemoriza y que es el factor principal de la
trama que finalmente es la carga histórica de todos aquellos enterrados,
de esos espíritus que acompañan a la protagonista, es un sonido de
ultratumba, del fondo de la tierra, pero que tiene una relación directa
no solo con el más allá, sino con el espacio mismo y lo que otras
especies ven en la humanidad, lo que ellos quieren captar como
transmisores y que al final cargamos todos los colombianos en los
cientos de cuerpos desconocidos que están por ahí, regados como semillas
de orquídeas enfermas de hongos. Memoria comienza con un estruendo que escucha una mujer y que tendrá
relación con el sueño, la muerte, fantasmas, extraterrestres, una carga
histórica de un lugar, de un objeto porque son estos, los objetos, las
piedras las que cargan la memoria. Ella Jesica, (Tilda Swinton) como
pasaría en Pedro Paramo, nos llevará a conocer personajes que podrían
estar o no vivos, como se dirá en la película: “para qué televisión,
cine, deporte si cada objeto está lleno de historias y memorias.” Memoria es cine lento que hace de la lentitud el ritmo necesario en el
que la vida se contempla a sí misma, es ficción y es historia, será
difícil entender cosas como los extraterrestres y encontrarles relación
con los sucesos y lo qué esperamos encontrar, para muchos puede ser
decepcionante porque es una película más simbólica que literal y nos da
memoria no como en Colombia se acostumbra a entenderse o trabajarse,
pero sí, sigue siendo política y reflexiva. Para quienes la vean sin ser colombianos es importante afirmar que la
película no se graba en el Amazonas, se graba en Bogotá y la zona andina
de Colombia; el país tiene una de las cifras más altas de desaparecidos
forzada interna con más de 70.000 desaparecidos desde 1975 al 2022; en
bogotá era frecuente en los 90's escuchar estruendos de carros bombas en
las calles, es el país más peligroso para sindicalistas y defensores de
derechos humanos, sin contar la cantidad de masacres de los últimos
años que contando solo lo corrido del 2021 supera las 30; es el país que
más fosas comunes urbanas tiene entre las que se encuentra la más
grande del mundo ubicada en la ciudad de Medellín (donde vive la
protagonista de la historia); su planta principal y más representativa
es la orquídea que sale en la película y es tratada simbólicamente, no
solo porque el personaje principal (Jesica) la colecciona, sino por las
infecciones que la acarrean; y con obras que buscan llevar ‘desarrollo’ a
las regiones, pero que a su vez implican demoras de años, como los
tuneles que atravisan muntañas que duran años en construcción, suman
desfalco de recursos a causa de la corrupción, sumado a un hermoso
territorio con imponentes paisajes, por ello no es de extrañar que
Apichatpong lo eligiera para su historia, o entrados en la trama de la
película, para que los extraterrestres también, como fiel homenaje del
director a Odisea en el espacio. MUY RECOMENDABLE.
-
2021: Festival de Cannes: Premio del Jurado (ex aequo)2021: Festival de Sevilla: Sección Oficial.2021: Festival de Mar del Plata: Sección Autoras y Autores.
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CAT
El Gato Amarillo.
PRESELECCIONADA AL OSCAR 2022 "MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL POR "KAZAJSTÁN".
- Título original
- Sary mysyq (Yellow Cat)
- Año: 2021
- Duración: 90 min.
Kazajstán- Dirección: Adilkhan Yerzhanov
- Guion: Adilkhan Yerzhanov, Inna Smailova
- Música: Alim Zairov, Ivan Sintsov
- Fotografía: Yerkinbek Ptyraliyev
- Reparto: Azamat Nigmanov, Kamila Nugmanova, Sanjar Madi, Yerzhan Zhamankulov, Yerken Gubashev, Nurbek Mukushev
- Productora: Coproducción Kazajstán-Francia; Zerde Films, Short Brothers, Kazakh Film, Arizona Productions
- Género: Drama. Mafia.
SINOPSIS: Kermek, un ex convicto y su querida novia Eva, quieren dejar atrás su vida criminal en Kazajistán. Él tiene un sueño: construir un cine en las montañas. ¿Podrá el amor que siente Kermek por Alain Delon ser lo suficientemente fuerte como para alejarse definitivamente de las violentas garras de la mafia? MUY BUENA. Yellow Cat, de Adilkhan Yerzhanov, es una de las películas que participa en la sección Orizzonti del Festival de Cine de Venecia. El director es uno de los cineastas más importantes de Kazajistán, cuyos trabajos más recientes son las películas Atbai's Fight y A Dark-Dark Man, estrenadas el año pasado.La historia se desarrolla en un entorno bastante clásico “en medio de la nada”: la inhóspita estepa kazaja. Seguimos las desventuras de un exconvicto, llamado Kermek (interpretado por Azamat Nigmanov), un hombre extraño vestido con una camisa hawainana amarilla y un sombrero de fieltro. Kermek quiere encontrar trabajo, pero el agente de policía del lugar, Bozoy, decide reclutarlo para cometer delitos con su banda de delincuentes de poca monta. Sin embargo, Kermek es un hombre torpe, fanático de El silencio de un hombre, de Jean-Pierre Melville (1967) —quizás la única película que ha visto y que tampoco ha visto entera— y tiene un sueño poco habitual: abrir un cine en algún lugar de la estepa, en una parcela de tierra propiedad de su tío. Después de un enfrentamiento surrealista con Bozoy y de robarle dinero a un mafioso local, huye con una prostituta pelirroja llamada Eva (Kamila Nugmanova). La película entera, dividida en siete capítulos, cada uno presentado por un dibujo infantil, es rica en situaciones absurdas y transmite al espectador una sensación peculiar —pero nada novedosa— de ver algo entretenido pero desconcertante. Las referencias cinematográficas más representativas de dicha sensación podrían ser los hermanos Cohen o David Lynch [en particular, la película de Yerzhanov podría considerarse una versión centroasiática más lenta e infantil de Corazón Salvaje, de Lynch (1990)]. Ambas películas tienen varias cosas en común, como el género de la comedia negra, una comunidad extraña que rodea a la pareja protagonista, secuencias de acción torpes, un paisaje poco poblado y dos personajes principales perseguidos durante la mayor parte de la historia. MUY RECOMENDABLE.
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EL HOMBRE
PERFECTO
I´m your man.
Ich bin dein Mensch .
- PRESELECCIONADA AL OSCAR 2022 "MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL POR "ALEMANIA".
- Título original: Ich bin dein Mensch
- Año: 2021
- Duración: 105 min.
Alemania- Dirección: Maria Schrader
- Guion: Jan Schomburg, Maria Schrader. Historia: Emma Braslavsky
- Fotografía: Benedict Neuenfels
- Reparto: Dan Stevens, Maren Eggert, Sandra Hüller, Hans Löw, Annika Meier, Jürgen Tarrach, Wolfgang Hübsch, Helena Hentschel, Falilou Seck
- Productora: Letterbox Filmproduktion
- Género: Comedia | Comedia romántica
SINOPSIS: Alma (Maren Eggert) es una científica que trabaja en el famoso museo
Pergamon de Berlín. De cara a obtener fondos para su investigación
acepta participar en un estudio fuera de lo normal. Durante tres semanas
vivirá con un robot humanoide que está programado para encajar con su
personalidad y necesidades. Así es como Alma conoce a Tom (Dan Stevens),
una máquina altamente desarrollada que ha sido creada única y
exclusivamente para hacerla feliz. EXCELENTE. Pero quizás sí el algoritmo que lo pueda diseñar. La película alemana
I´m Your Man (2021), Ich bin dein Mensch en su idioma original, es una
muy inteligente comedia romántica que a partir de un elemento de ciencia
ficción cuenta la relación entre una antropóloga y un androide. Basada en un cuento de la escritora Emma Braslavsky y dirigida por Maria
Schrader (realizadora de varios capítulos de la serie Unorthodox), I´m
Your Man vuelve sobre uno de los temas universales de la literatura, las
artes, el cine y el paso del hombre por este mundo: el amor. Pero no se
trata de una aproximación más sino de un relato actual, en partes
iguales agridulce y cómico, sobre los avatares de conseguir una pareja,
construir una relación y convivir. Alma (Maren Eggert) es una antropóloga que estudia el discurso en
fuentes de la antigüedad provenientes de la Mesopotamia y forma parte de
un experimento de lo más actual. Con ambos aspectos se tocan el pasado
más remoto, el presente y el futuro de la humanidad. Y su nombre,
además, remite a lo que supuestamente falta en su compañero, el alma. Tom (Dan Stevens, el protagonista de la inquietante The Guest de 2014)
es un androide creado por una compañía que está dando sus primeros pasos
en el diseño de parejas supuestamente ideales. Alma es contactada para
participar de una prueba, en la que tendrá que convivir con su amante
robótico durante tres semanas. La antropóloga lo hace bajo la promesa
que luego recibirá apoyo para viajar a Estados Unidos y continuar con
sus investigaciones. Alma, en principio, es una mujer independiente, que vive sola y dedicada
a su profesión. Su anterior pareja terminó luego de que ella perdió un
embarazo y en la actualidad no luce interesada ni en conocer a nadie ni
en iniciar una relación amorosa. A su vez, Tom está diseñado en base de
un algoritmo que, a partir de la acumulación de interacciones,
supuestamente mejora la experiencia del usuario, que en este caso no es
otra que Alma. La película es pródiga en escenas cómicas y desarrolla su planteo con la
suficiente ambigüedad como para no dar un mensaje unívoco. Lo que
Schrader hace es explorar el mundo actual de relaciones amorosas,
algoritmos, mujeres fuertes y responsabilidad afectiva con la suficiente
inteligencia como para construir un relato que goza de frescura y
liviandad mientras aborda un puñado de grandes temas. Y hace todo eso sin descuidar el componente de ciencia ficción, en clave
pesimista, bajo la idea no de que todo pasado fue mejor, sino de la
certeza de que todo futuro será peor. La vida de Alma que en principio
busca rescatar las bondades del baúl de la historia y desprecia los
últimos avances tecnológicos así lo sugiere. Hasta que Tom y su
algoritmo logran sonsacarle la primera la sonrisa…IMPERDIBLE.
-
2021: Festival de Berlín: Oso de Plata a la mejor interpretación principal (Eggert)2021: Premios Goya: Nominada a mejor película europea2021: Festival de Valladolid - Seminci: Sección Oficial2020: 4 Premios del Cine Alemán: incluyendo mejor película y director. 5 nom.
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POST MORTEM
Post Mortem.
PRESELECCIONADA AL OSCAR 2022 "MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL POR "HUNGRÍA".
- Título original
- Post Mortem
- Año: 2021
- Duración: 115 min.
Hungría- Dirección: Péter Bergendy
- Guion: Péter Bergendy, Gábor Hellebrandt, Piros Zánkay
- Música: Attila Pacsay
- Fotografía: András Nagy
- Reparto: Viktor Klem, Fruzsina Hais, Schell Judit, Andrea Ladányi, Zsolt Anger, Gábor Reviczky, Gabriella Hámori, András Balogh, Diána Kiss, Mari Nagy, Ildikó Tóth, Eszter Kiss, Tamás Miklós Hajdu.
- Productora: Szupermodern Stúdió
- Género: Drama Fantástico. Intriga | Sobrenatural. Fantasmas
SINOPSIS: En el frío invierno de 1918, Tomás, un joven que se dedica a la
fotografía "post mortem", termina en un pequeño pueblo húngaro. Los
extraños ruidos nocturnos, la hostilidad de las gentes, las muertes
misteriosas y las figuras sombrías que aparecen en sus fotografías lo
impulsan a largarse cuanto antes. Pero Tomás regresa a la aldea para
investigar las intenciones de los fantasmas y encontrar una manera de
librarse de ellos. MUY BUENA. Estupendo thriller húngaro con una historia basándose en la
alta mortalidad causada por la Primera Guerra Mundial y la gripe
española en 1918, muchos fantasmas se han quedado errantes en nuestro
mundo acosando a los vivos. Tomás es un joven fotógrafo post mortem que llega a un pequeño pueblo
húngaro durante un frío invierno después de la gran guerra mundial, allí
conocerá a Anna una extraña niña huérfana de 10 años que vive con su
tía. Juntos comenzarán a desentrañar las misteriosas apariciones de
numerosos espectros en el pueblo. Las apariciones continuas se van agravando a medida que fotografía los
cadáveres de la gente que muere, incluso en todas las instantáneas
aparecen sombras de figuras extrañas. Se anuncia como la primera película de terror húngara, no sé si será
cierto, pero la verdad es que cumple perfectamente con las normas de
este género, con momentos de terror muy bien conseguidos, una atmosfera
apropiada y una historia espeluznante. Tercera película del director Péter Bergendy y primera en el género de
terror, las otras dos The Exam (2011) y Trezor (2018) eran unos
thrillers de espías. El guion corre a cargo de Péter Bergendy, Gábor
Hellebrandt y Piros Zánkay. MUY RECOMENDABLE.
2021: Festival de Sitges: Premio del Público.
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Mass.
- Título original
- Mass
- Año: 2021
- Duración: 110 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Fran Kranz
- Guion: Fran Kranz
- Música: Darren Morze
- Fotografía: Ryan Jackson-Healy
- Reparto: Jason Isaacs, Martha Plimpton, Ann Dowd, Reed Birney, Breeda Wool, Michelle N. Carter, Kagen Albright
- Productora: 7 Eccles Street, Circa 1888, 5B Productions
- Género: Drama
SINOPSIS: Años después de que el hijo de Richard (Reed Birney) y Linda (Ann Dowd)
causase una enorme tragedia, Jay (Jason Isaacs), y Gail (Martha
Plimpton) están por fin dispuestos a hablar en un intento por tratar de
seguir adelante con sus vidas. EXCELENTE. Mass es el debut como guionista y director de Fran Kranz. Kranz lleva
actuando en Hollywood desde finales de los 90, y si su nombre no os
suena de nada, no os preocupéis: a mí tampoco. Por no ponerle, no le
pongo ni cara, vaya. Su papel más relevante (mirando su historial en
IMDb) fue en la serie Dollhouse, y de eso hace más de diez años. Igual
no ha tenido suerte, o igual simplemente no es un buen actor. No tengo
ni idea. Lo que sí tengo bastante claro es que, a partir de ahora, voy a
tener su nombre grabado a fuego, porque este señor ha rodado la que
puede ser, por ahora, mi película favorita de 2021. Mass es de esas películas en las que todo sucede entre cuatro paredes, y
aunque en la sinopsis de esta página se menciona algo, creo que es
mejor sumergirte en ella sabiendo lo menos posible sobre lo que cuenta.
Yo, al menos, no lo sabía, y durante los primeros veinte o veinticinco
minutos, la película no te lo dice. A los cuatro protagonistas les une
algo jodido, eso está claro. Nos lo hace saber el montaje, y también el
silencio, que es casi un personaje más. La tensión es, durante un
tiempo, asfixiante. Entonces, Gail saca una foto, y la reacción de Linda
nos dice todo lo que necesitamos saber. Mass es una experiencia dolorosa. Muy dolorosa. Hacía tiempo que una
película no me hacía sentir tantísima empatía por sus personajes, y esto
se consigue tomando un puñado de decisiones que un producto menor no
habría tomado y que me parecen tremendamente acertadas. Mass prescinde
deliberadamente de banda sonora, porque Kranz entiende que la música
convertiría el ejercicio en banal y deshonesto, y si algo demanda esta
historia es honestidad. También es paciente. Se toma su tiempo, deja a
las escenas respirar y desarrollarse de forma orgánica. Su determinación
por evitar el melodrama es evidente a cada paso, y hace que la historia
crezca y gane entidad. Los personajes son volátiles e imperfectos,
prometen y se desdicen, justifican lo injustificable, intentan controlar
sus sentimientos, lo cual es, dadas las circunstancias, imposible.
Están irremediablemente rotos, pero siguen siendo profundamente humanos,
tal vez más de lo que lo fueron nunca. Como resultado, los golpes
emocionales a los que se someten y a los que someten al espectador son
continuos, y a menudo, devastadores. Cada película es un mundo, ya lo sabemos. Cada una tiene sus viajes y
sus necesidades. Donde una película como Mass nace y muere es en el
talento de sus cuatro intérpretes, y no puedo más que aplaudirlos a
todos ellos. Primero, porque el guion los hace pasar por un calvario. No
debe de ser nada fácil plantarte en un set y mostrarte tan vulnerable
delante una cámara. Y segundo, y supongo que aún más importante, porque
el trabajo de todos ellos es sensacional. Mola ver a Jason Isaacs, actor
acostumbrado a ser el secundario, el villano, o el villano secundario,
en un papel como este, uno que le permite expandir su rango y salir de
su zona de confort, y lo hace con muchísima habilidad, en la que
probablemente sea su mejor interpretación hasta la fecha. Fantásticos
también Reed Birney y Martha Plimpton (qué de tiempo hacía que no veía a
esta mujer), en actuaciones más retraídas, menos vistosas, pero no por
ello menos valiosas. A pesar de todo, creo que la mejor interpretación
es la de Ann Dowd. Es tremendo lo que hace esta mujer. Consigue darle
tantísima complejidad a su personaje y transmitir su agonía de manera
tan descarnada que a ratos se hace difícil de soportar. Nunca entenderé
por qué esta pedazo de actriz se pasó tanto tiempo atrapada en proyectos
de mierda. Cuánto nos hemos perdido. En fin, no quiero decir mucho más porque temo joderle la experiencia a
alguien. Solo diré que Mass es de todo menos un visionado fácil. Es tan
exigente consigo misma como con el espectador, y es tan dramática, tan
intensa y tan claustrofóbica, tanto física como emocionalmente, que creo
que puede hacerse muy cuesta arriba para más de uno. Jamás se la
recomendaría a mi madre, por ejemplo. Pero a mí me ha parecido
excelente. No se puede decir que la haya disfrutado, porque es difícil
"disfrutar" con una película tan dura y tan lacerante como esta, pero
creo que es un producto de altísimo nivel, con un guion prácticamente
impecable, de enorme complejidad temática y resonancia emocional, un
montaje acertadísimo en su aridez y concisión y unas interpretaciones
exquisitas (joder, hasta Breeda Wool, que aparece en dos escenas, está
estupenda). IMPERDIBLE.
-
2021: Critics Choice Awards: Nominada a mejor actriz secundaria (Ann Dowd)2021: Premios Independent Spirit: Premio Robert Altman y nom. mejor guion novel2021: Premios Gotham: Nominada a mejor interpretación de reparto (Birney)
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FORTUNE
AND FANTASY
Rueda de la Fortuna y la Fantasía.
- Título original
- Guzen to sozo
- Año: 2021
- Duración: 121 min.
Japón- Dirección: Ryûsuke Hamaguchi
- Guion: Ryûsuke Hamaguchi
- Fotografía: Yukiko Iioka
- Reparto: Kotone Furukawa, Ayumu Nakajima, Hyunri, Katsuki Mori, Shouma Kai, Kiyohiko Shibukawa, Fusako Urabe, Aoba Kawai
- Productora: Fictive, Neopa Co. Productor: Satoshi Takata
- Género: Drama | Película de episodios
SINOPSIS: Contada en tres movimientos, es una colección de historias
protagonizadas por personajes femeninos que trazan las trayectorias
entre sus elecciones y arrepentimientos. Un triángulo amoroso
inesperado, una trampa de seducción fallida y un encuentro que resulta
de un malentendido. EXCELENTE. La ruleta de la fortuna y la fantasía cuenta tres historias a modo de
cuentos sobre las relaciones sociales en el mundo contemporáneo. Están
protagonizadas por personajes femeninos que se redimen de sus
actuaciones reconciliándose con su pasado. Cada una muestra distintas
formas de enfrentarse a los problemas y de aprender a tomar el camino
adecuado para reconducir su vida. Compleja en sus diálogos y simple en
las estructuras nos transporta a una serie de cuentos con moraleja. Ryûsuke Hamaguchi es conocido por la complejidad de sus historias, en
las que trata una gran variedad de temas. Ilustra la sociedad del siglo
XXI a través de sus problemas y de individuos independientes que
necesitan mirar al pasado para reconducir su presente. Historias sobre
un triángulo amoroso inesperado, una trampa de seducción fallida y un
encuentro que resulta de un malentendido, todas ellas con el amor en el
centro de todo. La ruleta de la fortuna y la fantasía narra tres relatos en los que los
personajes quieren ser felices, pero se lo impiden a sí mismos, hasta
que deciden tomar la elección adecuada. Ryûsuke Hamaguchi plantea un
mundo ideal en el que todos aprendemos de nuestros errores y obramos con
bondad tras habernos dado una segunda oportunidad. Lo hace en formato
de cuento con moraleja para ilustrar con ironía las complicaciones de la
vida, planteando un mundo idílico que ojalá se hiciera realidad. La ruleta de la fortuna y la fantasía está seccionada en tres
reconciliaciones perfectamente calculadas con una duración similar.
Cuenta con distintos personajes y actores que se acercan a un mismo tema
a través del amor y la magia de lo cotidiano, todo ello bajo un mismo
tema y estructura. Cada historia está contada con una estructura muy
clara de los hechos, que es atrayente e hipnótica. Ryûsuke Hamaguchi estructura de igual forma la obra con la cámara a
través de planos largos de conversaciones sobre la vida, en las que los
personajes cuentan historias propias y ajenas. En ‘Drive my car’ (2021)
emplea el mismo tipo de narrativa visual en la que el plano cuenta por
sí solo sin intervención del montaje, simplemente con la mirada, la voz y
el movimiento interno de los personajes. La ruleta de la fortuna y la fantasía está llena de grandes actuaciones
que con pocos elementos muestran lo cotidiano de la vida. Actuaciones
muy creíbles de personas comunes con gran complejidad en el interior.
Con ello saca a relucir el carácter pausado y reflexivo de la sociedad
japonesa. La ruleta de la fortuna y la fantasía es una de las últimas películas
del director japonés Ryûsuke Hamaguchi. La segmentación de la obra en
tres partes hace que sea más fácil de digerir que la maravillosa ‘Drive
my car’. Cada una de las historias es interesante individualmente y, a
su vez, presenta unidad narrativa. Cuenta con una estructura impecable
que sin duda le hacen consolidarse como uno de los grandes guionistas
del panorama actual. La ruleta de la fortuna y la fantasía refleja a la perfección conflictos
cotidianos que puede vivir cualquier mujer, un tríptico que forma una
sola identidad. Una obra para disfrutar en la sala de cine, en la que
los sonidos de la ciudad interrumpen el silencio y la pausa de las
conversaciones. El 5 de noviembre es un día con grandes estrenos de
películas que emplean la simpleza para contar grandes conflictos. IMPERDIBLE.
2021: Festival de Berlín: Oso de Plata - Gran Premio del Jurado.
TRAILER
TRANSPORTAN
A MORTE
Ellos transportan la muerte.
- Título original
- Eles transportan a morte
- Año: 2021
- Duración: 75 min.
España- Dirección: Samuel M. Delgado, Helena Girón
- Guion: Samuel M. Delgado, Helena Girón
- Música: Camilo Sanabria
- Fotografía: José Ángel Alayón
- Reparto: Nuria Lestegás, Sara Ferro, Xoán Reices, Valentín Estévez, David Pantaleón
- Productora: Coproducción España-Colombia; Blond Indian Films, El Viaje Films, Filmika Galaika S.L, La Banda Negra
- Género: Drama | Conquista de América. Siglo XV
SINOPSIS: 1492. Entre la tripulación de Cristóbal Colón viajan tres hombres que ya deberían haber muerto. Han conseguido evitar sus condenas participando en el incierto viaje, pero al llegar a las Islas Canarias, huyen cargados con una de las velas de la embarcación. Mientras, en el Viejo Mundo, una mujer trata de salvar a su hermana moribunda, con la esperanza de que una curandera pueda ayudarla. Ambos viajes tratan de burlar a la muerte. Ambos viajes están a merced del tiempo y de la Historia. MUY BUENA. Aunque técnicamente se trata de una coproducción entre España y Colombia, Eles transportan a morte bien podría ser considerada en el terreno artístico como una coproducción entre Galicia y las Canarias. No solo porque se rodó durante cuatro semanas en locaciones naturales de Ourense y Tenerife sino porque esa misma combinación se da también en los orígenes de los codirectores: Helena Girón (nacida en Santiago de Compostela) y el canario Samuel M. Delgado. Las películas se hacen porque pueden y quieren hacerse, pero si habláramos de pertinencia Eles transportan a morte es un film importante en el actual contexto español con la derecha (y aún más la creciente extrema derecha) reivindicando los aspectos más nefastos de la Conquista de América. En ese sentido, este pequeño fresco va contra lo más recalcitrante de “la historia oficial” para ofrecer una mirada cuestionadora y decididamente revisionista. Estamos en 1492 en unas islas Canarias que deben ser conquistadas como paso previo al viaje al Nuevo Mundo. Vemos que tres tripulantes del primer viaje de Cristóbal Colón, que embarcaron solo para conmutar sus penas de muerte, huyen arrojándose al mar embravecido sobre una vela de una de las carabelas. Mientras intentan sobrevivir en un contexto geográfico y climático muy adverso, son perseguidos por las tropas. Y hay una segunda subtrama, la de una mujer que recurre a los servicios de una curandera para tratar de salvar a su hermana moribunda. Una “bruja” y un burro se convertirán entonces en dos presencias esenciales de esta película rodada en 16mm y hablada íntegramente en gallego. Mitos y leyendas, naturaleza salvaje y fantasmas, observación y deriva. Eles transportan a morte remite más a Aguirre, la ira de Dios, al cine histórico Albert Serra o a la apuesta de Lisandro Alonso en Jauja que al cine de aventuras tradicional. La dupla se arriesga con la inclusión de imágenes deformadas, “anacrónico” material de archivo (como la filmación de la erupción de un volcán en 1971) y citas literarias (La bruja, Jules Michelet) para un patchwork visual que resulta fascinante en buena parte de sus 75 minutos. Lo cierto es que, aun con su rigor, su austeridad y cierto minimalismo narrativo, la película de Delgado y Girón no deja de ser una interesante alegoría (advertencia) política respecto de los males que la Europa colonialista “exportó” al resto del mundo. Cualquier semejanza con la realidad no es mera coincidencia. MUY RECOMENDABLE.
2021: Festival de San Sebastián - Sección Zabaltegi: mención especial.
2021: Festival de Mar del Plata: Competencia Oficial.
TRAILER
NEVER GONNA
SNOW AGAIN
Nunca volverá a nevar.
- Título original
- Never Gonna Snow Again
- Año: 2021
- Duración: 116 min.
Polonia- Dirección: Malgorzata Szumowska, Michal Englert
- Guion: Michal Englert, Malgorzata Szumowska
- Fotografía: Michal Englert
- Reparto: Alec Utgoff, Agata Kulesza, Maja Ostaszewska, Weronika Rosati, Katarzyna Figura, Jaroslaw Milner, Andrzej Chyra, Krzysztof Czeczot, Lukasz Simlat
- Productora: Coproducción Polonia-Alemania; Lava Films, Match Factory Productions, Kino Swiat, Maziowiecki Fundusz Filmowy, DI Factory, Bayerischer Rundfunk (BR)
- Género: Comedia. Drama
SINOPSIS: Un masajista llegado del Este entra en la vida de unos ricos que viven
en una comunidad cerrada. Su riqueza no impide que los residentes
transmitan tristeza. Este misterioso recién llegado parece ser capaz de
curar sus almas y cambiar sus vidas. MUY BUENA. Hasta la fecha no había conectado con el cine de Malgorzata Szumowska en
películas como "The other lamb (2019)", "Mug (2018)" o "Ellas (2011)",
pero en esta ocasión he conectado con la historia de ese ucraniano que
trabaja en un barrio residencial en donde viven gente rica a las afueras
de Varsovia, en donde se mezcla muy bien la comedia y el drama y algún
enigma que se mantiene hasta los minutos finales. La cineasta polaca ha contado con la colaboración de su director de
fotografía habitual, su compatriota Michal Englert, para trabajar juntos
en la escritura del guion y codirigir este proyecto en donde, al igual
que en otras películas de Szumowska se da prioridad a los aspectos
estéticos que al guion, y que es de gran calidad visual y sonora. La propuesta tuvo su presentación en la pasada edición del Festival de
cine de Venecia en su sección oficial y unos meses después se pudo ver
por primera vez en nuestro país en el Festival de cine europeo de
Sevilla. Hace unas semanas se ha proyectado en el Festival D´A de
Barcelona. El punto de partida es el de una larga escena sin diálogos en donde la
cámara sigue a un joven que recorre diferentes escenarios rurales y
urbanos hasta llegar a un lugar (la oficina de empleo para extranjeros),
y entonces es cuando nos enteramos que es un ciudadano ucraniano
procedente de una ciudad cercana a Chernóbil, y que mediante una
hipnosis consigue sellar y firmar ese visado de trabajo. A partir de ese momento la película nos mostrará ese día a día rutinario
de Zhenia, en su recorrido cargando una camilla desde su vivienda en un
barrio pobre de la capital de Polonia hasta esa zona residencial
situada a las afueras de Varsovia, en donde vive gente extraña con alto
poder adquisitivo y que necesitan los servicios como masajista e
hipnotista de ese joven ucraniano. En esa urbanización privada de gran extensión con unos chalets blancos,
lo que vemos varias veces en una vista aérea muy bien filmada, y que me
recordó en algunos aspectos a las viviendas de lujo de "Vivarium
(2019)", el protagonista va de una casa a otra para ganarse la vida, y
en cada una nos presentan unas historias personales curiosas, en donde
salen a relucir temas como las envidias y los celos, las rencillas
familiares, las enfermedades terminales y la locura de la soledad, y con
unos personajes cotillas que se comportan como unos voyeurs que
controlan los movimientos de sus vecinos a través de miradas desde la
ventana. Los habitantes de ese lugar controlan a quién trata Zhenia, como si no
estuvieran a gusto de compartir los servicios de esa persona eficaz en
sus facetas como masajista y cuando realiza esos métodos de hipnosis.
Ese comportamiento de los vecinos es lo que provocará ese humor con
toques surrealistas, ya que en general son unas personas sinceras e
irónicas. En algunos momentos esos toques de humor me recordaron,
guardando las distancias, al cine del director finlandés Aki Kurismaki. Una película que se mueve bastante bien entre diferentes géneros, con
unos personajes muy interesantes, aunque en algunos momentos resulta
algo pesada y reiterativa y se podía haber recortado algo el metraje en
la parte central. Además, hay una crítica social sin citarse directamente a asuntos como
las diferencias de clases, el cambio climático y al egoísmo y la envidia
que son inherentes al ser humano. Me parece un buen guion el escrito por Szumowska y Englert, los
intérpretes cumplen en sus apariciones de mayor o menor importancia, en
especial dos secundarias como Maja Ostaszewska y Agata Kulesza. Alec
Utgoff está correcto en su papel como el joven ucraniano protagonista. Pero si la película destaca por algo, además de por su ironía y sentido
del humor, es por la fotografía de Michal Englert, con un contraste
cromático entre las escenas diurnas en esa zona residencial al recorrido
nocturno de Zhenia hasta su casa y esos colores empleados en las
situaciones de hipnosis en ese bosque frondoso. Además se juega muy bien
con los sonidos naturales y la banda sonora emplea temas clásicos de
compositores como Shostakovich, Chopin, Schubert y Rachmaninoff, y otras
melodías como la creada por Bruno Colais para "Los chicos del coro", y
que encajan muy bien en las diferentes situaciones y tonos de la
película. Una película que recomiendo a los que buscan un cine no convencional, en
donde hay mucha ironía y sentido del humor, con elementos místicos y
sensoriales, mezclados con la historia de un inmigrante ucraniano que
trabaja en un barrio residencial para ricos. MUY RECOMENDABLE.
-
2021: Festival de Venecia: Sección oficial a competición2021: Festival de Sevilla: Sección oficial.
TRAILER
DOCUMENTALES
Danubio.
(EN CINES)
GANADORA DE 1 ASTOR
FESTIVAL DE CINE DE MAR DEL PLATA 2021
"Mejor Dirección Argentina: Agustina Perez Rial"
- Título original
- Danubio
- Año: 2021
- Duración: 62 min.
Argentina- Dirección: Agustina Pérez Rial
- Guion: Paulina Bettendorff
- Fotografía: Pupeto Mastropasqua
- Reparto: Documental, Voz: Nina Gilmizyanova
- Productora: Fiørd Estudio
- Género: Documental
SINOPSIS: En plena Guerra Fría, la dictadura de Onganía organiza el Festival de
Cine de Mar del Plata como una manera de mostrar una imagen de apertura
hacia el mundo, mientras continúan en el país la represión y la censura.
A partir de un profundo trabajo de investigación que recopila los
informes de inteligencia de la época y de un amplio material de archivo
audiovisual, Danubio recrea, desde los documentos y la fantasmática de
la vigilancia estatal, la historia de una resistencia secreta: una
sociedad cultural de comunistas eslavos creada para infiltrarse en el
Festival y establecer contacto con las delegaciones de los países
socialistas. EXCELENTE. Articulada a partir del relato de una joven inmigrante rusa, que
llegó al país junto a sus padres siendo niña durante el gobierno de
Perón, Danubio usa al Festival para contar una historia donde lo cinematográfico y lo político no son hechos autónomos,
sino que representan distintas caras de ese poliedro infinito que es la
realidad. Pérez Rial encuentra el soporte perfecto en un notable
archivo fotográfico y audiovisual, que documenta de forma elocuente cómo
se vivió el Festival en 1968. Una edición que estuvo signada por la
presencia de nutridas delegaciones de los países del este europeo, por
entonces territorio soviético, y por el accionar de las fuerzas
represivas de la dictadura encabezada por el general Onganía. Danubio podría
ser un film noir, con su registro en blanco y negro que le da un aire
nocturno y nebuloso, pero también una película de intrigas que refleja,
de forma extraordinaria, de qué manera la Guerra Fría también tuvo uno
de sus principales campos de batalla en América latina. Esas imágenes,
que parecen extraídas del Swinging London, son el marco de una
historia signada por reuniones clandestinas, infiltraciones policiales y
por el lugar que el cine ocupaba como herramienta de expresión
ideológica. El clima que la narración en off va construyendo
desborda electricidad política, acorde a aquel tiempo en el que lo
político no se hallaba encorsetado por el molde de lo partidario sino
que estaba adherido a todo. En especial al cine. Así lo confirma la
suspensión de la proyección de una película checa, cuando su director se
niega a permitir que le quiten escenas provocando manifestaciones de repudio a la censura.
Debe recordarse que 1968 marcó el punto más alto de esa omnipresencia
política, ya que no solo fue el año del Mayo Francés, de la Primavera de
Praga o de las luchas por los derechos civiles en los Estados Unidos.
En la Argentina y en el cine fue, además, el año de estreno de La hora de los hornos, de Solanas y Gettino, pero también el de la creación del Ente de Calificación Cinematográfica,
encargado de decidir qué podían o no podían ver los espectadores en el
país. Con elegancia, aferrada a un formalismo que nunca pierde la línea,
Danubio pinta ese paisaje. Y lo hace a través de una de las armas cardinales del cine como expresión: su potencia para construir relatos. MUY RECOMENDABLE.
2021: Festival de Mar del Plata: Mejor dirección argentina - Premio Martínez Suárez.
TRAILER
DEL DESCUBRIMIENTO
The year of the discovery.
GANADORA DE 1 ASTOR
FESTIVAL DE CINE DE MAR DEL PLATA 2020
"Mejor Película Competencia Internacional"
- Título original
- El año del descubrimiento
- Año: 2020
- Duración: 200 min.
- España
- Dirección: Luis López Carrasco
- Guion: Luis López Carrasco, Raúl Liarte
- Fotografía: Sara Gallego
- Reparto: Documental, intervenciones de: Raúl Liarte, José Ibarra Bastida, Salvador Muñoz Soriano, Rosario Vera Martinez, Ana Muñoz Vera, Rosario Muñoz Vera, Belén Villaescusa Muñoz
- Productora: Coproducción España-Suiza; Lacima Producciones, Cromagnon Producciones, Magnética Creative Lab, Alina Film
- Género: Documental | Años 90
SINOPSIS: En 1992 suceden en España dos eventos fundamentales: los Juegos
Olímpicos de Barcelona y la Exposición Universal de Sevilla, vinculada a
la celebración del V Centenario del Descubrimiento de América. Diez
años después de la subida al poder del PSOE de Felipe González, España
aparece ante la comunidad internacional como un país efervescente,
moderno y civilizado. Una futura potencia económica mundial. Sin
embargo, en Cartagena, los disturbios y protestas por el cierre de
fábricas y el desmantelamiento industrial adquieren una violencia
creciente hasta acabar con el incendio del parlamento regional con
cócteles molotov. EXCELENTE. 1992 fue el año en el que se fundó la nueva España. O al menos en el que
se fundó la idea de una nueva España. En el imaginario colectivo de
hasta los que no habían nacido todavía están las imágenes fastuosas de
las Olimpiadas de Barcelona y de la Expo de Sevilla. Hasta yo mismo,
teniendo cuatro años en aquel momento, recuerdo cuando mis padres
volvieron de viaje de Sevilla, cargados de merchandising de Curro. Era
un momento de entusiasmo colectivo incomparable, seguramente solo
superado por los primeros albores de nuestra joven democracia. Pero y si
resultase que se nos olvida algo de aquel año, ¿y si resultase que el
tiempo y las ganas de mirar para otra parte han acabado sepultando un
acontecimiento importante de 1992? ¿Cuál es el proceso que nos lleva al
olvido de algo tan relevante como la quema del Parlamento de la Región
de Murcia? Con El año del descubrimiento, Luis López Carrasco se propone
hacer un ejercicio de memoria y volver a situar esa imagen y ese
momento de la historia de nuestro país en nuestras cabezas. No es solo
un ejercicio de memoria, es un monumento documental tanto por su
duración (200 minutos) como por su profundidad sobre cómo el proceso de
la reconversión industrial de principios de los 90 ha acabado
llevándonos hasta el profundo hoyo en que nos encontramos hoy. En la carrera de Luis López Carrasco, la forma siempre va unida al
fondo. En El año del descubrimiento, el director opta por un formato de
doble pantalla. A veces dos imágenes a la vez de la misma escena, otra
vez escenas que se concatenan, otras veces vídeos del pasado mezclados
con el presente. Permitir que las imágenes dialoguen entre sí es uno de
los grandes hallazgos del documental. O a veces dejar solo una mitad
visible para forzarnos a mirar. Invitar al espectador a decidir a dónde
quiere mirar y no muchas veces no poder ver ambas escenas a la vez,
convirtiéndolo en una experiencia diferente para cada espectador. No voy
a desvelar demasiado, pero creo que es en su tercer acto cuando esa
doble pantalla alcanza su mayor potencial y nos pega una bofetada de
realidad. En El año del descubrimiento, López Carrasco utiliza todas las armas de
las que dispone como cineasta para presentar un retrato coral sobre
aquel evento y sus consecuencias. Comienza enlazando la película con su
anterior largometraje (El futuro), grabando a un grupo de jóvenes que
hablan mientras que beben en el bar. Al igual que en aquella película,
no somos capaces de escuchar las conversaciones enteras y la música,
alta y distorsionada, se mezcla con las voces, haciéndolas
ininteligibles. La elección de la música no es casual, es música de
1992. Tampoco lo es el formato en que está grabada la película, grabada
en vídeo Hi8. Al igual que ocurría en El futuro, el documental nos
plantea el desafío de si lo que estamos viendo está ocurriendo en el
presente o en el pasado. La manera en que López Carrasco va tirando del hilo es moviendo el
relato a través de las conversaciones con los sujetos (o entre ellos).
Algunas de ellas son esclarecedoras, otras de ellas sencillamente
conversaciones normales entre gente de clase trabajadora. Unas hablan
del pasado y otras del presente. Unas muestran un cierto grado de
esperanza y otras expresan con vehemencia la desesperación de un grupo
social cada vez más arrinconado por las circunstancias. Y quizá una de
las estrategias más inteligentes del documental, esa que hace que nos
quedemos pegados durante 200 minutos sin pestañear, sea empezar por las
consecuencias de la reconversión industrial para luego llevarnos hacia
las causas. Empezar poniendo el foco en las víctimas, la mayoría de
ellas inconscientes de cómo hemos llegado hasta aquí, para poco a poco
ir acercándonos a las historias de quienes vivieron aquella reconversión
industrial de primera mano desde sindicatos y empresas de aquel tiempo.
López Carrasco ha mencionado en la masterclass previa al film el
impacto que tuvo en El año del descubrimiento las teorías sobre la
desactivación del orgullo de clase de la clase trabajadora de Owen Jones
en su libro Chavs. La demonización de la clase obrera. El año del
descubrimiento nos obliga a sentarnos con esa clase obrera. Algunos de
ellos instruidos y articulados, otros de ellos epidérmicos y
temperamentales, todos ellos unidos por un vínculo común que, a su vez,
nos une a todos ellos. Si a algo puede contribuir este documental es a
que reflexionemos sobre cómo la erosión intencionada de nuestra unión
social por los poderes fácticos nos ha llevado a un callejón sin salida. Es imposible desmenuzar todo lo que ocurre a lo largo de sus más de tres
horas de metraje en El año del descubrimiento. Su estructura anima a
que fluyan los temas y los tonos sin cesar, a que cada espectador ponga
el ojo y la mente en diferentes aspectos. Lo que sí que es posible es
hablar de los logros del mejor documental que he visto en años y desde
luego el que más me ha hecho hervir la sangre desde Enmienda XIII de Ava
DuVernay. Luis López Carrasco erige un monumento comprometido y
valiente a la clase obrera, acaso el mejor de lo que va de siglo y que
es cine con un pie en el pasado, sí, pero sobre todo con la vista puesta
en el futuro. El visionado de El año del descubrimiento debería
encender la llama del desencanto útil: cuando no nos queda nada que
perder, ¿por qué no luchar? IMPERDIBLE.
-
2020: Premios Goya: Mejor documental y mejor montaje2020: Festival de Mar del Plata: Mejor película Internacional.2020: Festival de Sevilla: Gran Premio del Jurado2020: Premios Forqué: Mejor documental2020: Premios Feroz: Mejor documental. 4 nominaciones2020: Festival Internacional de Cine de Bogotá: Mejor película2020: Festival Internacional de Rotterdam: Sección oficial2021: Premios Platino: Nominada a mejor documental.
TRAILER
Atlas.
(EN CINES)
- Título original
- Atlas
- Año: 2021
- Duración: 89 min.
- Argentina
- Dirección: Guadalupe Gaona, Ignacio Masllorens
- Guion: Guadalupe Gaona, Ignacio Masllorens
- Música: Ezequiel Kronenberg
- Fotografía: Guadalupe Gaona, Ignacio Masllorens
- Reparto: Documental, intervenciones de: Carmen Maria Sofía Jakob, Luz Krummer, Sebastián Scarfo, Verónica Arrieta, Valentín Vidal, Mariano Outes
- Productora: Gentil Cine, El Rayo Verde, Siete Puertas
- Género: Documental
SINOPSIS: En 1899, el neurobiólogo alemán Christofredo Jakob llega a Argentina
para realizar sus investigaciones en el Hospital de las Alienadas. Más
de un siglo después, en un pabellón semiabandonado del (ahora) Hospital
Moyano, los vestigios de aquella experiencia aparecen en forma de
cerebros y cabezas conservados en formol, animales disecados y las
fotografías de las internas que habitaron el hospital. A partir del
archivo y las memorias de su nieta Cuqui, Atlas reconstruye la obra de
Jakob en Argentina, invoca los espectros de esa Buenos Aires
positivista, ambiciosa y cruel del 1900, y los lleva al encuentro de un
presente más humano pero también más limitado, con edificios derruidos
que solo parecen sostenerse por el tremendo esfuerzo de sus
trabajadores. MUY BUENA. En 1899, el neurobiólogo alemán Christofredo Jakob fue contratado por el
gobierno argentino para realizar estudios sobre el cerebro en humanos y
animales en Buenos Aires. Durante años, vivió y trabajó en el Hospital
Nacional de Alienadas (llamado en la actualidad Moyano), donde creó un
archivo con miles de piezas y fotografías que hoy juntan polvo en un
pabellón de ese lugar. Autor junto a Clemente Onelli, por entonces director del Jardín Zoológico de Buenos Aires, del Atlas del cerebro de los mamíferos de la República Argentina (1913),
Jakob también viajó a la Patagonia para estudiar la fauna y geografía
andinas. ¿Qué queda de su legado? ¿De qué manera dialoga su trabajo con
un presente muy distinto en términos científicos y sanitarios? Esas y
otras preguntas intentan responder Guadalupe Gaona y Ignacio Masllorens
en Atlas. Para eso hablan con su nieta y
bisnieta -cuyos diálogos aportan menos en términos informativos que como
disparadores cómicos, con la madre anulando o minimizando todo lo que
dice la otra- y recorren aquellos lugares por donde pasó Jakob más de un
siglo atrás. Su huella es evidente en la decena de frascos con cerebros
cortados, mamíferos conservados en formol y demás piezas que, sin
proponérselo, funcionan también como registro de un tiempo en el que las
búsquedas científicas estaban por encima de todo atisbo de piedad por
las vidas ajenas. “Nos interesan las fotografías”, dicen en un
momento los directores, minutos antes de recorrer un álbum con imágenes
de mujeres internadas –con sus miradas perdidas, sus rostros vaciados
de vida, sus posturas corporales mayormente encorvadas– durante los
estudios. Las charlas de los médicos y medicas del lugar –que lo
realizadores registran de manera observacional, sin entrometerse en la
acción– demuestran que la situación es distinta, aunque se desprende que
las pacientes siguen siendo tratadas como objetos despojados de
subjetividad. A la crueldad de los dispositivos psiquiátricos
se opone la visita al Ecoparque porteño, donde durante décadas funcionó
el zoológico. Allí los chicos observan maravillados esos animales
salvajes en cautiverio, aunque cuidados y bien alimentados. Atlas
se erige, entonces, como una película paradojal que muestra que, más de
un siglo después de las investigaciones de Jakob, los “locos” viven
peor que los animales. MUY RECOMENDABLE.
2021: Festival de Mar del Plata: Selección Competencia Argentina.
TRAILER
CINE NACIONAL
JESÚS
LÓPEZ
Jesús López.
(EN CINES)
GANADORA DE 1 ASTOR
FESTIVAL DE CINE DE MAR DEL PLATA 2021
"Mejor Película Iberoamericana"
- Título original: Jesús López
- Año: 2021
- Duración: 87 min.
- Argentina
- Dirección: Maximiliano Schonfeld
- Guion: Selva Almada, Maximiliano Schonfeld
- Música: Jackson Souvenirs
- Fotografía: Federico Lastra
- Reparto: Lucas Schell, Joaquín Spahn, Sofía Palomino, Alfredo Zenobi, Paula Ransenberg, Romina Pinto, Benigno Lell
- Productora: Coproducción Argentina-Francia; Murillo Cine, Luz Verde, INCAA
- Género: Drama | Familia. Coches/Automovilismo
SINOPSIS: Jesús López, un joven piloto de carreras, muere accidentalmente dejando su pueblo conmocionado. Su primo Abel, un adolescente sin rumbo, se siente poco a poco tentado a ocupar su lugar. Se instala con los padres de Jesús, viste su ropa, sale con sus amigos y su exnovia. Al principio la gente lo acepta y a Abel le gusta este papel. Pero el parecido con su primo se vuelve inquietante, hasta el punto de que acaba transformándose en Jesús López. En el pueblo se organiza una carrera en homenaje a Jesús. Animado por el espíritu de su primo, Abel conduce el coche del difunto. El resultado de esta carrera determinará si la transformación se vuelve o no definitiva. EXCELENTE. En tiempos de cambios profundos (las tradicionales granjas con vacas y tambos se cierran para dar paso a las plantaciones de soja que todo lo arrasan) un pueblo atraviesa un duelo colectivo. Es que un accidente en la ruta terminó con la vida de Jesús López (Lucas Schell), un joven piloto de carreras muy querido en el lugar desde que empezó a manejar un karting a los 6 años. Tras el funeral, mientras amigos y familiares intentan retomar de a poco la rutina cotidiana (aunque el sentimiento de venganza no tarda en aflorar), Abel -primo de la víctima- empieza a obsesionarse con todo lo que estuvo relacionado con Jesús: su Fiat 600 de carrera, su ropa, quien fuera su novia... Un proceso de identificación y hasta de mimetización que Schonfeld expone con más naturalidad que rasgos de perversión. De hecho, ni los padres de Jesús (o sea, los tíos de Abel) ni el resto del pueblo toma a mal que este adolescente sin demasiado rumbo ni identidad propia se prepare con el auto que antes usara Jesús para participar en una carrera que se organizará en homenaje del corredor fallecido. Entre el thriller psicológico, el drama familiar (las muy diversas formas de atravesar el dolor y reinventarse es uno de los ejes del relato) y ciertos tópicos ligados a los rituales de iniciación y socialización juvenil en medio de una dinámica pueblerina, esta película coescrita por el propio Schonfeld y Selva Almada tiene ciertos rasgos perturbadores que luego no son del todo explotados por una narración que de forma premeditada omite, sugiere o expone solo en el fuera de campo algunos conflictos (místicos, sexuales, afectivos), aunque sin por eso perder interés respecto de la resolución de la carrera final y la “conversión” de Abel en Jesús. Que Schonfeld es un obsesivo y un virtuoso a la hora de pensar y concebir cada cada mínimo elemento audio-visual de sus películas es algo que a esta altura no sorprende, pero la fotografía de Federico Lastra, el sonido de Sofía Straface y la música de Jackson Souvenirs (el dúo de Javier Diz y Norman MacLoughlin) está a la altura de sus exigencias y pretensiones. Resultan, así, aliados perfectos para la creación de climas que van de lo trágico a lo íntimo, de lo elegíaco a lo erótico, de una vida rural que se va despidiendo y todavía convive (cada vez con mayores contradicciones) con la urbana. Algunos sueñan con abandonar la naturaleza y abrazar la tecnología; otros, con superar la rutina y el vacío existencial, salir del agujero interior para transitar nuevos y superadores caminos. IMPERDIBLE.
2021: Festival de Mar del Plata: Mejor película iberoamericana.
TRAILER
DEL GATO
Cat Shadow.
(EN CINES)
- Título original
- La sombra del gato
- Año: 2020
- Duración: 87 min.
- Argentina
- Dirección: José María Cicala
- Fotografía: Martín Nico
- Reparto: Danny Trejo, Monica Antonopulos, Miguel Ángel Solá, Rita Cortese, Maite Lanata, Guillermo Zapata, Luis Machín, Candelaria Molfese, Griselda Sánchez, Matías Desiderio, Roberto Peloni, Fabiana Pascali
- Productora: LouLou Productions, Shock House, Tieless Media
- Género: Thriller
SINOPSIS: Gato vive con su hija adolescente Emma y un pequeño grupo de gente, en una granja aislada, sin telefonía ni internet. Pero Emma, tentada por la curiosidad, consigue un teléfono móvil y lo activa, haciéndose visible al mundo. Horas después huye de la granja. Gato parte en su búsqueda acompañado por su amigo Sombra, con quien 17 años atrás, estuvieron estuvieron a punto de ser captados por una secta. Juntos deberán rescatar a Emma que ha sido raptada por la misma organización para concretar un sangriento ritual. BUENA. El segundo largometraje de José María Cicala confirma su interés por sacudir y mezclar las influencias temáticas y formales más eclécticas. Si en Sola, estrenada hace apenas algunas semanas en el Cine Gaumont, el drama de época con marco bélico derivaba en un tobogán de emociones de tonos alucinatorios, algo similar puede afirmarse respecto de La sombra del gato, que comienza como un cuento de hadas para adultos, continúa en la senda del relato gótico, con encierros y traumas del pasado a granel, y termina como un homenaje desvaído a David Lynch y/o Terry Gilliam, con guiños al cine de terror con cultos demoníacos. Más allá de algunos momentos relativamente logrados sobre el final, nada funciona del todo bien en la película, que no logra convertir el libre albedrío en algo más que una serie de caprichos. Detalles curiosos no faltan, comenzando por el hecho de que uno de los personajes centrales está interpretado por el californiano (de origen mexicano) Danny Trejo, cuya extensa carrera, usualmente en roles de tipo duro, lo transformó en uno de los rostros más reconocibles en el cine de Hollywood de las últimas tres décadas y media. Trejo, cuya historia de vida puede conocerse en detalle gracias al reciente documental Prisionero número uno, es aquí Sombra, ayudante y hombre para todo de Gato (Guillermo Zapata), dueño de una granja colectiva dedicada a la manufactura de alimentos artesanales que parece ubicada a miles de kilómetros de cualquier rastro de civilización. Gato y Sombra conviven con una joven aborigen y una anciana (Griselda Sánchez y Rita Cortese, respectivamente) y la hija del primero, una muchacha inquieta e interesada en el mundo exterior llamada Emma (Maite Lanata), que anda todo el tiempo simulando un rodaje con una cámara hecha con cartón y colecciona recortes sobre ovnis, mujeres-mono y otros hechos insólitos. Emma se sube a la camioneta familiar y, sin que medien explicaciones o contextos, aparece en medio de un carnaval, bailando entre las comparsas. El hallazgo de un teléfono celular abandonado provoca indirectamente la excusa para una rebelión y escape, punto de partida de la aventura. El guion, escrito a seis manos, da por sentadas esas y muchas otras cosas sin pedirle al espectador disculpas por la insensatez o el atolondramiento, escudándose en una aparente red de contención camp que incluye villanos que parecen salidos de una película de Los Parchís, un cuarteto de drag queens responsables de un hotel, varios flashbacks que destacan el origen pretérito de las maldiciones presentes y un hospital psiquiátrico con subsuelos inundados. Mezcolanza que no ofrece demasiado sentido, pero tampoco logra generar un disparate estimulante. O tal vez la apuesta sea a un “tan mala que es buena” autoconsciente, en cuyo caso la reacción del espectador dependerá de su tolerancia a ese argentinismo sin definición ni etimología concreta, el así llamado (mal llamado) “cine bizarro”. RECOMENDABLE.
TRAILER
CINE CLÁSICO
CICLO: JOHN HUSTON, PATRICK MACNEE, DAVID NIVEN Y GREGORY PECK COMPARTEN CARTEL CON ROGER MOORE.
SHERLOCK
HOLMES
IN NEW YORK
Sherlock Holmes in N.Y
- Título original
- Sherlock Holmes in New York
- Año: 1976
- Duración: 100 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Boris Sagal
- Guion: Alvin Sapinsley. Personajes: Arthur Conan Doyle
- Música: Richard Rodney Bennett
- Fotografía: Michael D. Margulies
- Reparto: Roger Moore, John Huston, Patrick MacNee, Charlotte Rampling, David Huddleston, Signe Hasso, Gig Young, Leon Ames, John Abbott, Jackie Coogan, Maria Grimm, William 'Billy' Benedict, Marjorie Bennett, Paul Sorensen, John Steadman, Robert Ball
- Productora: 20th Century Fox Television
- Género: Intriga | Robos & Atracos. Siglo XIX. Sherlock Holmes.
VERSIÓN REMASTERIZADA.
SINOPSIS: El detective Sherlock Holmes viaja a Nueva York pensando que su amiga Irene Adler está en peligro. Allí se pondrá tras la pista de su archienemigo Moriarty que ha atracado la Bolsa Internacional del Oro en Nueva York, lo que puede ocasionar un conflicto mundial de trágicas consecuencias en tan sólo tres días. MUY BUENA. Esta joyita muy difícil de encontrar es un especial televisivo para la BBC de Londres. R. Moore toma los hábitos de S. Holmes y oficia con maestría el arte de la perspicacia a que el celebre detective nos suele acostumbrar. Su interpretación resulta magnífica. Pero también lo son el ritmo de la película, la intensidad narrativa y una propuesta argumental compleja, sutil, ingeniosa y, sobre todo, muy atractiva. La ambientación es más que correcta, teniendo en cuenta la limitación de medios. Roger Moore es un buen Sherlock (ante mi escepticismo inicial), más enérgico y dado a la acción que otros, y el gran John Houston es un Moriarty oscuro y venerable. Su falta de agilidad lo suple con su astucia. El Dr. Watson (Patrick Macnee) está correcto en su papel y la historia entre Sherlock Holmes y cierta actriz (Charlotte Rampling) es muy sugerente sobre el pasado de Sherlock y su secreta vida amorosa. La trama es excelente: Moriarty quiere poner en la tesitura a Sherlock Holmes de que no actúe como se espera de su personaje e historial deductivo. Y lo consigue... en primera instancia. Aquí el argumento es perfecto. Hay un rapto y un robo... Y las deducciones de Sherlock Holmes son rigurosas y matemáticas. Y además de un gran ingenio. IMPERDIBLE.
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THE SEA
WOLVES
Lobos marinos.
- Título original
- The Sea Wolves
- Año: 1980
- Duración: 120 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Andrew V. McLaglen
- Guion: Reginald Rose. Libro: James Leasor
- Música: Roy Budd
- Fotografía: Tony Imi
- Reparto: Gregory Peck, Roger Moore, David Niven, Trevor Howard, Barbara Kellerman, Wolf Kahler, Dan van Husen, Patrick MacNee, Kenneth Griffith, Patrick Allen, Bernard Archard, Percy Herbert, Martin Benson, George Mikell, Donald Houston
- Productora: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; Paramount Pictures, Lorimar Television, Richmond Light Horse Productions
- Género: Bélico. Aventuras | II Guerra Mundial. Submarinos. Aventuras marinas
VERSIÓN REMASTERIZADA.
SINOPSIS: Durante la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), los submarinos alemanes hunden barcos mercantes británicos que transportan miles de toneladas de víveres y material bélico para la marina. La inteligencia británica de la India cree que la información les llega a los submarinos alemanes (U-Boats) a través del transmisor de radio de un buque germano atracado en en la colonia portuguesa de Goa. Como Portugal es neutral en la guerra, los barcos no pueden ser atacados por tropas convencionales, por lo que la inteligencia británica decide encargar la misión a un grupo de veteranos británicos expatriados. MUY BUENA. Lo fácil en estos casos es criticar una cinta de aventuras con aire tópico y de facilona exaltación patriotera. Pero películas como "Lobos Marinos" han llenado buena parte de la infancia y adolescencia de muchos cinéfilos y solo por eso merece un respeto, ya sea en uno de esos programas dobles desaparecidos o en la sesión de tarde de los sábados y domingos cuando no había otra cosa que hacer. La dirige un especialista en cine de acción de filmo grafía extensa, siempre correcta y poco recordada. Sus protagonistas son parte importante del cine del siglo XX. Peck, una gran estrella de la época clásica, Niven el eterno y entrañable gentelman y Moore, un rostro simpático que se movía con desenvoltura y habilidad en sus limitados registros interpretativos.Sólo por ellos la película desprende un aire entrañable y, además, la historia no deja de tener su interés y mantiene una aceptable tensión. Lástima de no haber contado mejor actriz para el personaje femenino. Estos "Lobos Marinos" mantiene su competente acabado formal con sus más de 30 años transcurridos. Nos siguen mostrando un entretenimiento digno y desprenden un aire nostálgico que nunca está de más. IMPERDIBLE.
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NORTH SEA
HIJACK
Rescate Suicida.
- Título original
- North Sea Hijack
- Año: 1980
- Duración: 95 min.
Reino Unido- Dirección: Andrew V. McLaglen
- Guion: Jack Davies. Novela: Jack Davies
- Música: Michael J. Lewis
- Fotografía: Tony Imi
- Reparto: Roger Moore, James Mason, Anthony Perkins, Michael Parks, David Hedison, Jack Watson
- Productora: Cinema Seven Productions, Universal Pictures
- Género: Aventuras. Thriller | Aventuras marinas. Submarinismo. Secuestros / Desapariciones
VERSIÓN REMASTERIZADA.
SINOPSIS: Un excéntrico millonario (Roger Moore) se involucra en la caza y captura de un terrorista (Anthony Perkins) contando con el apoyo del Gobierno británico. MUY BUENA. Sensacional título que mezcla el thriller con la aventura, una plataforma petrolífera en el mar del norte es secuestrada por un grupo de terroristas, exigen para su liberación una recompensa millonaria, el gobierno desesperado no sabe como proceder y decide contar con la colaboración de un grupo de submarinistas de élite, liderados por un excéntrico y pintoresco personaje (Roger Moore) que se pondrá al mando de la arriesgada misión. Buen título que desde el principio atrapa al espectador, altamente entretenida y repleta de acción, es ideal para pasar un buen rato sin mayores pretensiones. Como plato fuerte, la película cuenta con las magníficas actuaciones de James Mason y Roger Moore, este último como líder del comando de élite y que bien podría pasar por una auto-parodia de su mítico personaje 007, con gran humor y mucho cinismo, y como no, el gran Anthony Perkins en el papel de un desquiciado terrorista absolutamente empeñado en volar la planta petrolífera, son de lo mejor del film, que sin duda gustará a los amantes de las aventuras en alta mar. IMPERDIBLE.
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SERIES Y MINISERIES
LA RUEDA
DEL TIEMPO
The Weel of Time.
TEMPORADA COMPLETA.
8 EPISODIOS
3 DISCOS.
- Título original
- The Wheel of Time (TV Series)
- Año: 2021
- Duración: 480 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Rafe Judkins (Creador), Uta Briesewitz, Salli Richardson-Whitfield, Wayne Yip, Sanaa Hamri
- Guion: Rafe Judkins, Michael Clarkson, Amanda Kate Shuman, Paul Clarkson.
- Música: Lorne Balfe
- Fotografía: David Moxness, David Luther
- Reparto: Rosamund Pike, Kae Alexander, Naana Agyei Ampadu, Hammed Animashaun, Pasha Bocarie, Priyanka Bose, Lolita Chakrabarti, Darren Clarke, Maria Doyle Kennedy, Kate Fleetwood, Peter Franzén, Jennifer Cheon, Stuart Graham.
- Productora: Sony Pictures Television, Amazon Studios, Little Island Productions, Radar Pictures, Red Eagle Entertainment. Distribuidora: Amazon Prime Video
- Género: Serie de TV. Aventuras. Fantástico | Fantasía medieval
SINOPSIS: Serie basada en la popular serie literaria de fantasía de Robert Jordan, "La rueda del tiempo" (The Wheel of Time), con más de 90 millones de libros vendidos. Ambientada en un extenso y épico mundo en el que existe la magia y únicamente algunas mujeres pueden acceder a ella, la historia sigue a Moiraine, miembro de una organización femenina increíblemente poderosa llamada 'Aes Sedai', cuando llega a la pequeña ciudad de Two Rivers. Allí se embarca en un peligroso viaje por todo el mundo con cinco jóvenes, uno de los cuales ha sido profetizado como "el dragón renacido", que salvará o destruirá a la humanidad. MUY BUENA. Los comienzos de cualquier serie suelen ser difíciles. Hay que presentar personajes y contexto, y conseguir que el espectador se interese por ellos. En mi caso, lo han conseguido, y debo decir que aunque la serie tiene algunos altibajos, en general me ha entretenido bastante. No he leído los libros de Robert Jordan, pero sí conozco la saga. Los fan esperan mucho de ella, yo solo una serie de calidad que me entretenga. Son tantas las desilusiones que me he llevado últimamente con otras series y adaptaciones del género fantástico, que he visto toda la primera temporada con cautela, y la sensación que me ha provocado es, en general, buena, cada vez mejor, hasta el último episodio, que sin embargo me ha desconcertado un poco. La serie mejora cada episodio, expandiendo la trama y la historia, aunque se ve que 8 episodios son pocos para una saga densa, que tiene mucho que contar. Pero me interesa la historia, me interesan los personajes y me interesa este nuevo mundo lleno de magia y poder, con unas criaturas muy bien recreadas, sin excesivo CGI. Me parece un universo muy interesante, muy sólido y muy amplio, y una serie con muy buena pinta, en la que la fotografía, los efectos y la música están bien aprovechados, y los actores están a buen nivel. Ahora que terminó la primera temporada, da la sensación de que estamos ante un universo muy amplio, muy rico y lleno de muchos personajes e historias interesantes. Pero la presentación es lenta, calmada, intentando que la historia no se disperse hasta que conozcamos a los personajes y la trama, para luego acelerarse demasiado porque hay mucha historia que narrar en los 8 episodios que conforman la primera temporada, y tiene pinta de ser una historia larga. Se necesitan ciertas dosis de paciencia al principio, pero la historia va creciendo en interés poco a poco, y albergo la esperanza de que se mantenga el interés en las próximas temporadas (Amazon ya ha confirmado 2 temporadas más por ahora). Ahora que terminó la primera temporada, me da la sensación de que hay determinados aspectos de los libros que se han perdido, quizás por la escasa duración de la temporada, y se empieza a notar que los pocos capítulos de la serie no alcanzan para cubrir la extensa historia de los libros. Aún así, es una serie que me parece muy interesante, y que recrea un mundo que me es desconocido, pero que me parece que puede ser fascinante, y la serie en cada capítulo va a más, con momentos muy interesantes e impactantes, aunque el último episodio de esta temporada me ha dejado un extraño sabor de boca, y dudas sobre cómo avanzará la serie en las próximas temporadas. Me encanta el género de fantasía y el género épico, y espero que este sea el principio de una buena saga. Esperemos que la trama se siga desarrollando de forma consistente y que la trama mantenga el interés. Por ahora , por lo que he visto, le doy buena nota. Falta saber cómo evolucionará en el futuro la serie, pero por ahora me está gustando y mantiene vivo mi interés por la historia que se narra. MUY RECOMENDABLE.
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DALGLIESH
SEASON 1
TEMPORADA COMPLETA
6 EPISODIOS
2 DISCOS.
- Título original
- Dalgliesh (TV Series)
- Año: 2021
- Duración: 380 min.
- Reino Unido
- Dirección: Lisa Clarke, Jill Robertson, Andy Tohill, Ryan Tohill
- Guion: Stephen Greenhorn, Helen Edmundson. Novela: P.D. James
- Música: Andrew Simon McAllister
- Fotografía: James Aspinall, Angus Mitchell
- Reparto: Bertie Carvel, Jeremy Irvine, Natasha Little, Mirren Mack, Sally Scott, Siobhán Cullen, Paul Mallon, Patrick Regis, Sami Amber, Fra Fee, John Hollingworth, Alice Nokes, David Pearse, Beccy Henderson, Kieran O'Reilly
- Productora: New Pictures. Distribuidora: Acorn TV, Acorn TV, Acorn TV
- Género: Serie de TV. Policial. Drama
SINOPSIS: Dalgliesh se basa en las novelas más vendidas del PD James sobre el inspector Adam Dalgliesh, cuyas investigaciones que cpmienzan a mediados de la década de 1970 en Inglaterra, se cuentan desde la perspectiva del enigmático detective, siguiendo su carrera hasta la actualidad mientras resuelve asesinatos inusuales y revela secretos enterrados. EXCELENTE. El personaje de James, Adam Dalgliesh, tuvo una carrera muy larga; creó al detective en la novela Cover Her Face de 1962 y su última aparición fue en la novela de 2008 The Private Patient. La razón por la que su personaje aguantó tanto fue porque era más empático que la mayoría de los detectives en las novelas de misterio británicas, y usó esa empatía para ayudarlo a resolver los misterios que tenía frente a él. La última adaptación del personaje está en la nueva serie de televisión Acorn, Dalgliesh. Si crees que es un acogedor misterio británico, bueno, tienes razón. Pero yo diría que, a pesar de lucir una plétora de divertidos detalles del período de principios de los 70 y no incorporar ninguno de los elementos gore y sombríos nativos del snow noir o los modelos de prestigio antihéroe que han sido las láminas más populares del acogedor misterio. Estos últimos años, Dalgliesh no busca ser acogedor en absoluto. Honestamente, si tuviera que hacer una comparación con cualquier serie de detectives en la historia de la televisión, tendría que ser ese otro faro del trabajo policial de la década de 1970: Columbo. No porque la audiencia esté en la solución antes de que Dalgliesh llegue a la escena, o porque Dalgliesh interpreta al payaso desaliñado y entrometido para engañar a su principal sospechoso para que lo revele todo, sino porque ambos detectives, y por lo tanto, ambas series, se llevan la vida del personas involucradas en sus respectivos casos completamente en serio. Sin embargo, donde la persistente inteligencia de Columbo termina haciendo de la serie de Peter Falk un estudio en catarsis, la quietud sobrenatural y duradera de Dalgliesh termina haciendo que la de Bertie Carvel sea casi meditativa. Lo que estoy diciendo es que si va a ver Dalgliesh, y de verdad, espero que lo haga, cuelgue el teléfono. Deja el teléfono, enciende los subtítulos y déjate llevar por el hechizo de la televisión que confía en ti para que la veas. IMPERDIBLE.
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LANDSCAPERS
MINISERIE COMPLETA
4 EPISODIOS
2 DISCOS.
- Título original
- Landscapers
- Año: 2021
- Duración: 210 min.
- Reino Unido
- Dirección: Will Sharpe
- Guion: Ed Sinclair, Will Sharpe
- Música: Arthur Sharpe
- Fotografía: Erik Wilson
- Reparto: Olivia Colman, David Thewlis, Samuel Anderson, Felicity Montagu, Karl Johnson, Kate O'Flynn, Dipo Ola, Daniel Rigby, Jay Phelps, David Hayman, Maanuv Thiara, Nimisha Odedra
- Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Cactus Films, Sister Pictures, South of the River Pictures. Distribuidora: HBO
- Género: Drama. Comedia | Crimen. Miniserie de TV
SINOPSIS: Un matrimonio se vuelve el centro de la atención de los medios cuando se hallan dos cuerpos enterrados en el jardín de su casa. En lo que la investigación avanza, la imaginación de Susan les lleva a fingir una realidad alternativa en la que son los héroes de la historia. EXCELENTE. Si por algo destaca Cómo meterse en un jardín (Landscapers) es por la forma que tiene de contarnos la historia de Susan y Christopher. Más allá del típico crimen nos encontramos un original ejercicio por parte del equipo creativo de la serie. Los cambios a blanco y negro, las ensoñaciones de Susan o la ruptura de la cuarta pared son algunas de las técnicas utilizadas para indagar en los motivos que llevaron al matrimonio a cometer el doble asesinato de Mansfield. La mayoría de estos recursos se relacionan con el amor que la pareja procesa hacia el cine clásico. Ambos creen que viven en su propia película, donde romance y aventuras se mezclan y ellos son los héroes. Al final la cruda realidad se impone y tienen que afrontar sus demonios. Incluso los relacionados con temas realmente delicados que hacen que lleguemos a empatizar con la pareja protagonista en más de una ocasión. Cómo meterse en un jardín (Landscapers) es ideal para los que nos encanta el universo Fargo. Tanto la mítica película de los hermanos Coen como la serie de Noah Hawley arrancan con la frase “Esta es una historia real”, a pesar de ser falsa. En la serie de HBO también lo vemos al inicio de cada episodio, aunque en este caso si es real. Además de este posible guiño, son otros detalles los que recuerdan a Fargo. Los personajes histriónicos y las situaciones un tanto extrañas también recuerdan a la serie de FX. Además, David Thewlis también es un nexo de unión entre ambas series, ya que fue el villano de la tercera temporada de Fargo. Aún con todas estas similitudes, Cómo meterse en un jardín contiene situaciones más dramáticas que Fargo y no centra tanto su atención en los policías del caso. Aquí el matrimonio Edwards y el porqué de los asesinatos es el centro de todo. Con el peso que tiene el matrimonio Edwards en pantalla la oportunidad de lucirse para Colman y Thewlis es palpable desde la primera escena. Y vaya si la aprovechan. Ambos intérpretes están sobresalientes, en especial una Olivia Colman que muestra el dolor de Susan de manera sobrecogedora. Magnífico cómo pasa de la tranquilidad y parsimonia de los primeros instantes de la serie a una actuación totalmente dramática en los siguientes capítulos. No sería de extrañar que le cayeran algunas nominaciones y premios más a la actriz británica. David Thewlis también consigue un gran papel, en concreto en las escenas de los interrogatorios. En un registro muy diferente al del personaje de Colman el actor británico logra brillar a lo largo de los cuatro episodios. También cumplen en sus papeles los policías que llevan el caso, en concreto Kate O’Flynn, que destaca por encima de sus compañeros. Alejándose de las historias criminales al uso, Cómo meterse en un jardín (Landscapers) explora los asesinatos de Mansfield de una forma muy original. Mediante el amor por el cine clásico de los protagonistas, la serie ofrece una interesante visión de lo que ocurrió alrededor del matrimonio Edwards. Además, cuenta con las excelentes interpretaciones de Olivia Colman y David Thewlis que hacen de la serie una de las más destacadas de 2021. IMPERDIBLE.
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Los Visitantes.
SEASON 1
TEMPORADA COMPLETA.
6 EPISODIOS
2 DISCOS.
- Título original
- Fremvandrerne (TV Series)
- Año: 2019-2021
- Duración: 320 min.
Noruega- Dirección: Anne Bjørnstad (Creador), Eilif Skodvin (Creador), Jens Lien
- Guion: Anne Bjørnstad, Eilif Skodvin
- Reparto: Nicolai Cleve Broch, Ágústa Eva Erlendsdóttir, Jóhannes Haukur Jóhannesson, Krista Kosonen, Veslemøy Mørkrid, Eili Harboe, Stig Henrik Hoff, Agnes Kittelsen, Mikkel Bratt Silset, Stig R. Amdam, Ragnhild Gudbrandsen
- Productora: Rubicon TV AS. Distribuidora: HBO
- Género: Serie de TV. Ciencia ficción. Thriller. Drama | Viajes en el tiempo
SINOPSIS: Un nuevo fenómeno empieza a suceder en todo el mundo. Sobre el océano se divisan intensos flashes de luz y comienzan a aparecer personas de tres épocas concretas del pasado: la edad de piedra, la era vikinga y el final del siglo XIX. Nadie entiende cómo es posible. EXCELENTE. Van apareciendo súbitamente en Oslo y en otros lugares del mundo grupos de personas provenientes de tres épocas del pasado. La aparición del cadáver de una mujer, una de esos “visitantes”, genera una compleja investigación policial. Los visitantes (cuyo título original Beforeigners podría traducirse como extranjeros del pasado) encara ingeniosamente y con abundantes dosis de un humor mordaz, irónico y colorido las problemáticas que se plantean con estos “visitantes” que van siendo incorporados a la sociedad noruega. De este modo, la inmigración, el multiculturalismo, las sectas, los fundamentalismos, la occidentalización, la xenofobia (y la lista sigue) son encarados desde un planteo sumamente original. Pero todo ello constituye el marco social de la investigación policial del asesinato, llevada adelante por una carismática pareja de detectives: Lars Haaland, un noruego actual (Nicolai Cleve Broch) y Alfhildr Enginnsdóttir, una vikinga “actualizada” (la finlandesa Krista Kosonen). Su vida privada y la compleja investigación, entonces, necesariamente interactuarán con todos esos sectores culturales. Los visitantes constituye entonces un logrado híbrido de policial, comedia social y fantástico. IMPERDIBLE.
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