ESTRENOS DEL JUEVES 18/11/2022

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ESTRENOS DE

LA SEMANA

HELENE

Helene.

Título original

Helene

Año: 2020

Duración: 121 min.

 Finlandia

Dirección: Antti Jokinen

Guion: Antti Jokinen, Marko Leino. Novela: Rakel Liehu

Música: Kirka Sainio

Fotografía: Rauno Ronkainen

Reparto: Laura Birn, Johannes Holopainen, Krista Kosonen, Pirkko Saisio, Eero Aho, Jarkko Lahti, Saana Koivisto, Jan Korander, Tero Jartti, Petteri Pennilä, Valentina Kalinina, Inger Liis Savi, Aarne Soro.

Productora: Cinematic, Stellar Film

Género: Drama | Biográfico. Pintura. Años 1910-1919. Años 20.

SINOPSIS: Biopic de la mejor pintora finlandesa de la historia, Helene Schjerfbeck. Un drama ambientado entre los años 1915 y 1923. EXCELENTE. Helene, de Antti Jokinenes protagonizada por la soberbia Laura Birn, es la primera película sobre la vida de la gran pintora finlandesa. Ditector y actriz, han rodado varias peliculas juntos, entre ellas Purge (2012) enviada al Oscar para que represente a su pais. Entrando en espacios puramente cinematográficos, como decía el gran Tarkovsky en “Esculpir en el tiempo”: lo que uno filma tiene que tener una historia detrás, si queremos que tenga un verdadero significado. Y esto es lo que sucede en esta película, al igual que sucede con las películas de Fellini protagonizadas por su musa Giulietta … él se fascinó con ella y logró que le pasara lo mismo al público de todo el mundo. El amor que hay detrás de la lente de la cámara de Helene, de la persona que está enfocando, encuadrando, siguiendo y dando tiempo para que ella despliegue toda su interpretación, sucede muy pocas veces en el cine. Esa entrega en detalles, gestos y sutilezas sucede, porque hay algo más que acompaña y hace fluir esa magia. No quiero decir que para hacer cine, las películas tengan que tener esa estructura amorosa, lejos de toda esa idea y concepto. Pero si afirmo que esa química, misterio, tiempo, construcción y magia, solo sucede cuando hay esa “conexión” entre director y protagonista. Recordaba a la madre de Marcello Mastroianni que a la salida del cine luego del estreno de una película que protagonizaba su hijo, agarró por el brazo al director Ettore Scola y le reclamó: “¿Porque mi hijo en sus películas sale feo y en las de Fellini, no?” Un reclamo y ejemplo perfecto de lo escrito arriba, Fellini adoraba a Mastroianni, entre ellos había magia y eso se veía en “como” lo filmaba y dirigía. Scola, era un gran director de cine y Mastroiani con él, era un gran actor. El director Antti Jokinenes, junto al director de fotografía (Rauno Roncaien) y el equipo de cámara, filman planos como si fueran cuadros pintados que se animan con el movimiento de travellings in o out. Si fuera el productor de esta producción, tomaría una captura de los planos más excepcionales de la película, (que son muchísimos) y haría una exposición de cuadros con cada toma. Son muchos los detalles magnánimamente filmados. Todos los primeros planos de ella, los pinceles, la paleta… como están iluminados… las flores. Las elipsis: de las estaciones en un plano con un muro y una puerta. Hace cortes sobre un mismo plano y acción para hacer elipsis de tiempo a través de la iluminación del día. Los finlandeses saben como hacer zooms o travellings, dan inicio o fin a una secuencia como si fuese un cuadro animado con la sutileza de un pincel que va abriendo el encuadre lentamente. Hay un plano de noche, con travelling que es una belleza. Una luz de fuego en foco en una habitación oscura, de repente la cámara se acerca de a poco y descubrimos el rostro de Helene detrás de la luz de fuego haciendo foco en ella; como si se pintaran las líneas de su rostro en la oscuridad. Einar, la invita a la Isla Tammisaari; Helen está en una habitación que da al mar y un travelling con angular sale de su espalda y nos muestra la habitación que le devuelve la forma a las cosas a medida que se aleja, como las columnas de la habitación donde esta mirando al mar. Es una película con una gran puesta de cámara y escena. Jokinenes que es director de videoclips saca su placa, pero aparece dándole al ojo no caramelos de colores como en los videoclips… sino el placer del tiempo y contando en un plano, todo el concepto de la película. Desde el inicio y por la historia de su protagonista, nos encontramos con una de las tantas historias terribles sobre lo que tenían que sufrir las mujeres por no ser seres individuales y manejadas por hombres. A tal punto que su hermano por ser hombre, se apodera de todo lo que gana por sus obras y exposiciones y lo reparte entre los herederos de la familia que ni ella conoce. Inentendible. Están comiendo y Helene se sirve carne en el plato, su madre dice: “Los hombres comen primero la carne.” Y tiene que darle el plato a él. La madre gran ejemplo de la colonización de los hombres sobre las mujeres que con fuerza se mantenía a comienzos del siglo pasado, su madre no se ve como una persona y defiende los intereses inentendibles del hombre de la familia. En una entrevista, un periodista le dice que sus cuadros: “no son temas para una mujer, la guerra y la pobreza.” Todo el tiempo están coartando (sobre todo su madre gran colonizada) o diciendo que tiene que hacer. Einar, la admira con profunda devoción y además es su amigo; Helene se enamora profundamente de él y Einar no solo no le corresponde, sino que quiere escribir un libro sobre ella y su obra. Para afianzar su admiración, se casa con otra. Esa trama que atraviesa toda la película nos deja en claro que a veces admirar con profundidad, puede ser contraproducente, sobre todo cuando con el correr del tiempo se descubre que la admiración, era amor. El director nos deja muy bien expuesto en acciones concretas, que él no puede casarse con alguien admira tanto. A su vez, Helene usa a Einer como “su musa” inspirador, y demuestra tanto admirarlo, como amarlo. Una relación construida de pequeños grandes detalles que solo dos grandes actores pueden interpretar. La actuación soberbia de Laura Birn en la piel de Helene, el tiempo de sus miradas, las sonrisas, el tiempo que le dedica a cada gesto, ya es una excusa para verla. Además de la tremenda puesta en escena y de cámara. Una bellísima película, inspiradora, para no perderse y admirar el cine finlandés. Esperando mas producciones de ese país. IMPERDIBLE.

TRAILER

NAM-MAE-WUI

YEO-REUM-BAM

Hermanos en una noche de Verano.

Moving On.

Título original

Nam-mae-wui Yeo-reum-bam

Año: 2020

Duración: 105 min.

 Corea del Sur

Dirección: Yoon Dan-bi

Guion: Yoon Dan-bi

Fotografía: Ji-hyeon Kim

Reparto: Choi Jung-un, Yang Heung-ju, Park Seung-jun, Kim Sa-hoon, Kim Sang-dong, Lee Hyeon-seo, Park Hyun-young

Productora: Tiger Cinema, ONU Film

Género: Drama | Familia

SINOPSIS: Tres generaciones bajo un mismo techo: una forma de convivencia que en el pasado fue muy normal, pero que hoy en día ilustra principalmente hasta qué punto son pobres las relaciones familiares. Ok-ju, su hermano pequeño, Dong-ju, y su padre, se mudan con el abuelo (al que apenas conocen) al final del año escolar. Después de su divorcio, el padre está en bancarrota, y aunque el apartamento del abuelo es bastante inadecuado, proporciona un refugio temporal a la familia. EXCELENTE. Desde su secuencia inicial, en la que se ve a una familia de cuatro integrantes y todas sus posesiones en una pequeña camioneta, abandonando su casa para dirigirse hasta la casa del abuelo, Moving On se muestra como una película muy sencilla, pero sorprendentemente hermosa al mismo tiempo. El largo viaje por callejones y carreteras tiene un ritmo que anticipa todo lo que vendrá a continuación. Esas escenas largas y casi mudas crean una sensación de aceptación silenciosa frente al cambio abrumador. No hay espacio para la réplica, porque tampoco existe alternativa. El padre ha llevado a la ruina a su familia, así que no hay más remedio que mudarse. La casa del abuelo es grande y cómoda. Las circunstancias podrían ser peores, pero es la lenta acumulación de presión, aunque sea leve, lo que amenaza con romper a los protagonistas de Yoon Dan-bi. Para Dong-ju, que todavía es un niño y lleva un elefante de peluche casi tan grande como él, el estrés se mitiga con la sensación de aventura. Para su hermana Ok-ju, en plena adolescencia, es una dificultad más con la que lidiar, sumada a las propias de la edad. Es una niña generosa, aunque no siempre paciente con su hermano, el resultado de la situación es que nadie se toma muy en serio sus luchas personales. Cuando su familia está preocupada por cómo cubrir los gastos básicos, su anhelo de una cirugía que le dé forma redondeada a sus ojos, ni siquiera merece una conversación seria, y su timidez sobre su apariencia parece ser invisible para los demás. La relación de sus padres hace tiempo que no van bien, y esto tampoco ayuda a calmar el ánimo de los menores. Con la salud del abuelo cada vez más frágil, justo cuando Dong-ju comienza a vincularse con él, todos están bajo una tensión constante. La tía de los niños brinda gran parte de su cuidado, pero argumenta, como resultado, la injusticia del hecho que la casa quedara por completo como pertenencia a su hermano, de acuerdo con la tradición, después de la muerte del anciano. El padre progresa poco en la búsqueda de trabajo y Ok-ju, tratando de encontrar formas de preservar su estatus social y mantener a su familia, confunde sus prioridades morales. Bello retrato de una familia en crisis, Moving On (Hermanos en una noche de verano) explora el conflicto sin perder de vista el amor que existe entre sus personajes. Hay numerosos momentos de comedia y Yoon Dan-bi es capaz de mostrar la alegría que se puede encontrar en los pequeños detalles o en momentos nimios. Todos los actores cumplen con la composición de personajes y el diálogo, de tono natural, es muy efectivo para explorar múltiples interrogantes. Aunque la mayor parte del drama tiene lugar dentro de la casa, Yoon Dan-bi construye sus escenas de una manera visualmente atractiva y narrativamente eficiente. Una pequeña joya independiente capaz de tratar temas cotidianos y surrealistas como Parásitos,  con un tono más pausado. La debutante Yoon Dan-bi es capaz de aportar matices propios a esta maravillosa historia costumbrista, espero ver más obras de ella. IMPERDIBLE.

2020: Festival de Mar del Plata: Premio Especial del Jurado.

2020: Festival de Cannes: Premio Especial de la Crítica.

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LES

AMOURS

D´ANAIS

Los Amores de Anais.

Título original

Les amours d'Anaïs

Año: 2022

Duración: 97 min.

 Francia

Dirección: Charline Bourgeois-Tacquet

Guion: Charline Bourgeois-Tacquet

Música: Nicola Piovani

Fotografía: Noé Bach

Reparto: Anaïs Demoustier, Valeria Bruni Tedeschi, Denis Podalydès, Jean-Charles Clichet, Xavier Guelfi, Christophe Montenez, Anne Canovas, Bruno Todeschini, Annie Mercier, Gregoire Oestermann

Productora: Année Zéro, Les Films Pelléas, arte France Cinéma, Canal+, Ciné+, CNC, Région Bretagne, Région des Pays-de-la-Loire, Cinémage 15

Género: Romance. Comedia. Drama

SINOPSIS: Anaïs tiene 30 años y es inestable en lo económico y en el amor. Tiene un novio al que ya no ama. Anaïs conoce a Daniel, quien inmediatamente se enamora de ella. Pero Daniel vive con la escritora Émilie, y Anaïs se queda prendada de ella y de su seguridad en sí misma. MUY BUENA. Anaïs (Anais Demoustier) es una mujer acelerada. Nos es presentada corriendo. Cuando habla, parece que atropella a los demás. Habla a una velocidad tal que, en ocasiones, no tiene en cuenta lo que dicen, ni si les importa lo que ella dice, como a su casera, a quien lo que le preocupe es que le pague los dos meses de alquiler que le debe y no sus problemas sentimentales, o a la pareja coreana a la que sub alquila ese piso, que ni siquiera le entienden, porque no saben nada de francés. Anais parece que va con el piloto automático, como si su vida estuviera amenazada por un incendio inminente. De hecho, la casera la suministra un detector de incendios. Anais no soporta dormir con nadie, aunque acaben de haber hecho el amor, porque no soporta sentir a nadie, porque parece que la cercan. Necesita su espacio. Tampoco soporta los sitios cerrados, motivo por el que, incluso, es capaz de subir dieciséis pisos andando porque no lo quiere hacer en un ascensor de reducido espacio. Anais parece que se ahogara, por eso corre, y atropella, y se fuga. Si su anterior pareja le abandonó porque ella fue inflexible con el hecho de no soportar dormir con nadie, quedará decepcionada con su siguiente relación, un hombre que le dobla la edad, Daniel (Denys Polyadés), porque no es tan apasionado como imaginaba. Alguien que vive con esa urgencia, como si sorbiera cada segundo, o pensara que su vida se fuera a desintegrar en cualquier instante, quizá imaginaba que un hombre ya en su declive viviera con más intensidad una historia pasional por su consciencia del paso del tiempo. La narración de Los amores de Anaïs (2022), la opera prima de la cineasta francesa Charline Bourgeois-Tacquet transmite, afinadamente, con su montaje esa premura de tiempo vital que supera a la misma Anaïs, como un azogue incontenible, un apetito vital de saltimbanqui que no entiende las actitudes de quienes prefieren clausurarse, como Daniel, quien, cuando la invita a su hogar, sugerirá, en principio, que hagan el amor en el dormitorio de su hijo, compartimentando espacios con respecto al que comparte con su esposa. Anaïs comprende en ese momento que ella será relación supletoria, un espacio en los márgenes, a los que la restringen como un espacio comprimido. Anais, en cambio, se fascina con la imagen de un rostro que no se muestra, sino que se insinúa, el plano de la nuca de la esposa de Daniel, Emilie (Valeria Bruni Tedeschi), que vagamente deja entrever su perfil. Es la vida que no se ve del todo, como ella se siente que no está presente en su propia vida vida, motivo por el que no deja de correr, porque se siente atrapada, enclaustrada. En los libros de Emilie, escritora, se sentirá reflejada. Es como verse a sí misma en un futuro, veinticinco años después, pero con el importante matiz diferenciador de haberse liberado de esa esa abrumadora urgencia de vivir cada instante como si pudiera ser el último. IMPERDIBLE.

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BAUHAUS

Lotte am Bauhaus.

Título original

Lotte am Bauhaus

Año: 2020

Duración: 105 min.

 Alemania

Dirección: Gregor Schnitzler

Guion: Jan Braren

Fotografía: Christian Stangassinger

Reparto: Alicia von Rittberg, Noah Saavedra, Jörg Hartmann, Nina Gummich, Marie Hacke, Ulrich Brandhoff, Julia Riedler, Christoph Letkowski, Torsten Ranft, Claudia Geisler, Lina Hoppe, Tom Mikulla, Julia-Maria Köhler, Brian Völkner, Roland Florstedt, Bernd Lange

Productora: UFA Fiction

Género: Drama | Histórico. Años 20.

 

SINOPSIS: La historia de una joven estudiante en la famosa Academia de Diseño Bauhaus a principios de la década de 1920, inspirada en la vida real de la diseñadora Alma Siedhoff-Buscher. Todo comienza en Alemania, en 1919. La I Guerra Mundial ha terminado y los viejos imperios se han derrumbado. Las viejas estructuras de pensamiento no han traído nada más que destrucción, y Europa se ve ahora envuelta en una nueva ola de ideas modernas. Durante esta época de confusión, una joven llamada Dörte Helm, estudiante de Bellas Artes, escucha el primer discurso de Walter Gropius en la recién fundada escuela Bauhaus. Su punto de vista innovador es demasiado provocativo para muchos, pero emocionante para Dörte, que decide seguir su llamamiento. Como tantos otros, se convierte en una verdadera discípula del nuevo movimiento, pero para Gropius será algo más. Ambos son jóvenes, obstinados y radicales. La escuela se convierte en un hervidero de modernidad, jazz, arquitectura vanguardista y feminismo. Pero mientras en la Bauhaus evoluciona una nueva forma de vida, y con ella nuevas esperanzas, la inflación deja a muchos alemanes hambrientos y preocupados por el futuro. MUY BUENA. El film representa extraordinariamente lo que fue la Bauhaus, como movimiento estético-arquitectónico y de la época pre-nazi en Alemania. Lograda descripción del día a día en la Alemania de la república de Weimar y de una época llena de talento, libertad, emancipación sexual y optimismo. Los cuales, junto con la exigencia de un trabajo bien hecho, se ven reflejados dentro de la Bauhaus. Gran presentación de la vida en el centro, de la didáctica que se seguía, de la visión que se tenía del arte en general y de la arquitectura en particular, de sus fiestas, sus inquietudes políticas... Abarca temas importantes, profundos e históricos con una ligereza agradable en el tono, lo cual no deja de ser algo a elogiar, es decir, no hace falta ponerse exageradamente intenso, basta con contar una historia sencilla de una artista que se encontró obstáculos en su camino por el simple hecho de haber nacido mujer. La película introduce el tema feminista sin ser este el supuesto género. Es la mejor manera de hablar de algo. Alicia von Rittberg evoca a un gran personaje, con la simpleza de la grandeza, e inteligente. MUY RECOMENDABLE.

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BROKEN

KEYS

Llaves Rotas.

Título original

Broken Keys

Año: 2021

Duración: 105 min.

 Líbano

Dirección: Jimmy Keyrouz

Guion: Jimmy Keyrouz

Música: Gabriel Yared

Fotografía: Joe Saade

Reparto: Adel Karam, Sara Abi Kanaan, Tarek Yaacoub, Hassan Mrad, Rola Beksmati, Mounir Maasri, Ibrahim El Kurdi, Julian Farhat

Productora: Coproducción Líbano-Francia-Estados Unidos-Chipre; Ezekiel Film Production

Género: Drama. Bélico | Música

SINOPSIS: Un pianista trata de escapar de la persecución a la que es sometido en su ciudad de Oriente Medio, donde la música y las modernas maneras de vivir han sido prohibidas por los líderes islamistas extremistas. MUY BUENA. La cinta del Líbano “Broken Keys” ha sido la encargada de inaugurar una nueva edición del Atlàntida Film Festival 2022. Jimmy Keyrouz ya nos presentó hace unos años el cortometraje “Nocturno en Negro”. Ahora podemos disfrutar de su opera prima, basada en aquel cortometraje. La película formo parte de la Sección Oficial del Festival de Cine de Cannes y ahora forma parte de la Sección Memoria del Atlàntida. La historia basada en hechos reales nos lleva a una ciudad completamente destruida de Libia, allí vive Karim, un músico que sueña con poder salir del país y poder vivir de su pasión, que no es otra que tocar el piano. Pero los ciudadanos viven bajo un régimen islamista y casi todo está prohibido. Cuando en una emboscada le destrozan su piano, Karim hará todo lo posible para encontrar las piezas y poder arreglarlo. El director nos pretende mostrar el horror de la guerra y lo hace mediante imágenes duras. Pretende también hacer un pequeño homenaje a todos aquellos que han perdido la vida luchando por sus ideas y su país. La película funciona mejor en su primera parte y en la última media hora. La zona central es más convencional y ya la hemos visto en muchas ocasiones.  Destacan por encima del resto la interpretación de su joven protagonista y la banda sonora del ganador del Oscar Gabriel Yared. La cinta me ha dejado un buen sabor de boca, se deja ver y tiene momentos muy intensos, sobre todo cuando todo queda en silencio y solo se oye la música y las miradas perdidas de los protagonistas toman protagonismo. MUY RECOMENDABLE.

TRAILER

EARWIG

Earwig.

Título original

Earwig

Año: 2021

Duración: 114 min.

 Reino Unido

Dirección: Lucile Hadzihalilovic

Guion: Novela: Brian CatlingGeoff Cox, Lucile Hadzihalilovic

Música: Warren Ellis, Augustin Viard

Fotografía: Jonathan Ricquebourg

Reparto: Paul Hilton, Romane Hemelaers, Romola Garai, Alex Lawther, Anastasia Robin, Michael Pas, Peter Van den Begin, Marie Bos, Martin Verset

Productora: Coproducción Reino Unido-Francia-Bélgica; Anti-Worlds, Petit Film, Film 4, Frakas Productions, BFI Film Fund

Género: Drama | Años 50.

SINOPSIS: En algún lugar de Europa, a mediados del siglo XX, Albert (Paul Hilton) trabaja cuidando de Mia (Romane Hemelaers), una niña con dientes de hielo. Mia nunca sale de un apartamento donde las puertas y ventanas siempre están cerradas. El teléfono suena con regularidad, y un individuo conocido como "el maestro" se interesa por el estado de Mia. Un día, Albert recibe instrucciones: debe preparar a la niña y salir al exterior. MUY BUENA. Earwig cuenta la historia de Albert, un hombre que cuida a una niña llamada Mia. Todos los días le pone una dentadura hecha con la propia saliva congelada de la niña, que nunca sale a la calle. Un día la voz del teléfono de su casa indica al protagonista que debe preparar a Mia para salir al exterior. Una cinta experimental con toques de terror, que se disfruta en el apartado audiovisual, pero que, en su vertiente narrativa se queda a medio gas. En la 69 edición del Festival de Cine de San Sebastián está presente esta obra que ha generado mucha controversia por su estilo, unos la aman porque sacan diversidad de lecturas y otros la odian, al no comprender absolutamente nada. Cuando nos adentramos en el film debemos centrarnos en sentirla con todo nuestro ser, para poder experimentar el dolor, el sufrimiento y en ocasiones, lo gore. Earwig representa a la perfección el sufrimiento del ser humano, que cae una y otra vez en los mismos conflictos, inicialmente sin experiencia alguna, pero que, tras varios errores acaba siendo consciente de su propia realidad. El dolor físico y psicológico no nos permite avanzar y limita nuestros actos, todo ello lo sentimos a través de los personajes, la visceralidad de sus imágenes nos transmiten estas energías en forma de experiencia física. Earwig presenta carácter experimental, pero también narrativo. El mayor fallo de la obra es el lío de su trama, omitiendo información y suprimiendo escenas, dejando la historia abierta en todas sus secuencias. La directora está ciertamente confundida con lo que quiere contar y lo transmite a los espectadores, dejándonos como ‘’inútiles’’ ante una historia tan enigmática. Durante la primera media hora de la obra no existen los diálogos, todo lo sentimos a través de un sonido ambiente excepcional. Lucile Hadzihalilovic tiene muy buenas ideas de dirección, sabe que su historia debe sostenerse por imágenes, por ello juega tanto con su espectacularidad de forma intimista y oscura. Earwig está plasmada a través de planos detalle y numerosos primerísimos planos que muestran el sufrimiento de los cuerpos humanos con poca profundidad de campo. Una belleza con ciertos toques gore inunda todo, apoyando la teoría de que el cine también puede ser una experiencia vital y no necesita de tramas narrativas. En cierto sentido esta afirmación es cierta, pero en esta obra la experimentación se queda a medias y no es satisfactoria. Earwig está dirigida por Lucile Hadzihalilovic. El universo que crea la directora no es suficiente para engancharnos, pero consigue que nos quedemos obnubilados con las imágenes detalladas de espacios y cuerpos. La cinta podría dejar a un lado su parte experimental y continuar con su fundamento experimental, ya que la hibridación no acaba resultando favorable. Earwig es una apuesta valiente del Festival de Cine de San Sebastián, por un cine que se salga de los márgenes de lo convencional, rompiendo los esquemas de la narratividad. La valentía del festival para algunos ha funcionado, en cambio yo dejo pasar a este torbellino de imágenes que me tienen alucinado, pero no enamora. MUY RECOMENDABLE.

2021: Festival de San Sebastián: Premio Especial del Jurado.

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RIEN Á

FOUTRE

Generación Low Cost.

Título original

Rien à foutre.

Año: 2021

Duración: 110 min.

 Bélgica

Dirección: Julie Lecoustre, Emmanuel Marre

Guion: Julie Lecoustre, Emmanuel Marre

Fotografía: Olivier Boonjing.

Reparto: Adèle Exarchopoulos, Jonathan Sawdon, Jean-Benoît Ugeux, Mara Taquin, Alexandre Perrier

Productora: Coproducción Bélgica-Francia; Kidam, Wrong Men North

Género: Drama.

SINOPSIS: Cassandre (Adèle Exarchopoulos) es azafata de vuelo en una compañía low-cost. Siempre dispuesta a hacer horas extra, vive al día, sumando vuelos y fiestas, fiel a su apodo en Tinder: Carpe Diem. Hasta que un percance le obliga a regresar a casa, y entonces se tendrá que enfrentar a todo aquello que estaba evitando. ¿Conseguirá Cassandre reconectar con los que ha dejado en tierra?. EXCELENTE. Adèle Exarchopoulos se perfila como una de las mejores actrices del momento. Inmediatamente después de una de las interpretaciones más simpáticas y divertidas del año 2020 en Mandíbulas, cambia ahora completamente de registro para interpretar a un personaje tranquilo, dolorido y extremadamente solitario, desesperado por no aprovechar o incluso reconocer sus sentimientos. Está presente en cada escena y fotograma con una naturalidad que muy pocos actores logran. Los millennial son los que más se ven afectados por la desilusión vacía de la era actual. Si la revolución digital ha brindado oportunidades al crear nuevas profesiones que nunca antes existían, al mismo tiempo ha hecho que la precariedad se extienda como la pólvora por todos los campos. Los trabajos se pueden ir tan fácilmente como vienen, al igual que las conexiones humanas. La juventud actual existe sin previsibilidad ni seguridad, tanto desde el punto de vista material como psicológico. Las imágenes de la cámara no se quejan ni explican las causas del estado de cosas de la sociedad, simplemente proporcionan una instantánea auténtica de la generación de Low Cost, atrapada entre el frenesí de la globalización y la alienación de la interacción social. Todos nos hemos convertido en coleccionistas de experiencias, viajamos incesantemente, compartimos fotos en las redes sociales, participamos en relatos rápidos y, al final del día, todo lo que queda son esperanzas rotas y una sensación de vacío. A medida que los espectadores descubren más de la historia personal de Cassandre, la metáfora generacional adquiere más profundidad emocional. A medida que avanza la narración, la película intenta desmantelar las constricciones de actitudes codificadas que pertenecen tanto a las profesiones que requieren un comportamiento estandarizado detrás de un uniforme, como a los actores que abandonan su identidad para dar vida a otras existencias. Contemplamos así las similitudes de ambas profesiones: actriz y azafata de vuelo. La fotografía es tan granulosa e indefinida como la actitud de Cassandre. Las imágenes con abundancia de primeros planos se sienten como una mezcla de obra artística de videoarte y una historia de redes sociales que retrata la industria de servicios de la cultura pop las 24 horas, los 7 días de la semana con un toque de documental. Julie Lecoustre y Emmanuel Marre adoptan el enfoque cinéma-vérité para transmitir un estado de ánimo, entrelazándolo con la alegoría de la azafata que vaga de un país a otro en busca de sí misma. El director de fotografía Olivier Boonjing sobresale con las imágenes frías del aeropuerto donde contrastan los colores más cálidos de la ciudad natal de Cassandra. Fue filmado como un documental, sin grabaciones de estudio y durante vuelos reales. El equipo es pequeño y aparte de Adèle Exarchopoulos (que fue entrenada por las aerolíneas) apenas hay un solo actor profesional. A destacar cierta hipnosis visual, cuando Cassandre y varias otras mujeres (predominantemente) están siendo preparadas para ser jefes de cabina. Una toma estática de cuatro minutos nos muestra a cada uno de ellos mirando directamente a la cámara, recitando un saludo a sus pasajeros y luego mirando, sonriendo durante 30 segundos ininterrumpidos. Si algunos de los gestos de las mujeres se consideran mediocres y no transmiten simpatía, entonces son interrogados por su gerente. A pesar de tener la estética de un video de entrenamiento, estas escenas tienen su propia calidad fascinante que te obliga a observar los detalles más finos. Las codirectoras/guionistas Julie Lecoustre y Emmanuelle Mare, junto con el director de fotografía Olivier Boonjing, crean un mundo de aburrimiento inherente. Se siente como si todo, incluido el aire libre, estuviera bajo los fluorescentes de la cultura corporativa. Las tomas más llamativas tienden a ser de Cassandre alejándose de los apartamentos provistos por la compañía y haciendo rodar su siempre presente maleta, como si fuera un peso extra tanto emocional como físico. En las calles, Cassandre está en primer plano, empequeñecida por todo lo que la rodea. Generación Low Cost es una película sobre la soledad, la sensación de pérdida y el dolor. Es un retrato amargo pero perfecto de una generación y de cierta parte -grande, por desgracia- del mundo del trabajo. Pero también es una película que comunica esperanza, porque una salida es posible y pasa inevitablemente por la aceptación de la realidad. Extravagante, divertida, fresca, conmovedora, Generación Low Cost emociona al final con su melancolía y gran humanidad. IMPERDIBLE.

 2021: Festival de San Sebastián: Premio Mejor Actriz (Julie Lecoustre)

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SAIDEKE BALAI

Warriors of the Rainbow: Seediq Bale.

Título original

Saideke Balai

Año: 2019

Duración: 144 min.

 Taiwán

Dirección: Wei Te-Sheng

Guion: Wei Te-Sheng

Música: Ricky Ho

Fotografía: Chin Ting-Chang

Reparto: Lin Ching-Tai, Da-Ching, Ma Chih-Hsiang, Lin Yuanjie, Jian Yan, Masanobu Ando, Landy Wen, Vivian Hsu, Chie Tanaka, Sabu Kawahara, Mei-Ling Lo, Pawan Nawi, Yakau Kuhon.

Productora: ARS Film Production, Central Motion Pictures Corporation

Género: Drama. Acción. Aventuras | Colonialismo. Histórico.

SINOPSIS: Durante más de tres décadas, Mona Rudao y su tribu Seediq han visto como la dominación japonesa sobre la isla de Formosa los oprimía. Forzados a adoptar el idioma y la religión de los invasores y abandonar rituales como la caza o los tatuajes faciales, Mouna y su tribu sin nada que perder inician una revolución que pasará a la historia como el "Incidente Wushe". EXCELENTE. Buena historia de acción y drama, basada en hechos reales. Cuenta la historia de cómo esa tribu de Taiwán acabó cayendo en manos de los japoneses, pasando a estar décadas bajo su dominación, siendo poco más que esclavos. Se centra en el personaje de un jefe, antiguo guerrero muy admirado, que sufrió en su momento la invasión y que ahora trata de mantener la compostura y guardarse la rabia mientras ve cómo los invasores japoneses tratan a su pueblo diariamente con desprecios, insultos y agresiones. Claro está... toda esa rabia acumulada tiene que acabar saliendo, y de qué manera. Está bastante bien a nivel de fotografía, toda en escenarios selváticos. Los efectos especiales están bastante logrados, y la violencia que se muestra es explícita y dura. En fin, te mantiene entretenido durante toda la cinta, ya sea por el drama que cuenta, o por las escenas de acción. IMPERDIBLE.

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SAIDEKE BALAI 2

CAIHONG QIOBA

Warriors of the Rainbow: Seediq Bale Part 2.

Título original

Saideke balai 2: caihong qiaoba.

Año: 2020

Duración: 132 min.

 Taiwán

Dirección: Wei Te-sheng

Guion: Wei Te-sheng

Música: Ricky Ho

Fotografía: Chin Ting-Chang

Reparto: Lin Ching-Tai, Da-Ching, Umin Boya, Lin Yuanjie, Tian Jun, Li Shihjia, Zen Borang, Masanobu Andô, Landy Wen, Vivian Hsu

Productora: ARS Film Production, Central Motion Pictures Corporation

Género: Drama. Acción. Aventuras | Colonialismo. Histórico.

SINOPSIS: Tras el ataque a la escuela, el gobierno colonial ve el levantamiento como una gran crisis y envía un batallón de 3000 policías y soldados bajo el mando del General Kamada. La protección de las montañas, sin embargo, permite a los 300 hombres de Mona Rudao salir victoriosos. Pero el uso de gas venenoso y las fuerzas de Temus Wallis darán un giro a la batalla. EXCELENTE. Film que quizá los espectadores cercanos a la ubicación geográfica o el evento histórico plasmado disfrutarán más. La puesta en escena y los efectos visuales son excelentes, así como la caracterización y todo elemento visual. El guión aunque está escrito de forma muy minuciosa, puede ser confuso en algunos detalles. Hay bastante intensidad al inicio pero esta decae antes de la mitad, perdiéndose mucho en los conflictos entre algunos personajes. Hacia el final levanta bastante el interés con una gran escena bélica que no da concesiones. Aunque algunos personajes están plasmados de forma algo simplista, la trama no cae en el maniqueísmo ni pretende la apología a ningún bando. Muy bien construido el trasfondo social y cultural de la historia. IMPERDIBLE.

TRAILER

CINE CLÁSICO

CICLO: Héroes y Leyendas.

MARY SHELLY´S

FRANKENSTEIN

Frankenstein de Mari Shelly´s.

Título original

Mary Shelley's Frankenstein

Año: 1994

Duración: 123 min.

 Estados Unidos

Dirección: Kenneth Branagh

Guion: Steph Lady, Frank Darabont. Novela: Mary Shelley

Música: Patrick Doyle

Fotografía: Roger Pratt

Reparto: Robert De Niro, Kenneth Branagh, Helena Bonham Carter, Tom Hulce, Aidan Quinn, Ian Holm, Richard Briers, John Cleese, Robert Hardy, Cherie Lunghi, Trevyn McDowell, Hannah Taylor Gordon, Celia Imrie.

Productora: TriStar Pictures

Género: Terror. Fantástico | Siglo XVIII. Monstruos. Steampunk.

VERSIÓN REMASTERIZADA.

SINOPSIS: La prematura muerte de su madre durante un parto, arranca violentamente a Víctor Frankenstein de su idílica vida en Ginebra. Desde ese día, la idea de vencer a la muerte será su obsesión y, por ello, decide estudiar medicina en Ingolstadt. Allí conoce al siniestro profesor Waldman, de quien se rumorea que pasó su juventud estudiando la posibilidad de crear un ser humano. Víctor no sólo se interesa por sus experimentos, sino que está dispuesto a llegar hasta el fondo de la cuestión cueste lo que cueste. MUY BUENA. 1992 marcó el comienzo de la nueva moda por adaptar a la gran pantalla los grandes mitos del terror. En ese año, Francis Ford Coppola estrenó con gran éxito de crítica y público "Drácula de Bram Stoker", y dos años más tarde le tocaría el turno a Frankenstein. En esta ocasión, Coppola se limitó al papel de productor, y cedió la dirección a Kenneth Branagh, quien había alcanzado fama por adaptar a la gran pantalla, y de forma brillante, dos obras de Shakespeare: "Enrique V" y "Mucho ruido y pocas nueces". En esta ocasión, Branagh contaría con un enorme presupuesto para recrear el mundo decimonónico y romántico que Mary Shelley había plasmado en su novela. Y el hecho fue que, a pesar de contar con un gran reparto y todo lujo de medios, la película resultó ser un fracaso de público y crítica. Los críticos, particularmente, se cebaron con Branagh, y le tacharon de pretencioso, teatral, pesado, vacío, etc, etc. Una vez vista varias veces la película he de decir que (como en muchas otras ocasiones), la película no es una obra maestra, pero tampoco es la basura asquerosa e inútil que casi todos predican. Se trata, en mi opinión, de una adaptación más bien "shakesperiana" y teatral combinada con todo tipo de movimientos de cámara (travellings, planos secuencia a mansalva, planos cenitales, etc), que, aun pasándose de rosca un par de veces, resulta eficaz a la hora de mostrar el atormentado y enfermizo espíritu de Victor Frankenstein, así como el espíritu romántico y desaforadamente terrorífico de la novela. Secuencias como el prólogo en el Ártico, la conversación entre Frankenstein y la criatura en la caverna de hielo, o la secuencia entera de la criatura en el bosque son verdaderamente notables, y hacen descansar la vista después de tanto movimiento circular de cámara. Y en el apartado actoral, pleno. Branagh se pasa de teatral e histriónico a veces, pero en general realiza una buena actuación, pero Robert de Niro sencillamente está perfecto dentro de su disfraz de carne cosida, ofreciendo tropecientos registros y mostrando con su mirada todo el desvalimiento y el sufrimiento de la criatura artificial. Aidan Quinn e Ian Holm están magistrales, pero, para mí, la sorpresa la representa un John Cleese sensacional en su papel contenido e hierático del siniestro profesor Waldman, que a veces da más miedo que la propia criatura. Helena Bonham Carter y Tom "Amadeus" Hulce también cumplen (especialmente este último), pero la actual mujer de Tim Burton da la sensación de ir de menos a más durante el filme. MUY RECOMENDABLE.

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THE

SICILIAN

El Siciliano.

Título original

The Sicilian

Año: 1987

Duración: 105 min.

 Estados Unidos

Dirección: Michael Cimino

Guion: Steve Shagan. Novela: Mario Puzo

Música: David Mansfield

Fotografía: Alex Thomson

Reparto: Christopher Lambert, Terence Stamp, John Turturro, Joss Ackland, Richard Bauer, Barbara Sukowa, Giulia Boschi, Aldo Ray, Ray McAnally, Barry Miller

Productora: Gladden Entertainment

Género: Aventuras. Drama | Mafia.

VERSIÓN REMASTERIZADA.

SINOPSIS: El director de "El cazador" adapta una novela de Mario Puzo (El Padrino) que relata la historia de Giuliano, un bandido que intenta liberar Sicilia de la corrupción del gobierno de Roma y de la Mafia. MUY BUENA. En ocasiones, el propio espectador o lector no se permite a sí mismo el esclarecer. Esta represión del talante inquisitorio —talante tan natural en todos nosotros— obedece a otra necesidad natural: el prolongar de modo indefinido el embeleso producido por el misterio. Conviene esclarecer algunos misterios; por ejemplo, los que persisten en la medicina. Pero si otros se resolviesen, la vida, los libros y las películas serían un poco más aburridos. Sin embargo, cierto significado en esta “El siciliano” resulta tan evidente que no existe posibilidad alguna de misterio ni del subsecuente embeleso. Al comienzo de la película, el profesor Héctor conduce por las calles de Palermo, la capital de Sicilia. Por doquier vemos retratos en blanco y negro de Salvatore Giuliano, el Robin Hood —un tanto bestial y altanero— de esta historia. Hay cirios al lado de los retratos: ya sabemos, sin necesidad de que se nos diga directamente, que Giuliano ha muerto. Avancemos en el metraje. El anciano Masino Croce, capo de la mafia, habla con Héctor sobre el tiempo, según Croce el adversario del ser humano y el único vencedor. Volvamos a la secuencia inicial, la de los retratos de Giuliano. ¿No os extrañó el primer plano de la película, un travelling circular que parte del cielo y termina precisamente en uno de los muchos retratos? Obtenemos el significado unos pocos planos después. Héctor sigue conduciendo por las calles. Vemos una “Niké”, es decir, una estatua que representa a la diosa griega de la victoria, alada y ofreciendo una corona de laurel. Héctor pasa por debajo de la estatua: de súbito, uno de los retratos de Giuliano aparece sobre él y sustituye su rostro. Obviamente, el travelling circular representa de modo simbólico la corona de laurel ofrecida por Niké. ¿A quién ofrece la corona? A Giulano, claro. Recapitulemos: dicho travelling termina en uno de sus retratos; y, al pasar Héctor por debajo de la estatua, aparece otro retrato (es decir, la estatua corona a Giuliano). La diosa de la victoria coronaba a los vencedores en competiciones deportivas, entre ellas las olímpicas; luego Giuliano ha vencido. Pero ¿en qué competición? Recordemos: Masino Croce hablando del implacable carácter del tiempo. Volvamos de nuevo al inicio: los retratos y, frente a ellos y a los lados, velas y cirios. Ya lo advierte Giovanna: «Te recordarán». Eso es: Giuliano ha vencido al tiempo. Perdurará en la memoria y su recuerdo pasará de unas generaciones a otras. La idea no parece demasiado original; pero está expresada bellamente. La secuencia en que Bárbara Sukowa va a tomarse un baño es fascinante y, a la vez, irritante por la actitud del personaje. Se comporta igual que los hombres en las películas de Ozu. A pesar de “El siciliano” y la extraordinaria “La puerta del cielo”, Cimino negó en cierta entrevista que hiciese cine con propósitos políticos. Nada de lucha de clases; según él, todo se trata de «estatus»: los machos humanos se baten por estatus, para fardar de que han ganado y de que el nuevo estatus les permite tener prendas elegantes y un coche bonito. Ahí tenemos a Giuliano, fardando de coche y ropa. Como el propio Cimino, que fardó de coche por las calles de Hollywood. Toda la belleza de su cine dilapidada por un pensamiento propio de las cavernas. Su error consistió en generalizar: hay machos humanos como él los describe, pero no son tan numerosos. Alessandro Scarlatti en el gramófono. Entra Passatempo y exige a Borsa salir. Después de exigir, se queda sentado y escucha la música. «Es muy bonito», le dice a Borsa. No todo el mundo puede apreciar la belleza; pero en todas partes hay gente capaz de apreciarla, tengan o no estudios, vistan con frac o con una rebeca andrajosa. En el caso de este Passatempo, el apunte de Cimino dota al personaje de cierta ambigüedad: un hombre criado entre escopetas y bandidos, sin escrúpulos para matar, es capaz de apreciar la belleza de la música. Quizá para Cimino así fuese la Sicilia de los cuarenta y, por extensión, el mundo entero: la más desesperante brutalidad (en forma de miseria impuesta, bandidos supuestamente bondadosos sin escrúpulos para matar, mafia, ejecuciones por razones de toda índole, gobiernos represivos) y, muy de vez en cuando, una belleza sublime, la del agreste paisaje, la del arte (Scarlatti fue siciliano), la de un inusitado acto de nobleza y la de la eventual concordia entre los seres humanos. IMPERDIBLE.

TRAILER

KISS OF THE

SPIDER WOMAN

El Beso de la Mujer Araña.

Título original

O Beijo da Mulher Aranha

Año: 1985

Duración: 119 min.

 Brasil Estados Unidos.

Dirección: Héctor Babenco

Guion: Leonard Schrader. Novela: Manuel Puig

Música: John Neschling

Fotografía: Rodolfo Sánchez

Reparto: William Hurt, Raul Julia, Sônia Braga, José Lewgoy, Milton Gonçalves, Miriam Pires, Nuno Leal Maia, Patricio Bisso, Fernando Torres, Herson Capri, Denise Dummont, Nildo Parente, Antônio Petrin.

Productora: Coproducción Brasil-Estados Unidos; HB Filmes, FilmDallas Pictures

Género: Drama | Drama carcelario. Homosexualidad. Amistad.

VERSIÓN REMASTERIZADA. 

SINOPSIS: En una prisión sudamericana, Luis Molina (William Hurt) y Valentín Arregui (Raúl Julia) son compañeros de celda. Molina es un homosexual encarcelado por seducir a un menor. Valentín es un revolucionario de izquierdas torturado durante los interrogatorios. Para escapar de la realidad, Molina evoca películas antiguas, pero Arregui trata de centrarse en la situación que sufre. EXCELENTE. La adaptación cinematográfica de la obra homónima de Manuel Puig narra la relación entre dos presos que comparten celda, Luis Molina (William Hurt, merecido Oscar), un homosexual detenido por corrupción de menores y Valentin Arregui (Raul Julia), un preso politico. Ambos son los dos pilares de una película que pone todo a su disposición dejando así en un segundo plano la forma (pero en ningún momento descuidando esta) y centrándose más en los dos personajes principales. Dos personajes que chocan pero evolucionan hasta conseguir el respeto mutuo y una gran amistad. Mientras que Arregui escoge la libertad del individuo como motor de su existencia, Molina escoge el amor. Molina para evadirse de su realidad le cuenta y escenifica a Arregui historias de amor que aparecían en el cine nazi de los años 30 (centrándose en la historia de amor, dejando de lado por completo la propaganda política), a la vez que ayuda a Arregui a hacer su estancia más llevadera con esas narraciones. Molina se identifica con la protagonista femenina de las historias de amor que narra, una mujer dispuesta a dejarlo todo por amor, esa historia (en el libro son varias las películas que narra, pero en la película se centran en una) refleja y de alguna manera adelanta el destino de Molina. La protagonista de la película que narra juega a dos bandas: una cantante francesa se enamora de un general nazi y está dispuesta a dejarse llevar por el amor hasta el punto de traicionar a su patria ayudando a los nazis, traición que pagará con su muerte. Molina también juega a dos bandas, el director de la cárcel lo utiliza para conseguir información sobre la banda de Arregui a cambio de comida y de un posible adelanto de su libertad condicional. Luis Molina no vive en la realidad, se oculta bajo maquillaje, se mira constantemente al espejo y como ya he comentado antes, se esconde tras sus películas, que no son contadas en vano, ya que indirectamente muestran la situación real en la que se encuentra Molina. Molina es "la mujer araña", enredada en su tela (los barrotes de la cárcel) de la que está intentado escapar. Molina representa el todo vale por AMOR, su acuerdo con la cárcel lo utiliza para ayudar a Arregui a no morir envenenado, lo cuida y lo ayuda, pospone su tortura. Arregui defiende la LIBERTAD, el no dejarse pisotear, el luchar por lo que uno cree y expresarlo sin represión alguna, saber tomar decisiones. El tiempo que transcurren juntos en la celda les hace respetarse mutuamente, ayudarse, quererse y aprender el uno del otro. Arregui aprenderá a valorar lo que tiene y a que puede que haya una oportunidad para la bondad en ese mundo de represión. Molina aprenderá a escoger entre lo que debe hacer y lo que quiere hacer, pagando un alto precio por ello. Una película que crítica la represión política y social, a la vez que defiende la importancia de la libertad, el amor, la amistad y la superación personal. IMPERDIBLE.

1985: Oscar: Mejor actor (William Hurt). 4 nominaciones

1985: Globos de Oro: 4 nominaciones, incluyendo mejor película drama

1985: Festival de Cannes: Mejor actor (William Hurt)

1985: BAFTA: Mejor actor (William Hurt)

1985: Premios David di Donatello: Mejor actor extranjero (William Hurt)

1985: Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a mejor actor (William Hurt)

1985: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor actor (William Hurt)

1985: Premios Independent Spirit: Premio Distinción Especial.

TRAILER

 

MINISERIES Y SERIES

C´EST COMME CA

QUE JE T´AIME.

Felizmente Casados.

1er TEMPORADA

TEMPORADA COMPLETA

10 EPISODIOS

  4 DISCOS.

Título original

C'est comme ça que je t'aime

Año: 2020-2022

Duración: 500 min.

 Canadá

Dirección: Jean-François Rivard, Robin Aubert

Guion: François Létourneau

Música: Patrick Lavoie

Fotografía: Barry Russell

Reparto: Marilyn Castonguay, François Létourneau, Patrice Robitaille, Karine Gonthier-Hyndman, Sophie Desmarais, Rémi-Pierre Paquin, René Richard Cyr, Patrick Drolet, Sami Soleymanlou, Matthieu Gosselin, Jocelyne Zucco, Alexis Lefebvre, Guy Vaillancourt.

Productora: Productions Casablanca

Género: Serie de TV. Drama. Comedia | Años 70. Crimen

SINOPSIS: En 1974, en un tranquilo barrio residencial a las afueras de Quebec, dos familias en crisis dejan a sus hijos en un campamento de verano. Cuando regresan a casa, se dan cuenta de que sus matrimonios se tambalean, carcomidos por las mentiras y la nula comunicación. En una sociedad donde el divorcio era todavía algo inusual, ¿qué harán ambas parejas? La respuesta es fácil: Convertirse en los criminales más sanguinarios de la historia del crimen organizado de la región. EXCELENTE. Los tiempos están cambiando. No lo digo yo, lo proclamaba Bob Dylan allá por 1964, precisamente 10 años antes de la ambientación de esta serie. Pero, ¿a qué ritmo se producen esos cambios? El lento empoderamiento de la mujer o el divorcio como tabú son temas sobre los va a girar esta tragicomedia canadiense.  Porque, ¿qué hacer cuando la monotonía invade tus días?, ¿cuando los hijos son el único tema de conversación con tu pareja?, ¿cuando todo tu matrimonio pende de un hilo? ¿divorciarte? No, demasiados problemas aquel lejano 1974. Es mucho más sencillo dedicar tu vida al crimen y al asesinato. Y es que este es, precisamente, el tema central de Felizmente casados. Su argumento nos traslada a un tranquilo barrio de Quebec. Con leves matices de falso documental, esta serie nos habla de cómo dos parejas en crisis, tras dejar a sus respectivos hijos en un campamente de verano, se hacen eco de sus problemas matrimoniales y como, siendo el divorcio aún un tema complicado en esa época, el delito se convertirá en la única manera de aportar ese toque de adrenalina que sus vidas necesitan.  Bajo la dirección de Jean-François Rivard y protagonizada por François Létourneau (quien también es el encargado del guión), Marilyn Castonguay, Patrice Robitaille, Karine Gonthier-Hyndman y Sophie Desmarais entre otros, se nos muestra una historia con un equilibrio milimétrico entre el drama y la comedia pero sin pasar por alto los toques de thriller de los que podemos disfrutar. Cómo se juega con la música para dar tensión a las escenas es algo digno de mencionar. Esta serie aclamada por la crítica fue galardonada con 10 estatuillas en los Premios Géminis 2021. IMPERDIBLE.

TRAILER

THE

UNDECLARED WAR

MINISERIE COMPLETA

6 EPISODIOS

2 DISCOS.

Título original

The Undeclared War

Año: 2022

Duración: 307 min.

 Reino Unido

Dirección: Peter Kosminsky

Guion: Peter Kosminsky, Declan Lawn, Adam Patterson

Música: Debbie Wiseman

Fotografía: Gavin Finney

Reparto: Simon Pegg, Maisie Richardson-Sellers, Hannah Khalique-Brown, Edward Holcroft, Adrian Lester, Tom McKay, Joss Porter, Charlie J. Tinson, Mark Rylance, Alex Jennings, German Segal, Hattie Morahan, Tinatin Dalakishvili, Andrew Rothney

Productora: Channel 4 Television, Playground Entertainment, NBC Universal Television. Distribuidora: Peacock

Género: Miniserie de TV. Thriller. Drama

SINOPSIS: En 2024, un equipo líder de analistas escondido en el corazón del GCHQ, trabajan secretamente para proteger el sistema electoral de un ataque cibernético extranjero. EXCELENTE. El drama de Channel 4/Peacock está protagonizado por Simon Pegg, Mark Rylance y la recién llegada Hannah Khalique-Brown, que interpreta a una hacker genio con experiencia laboral en GCHQ. Saara Parvan busca una puerta oculta en el gimnasio de una escuela abandonada. Con el tiempo agotándose, finalmente lo ve: está en el techo. No hay problema: la habitación se reorganiza cuando ella se da la vuelta, avanza con determinación y abre la puerta para revelar un jardín iluminado por el sol. Por supuesto, Saara no está realmente desafiando la gravedad, al menos no en el mundo físico. Las secuencias de ensueño, que evocan tanto Origen como Matrix, son metáforas visuales del descifrado de códigos del genio hacker. Al igual que Neo, el personaje de Keanu Reeves en The Matrix, Saara, una estudiante de 21 años que está a punto de comenzar una pasantía laboral en GCHQ, tiene un talento sobrenatural y lucha contra un enemigo en constante movimiento y evolución. Cuando Gran Bretaña es víctima de un ciberataque dirigido, se encuentra en una posición ideal para demostrar su valía.  Para aquellos espectadores con poco conocimiento de código o piratería, las secuencias metafóricas no solo demuestran cuán compleja y difícil es la tarea en cuestión, sino que también ayudan a demostrar tanto la habilidad de Saara como las altas apuestas que enfrenta. Junto a Khalique-Brown, el elenco incluye a Simon Pegg como Danny Patrick, jefe de operaciones de GCHQ, y Adrian Lester como el primer primer ministro conservador negro de Gran Bretaña que, según nos dicen, derrocó a Boris Johnson de una manera particularmente brutal. Aunque no está en el primer episodio, la serie también está protagonizada por Mark Rylance, quien interpreta a un veterano analista de GCHQ contratado tras el ataque cibernético, y que forma un vínculo improbable con Saara. Con un pedigrí tan grande, The Undeclared War siempre iba a llamar la atención, pero esta serie supera las expectativas, guiando a los espectadores de la mano a través del complejo mundo de la ciberseguridad, y luego negándose a soltar su control hasta el episodio final. IMPERDIBLE.

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