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NOMINACIONES A LOS
FRANCESA
The French Dispatch (of the Liberty Kansas Evening Sun)
(EN CINES)
- 1 NOMINACIÓN A LOS
GOLDEN GLOBE 2022
"MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL" - Título original
- The French Dispatch (of the Liberty Kansas Evening Sun)
- Año: 2021
- Duración: 108 min.
Estados Unidos- Dirección: Wes Anderson
- Guion: Wes Anderson. Historia: Wes Anderson, Roman Coppola, Hugo Guinness
- Música: Alexandre Desplat
- Fotografía: Robert D. Yeoman
- Reparto: Benicio del Toro, Frances McDormand, Jeffrey Wright, Adrien Brody, Tilda Swinton, Timothée Chalamet, Léa Seydoux, Owen Wilson, Mathieu Amalric, Lyna Khoudri, Steve Park, Bill Murray, Saoirse Ronan.
- Productora: Coproducción Estados Unidos-Alemania; American Empirical Pictures, Indian Paintbrush, Studio Babelsberg. Distribuidora: Searchlight Pictures
- Género: Comedia. Drama | Periodismo. Historias cruzadas
SINOPSIS: Una carta de amor al mundo del periodismo, ambientada en la redacción de un periódico estadounidense en una ciudad francesa ficticia del siglo XX, con tres historias interconectadas entre sí. EXCELENTE. La Crónica Francesa es la última película del director texano Wes Anderson (Gran Hotel Budapest, Isla de Perros) Llega por fin a salas españolas en 2021 tras la larga espera debido a la pandemia. Con un reparto estelar podemos destacar al habitual del director Bill Murray (Cazafantasmas, Academia Rushmore) además de la oscarizada Frances McDormand (Nomadland, Tres Anuncios en las Afueras), Tymothy Chalamet (Dune, Call me by your name) Lea Seydoux (Sin tiempo para morir, Spectre) y Jeffrey Wrigth (Casino Royale, Angels in America) Como es habitual en las películas de Wes Anderson. La historia de La Crónica Francesa se nos presenta como una narración que los espectadores recibimos. La película está estructurada a través de una introducción, tres capítulos y un epílogo final. En su introducción, nos presentan a la plantilla de periodistas que componen el prestigioso diario. Otro habitual andersoniano, Owen Wilson, será el encargado de explicarnos las coordenadas geográficas de la cinta. A través de las diferentes secciones de la revista iremos conociendo las diferentes historias de la película. El personaje de Tilda Swinton nos llevará mediante la sección de artes a una turbulenta historia de amor y pintura. Frances McDormand nos conducirá por la sección de política a un homenaje paródico, pero tierno y sincero de Mayo del 68. Por último Jeffrey Wright y su personaje, nos llevará a un rocambolesco thriller criminal en la sección de cocina. Como podemos observar, el personaje de Bill Murray funciona como el hilo conductor de toda la película. Este pequeño microcosmos es pura invención de Wes Anderson y para esta película ha decidido reunir y ampliar su ya numerosa familia cinematográfica. Quizás este sea uno de los puntos más desfavorables de la película. Pues el desfile de estrellas es tan inmenso, que en ocasiones, algunas apariciones se resumen a un mero cameo y deja con el deseo de ver más de esos personajes y actores concretos. Cabe decir que generalmente se le ha acusado a Wes Anderson de no primar a los personajes femeninos en sus cintas y que sea un reparto con pocas estrellas negras en él. Aquí el de Texas se redime de esas acusaciones, dando un enorme peso a los personajes de Frances McDormand, Tilda Switon y Lea Seydoux. Además del personaje de Jeffrey Wright, que para mi gusto tiene la historia más divertida de toda la película. Entre los cameos podemos encontrar a Cristoph Waltz, Saorsie Ronan, Bob Balaban entre otros. Destacan eso sí, por peso en sus historias Benicio del Toro, Tymothy Chalamet y Adrien Brody. Con este apartado me refiero especialmente al título de la presente crítica. La Crónica Francesa es Café para muy Cafeteros. Una película que se estructura en base de las obsesiones de Wes Anderson y que se han visto referenciadas a lo largo de su cine. Veáse referencias a los usos de la Nouvelle Vague, el empleo de la animación tradicional, los primeros planos subjetivos desde un vehículo avanzando, una Geografía ficticia donde homenajear hechos reales de la Historia. Por no mencionar los primeros planos sobre la preparación de planes meticulosos, referencias culinarias, elementos teatrales a través de la película y chicas interesantes que citan constantemente referentes literarios. En este sentido la película me ha hecho disfrutar enormemente, pues en mi caso, Anderson logra una fórmula maestra de todas sus obsesiones creativas y mostrarlas a la vez. Son tangibles las influencias del cómic franco belga, con homenajes directos a Tintín. Por no hablar de su deuda creativa para con el dúo británico The Archers. Quizás esta última rima sería más evidente en Gran Hotel Budapest con claros paralelismos y homenajes a Vida y muerte del Coronel Blimp. Aquí la principal referencia sin duda es el cine de la Nouvelle Vague. Esto queda especialmente reflejado en cómo Anderson juega con la fotografía al alternar los elementos en blanco y negro con los elementos a color. En un uso bastante magistral, sobre todo para referirnos a la ubicación temporal de futuro y pasado a lo largo de toda la cinta. La Crónica Francesa se yergue como una película firme, divertida y llena de amor por el cine y por el periodismo. Podría ser una suerte de secuela espiritual de Gran Hotel Budapest, formando parte de esta excepcional cosmovisión particular de Wes Anderson y de su propia Europa imaginada. Resulta reconfortante ver cómo la mirada de Anderson nos lleva a un mundo dónde aunque la tragedia y la tristeza estén presentes está sin embargo lleno de una pulsión vital y un amor por la cultura, el conocimiento y la difusión de estos. Sin duda una película excelente. IMPERDIBLE.
TRAILER
Annette.
1 NOMINACIÓN A LOSGOLDEN GLOBE 2022
INCLUYENDO
"MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL: Marion Cotillard"
- Título original
- Annette
- Año: 2021
- Duración: 140 min.
Francia- Dirección: Leos Carax
- Guion: Ron Mael, Russell Mael
- Música: Ron Mael, Russell Mael, Sparks
- Fotografía: Caroline Champetier
- Reparto: Adam Driver, Marion Cotillard, Simon Helberg, Dominique Dauwe, Kait Tenison, Latoya Rafaela, Rebecca Dyson-Smith, Timur Gabriel, Kevin Van Doorslaer, Devyn McDowell, Ornella Perl, Christian Skibinski, Marina Bohlen.
- Productora: Coproducción Francia-Alemania-Bélgica-Japón; CG Cinéma, Kinology, VOO, Arte, arte France Cinéma, BE TV, Canal+, Cinéaxe, Cinémage 14, Cofinova 16, ver 14 más
- Género: Musical. Romance. Drama
SINOPSIS: Henry es un monologuista cómico de humor incisivo. Ann, una cantante de renombre internacional. Centro de todas las miradas, juntos forman una pareja feliz rodeada de glamur. El nacimiento de su primogénita, Annette, una niña misteriosa con un destino excepcional, les cambiará la vida. EXCELENTE. A Leos Carax le va el artificio, géneros como el musical o el melodrama le sientan de maravilla. Un humorista de vanguardia (Driver) forma pareja con una soprano (Cotillard); juntos tienen una hija, Annette. Poco a poco crecen los celos de él debido al éxito de ella, se siente atraído hacia el lado oscuro ("nunca mires el abismo"), lo que le conduce a perder popularidad, a despertar las sospechas de su esposa e iniciar un camino de autodestrucción. Preocupado por hacer notar constantemente que nos hallamos ante una ficción, demostrando una vez más su habilidad para crear secuencias potentes, el director, apoyado por la música de la banda Sparks, aúna elementos operísticos, trágicos, irónicos, surreales, dentro de una trama cuyo interés palidece en comparación con todo lo que la rodea -decorados, movimientos de cámara, escenificación-. Película de alguien que ama el cine; hipertrofiada, original y fascinante. IMPERDIBLE.
-
2021: Globos de Oro: Nominada a mejor actriz comedia o musical (Marion Cotillard)2021: Festival de Cannes: Sección oficial (film inaugural) - Mejor director.
TRAILER
ESTRENOS
DE LA SEMANA
OSCUROS
Antlers.
(EN CINES)
- Título original
- Antlers
- Año: 2021
- Duración: 99 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Scott Cooper
- Guion: Nick Antosca, Henry Chaisson, Scott Cooper. Historia: Nick Antosca
- Música: Javier Navarrete
- Fotografía: Florian Hoffmeister
- Reparto: Keri Russell, Jesse Plemons, Graham Greene, Scott Haze, Rory Cochrane, Amy Madigan, Cody Davis, Sawyer Jones, Arlo Hajdu, J.T. Corbitt
- Productora: Coproducción Estados Unidos-México-Canadá; Searchlight Pictures. Productor: Guillermo del Toro. Distribuidora: Searchlight Pictures
- Género:Thriller | Colegios & Universidad. Sobrenatural
SINOPSIS: En Antlers, una pequeña ciudad de Oregón, una profesora (Keri Russel) y su hermano (Jesse Plemons), el sheriff de la localidad, se empiezan a interesar por un estudiante misterioso y distante. A medida que se van conociendo, descubren que el joven esconde un peligroso secreto que podría tener consecuencias fatales. MUY BUENA. Desde niño siempre me han fascinado las películas de monstruos, y que mejor marco que disfrutar de una de estos films que el Festival de Sitges. La verdad es que salí muy contento y la disfrute de principio a fin. Es como una fábula moderna que mezcla elementos de thriller policiaco, suspense y terror producido por un monstruo legendario. La historia comienza con un niño, Lucas, con síntomas de abandono y raquitismo, que se enfrenta a un trauma familiar ligado a una oscura criatura que atormenta a un pueblo minero en la zona rural de Oregón. La maestra de Lucas, Julia Meadows al ver el estado del niño decide visitar al padre encargado de su cuidado, comienza a ver cosas extrañas por lo que le pedirá ayuda a su hermano Paul que es policía en el pueblo. Antlers se basa en un cuento titulado "The Quiet Boy" de Nick Antosca, que el director Scott Cooper adaptó con el autor a partir de un guion de C. Henry Chaisson. Al igual que con cualquier buena película de terror, el escenario y el entorno son parte fundamental de la historia, aquí opta por mostrar una zona rural de Oregon llena de pobreza y desempleo, con minas abandonadas, casas destartaladas y adicción a las drogas. Este es un territorio ya lo utilizo Cooper en otra de sus películas anteriores "La ley del más fuerte", un director con títulos muy interesantes como "Hostiles", "Black Mass" o "Corazon rebelde". La producción corre a cargo de Guillermo del Toro y el peso de la historia cea en la actriz Keri Russell, una maestra que acaba de comenzar a trabajar en su pueblo natal después de que le hayan ido mal las cosas desde que se fue, es la única que parece darse cuenta de lo que ocurre en el entorno del joven y tomara cartas en el asunto. El siempre eficiente Jesse Plemons es su hermano. Mención especial para el niño Jeremy T. Thomas. Cuenta con buenos elementos del género como espíritus, transformaciones monstruosas, casas y minas terroríficas, pero también es aterrador ver estas zonas abandonadas del interior de Estados Unidos donde la población se encuentra en un estado lamentable de pobreza y marginación. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
T H E
M A T R I X
RESURRECTIONS
Matrix 4: Resurección.
(EN CINES)
- Título original
- The Matrix Resurrections
- Año: 2021
- Duración: 148 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Lana Wachowski
- Guion: Aleksandar Hemon, David Mitchell, Lana Wachowski. Personajes: Lana Wachowski, Lilly Wachowski
- Música: Johnny Klimek, Tom Tykwer
- Fotografía: John Toll, Daniele Massaccesi
- Reparto: Keanu Reeves, Carrie-Anne Moss, Neil Patrick Harris, Yahya Abdul-Mateen II, Jada Pinkett Smith, Jessica Henwick, Priyanka Chopra, Jonathan Groff, Ellen Hollman, Brian J. Smith, Max Riemelt, Lambert Wilson, Andrew Caldwell.
- Productora: Warner Bros., Village Roadshow, NPV Entertainment, Silver Pictures. Distribuidora: Warner Bros., HBO Max
- Género: Ciencia ficción. Acción | Cyberpunk. Mundo virtual. Secuela
SINOPSIS: Neo vive una vida normal y corriente en San Francisco mientras su terapeuta le prescribe pastillas azules. Hasta que Morfeo le ofrece la pastilla roja y vuelve a abrir su mente al mundo de Matrix. MUY BUENA. La película Matrix Resurrections no es un simple ejercicio de nostalgia para dar a los fans algo bonito y bien envuelto. Consigue hacer algo distinto y novedoso, sin por supuesto dejar de ser Matrix, y todo lo que significa la saga: filosofía existencialista, la dualidad entre realidad y ficción, el libre albedrío, acción impresionante e inverosímil y demás cosas. Aunque sí tiene innumerables instantes para la nostalgia, ya sea mediante flashbacks o similitudes con la trama de las anteriores; también hace uso de líneas de diálogo parecidas o iguales y demás elementos que nos hicieran recordar lo ya vivido. Para así, hacer las delicias de los seguidores. Me ha encantando el tratamiento del personaje de Trinity y las nuevas cotas a las que llega en este filme. Otra gran baza es el nuevo episodio de la relación entre ella y Neo, adquiere un nuevo significado. Forjan una conexión poderosa y más creíble que nunca. Por desgracia, al nivel de la primera no llega ni de lejos, pero eso era una tarea casi imposible. Matrix es una de las grandes obras de ciencia ficción modernas. Es más, Reloaded y Revolutions, las dos siguientes a ésta, tampoco tienen un nivel ni parecido. Esta se queda en un lugar intermedio, me convence un poco más que las dos antes mencionadas, sin embargo, la primera sigue siendo mi favorita con una más que amplia diferencia. Los actores están todos magníficos. Los ya conocidos, es todo un gusto volver a verlos; los nuevos entran firmes, pero sin robar el protagonismo al elenco original. Reeves está sensacional, un papel que encarna como suyo. El único inconveniente es que en muchas ocasiones creía que era más John Wick que el propio Neo, por su aspecto y muchas escenas de acción que protagoniza; pero cuando tenía líneas de diálogo, desaparecía esa sensación para reencontrarnos con el carismático personaje. Es un actor impresionante para las escenas de combate y coreografías, tampoco se queda atrás en la parte dramática. La que más me ha gustado y sorprendido es Moss, una vez más como Trinity; ya que no ha tenido una carrera tan notoria como su compañero. Vuelve a un papel que se notaba que deseaba retomar, puede que incluso haya disfrutado más ella, que yo viéndola; y yo he estado realmente encantando. En la acción bien, pero más destacando su registro dramático. El casting con las nuevas incorporaciones es notable. Por destacar algunos nombres: Patrick Harris lo clava y se luce más que cualquier otro de los nuevos; Abdul-Mateen II también se nota que disfruta y está genial; por último, Groff no está nada mal, aunque su reto era el más grande. Matrix Resurrections capta lo mejor de las anteriores entregas para adaptarlo a nuestros días, sobre todo sus imponentes escenas de acción, coreografías y efectos especiales. El argumento es imperfecto, pero más que disfrutable. Las actuaciones, tanto de los nuevos como de los veteranos son espléndidas; sobresaliendo Reeves y, sobre todo, Moss, tanto por su desempeño como por la evolución del personaje. Dentro de la saga de Matrix, la primera entrega se mantiene como mi preferida con diferencia; pero esta me ha agradado más que las otras dos secuelas. MUY RECOMENDABLE.
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Sirvientes.
- Título original
- Sluzobnici
- Año: 2020
- Duración: 80 min.
Eslovaquia- Dirección: Ivan Ostrochovský
- Guion: Rebecca Lenkiewicz, Marek Lescák, Ivan Ostrochovský
- Música: Cristian Lolea, Miroslav Toth
- Fotografía: Juraj Chlpík (B&W)
- Reparto: Vlad Ivanov, Martin Sulík, Milan Mikulcík, Zvonko Lakcevic, Samuel Skyva, Vladimír Strnisko, Samuel Polakovic, Vladimír Zboron, Vladimír Obsil, Tomas Turek
- Productora: Coproducción Eslovaquia-Rumanía-República Checa-Irlanda; Punkchart films, Point Film, RTVS, Negativ s.r.o, Film and Music Entertainment, Libra Films Productions, Hai-Hui Entertainment, Sentimentalfilm
- Género: Drama | Religión. Años 80
SINOPSIS: La Iglesia Católica atraviesa un momento complicado en Checoslovaquia a principios de los años 80. El régimen comunista amenaza con destruir la institución y la somete a un estricto control, por lo que se ve obligada a aceptar ciertas restricciones relacionadas con la libertad de creencias y de expresión. El clérigo está dividido entre la "iglesia de las catacumbas", que mantiene el contacto con el Vaticano y con la prensa occidental, y la "jerarquía eclesiástica", que coopera con las fuerzas del poder y está representada por sacerdotes pertenecientes a la asociación "Pacem in Terris", cuya vida se extendió en el país desde 1971 hasta 1989. Este es el contexto en el que los jóvenes seminaristas Michal y Juraj tienen que decidir si mantenerse fieles a su vocación e idealismo o arrodillarse ante las presiones de la policía secreta. EXCELENTE. Años 80, siglo XX, Checoeslovaquia: tras la “Primavera de Praga” (y su “socialismo de rostro humano”), aplastada por las tropas del Pacto de Varsovia, el régimen checoeslovaco continúa controlando a su población y a una institución como la Iglesia Católica, cuya jerarquía se ha plegado a los mandatos de la seguridad del Estado (incluida, aparte la obediencia, la delación). Estamos en un seminario eslovaco, donde la rutina de la enseñanza y de la vigilancia será rota por un cura rebelde (que realiza ordenaciones sacerdotales clandestinas) y unos jóvenes motivados por su ejemplo, por la inocencia de la edad y por la necesidad de la emulación y el amor amical. Un congreso de la Iglesia católica afín al régimen y un asesinato, desencadenarán los hechos. Los seminaristas acabarán rebelándose o manifestando su disconformidad a través de una huelga de hambre. Una huelga que será reprimida por las propia autoridades del seminario (echamos de menos el papel de la jerarquía católica checoeslovaca) y por la autoridades políticas y su aparato de represión. Los vientos de la historia van hoy por otros derroteros, por lo que acercarse a esta historia podía suponer recibir una tufarada tóxica desde un pasado enviado al crematorio de la Historia (con mayúscula). El director lo sortea con inteligencia y arte. Lo que le importa (y nos importa como espectadores, o me importa a mí), es su acercamiento a cada uno de los héroes de este drama: los chicos seminaristas, los sacerdotes profesores, los esbirros de la seguridad del Estado… Una mirada humana, muy humana, sobre ellos y sus vicisitudes. Cada uno tiene su responsabilidad individual (y por ella tienen que responder), pero no podemos olvidar el contexto de opresión y miseria moral. Y ahora viene lo grande de esta película: esa miseria y opresión pueden expresarse de varias formas. El director ha optado por hacerlo con las siguientes (me parece): un riguroso blanco y negro, un argumento que tiene algo de rompecabezas (la vida es confusión), o unas tomas muy bien pensadas y con cierto riesgo estético, como son las cenitales (estilo Hitchcock)… O la propia música, desasosegante, rota al final por una pieza barroca. “No estamos en este mundo para ser felices”, dice un cura profesor a un discípulo. Esta es una de las cuestiones que rondan el film. Un film frío, que marca distanciamiento para que no nos engañemos con sensiblerías… IMPERDIBLE.
2020: Festival de Valladolid - Seminci: Mejor dirección (ex-aequo)
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UN
MONDE
Un monde.
PRESELECCIONADA AL OSCAR 2022 "MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL POR "BÉLGICA".
- Título original
- Un monde
- Año: 2021
- Duración: 72 min.
Bélgica- Dirección: Laura Wandel
- Guion: Laura Wandel
- Fotografía: Frédéric Noirhomme
- Reparto: Maya Vanderbeque, Günter Duret, Karim Leklou, Laura Verlinden, Léna Girard Voss, Thao Maerten, Laurent Capelluto
- Productora: Dragon Films, Lunanime
- Género: Drama | Acoso escolar / Bullying. Colegios & Universidad. Infancia. Familia
SINOPSIS: Nora entra en primaria y poco después descubre el acoso que sufre su
hermano mayor, Abel. Nora se debate entre la necesidad de integrarse y
su hermano, que le pide que guarde silencio. EXCELENTE. En la primera escena de 'Un pequeño mundo', debut en el largometraje de
la belga Laura Wandel, Nora (Maya Vanderbeque) llora desconsolada
delante de su padre antes de pasar su primer día de colegio. Su único
consuelo es la presencia de su hermano mayor, Abel (Günter Duret), al
que tiene como referente e idolatra. Algo a lo que agarrarse frente al
temor que proporciona lo desconocido. Wandel evita redundancias innecesarias y va al grano, siguiendo con su
cámara de cerca a la protagonista, nutriendo la puesta en escena del
poderío visual que aportan los primeros planos y el buen hacer de los
jóvenes intérpretes. En ese microcosmos que es el patio de un colegio,
Nora va a ser testigo de los malos tratos, humillaciones y vejaciones
que sufre su hermano, debatiéndose entre la lealtad al mismo, que le
pide guardar silencio, y los dictados de la razón que claman por
desvelar semejante atropello. 'Un pequeño mundo' impone una atmósfera intimidatoria, dónde la
violencia soterrada se respira, se siente. Y el espectador queda
atrapado en un ambiente claustrofóbico, no tanto por los espacios, si no
por el apabullante efecto creado por golpes, desprecios y comentarios
hirientes lanzados por iguales, secundados por una cámara en permanente
estado de estrés. Ese nervio frente a lo incómodo y lo oscuro ejerce un
efecto envolvente desde el comienzo, sin soltar su presa hasta el
desgarrador final. De escasos 70 minutos de metraje, la película trasciende la mera
narración del buylling, adentrándose en los terrenos del cine social más
punzante. Notable cinta que bebe en fondo y forma de obras de los
hermanos Jean Pierre y Luc Dardenne, con las que comparte desapego
doctrinario, zarandeando conciencias. El poder destructor de los abusos
sobre el endeble estado emocional y afectivo de estos dos hermanos se
exhibe con toda crudeza. Sin edulcorantes. Mostrando su capacidad
corruptora. Brillante cinta de realismo social. No se la pierdan. IMPERDIBLE.
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otro tom.
The Other Tom.
- Título original
- El otro Tom
- Año: 2021
- Duración: 111 min.
México- Dirección: Rodrigo Plá, Laura Santullo
- Guion: Rodrigo Plá, Laura Santullo
- Fotografía: Odei Zabaleta
- Reparto: Jorge Castro, Leah Miller, Michelle Flores, Rigo Zamarron, Joseph de la Riva, Jaco Rodriguez, Sofía Prieto, Gloria Carden, Marina Garbalena, Alma Brockhoff, Gigi Chaires, Jeanell Carden, Frank Rico.
- Productora: BHD Films, Buenaventura
- Género: Drama | Enfermedad
SINOPSIS: Una madre corre el riesgo de perder la custodia de su hijo cuando se
niega a medicarle por su TDAH; trastorno por déficit de atención con
hiperactividad. EXCELENTE. El realizador uruguayo (radicado en México) de La zona (2007), Desierto adentro (2008), La demora (2012) y Un monstruo de mil cabezas
(2012) codirigió con su compatriota Laura Santullo (guionista de varios
films de Plá) este drama familiar ambientado en los Estados Unidos, que
se exhibirá también en el Festival de Toronto. Elena (Julia Chávez) es una madre soltera que se ha radicado en los
Estados Unidos con su hijo Tomás, donde vive de precarios trabajos y de
la asistencia social que la burocracia se empecina en retacear. Si la
situación de esta joven mujer ya es de por sí difícil, se complica aún
más porque el chico de 9 años (al que todos llaman Tom o Tommy) sufre
del denominado Trastorno por Déficit de Atención e Hiperactividad
(TDAH). Eso lo vuelve disfuncional en cualquier ámbito público, agresivo
en la escuela, insoportable para sus maestras y muchos de sus
compañeros. Con un padre prácticamente ausente (el Julián de Rigo
Alberto Zamarrón se ha quedado en México, donde ha formado una nueva
pareja), Tom mantiene una relación bastante simbiótica y al mismo tiempo
ríspida con su madre y es víctima no solo de la mencionada burocracia
sino también de la insensibilidad social y la absoluta incapacidad de
las instituciones para lidiar con chicos que pueden resultar en
apariencia disruptivos en su caos cotidiano, pero que -tratados con
paciencia y delicadeza- pueden dar rienda suelta a todo su talento (en
este caso, el dibujo). Pero todos apelan al recurso más sencillo:
Tom es fuertemente medicado por una psiquiatra y luego estigmatizado
precisamente por tomar múltiples pastillas. Un cóctel explosivo de
angustia y discriminación. Allí comienza una suerte de vía crucis tanto
de él como de una esforzada madre que está sola y con mínimos recursos. Todo
parecía servido para un melodrama lacrimógeno, pero afortunadamente la
dupla Plá-Santullo se concentra más en los personajes (nobles y
entrañables, aunque al mismo tiempo marcados por múltiples
contradicciones) que en la bajada de línea, consiguiendo así un relato
emotivo sin apelar al golpe bajo. El final, bello y cálido, nos evita
todo atisbo de esa crueldad lindante con el sadismo tan típica del cine
mexicano contemporáneo. IMPERDIBLE.
-
2021: Festival de Mar del Plata: Competencia Internacional.2021: Festival de Morelia: Mejor dirección.2021: Festival de Venecia: Premio del Público Horizontes.
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NOVICE
The Novice.
- Título original
- The Novice
- Año: 2021
- Duración: 94 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Lauren Hadaway
- Guion: Lauren Hadaway
- Música: Alex Weston
- Fotografía: Todd Martin
- Reparto: Isabelle Fuhrman, Jeni Ross, Amy Forsyth, Kate Drummond, Jonathan Cherry, Nikki Duval, Charlotte Ubben, Robert Ifedi, Dilone, Eve Kanyo, Al Bernstein, David Guthrie, Sage Irvine, Chantelle Bishop
- Productora: Picture Movers Anonymous, H2L Media Group
- Género: Thriller | Deporte. Cine independiente USA
SINOPSIS: Alex Dall (Isabelle Fuhrman) es una estudiante universitaria 'queer' que
se une al equipo de remo de su universidad, emprendiendo un viaje
físico y psicológico obsesivo para ser la mejor en la mejor embarcación,
sin importar el coste. Con la intención de superar a sus compañeros de
equipo, Alex se esfuerza hasta más allá de sus límites, alienando a
todos los que la rodean en nombre del éxito. EXCELENTE. Lo primero que se nota al ver “The Novice” es el diseño de sonido, delicadamente entretejido y en capas: música suave, agua, viento, pájaros, aliento, el garabato de un lápiz, el golpeteo de las zapatillas de correr. Y debajo de todo, el más mínimo estruendo, construyéndose y batiendo constantemente, creando una ineludible sensación de peligro. El debut cinematográfico de la escritora / directora / coeditora Lauren Hadaway es una experiencia sensorial íntima y poderosa, pero es la edición de sonido, la primera vocación de Hadaway, habiendo trabajado con gente como Quentin Tarantino, Zack Snyder y Damien Chazelle. que te agarra por encima y te envuelve por completo. Pero también crea un sentido de lugar oscuro y vívido dentro del mundo competitivo del remo universitario, lo que hace que un campus escénico se sienta cada vez más claustrofóbico y siniestro. IMPERDIBLE.
-
2021: Festival Tribeca: Mejor película, mejor actriz (Fuhrman) y mejor fotografía
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MIDDLE MAN
El Intermediario.
- Título original
- The Middle Man
- Año: 2021
- Duración: 95 min.
Noruega- Dirección: Bent Hamer
- Guion: Bent Hamer. Novela: Lars Saabye Christensen
- Música: Jonathan Goldsmith
- Fotografía: John Christian Rosenlund
- Reparto: Don McKellar, Kenneth Welsh, Pål Sverre Hagen, Tuva Novotny, Paul Gross, Nina Andresen Borud, Rossif Sutherland, Nicolas Bro, Trond Fausa, Aksel Hennie, Sheila McCarthy
- Productora: Coproducción Noruega-Alemania-Dinamarca-Canadá; Bulbul Films, The Film Farm, Profile Pictures, Bord Cadre Films, Pandora Film, Sovereign Films
- Género: Drama. Comedia
SINOPSIS: Frank Farrelli acepta el trabajo de intermediario en un pueblo dejado de Dios llamado Karmack, en Estados Unidos, una comunidad sumida en una depresión tan profunda que necesitan un intermediario que comunique profesionalmente más malas noticias. MUY BUENA. El dolor de dos personas no es el mismo, pero la película tiene como objetivo resaltar algunas similitudes en el proceso de duelo. La ciudad en sí es una realización pictórica de esto. Embarcaciones de recreo abandonadas flotan sin rumbo fijo en el puerto, ya que los residentes anteriores no querían terminar el pago, recordatorios perdidos de la antigua afluencia de clase media de lugares como Karmack. El asfalto húmedo de la ciudad está más lleno de grietas que una calzada funcional. Y la decoración del hogar principal parece consistir en paneles de madera y ese tipo de color azul huevo de petirrojo popular en la década de 1950. No fue hasta que un personaje sacó un iPhone a más de la mitad de la imagen que me di cuenta de que esta película no estaba ambientada en el último período de Reagan al que pertenece Franks Chevrolet Caprice. "Hay cosas que hacer, incluso cuando no hay nada que hacer", se lamenta Frank sobre su nuevo trabajo, mientras comienza a dar malas noticias, a trompicones, a la gente del pueblo. Empieza a cortejar a Blenda, su secretaria (Tuva Novotny, encantadora) alienando a su exnovio que no consiguió el trabajo de intermediario. Frank y Blenda comienzan a lidiar con los diversos conflictos de intereses que esta nueva posición y su cita atraen como polillas a la llama. Lo que adoro de The Middle Man es el pequeño universo que Hamer ha creado en un lapso de tiempo de ejecución tan eficiente. Una maraña de problemas tácitos en una ciudad donde todos están conectados de alguna manera con todos los demás. Desprovisto de la ira política que se ha manifestado recientemente en los 'vacíos de oportunidades' de los pueblos de la clase trabajadora de Estados Unidos, Hamer está mucho más interesado en los efectos personales de lidiar con un goteo constante de malas noticias: el punto en la 'historia'. donde se transforma de tragedia en farsa. Su mejor observación, o quizás la más cruel, podría ser simplemente que no hay razón, solo caos. Y cada uno es su propio barco sin amarrar. MUY RECOMENDABLE.
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REPORT
Zárójelentés.
El Médico de Budapest.
- Título original
- Zárójelentés
- Año: 2020
- Duración: 118 min.
Hungría- Dirección: István Szabó
- Guion: István Szabó
- Música: Attila Pacsay
- Fotografía: Lajos Koltai
- Reparto: Klaus Maria Brandauer, Károly Eperjes, András Stohl, Éva Kerekes, Dorottya Udvaros, Ági Szirtes, Mari Csomós, Péter Andorai, Eszter Csákányi, Tímea Virga, Ákos Orosz, Enikö Börcsök, Dorina Martinovics.
- Productora: Filmkontroll, Film Street
- Género: Drama | Vejez / Madurez
SINOPSIS: Un cardiólogo es enviado a la jubilación, pero se siente perdido sin su trabajo. Regresa a su pueblo natal para trabajar como médico generalista. Este es el comienzo de su terrible experiencia: se enfrenta a la cruda realidad, que finalmente lo pone de rodillas. Pero la música tiene la última palabra. MUY BUENA. El regreso del doctor Stephanus, reputado cardiólogo inesperadamente jubilado, a su hogar natal, está lleno de reencuentros y de desencuentros. Estos desencadenan una serie de conflictos que desestabilizan el delicado tejido afectivo del pueblo. Como un Ulises de regreso a una Ítaca que no lo espera, el doctor Stephanus ha de plantearse el lugar que ha venido a ocupar. El enfrentamiento con el alcalde (András Stohl) por la construcción del balneario parece conducirnos hacia cuestionamientos políticos similares a Un enemigo del pueblo de Ibsen. Sin embargo, en este sentido la película se queda descafeinada. El maniqueísmo con que está construido el antagonista desplaza el interés hacia lo afectivo. Sí plantea como telón de fondo importantes problemas. La corrupción, un sistema de pensiones ineficiente, el desmantelamiento de la sanidad, el envejecimiento de la población, la emigración de los jóvenes son lacras que impiden el bienestar individual y colectivo. La maledicencia termina dar la puntilla a un mundo donde no estamos seguros de que tenga cabida la honestidad. El médico de Budapest es además una historia de amor a cuatro bandas. La profesión médica, la música, las mujeres y la amistad son los pilares afectivos del protagonista. Tres son las mujeres en el corazón de Stephanus: su esposa (Dorottya Udvaros), su novia de juventud (Ági Szirtes) y la profesora (Éva Kerekes). Su amigo de infancia (Károly Eperjes), que le acompaña y sirve de contrapunto, comparte con él algunas de las escenas más memorables. Destaca la interpretación de Brandauer, que sostiene todo el peso del relato, y que hace gala de su talento como cantante lírico en varias escenas. Resultan entrañables también el elenco de secundarios, que dotan de un gran colorido a la película. La puesta en escena es sencilla y coherente con la historia que cuenta. Tiene una estupenda banda sonora en la que sobresalen piezas operísticas y clásicas que maridan notablemente con el paisaje emocional de los protagonistas. El médico de Budapest es una historia sencilla que nos habla sobre honestidad, pero también sobre afectos y vocaciones tardías. Su planteamiento, a priori manido, nos ofrece, sin embargo, un visionado muy agradable gracias, sobre todo, al talento interpretativo de Klaus Maria Brandauer. IMPERDIBLE.
TRAILER
MAMAN
Pequeña mamá.
(EN CINES)
- Título original
- Petite maman
- Año: 2021
- Duración: 72 min.
- Francia
- Dirección: Céline Sciamma
- Guion: Céline Sciamma
- Música: Para One
- Fotografía: Claire Mathon
- Reparto: Nina Meurisse, Stephane Varupenne, Margot Abascal, Joséphine Sanz, Gabrielle Sanz
- Productora: Lilies Films, MK2 Films
- Género: Drama | Infancia
- SINOPSIS: Nelly tiene 8 años y acaba de perder a su abuela. Mientras ayuda a sus
padres a vaciar la casa en la que su madre creció, explora con intriga
el bosque que la rodea, donde su mamá solía jugar de pequeña. Allí Nelly
conoce a otra niña de su edad y la inmediata conexión entre ambas da
paso a una preciosa amistad. Juntas construyen una cabaña en el bosque
y, entre juegos y confidencias, desvelarán un fascinante secreto. A
pesar de las circunstancias familiares, el viaje se convierte en una
emocionante aventura para Nelly, quien descubrirá maravillada el
universo de su mamá cuando era pequeña, y podrá conectarse con ella de
una forma mágica e inusual. EXCELENTE. Nelly tiene ocho años y acaba de perder a su abuela. Un hecho que Petite
maman nos presenta en una primera secuencia muy evocativa, en una
residencia de ancianos. Nelly es una niña muy despierta y dispuesta,
capaz de percibir mucho más de lo que los adultos le confían. Tras
semejante pérdida, Nelly y su madre se dirigen a la casa de la abuela
con el fin de vaciarla. Allí les espera el padre y un sinfín de
recuerdos que tendrán que decidir si conservar. Durante unos días, Nelly transitará por esta casa perdida en mitad del
bosque. Un lugar mágico en el que la niña conocerá a otra pequeña de su
misma edad, de nombre Marion. Ambas comenzarán a compartir juegos, con
una cabaña como elemento principal. Un refugio que la madre de Nelly
construyó de pequeña y que servirá de curioso nexo de unión, entre estas
dos niñas tan parecidas. Una sencilla trama en torno a la infancia, que
aquí se retrata con verdadera profundidad. Y es que Nelly y Marion son
personajes con capas, a los que la cámara no mira desde la
infantilización. En un acercamiento a los personajes que permite a Petite maman afrontar
un sinfín de temas con una exquisita sencillez. Aspectos como el de las
despedidas, especialmente cuando las circunstancias te han privado de la
oportunidad de verbalizar aquello que deseabas. Aunque son aquí más
poderosas las ausencias y ese estar y no estar. Con esa madre que se
desliga absolutamente del papel tradicional que la sociedad ha impuesto.
Una madre que no muestra demasiada empatía hacia su hija y que debe
luchar contra sus fantasmas, para así poder regresar a Nelly. Roles que en la película no encajan y tienen vida propia. Porque el
padre de Nelly tampoco parece comportarse como una teórica figura de
protección y autoridad. Muy al contrario, parece que estemos ante un
intercambio curioso de papeles, con una Nelly más consciente y de verbo
más profundo. Circunstancias que alcanzan su punto álgido con la
aparición en escena de Marion, una misteriosa niña que vive con una
madre coja y ausente. Muy significativa es la primera secuencia que
ambas comparten en la casa de Marion, donde vemos como la anfitriona
prepara a su amiga un chocolate. Secuencias que nos sugieren y que nos adelantan el mágico giro de guion
que Sciamma imagina. Una apuesta por la magia y las temporalidades
detenidas, que sin necesidad de fuegos artificiales nos presentan un
sencillo viaje en el tiempo. Muy verdadero, en parte, gracias a esa
magia desbordante de aquellas que están abordando las primeras etapas
del camino. En una especie de juego de espejos, con el que somos
testigos del fue y el será. Trasladado a la pantalla mediante un preciosismo delicado y muy
sencillo. En Petite maman no hay estridencias, sino un retrato llano,
que casa a la perfección con ese dicho de lo bueno, si breve, dos veces
bueno. Empezando por un metraje de setenta y dos minutos y,
especialmente, por sus secuencias repletas de silencios, miradas y
objetos poseedores de un vasto significado. Véase ese bastón que Nelly
rescata de la residencia de su abuela en la extraordinaria secuencia
inicial. Un trabajo que la realizadora Céline Sciamma llevó hasta lo sublime en
Retrato de una mujer en llamas. Pero que ya dejó entrever en otras
propuestas como Tomboy, una cinta que también se acercaba a una niña
desde el misterio y una mirada sutilmente bella. Aquí, de nuevo,
presenciamos un retrato que se sustenta en lo no dicho y en aquello que
evoca una mirada o una simple pregunta. Destacando por encima de todo, el preciso trabajo que la realizadora
consigue de sus jóvenes intérpretes. No debe ser fácil conseguir que una
niña tan pequeña actúe de una forma tan limpia y evocadora. Trabajo que
la directora francesa consigue a la perfección, sirviéndose, además, de
unas localizaciones ideales para transmitir esa sensación de estar
presenciando un cuento. Teniendo como resultado una película que demuestra lo mucho que se puede
sugerir con muy poco. Porque Petite Maman necesita solamente cinco
intérpretes, unas cuantas localizaciones y menos de una hora y media
para hacernos transitar por un viaje mágico. ¿No es eso de lo que trata
el cine? Desde luego Sciamma lo consigue, gracias fundamentalmente a un
guion muy bien armado que se saca de la chistera un giro genial. Pero,
sobre todo, gracias a su falta de pretensiones y su apuesta por la
naturalidad de una magia conseguida desde la emoción y no desde el
ruido. IMPERDIBLE.
-
2021: Festival de Berlín: Premio del público. Sección oficial largometrajes a concurso2021: Premios Independent Spirit: Nominada a mejor película extranjera2021: Festival de San Sebastián - Sección Perlas: Premio del Público2021: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor película extranjera2021: Festival de Mar del Plata: Selección Competencia Internacional.2021: British Independent Film Awards (BIFA): Nom. mejor film internacional.
- TRAILER
DOCUMENTALES
PROHIBIDA
La Naranja Prohibida.
- Título original
- La naranja prohibida
- Año: 2021
- Duración: 78 min.
España- Dirección: Pedro González Bermúdez
- Guion: Pedro González Bermúdez. Idea: Javier Morales Perez
- Música: Guillermo Farré, Remate
- Fotografía: Raúl Cadenas
- Reparto: Documental, intervenciones de: Carmelo Romero, Vicente Molina Foix, Gustavo Martín Garzo, Fernando Herrero. Voz: Malcolm McDowell
- Productora: TCM
- Género: Documental | Documental sobre cine
SINOPSIS: Documental que aborda todo lo que rodeó al estreno en España de la
controvertida película 'La naranja mecánica', de Stanley Kubrick, y
reconstruye los hechos acontecidos en aquellos días, hace ahora 50 años,
en torno al primer pase público de la película en España, en la Seminci
de Valladolid. Lo hace contando con numerosos testimonios de asistentes
y responsables involucrados en la organización de este evento, así como
algunas voces de la cultura, tanto de los años setenta como de hoy en
día. EXCELENTE. La Naranja Prohibida se centra en todo lo relacionado con la proyección
en España de la conocida y controvertida película La Naranja Mecánica
del fallecido director Stanley Kubrick. Comienza La Naranja Prohibida con el origen del guion de la película que
se basa en el libro escrito por el marido de una mujer violada en
Londres. Polémico largometraje que fue alabado, denostado y también
prohibido en diversos países. El propio actor Malcolm MacDowell, que encarnó el personaje principal de
Alex De Large, hace de narrador en gran parte del documental español.
Stanley Kubrick rodó la película durante seis intensos meses desde
septiembre de 1970. Se estrenó a finales de febrero de 1971 en New York y
posteriormente en enero de 1972 en Londres. La Naranja Prohibida recoge opiniones y testimonios de diferentes
personas que tuvieron que ver con su traducción, doblaje, programación y
proyección en la XX Seminci de 1975 tras muchas peripecias. El escritor y crítico de cine Vicente Molina Foix tradujo de manera muy
personal el guion de la película y nos explica su trabajo para el
doblaje. Después el documental pasa a describir el contexto social y político de
los años previos, así cómo era la sociedad vallisoletana de aquellos
años. Una amplia documentación a cargo de Alba Tobajas sirve de apoyo a La
Naranja Prohibida. Una selección de imágenes y grabaciones de la
entonces actualidad va ilustrando la descripción ambiental de la época. Un amplio espacio temporal del documental está dedicado a hablar sobre
la censura cinematográfica y sus repercusiones en diversas películas
españolas y extranjeras. Por ello muchos españoles hacían excursiones
desde Barcelona para ir ver las películas prohibidas en los cines de
Perpiñán, al otro lado de la frontera en Francia. Es muy interesante ésta parte dedicada a los efectos negativos de la
censura sobre las proyecciones cinematográficas describiendo anécdotas y
paradojas curiosas. Sin embargo es excesivo el tiempo fílmico sobre el
contexto social y político ya que se hace muy largo y nos hace desear
que el documental se centre por fin en La Naranja Mecánica. La banda sonora de Remate & Wild Honey es bastante adecuada a las
diversas secuencias a las que acompaña. Igualmente correcta la dirección
de fotografía de Raúl Cadenas. Tiene mucho interés el detallado testimonio de Carmelo Romero que fue
director de la Seminci en 1975, año de la proyección de La Naranja
Mecánica en su programación. Los detalles que cuenta son bastante
desconocidos pero muy significativos de las dificultades que tuvo que
superar para llegar a exhibirla. También son muy recomendables las perspectivas que nos aporta tanto
Vicente Molina Foix que entrevistó en aquellos años a Stanley Kubrick
como las opiniones de Malcolm MacDowell sobre el director. Según diversos testimonios coincidentes el director inglés era muy
perfeccionista en su trabajo y muy exigente con los lugares donde se
proyectaban sus películas. Controlaba exhaustivamente donde podían
programarse para su exhibición a fin de conservar su calidad
audiovisual. La parte final de La Naranja Prohibida recoge las expectativas de su
estreno en la Seminci de Valladolid. Opiniones, sensaciones y
valoraciones de las personas que pudieron verla en 1975 en aquel
festival de cine. Son muy descriptivas tanto las opiniones de quienes pudieron verla como
de los jóvenes que en 2021 no la conocen así como de quienes sí la han
visto. La Naranja Mecánica se proyectó meses después en cines de Arte y Ensayo
en versión original con subtítulos y casi un año después doblada en
salas comerciales. Tal fue el éxito que permaneció en cartel casi un año
en numerosos cines de toda España. Finalmente diversas personas analizan con sus opiniones la estética,
banda sonora y secuencias de la película que tanto impactó por sus
imágenes muy explícitas de violencia. Algunas imágenes y fragmentos de
la película original nos sirven de referencia en el documental. La Naranja Prohibida reflexiona y debate sobre si sería posible hoy día
volver a rodarla. Opiniones encontradas giran en torno a la famosa
película basada en la novela distópica homónima de Anthony Burgess
publicada en 1962. El documental de Pedro González Bermúdez es interesante al situar La
Naranja Mecánica en el contexto temporal y cultural de diferentes países
occidentales. También por aportarnos diversas miradas sobre los
antecedentes de su proyección en la XX Seminci de Valladolid en 1975. La Naranja Prohibida es un exhaustivo largometraje del documentalista
Pedro González Bermúdez, estudioso de diversas producciones
cinematográficas en sus trabajos anteriores. Sitúa contextualmente el
estreno español de La Naranja Mecánica en la XX Seminci de 1975 y en
diferentes países así como las reacciones favorables y desfavorables del
público. En España hace un acertado análisis del nefasto trabajo de la censura
fílmica y resulta excesivo el tiempo dedicado al contexto social y
político de aquellos años. Por ello falta más amplitud y profundidad en
el estudio que hace sobre sus espectadores de entonces. En cualquier
caso recomendable su visión. IMPERDIBLE.
2021: Festival de Valladolid: Mejor Documental largo.
TRAILER
CINE CLÁSICO
CICLO: ROBERT DE NIRO Y SUS INICIOS EN EL CINE.
Greetings
Greetings.
- Título original
- Greetings
- Año: 1968
- Duración: 85 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Brian De Palma
- Guion: Brian De Palma, Charles Hirsch
- Música: Erick Kaz, J. Stephen Soles, Artie Traum
- Fotografía: Robert Fiore
- Reparto: Jonathan Warden, Robert De Niro, Gerrit Graham, Richard Hamilton, Megan McCormick, Bettina Kugel, Jack Cowley, Allen Garfield, Peter Maloney, Rutanya Alda, Roz Kelly
- Productora: West End Films
- Género: Comedia | Cine independiente USA.
VERSIÓN RESTAURADA.
SINOPSIS: Paul Shaw está intentando encontrar algún pretexto para que el ejército no lo envíe a Vietman. Sus amigos John y Lloyd creen que lo mejor que puede hacer es alegar alguna enfermedad que no le permita superar las pruebas médicas... Película independiente y muy modesta, rodada en tan sólo dos semanas y con un presupuesto ínfimo. EXCELENTE. No sé como he dado con esta película, creo que fue con el fin de seguir escaneando la filmografía de De Niro. Si piensa verla debe tomar en cuenta que en algunos aspectos, muchas cosas han cambiado, no solo la moda, que en este film también lo notará, sino las formas, y esto me resultó atractivo del filme, efectivamente las formas y en este caso en particular la de hacer cine, (más allá del contenido artístico, respecto del cual quizá pueda encontrar información en otra crítica) y en ese sentido esta película constituye una perla, no era común un cine crítico de las acciones de EE.UU. como estado en su ingerencia en otras naciones, sino por el contrario, éste siempre fue una herramienta para fortalecer el espíritu nacionalista, los valores anticomunistas, la inmaculada moral occidental y bla bla bla, (recuerde que también era la época de la guerra fría), incluso aquí verá pasajes de discursos de Lyndon Johnson que reflejan un poco los argumentos de siempre, pero mostrados desde la óptica crítica. Por otro lado hay que recordar el sistema de censura autoimpuesto por la industria cinematográfica norteamericana, el Código Hays, ya obsoleto por entonces y que aquí se evidencia que queda de lado, por supuesto con ciertos límites, sin irse a un extremo que excluyera el filme de los cines o sea con la idea de quedar dentro del mercado, aunque este fuera marginal, pero creciente porque satisfacía la demanda de lo que el público quería ver, es decir más realismo y esto fue una tendencia irreversible que cambiaría al cine americano. Así es, que esta “peliculita“ junto con otras tantas del cine independiente, contribuyeron a un cambio en el cine y nos libró de las ambigüedades, los doble sentidos, los mensajes implícitos, lo blanco y negro, el bueno triunfador y el malo castigado, etc., para empezar a ver un cine menos hipócrita, con más grises, esta película muestra varios perfiles psicológicos distintos, etc. Por otra parte tiene desnudos que hoy resultan insignificantes, pero no dejan de ser valiosos porque también formaron parte de ese proceso de cambio. Todo contado en el marco psicodélico propio de la época hippy. Por último, la respuesta de De Niro al periodista, sobre que esta haciendo en Vietnam, debe considerarse emblemática de esta película, y demuestra la genialidad de los simple, una sola frase a veces representa mucho, y constituye una evidencia de la capacidad latente que yacía en el interior del luego aclamado director Di Palma. IMPERDIBLE.
1969: Festival de Berlín: Oso de Plata.
TRAILER
THE
WEDDING
PARTY
La Fiesta de Bodas.
- Título original
- The Wedding Party
- Año: 1969
- Duración: 92 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Brian De Palma, Wilford Leach, Cynthia Munroe
- Guion: Brian De Palma, Wilford Leach, Cynthia Munroe
- Música: John Herbert McDowell
- Fotografía: Peter Powell (B&W)
- Reparto: Charles Pfluger, Jill Clayburgh, Robert De Niro, Valda Setterfield, Raymond McNally, William Finley, Judy Thomas, Jennifer Salt, Sue Ann Converse, John Quinn, John Braswell
- Productora: Oudine Productions
- Género: Comedia | Bodas
VERSIÓN RESTAURADA.
SINOPSIS: Charlie es un impaciente novio que llega a la isla donde vive su prometida Josephine, antes de la fecha de la boda. Sin embargo, rápidamente descubre que ese matrimonio promete ser muy distinto de lo que él había pensado. Después de que el padre de la novia le ofrezca una visión de lo aburrido que va a ser su futuro, Charlie empieza a tener serias dudas, pero los preparativos continúan... MUY BUENA. Ese es el principal atractivo de The Wedding Party, película filmada en 1963 que recién fue estrenada en 1969. Fue dirigida por Wilford Leach, Sarah Monroe y Brian De Palma. Se trata de una comedia en tono de farsa que gira alrededor de un casamiento. Wilford Leach fue un reconocido director de teatro que impartía clases en el exclusivo Sarah Lawrence College de New York, donde Brian De Palma y Sarah Monroe eran estudiantes. Juntos filmaron The Wedding Party, una comedia, ciertamente insulsa, que ridiculiza las distintas instancias de una boda. La compañía que produjo el film quebró, por lo que no se pudo estrenar luego de ser terminada. Recién fue exhibida en 1969, cuando De Niro, uno de los protagonistas, comenzó a ser una estrella del circuito off de Broadway, y con posterioridad al estreno de Greetings (1968), que también lo tenía a él en el reparto y a De Palma en la dirección. La película empieza y termina como una farsa, con dos largas secuencias mudas, con música de fondo, en las que la imagen se acelera para lograr un registro cómico. La trama es sumamente simple. Charlie (Charles Pfluger) está por casarse con Josephine (Jill Clayburgh) en un lugar refinado de Inglaterra ya que ella proviene de una familia que al parecer tiene mucho dinero. En los días previos a la ceremonia todos los invitados conviven en una villa ubicada en una isla bucólica para atravesar juntos los distintos pasos de la ceremonia. El novio estará rodeado de un par de amigos, interpretados por De Niro y William Finley, con quienes compartirá sus dudas. Primero está convencido del matrimonio, luego duda, más tarde quiere huir, en algún momento se siente atraído por otra muchacha hasta que al final, es spoiler sí, hace lo correcto y entra a la iglesia. La película de 91 minutos se hace xorta. La conexión entre las distintas escenas es efectiva aunque todo gira sobre la ridiculización de las conversaciones y los pasos que implica una boda en la clase más pudiente de la sociedad. Algún momento del film está mejor logrado, como cuando el novio se cruza en un caserón con un tío de la novia que juega al golf en interiores poniendo en riesgo toda la decoración y el elegante mobiliario del lugar. El hombre, ya veterano, le suelta al joven una batería de frases al estilo de ‘casarse es dejar de comer lo que te gusta para pasar a comer lo que te hace bien’, que no hacen otra cosa más que profundizar las dudas del protagonista. Si algunos de los que trabajaron en la película luego no se hubieran destacado es probable que The Wedding Party nunca hubiera visto la luz. Su atractivo reside en ver las imágenes en cine más antiguas de Robert De Niro, y poco más. Es difícil intuir algunas de las habilidades que luego De Palma desarrolló ya que la película es impersonal, apenas algo más que un ejercicio estudiantil. IMPERDIBLE.
TRAILER
HI, MOM!
Ciudad en Celo.
- Título original
- Hi, Mom!
- Año: 1970
- Duración: 87 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Brian De Palma
- Guion: Brian De Palma, Charles Hirsch
- Música: Erick Kaz
- Fotografía: Robert Elfstrom
- Reparto: Robert De Niro, Charles Durning, Allen Garfield, Lara Parker, Bruce Price, Ricky Parker, Andy Parker, Jennifer Salt, Robbie Heywood, Leslie Bornstein, Paul Bartel
- Productora: West End Productions
- Género: Comedia. Drama
VERSIÓN RESTAURADA.
SINOPSIS: John Rubin, un veterano de la guerra del Vietnam, vuelve a Nueva York y alquila un apartamento en el barrio de Greenwhich Village. Pronto comienza a filmar desde su casa a la gente de la calle, pero, además, tropieza con serios problemas por un asunto de terrorismo urbano. MUY BUENA. En la dispar comedia Hi, mom! (1970), que funciona como continuación de Greetings (1968), Brian De Palma retoma al personaje de Jon Rubin, interpretado por Robert De Niro, ahora de regreso de la guerra de Vietnam y un tanto a la deriva. Dos temas parecen haber captado gran parte de las preocupaciones de la sociedad norteamericana, y las de Brian De Palma también, en la transición entre las décadas del 60 y el 70: el sexo y la guerra de Vietnam. Recientemente regresado del frente de batalla, el personaje Jon Rubin ve potenciada su inclinación por el voyeurismo, e intentará retomar su carrera como director de películas para adultos. Hi, mom! está prácticamente dividida en dos partes. La primera, mucho menos interesante que la segunda, consiste en el relato de un desastroso proyecto de película triple equis. Asociado con el inescrupuloso productor Joe (Allen Garsfield), Rubin va a desarrollar un complicado plan para filmar la actividad sexual de sus vecinos desde su departamento, en un guiño gigantesco a The Rear Window (1954) de Alfred Hitchcock. Como es previsible, el tono de la película lo indica de esa manera constantemente, todo sale bastante mal. Antes de que el proyecto naufrague del todo Rubin seduce a una de sus vecinas, interpretada por Jennifer Salt, e intenta filmar su propio acto sexual mediante un complicado dispositivo de luces que le avisa cuando la cámara se prende desde la ventana de enfrente. El soporte de la cámara se vence y no toma las imágenes buscadas, sino que se enfoca un piso más abajo donde un joven, completamente desnudo, se toma fotografías mientras pinta su cuerpo con pintura negra. Los mejores momentos del film son aquellos en las que la narración parece dejar llevarse por el delirio y extrema las situaciones que se presentan o las resuelve de modo inesperado y, por qué no, de una forma un tanto desquiciada. La trama cómica hasta llegar a ese punto es densa y un tanto ociosa. Si bien Rubin no logra su propósito de realizar una película porno-voyeur, como resultado de su relación amorosa se va a ver involucrado con un grupo de teatro que prepara una obra llamada Be black, baby! (el Sé negra, nena! del título de la reseña). MUY RECOMENDABLE.
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MINISERIES Y SERIES
SUCCESSION
SEASON 3
TEMPORADA COMPLETA.
5 NOMINACIONES A LOS
GOLDEN GLOBE 2022
INCLUYENDO
"MEJOR SERIE DRAMA"
"MEJOR ACTOR: Brian Cox"
10 EPISODIOS
4 DISCOS.
- Título original
- Succession (TV Series)
- Año: 2018-2021
- Duración: 600 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Jesse Armstrong (Creador), Adam McKay, Mark Mylod, Andrij Parekh, Adam Arkin, Miguel Arteta, S.J. Clarkson, Shari Springer Berman, Robert Pulcini
- Guion: Jesse Armstrong, Susan Soon He Stanton, Georgia Pritchett, Jon Brown, Tony Roche, Jonathan Glatzer, Lucy Prebble
- Música: Nicholas Britell
- Fotografía: Andrij Parekh, Patrick Capone, Chris Norr
- Reparto: Brian Cox, Jeremy Strong, Sarah Snook, Kieran Culkin, Hiam Abbass, Alan Ruck, Nicholas Braun, Matthew Macfadyen, Peter Friedman, Katie Lee Hill, Peggy J. Scott, Christine Spang, James Cromwell.
- Productora: Gary Sanchez Productions. Distribuidora: HBO
- Género: Serie de TV. Drama | Periodismo
SINOPSIS: Serie que sigue a la disfuncional familia de Logan Roy y sus cuatro
hijos, que controlan una de las empresas de medios de comunicación y
entretenimiento más importantes del mundo. Los problemas llegan cuando
se plantea quién será el sucesor del patriarca. EXCELENTE. Es una de las series más esperadas del año
y, como tal, merece una cobertura múltiple. Esta reseña tendrá entonces
tres partes: la primera, con consideraciones generales (sin spoilers);
la segunda, con el análisis de los episodios 1 a 7 (los que fueron
adelantados por HBO para la crítica) y, cuando la temporada ya haya
finalizado, una valoración de los dos últimos capítulos (8 y 9). La
guerra de los Logan está de vuelta. Y recargada. -Actualización al 26/10: HBO confirmó que la serie tendrá una cuarta temporada. Hace exactamente dos años (el 13 de octubre de 2019, antes de la pandemia y de la derrota de Trump) se emitía This is Not for Tears,
el impactante episodio final de la segunda temporada, en el que el
errático, impulsivo y conflictuado Kendall (Jeremy Strong) traicionaba a
su padre Logan Roy (Brian Cox), CEO de la megacorporación mediática
Waystar Royco: no solo no se sacrificaba por el resto sino que en
conferencia de prensa acusaba directamente al patriarca y el resto de la
conducción de haber tapado múltiples casos de abusos y muertes en una
de las divisiones del holding. Todo servido, entonces, para una guerra
familiar que en esta tercera temporada estalla de la peor (mejor)
manera; o sea, dosis extremas de cinismo, manipulación y desprecio
inconcebibles hasta para los cánones de los seres más despiadados. Un
auténtico vale todo. La crueldad en su más absoluta dimensión. El Mal en
su máxima expresión. Mucho se ha dicho y escrito sobre las similitudes entre Succession
y la historia de la familia de Rupert Murdoch, de su espesor dramático
shakespeareano, de su mixtura entre un clásico de la TV como Dallas y el espíritu de las primeras películas del Dogma '95 con La celebración
a la cabeza. En ese sentido, la T3 tiene todos los atributos de las dos
anteriores, solo que amplificados, potenciados, por momentos
desbordados. Sin embargo, el engranaje de los guiones, que deriva en
diálogos punzantes a partir de actuaciones prodigiosas, jamás se
resiente. La alquimia sigue siendo un milagro y el resultado, entonces,
es embriagador e irresistible con esa mezcla de morbo y fascinación: la
tragedia convertida en comedia negra, la intimidad y las miserias
expuestas con inteligencia y desparpajo. IMPERDIBLE.
TRAILER
THE
WITCHER
SEASON 2
TEMPORADA COMPLETA.
8 EPISODIOS
3 DISCOS.
- Título original
- The Witcher (TV Series)
- Año: 2019-2021
- Duración: 480 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Lauren Schmidt (Creador), Alik Sakharov, Charlotte Brändström, Alex Garcia Lopez, Marc Jobst, Sarah O'Gorman
- Guion: Lauren Schmidt, Declan De Barra, Beau DeMayo, Haily Hall.
- Música: Sonya Belousova, Giona Ostinelli
- Fotografía: Jean-Philippe Gossart, Gavin Struthers
- Reparto: Henry Cavill, Freya Allan, Millie Brady, MyAnna Buring, Anya Chalotra, Björn Hlynur Haraldsson, Adam Levy, Jodhi May, Eamon Farren, Mimi Ndiweni, Therica Wilson-Read, Joey Batey, Lars Mikkelsen.
- Productora: Coproducción Estados Unidos-Polonia; Platige Image, Netflix, Sean Daniel Company, Pioneer Stilking Films. Productor: Tomasz Bagiński. Distribuidora: Netflix
- Género: Serie de TV. Fantástico. Aventuras | Fantasía medieval. Brujería. Videojuego
SINOPSIS: Geralt de Rivia, un cazador de monstruos mutante, viaja en pos de su destino por un mundo turbulento en el que, a menudo, los humanos son peores que las bestias. Adaptación a la televisión de la saga literaria de Andrzej Sapkowski, que dio a su vez origen a una trilogía de prestigiosos videojuegos. EXCELENTE. Intento ver vuestro ajusticiamiento de una manera constructiva y con la mente abierta pero me es totalmente imposible. Creo que se están cayendo en unos errores a la hora de emitir el criterio que tienen más que ver con el contexto psicosocial que con la calidad de la serie en sí, a saber: - " No le llega a la suela a GoT" : Cierto, no es GoT ¿y qué? ¿De verdad queríais otro Juego de Tronos? ¿Juráis que, de ser esto otra intriga política ambientada en un mundo de fantasía medieval, no os chirriaría el que fuese más de lo mismo? Yo no quería otro Juego de Tronos, quería algo distinto y así ha sido. Una Espada y Brujería con elementos originales y un mundo rico en matices y desarrollado de forma no vista antes en una serie de TV. Por mi OK.- "La trama es liosa y está mal explicada": Cierto que el tema de las tres líneas temporales pueda despistar un poco pero todas ellas están lo suficientemente delimitadas y estancas como para poder seguirlas sin problemas. El Yennefer Origins me resulta tremendamente interesante y le da un arco al personaje muy loable. El "procedimental" de Geralt son aventuras simpáticas sin más pretensión que conocer y encariñarte con el prota, mostrarte el mundo y la idiosincrasia del escenario donde se va a desarrollar el tramón de las siguientes temporadas. El periplo de Ciri es muy desgarrador a veces y, aunque quizás algo expandido de más, sigue siendo la espina dorsal de la historia en ciernes. Que se sucedan en tres timelines distintos ya lo hizo Nolan en Dunkerke y la nominaron a premios. Ahora, de repente ¿es contar mal una historia? Tenemos que mirarnos eso. - "No se parece a los libros/videojuegos": ¡Y gracias a Dios! No me imagino una primera temporada con Geralt en modo Don Quijote viviendo aventuras episódicas sin arco, ni continuidad, ni guerra de Nilfgaard de fondo sin resultar totalmente falta de interés. Entroncar tres hilos argumentales me parece lo más acertado que podían haber hecho. Le da colorido a la trama y sigue siendo fiel a la historia original. Además, encajar las piezas del puzzle (que, repito, no me parece tan enrevesado) me resulta muy divertido. El capítulo de la estrige es muy digno y las coreografías de luchas son un caramelito. Con la batalla de Sodden me lo pasé pipa. No hay capítulo sin escena de acción, persecución, batalla multitudinaria, seres fantásticos, ... mezcla drama, acción y fantasía como le da la real gana y en capítulos como el de la ya mencionada estrige hay incluso mancha de género de terror. ¿A alguien se le ocurre algo más? En resumen, quizás el peor pecado de The Witcher sea haber nacido el mismo año que el final de una serie generacional como la de Benioff y Weiss, estar a medio camino entre ésta y El Señor de los Anillos sin ser ninguna de las dos y responder a las infladas espectativas de un montón de gente que ha jugado a los videojuegos y/o leído los libros y que no cuentan con la memoria suficiente como para acordarse de que entre los primeros y los segundos tampoco había mucha relación y funcionaban genial de forma independiente. IMPERDIBLE.
TRAILER
QUERIDOS CLIENTES FELICES FIESTAS!!!!! LES DESEO LO MEJOR PARA EL 2022.
ESTE ES EL ÚLTIMO BLOG DEL 2021 NOS VOLVEMOS A ENCONTRAR EL JUEVES 6/01/22.
GRACIAS POR MANTENER VIVA ESTA HERMOSA COSTUMBRE DE VER PELIS, LES MANDO UN FUERTE ABRAZO. Fernando.
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