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ESTRENOS DELA SEMANA
Goes to
PARIS
Mrs. Harris viaja a París.
(EN CINES)
- Título original
- Mrs. Harris goes to Paris
- Año: 2022
- Duración: 92 min.
Reino Unido- Dirección: Anthony Fabian
- Guion: Carroll Cartwright, Anthony Fabian, Olivia Hetreed, Keith Thompson. Novela: Paul Gallico
- Música: Rael Jones
- Fotografía: Felix Wiedemann
- Reparto: Lesley Manville, Jason Isaacs, Anna Chancellor, Isabelle Huppert, Alba Baptista, Rose Williams, Lucas Bravo, Lambert Wilson, Christian McKay, Roxane Duran, Ellen Thomas, Guilaine Londez, Delroy Atkinson
- Productora: Coproducción Reino Unido-Hungría; Moonriver Content, Superbe Films, Hero Squared
- Género: Comedia. Drama | Años 50. Moda.
SINOPSIS: Nueva adaptación de la novela de Paul Gallico. Narra la historia de una señora de la limpieza que enviuda (Manville) en los años 50 en Londres, y se enamora perdidamente de un vestido de Dior. Decide que ella debe hacerse con uno. MUY BUENA. Hay una maravillosa simetría en el reparto principal de Lesley Manville en Mrs. Harris Goes to Paris, interpretando a una mujer que es la otra cara de Cyril, su papel en Phantom Thread. Ese personaje se deslizó por un taller de alta costura de Londres de mediados de los años 50 con una propiedad gélida, ferozmente protectora de su hermano diseñador de vestidos y sus creaciones clásicas. Como la Sra. Harris, Manville sueña con acceder a un mundo igualmente privilegiado de esplendor sartorial, uno en el que su edad y clase la hacen parecer una intrusa improbable. La belleza de su actuación en este encantador cuento de hadas para adultos es la forma en que su pureza de corazón y su bondad inherente abren suavemente esas puertas cerradas. El director Fabian y sus coguionistas tienen la habilidad de hacer que los desarrollos más potencialmente complacientes o sentimentales caigan como un delicioso sorbete, tanto que incluso anacronismos tan flagrantes como la afirmación de la Sra. Harris "Vete, niña" son encantadores. Y aunque mantienen el sombrío resultado original de Gallico sobre el vestido de la Sra. Harris y su generoso gesto con la tonta estrella londinense Pamela Penrose (Rose Williams), agregan una coda edificante que se convierte en un cuento de hadas, incluso dejando caer una pista tentadora de que no es demasiado tarde. para que la Sra. Harris encuentre un nuevo amor. Los alegres temas de vals de la partitura de Rael Jones se ajustan al material a la perfección. El hermoso diseño de producción de la distinguida veterana Luciana Arrighi se combina a la perfección con un sutil trabajo de CG para recrear un París que evoca el magnífico pasado cinematográfico de la ciudad, especialmente en un paseo por el Sena salpicado por la fascinante luz del atardecer. La película es una carta de amor a la capital francesa y sus salones de la moda, por lo que, naturalmente, su sentido del estilo es impecable. Es concebible que el flequillo lateral y la cola de caballo rizada de Baptista puedan inspirar a muchos imitadores. Pero el elemento humano es lo que finalmente lo vende. Baptista y Bravo forman una pareja cautivadora, sus personajes claramente destinados a abrir la vida del otro. Isaacs es un encantador pícaro, Thomas es la personificación de la calidez alegre y Wilson es una elegante aristócrata cuyo desaire involuntario hacia la Sra. Harris ayuda a revelar su negativa a ser simplemente el recipiente de apoyo de todos, sin necesidades ni deseos propios. IMPERDIBLE.
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BRIGHTON 4th
Brighton 4th.
- Título original
- Brighton 4th
- Año: 2021
- Duración: 95 min.
Georgia- Dirección: Levan Koguashvili
- Guion: Boris Frumin
- Fotografía: Phedon Papamichael
- Reparto: Levan Tedaishvili, Giorgi Tabidze, Kakhi Kavsadze, Nadezhda Mikhalkova, Irakli Kavsadze, Tornike Bziava, Anastasia Romashko, Giorgi Kipshidze, Laura Rekhviashvili
- Productora: Coproducción Georgia-Rusia; Art Fest, Broken Cage Studio, Georgian National Film Centre, Give Me Liberty Mfg, KNM, Kino Iberica, Moskvich, Tato Film
- Género: Drama.
SINOPSIS: Un ex luchador georgiano, Kakhi, viaja a Brooklyn para ayudar a su hijo con una deuda. EXCELENTE. La película es una sorprendente y conmovedora exploración de la
masculinidad, que cuenta con la asombrosa interpretación del ex campeón
olímpico de lucha Levan Tediashvili en el papel principal, quien se llevó a casa la medalla del evento celebrado en Nueva York. El placer no es inmediato, ya que la película empieza con una escena
en un bar de Tiflis, donde los hombres discuten por un partido de
fútbol. Es el tipo de discusión absurda, avivada por la bravuconería y
la superioridad, que sólo puede terminar mal. La situación, bastante
reconocible, nos presenta un mundo donde el ego lleva a la muerte. Estos
hombres no son agradables, así que sentimos alivio al saber que ninguno
de ellos es nuestro protagonista. Kakhi (Tediashvili) es el hombre al que llamas para resolver
problemas. Resulta que el causante de la pelea en el bar es el hermano
de Kakhi, cuya situación ha alcanzado un nivel tan extremo que se
encuentra en la indigencia. Kakhi se dispone a rescatarlo, y le
encuentra un trabajo y un hogar en un gimnasio. Sin embargo, cuando creemos saber hacia dónde se dirige la película,
la esposa de Kakhi le hace la maleta para su viaje a Nueva York. Cuando
vemos la maleta llena de queso y alimentos, comprendemos que será una
historia sobre la experiencia de ser inmigrante, una historia que
mostrará las duras batallas a las que uno debe enfrentarse para
establecerse en otra tierra, y también el amor y el sentimiento de
comunidad que mantiene unidas a las personas en épocas difíciles. El director de fotografía griego Phedon Papamichael, nominado en dos ocasiones al premio de la Academia (por El juicio de los 7 de Chicago y Nebraska),
vuelve a mostrar su habilidad para capturar ciudades de forma única,
interesante y reveladora. Esta Nueva York está muy alejada de los
rascacielos de Manhattan que se han convertido en cliché y, en su lugar,
vemos el barrio de Brighton Beach, Brooklyn, donde una comunidad de
georgianos se ha instalado en viviendas estrechas. Estas personas
intentan hacer dinero y mantenerse cuerdas. Aunque las señales de
tráfico están en inglés, estos inmigrantes han replicado la vida que
llevaban en el Cáucaso. La idea de que es difícil escapar de tu suerte se deja entrever en la vida personal de Kakhi. Va a visitar a su hijo, Soso (Giorgi Tabidze),
y descubre que le ha estado mintiendo sobre sus estudios de medicina,
tiene deudas de juego y quiere casarse con la sufrida Lena (Nadezhda Mikhalkova)
por el permiso de residencia permanente. Lo admirable es que la trama
del juego se desarrolla como uno espera, pero lo hace de una forma tan
sorprendente y llamativa que apenas llegamos a pensar en mafiosos. Más allá de estas escenas conmovedoras entre padre e hijo, Kakhi
intenta proteger a su esposa de los problemas de su hijo en las
videollamadas, y entabla amistad con Lena y sus compatriotas georgianos.
Hasta las escenas donde cantan canciones del país de origen, que
podrían parecer groseras, están muy bien hechas. Koguashvili merece
todos los aplausos que pueda recibir por esta película que construye un
retrato de la naturaleza amable de Kakhi, a través de escenas
inteligentes y prescindiendo de un argumento excesivamente complejo. IMPERDIBLE.
2021: Festival de Tribeca: 3 nominaciones incluyendo a mejor película internacional.
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SOBRE DUMAS
Vous ne désirez que moi.
- Título original
- Vous ne désirez que moi.
- Año: 2021
- Duración: 95 min.
Francia- Dirección: Claire Simon
- Guion: Claire Simon. Libro: Yann Andréa
- Música: Nicolas Repac
- Fotografía: Céline Bozon
- Reparto: Swann Arlaud, Emmanuelle Devos, Christophe Paou, Philippe Minyana
- Productora: Les Films de l'Après-Midi
- Género: Romance. Drama | Basado en hechos reales. Literatura. Años 80.
VERSIÓN HABLADA EN ESPAÑOL.
SINOPSIS: Un hombre que mantiene una apasionada relación con una célebre escritora 30 años mayor que él necesita hablar. Está fascinado por ella y, sin embargo, siente que no puede seguir adelante. En un intento de poner en palabras la intensidad de su amor, se abre y lo describe con gran claridad. MUY BUENA. Hablar de Marguerite Duras es hablar de una vida azarosa. Desde su nacimiento cerca de Saigón, Vietnam, pasando por su activismo en la Resistencia durante la Segunda Guerra Mundial, hasta su compleja vida sentimental. No lo tuvo fácil, quizás por ese motivo se convirtió en una persona exigente, de difícil carácter, tal y como se demuestra en Quiero hablar de Duras. Ganadora del Premio Goncourt, el más prestigioso del mundo de las letras en Francia, su producción como escritora aborda temas como la soledad, el amor y la muerte. Como directora de cine tuvo claras tendencias hacia el vanguardismo y la experimentación, sobresaliendo en su filmografía títulos tan conocidos como "Hiroshima mon amour". Comienza Quiero hablar de Duras explicando su protagonista, Yann, la manera en que conoció a la célebre escritora y cineasta. Lo hace para una periodista amiga de él, Michèle Manceaux, "Emmanuelle Devos", quien encendiendo su grabadora, dejará que el amante de Duras, hable como si se tratara de una confesión, de un necesario desahogo. Plasmará en palabras todo el dolor, admiración y sentimientos hacia su amada Marguerite, 38 años mayor que él. Impresionado por su literatura, decidió que no leería a nadie más durante el resto de su vida. Quizá este detalle dice mucho de la personalidad del joven, altamente influenciable. Se convertiría en su secretario personal, sometido en todo momento a la tiranía de la escritora. En Quiero hablar de Duras, con mucha delicadeza, mediante unas explicitas acuarelas, mostrarán el deseo y los cuerpos de los dos amantes. Para la escritora, Yann, lo fue todo, incluso su personaje literario favorito. Las humillantes palabras con las que le obsequiaba, a veces, eran fruto de la nefasta relación que Marguerite tenía con el alcohol. Sin embargo, Yann sabía que, a pesar de todo, era incapaz de salir de aquella tóxica relación. La homosexualidad de él no fue impedimento alguno para ser inseparables compañeros. Incluso ella va a comentar en una ocasión que "todos los hombres son homosexuales en potencia, sólo les falta saberlo". Quiero hablar de Duras (I Want to Talk About Duras) es una película interesante para los admiradores de la singular escritora francesa Marguerite Duras. Para el resto, podría resultar algo tediosa, y sobre todo incomprensible el que un joven sensible y atractivo, soportara tantos años sus malos tratos. MUY RECOMENDABLE.
2021: Festival de San Sebastián: Mejor Actriz (Emmanuelle Devos).
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A TIEMPO
COMPLETO
À plein temps.
- Título original
- À plein temps
- Año: 2021
- Duración: 87 min.
- Francia
- Dirección: Eric Gravel
- Guion: Eric Gravel
- Música: Irène Drésel
- Fotografía: Victor Seguin
- Reparto: Laure Calamy, Anne Suarez, Geneviève Mnich, Nolan Arizmendi, Sasha Lemaitre Cremaschi, Cyril Guei, Lucie Gallo, Agathe Dronne, Mathilde Weil
- Productora: Novaprod Owl, France 2 Cinema
- Género: Drama | Trabajo/empleo. Drama social.
VERSIÓN HABLADA EN ESPAÑOL.
SINOPSIS: Julie hace un esfuerzo titánico para criar a sus dos hijos en las afueras de París y conservar al mismo tiempo su empleo en un hotel de lujo en el centro. Justo cuando consigue una entrevista para el trabajo que llevaba tiempo deseando, estalla una huelga general que paraliza todo el transporte público y pone en riesgo el delicado equilibrio que Julie había construido. Comienza entonces una carrera enloquecida contra el tiempo en la que Julie no puede permitirse flaquear. MUY BUENA. Solo leo las sinopsis de las películas cuando voy al cine, para intentar que mi inversión merezca la pena. La de “À plein temps” es peligrosa: ¿va a ser la soflama moralizante que tenemos que sortear constantemente en el cine? ¿Nos insultará la pantalla con otro de esos filmes que bailan cómodamente al ritmo de su tiempo, pero que los críticos llaman “comprometido”? El ejemplo reciente más claro es “Madres paralelas” (Pedro Almodóvar, 2021) del que hablo en mi crítica en FilmAffinity. Por suerte “À plein temps” no es ese tipo de película. Si bien se trata de una historia de su tiempo, lo es por retratar de forma exquisita a la protagonista como mujer y como trabajadora, sin escupir en la cara del espectador ideología en la fase de fariseización (googlear "pirámide de la hegemonía" para más info), en la mejor tradición del cine realista. Porque, como ya nos ha quedado claro en la sinopsis, estamos ante la “vie quotidienne”, donde no hay nada extraordinario: ni asesinos ni robos, ni zombies ni vampiros, ni viajes en el tiempo ni interestelares, ni tiros ni hazañas, ni personajes excéntricos ni premisas surrealistas. Solo la simple y llana vida: Julie, mujer separada y con dos hijos que vive en un barrio dormitorio y entrega su carne al capital precariamente mientras busca cómo entregarla mejor. La situación que dispara la acción no es más que una huelga de transportes, que todo el mundo que ha vivido en una gran ciudad ha sufrido antes o después, con un París de fondo donde la torre Eiffel solo es un cuadro relamido en una habitación cochambrosa. Estos sencillos mimbres no impiden que “À plein temps” sea un filme frenético, donde las situaciones mundanas como coger el tren mantienen al espectador agarrado a la butaca. La clave es su exquisita artesanía: - Un guion milimétrico con un ritmo de edición y un trabajo de cámara plenamente a su servicio. - La música vaporwave acompaña de forma sublime. Aunque si bien es cierto que hacia el final se hace un tanto repetitiva, no llega a saturar. - Los personajes están excelentemente tratados e interpretados. También muy bien presentados: se nos da a conocer de ellos lo justo para que rellenemos los huecos, lo que ahorra metraje y hace sentir inteligente al espectador. Destaco el de la jefa de la protagonista, vil lacaya del sistema que disfruta en su papel de correa de engranaje de opresión de clase; subalterna que hace suya la misión de la plutocracia por una migajas de pan (de coloritos, para diferenciarla de quienes están por debajo). - Y me complace muchísimo que no haya una historia de amor de las que siempre suelen pulular por este tipo de filmes, más allá de un beso divertidamente ridículo en el sótano, entre polvo y cachivaches desechados. El resultado es un fiel retrato y un alegato de la clase trabajadora, con una huelga a la francesa de fondo, pero sin moralismo. Un Ken Loach sin discursitos, y por ello mucho más potente. IMPERDIBLE.
2021: Festival de Venecia: Mejor Actriz (Laure Calamy) Mejor Director ( Eric Gravel).
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THE
EMIGRANTS
Los Emigrantes.
- Título original
- Utvandrarna
- Año: 2021
- Duración: 148 min.
Suecia- Dirección: Erik Poppe
- Guion: Anna Bache-Wiig, Siv Rajendram. Novela: Vilhelm Moberg
- Música: Johan Söderqvist
- Fotografía: John Christian Rosenlund
- Reparto: Gustaf Skarsgård, Sofia Helin, Tove Lo, Lisa Carlehed, Laurence Kinlan, Díana Bermudez, Ola Normelli, Pedram Hajigholi, Kerstin Linden, Adrian Taheri, Paul Cimpoieru, Stefan Cronwall, Christian Kinell, James Longshore
- Productora: Coproducción Suecia-Nueva Zelanda-Dinamarca-Noruega; Film I Väst, Tre Vänner Produktion AB
- Género: Drama | Inmigración. Siglo XIX.
SINOPSIS: Basada en el libro de Vilhelm Moberg (publicado en 1949), que representa
a algunas personas que emigraron de Suecia a los Estados Unidos en el
siglo XIX, y una nueva versión de la película homónima de 1971. MUY BUENA. Los cuatro libros de la serie publicados entre 1949 y 1959 son considerados clásicos de la literatura sueca y cuentan la historia de una familia sueca al frente de una ola de escandinavos que cruzaron el Atlántico a mediados del siglo XIX, con la promesa de tierras libres. en Minnesota para construir propiedades y una economía en auge. En 1971 y 1972, el director Jan Troell adaptó los cuatro tomos en dos aclamadas películas protagonizadas por Max Von Sydow y Liv Ullmann. Tras su lanzamiento en Suecia, la mayoría de las reseñas compararon la película de 1971 y la versión de Poppe, dejando a algunos observadores (injustamente desde la perspectiva de un crítico) preguntándose qué texto estaban revisando. Al menos en Suecia, la película original es tan reverenciada que el director noruego se estaba escondiendo de la nada. Para no desanimarse al hacer comparaciones cinematográficas (después de todo, ese es el pan de cada día de los críticos, y para este registro este crítico no ha visto las películas de Troell), el cine de Poppe a veces amenaza con virar hacia el territorio de Terrence Malick con la forma en que el director de fotografía John Christian Rosenlund filma la naturaleza, con una secuencia que muestra sus maravillas ante una escena de sexo, y una voz en off utilizada para dar acceso a los pensamientos de Kristina. Evitando la parodia, Poppe siempre se las arregla para no volverse completamente Malick en lo que es una adaptación sensible y estimulante de la primera novela. Sin embargo, la voz en off a veces irrita, ya que se siente como una forma torpe de dirigir a la audiencia para que piense en temas específicos. En el corazón de la película hay una actuación central de cierta magnitud de Lisa Carlehed. Interpreta a Kristina como alguien abierta a las lecciones del mundo. Un personaje resistente que no quiere ir a Estados Unidos hasta que uno de sus cuatro hijos muere inesperadamente. Ella es obstinadamente luterana, hasta que las demandas de la tela crean una ruptura en su amistad con Ulrika (Tove Lo), una prostituta que conoce en el barco, discute y odia antes de hacerse amiga. Su relación es la más importante de la película, no la que tiene con su esposo Karl-Oscar (Gustaf Skarsgård), que se aparta bastante de los libros y podría agradar un poco. Con la aceptación de su amistad por parte de Kristina y su espalda a la iglesia, Poppe transmite la idea de Estados Unidos como un crisol. Esta es una América donde las personas son juzgadas como individuos y no por sus grupos. Poppe muestra su destreza técnica habitual. La película comienza en blanco y negro con la familia partiendo a caballo y en un carro, y a medida que se revela la historia de fondo de la familia y comienza el viaje a Estados Unidos, las imágenes se vuelven lentamente en color. Estados Unidos se muestra como un lugar duro, donde la ruptura con los nativos americanos ha dividido la tierra, la esfera pública está llena de hombres intrigantes y peligrosos, y las vidas de las mujeres respetables se pasan en casa. Al concentrarse en Kristina en lugar de seguir a su esposo a la ciudad, Poppe se enfoca en la confusión emocional de mudarse a otro país. Por lo tanto, no vemos escenas de familias construyendo casas, en las que Malick se habría deleitado, ni los altercados en el pueblo cercano, sino tomas de la pareja nadando y bañándose, encontrando consuelo en la amistad del otro y una madre dispuesta a ayudar. aceptar el desafío de dejar atrás su vida y su religión a pesar de todos los peligros. IMPERDIBLE.
2021: Premios Guldbagge (Suecia): Mejores efectos visuales. 7 nominaciones.
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THIRTEEN
LIVES
Trece Vidas.
- Título original
- Thirteen Lives
- Año: 2022
- Duración: 142 min.
- Reino Unido
- Dirección: Ron Howard
- Guion: William Nicholson. Historia: Don MacPherson, William Nicholson
- Música: Benjamin Wallfisch
- Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom
- Reparto: Colin Farrell, Viggo Mortensen, Joel Edgerton, Tom Bateman, Lewis Fitzgerald, Sahajak Boonthanakit, Vithaya Pansringarm, Paul Gleeson, Teeradon Supapunpinyo, Peter Phan, Bernard Sam, Kirsty Sturgess, Nitipoom Khachatphai.
- Productora: Storyteller Productions, Magnolia Mae Films, Imagine Entertainment, Bron Studios, Xm2 Pursuit. Distribuidora: Amazon Prime Video
- Género: Drama. Thriller | Basado en hechos reales. Supervivencia.
SINOPSIS: Historia real de la misión de rescate en la cueva tailandesa de Tham Luang. Un equipo de fútbol de niños queda atrapado en la montaña cuando las tormentas inundan la entrada. El mundo entero observa mientras se desarrollan los dramáticos eventos. EXCELENTE. Howard regresa con Trece vidas, drama que mezcla la acción y el thriller con los hechos que tuvieron lugar en el país asiático y nos trae este largometraje centrado en estas labores de rescate en la que participaron más de 10.000 voluntarios. Una de las cosas que más impresiona de la cinta es precisamente eso. Los tres protagonistas son voluntarios que se presentan como héroes cotidianos, ninguno de ellos posee características ni capacidades extraordinarias. Son personas normales que están dispuestas a arriesgar su vida para ayudar a estos niños. Es evidente que el guionista, William Nicholson (Gladiator, Everest), tiene una amplia experiencia en narrar este tipo de tramas de supervivencia y le da un gran ritmo a la trama. A pesar de su larga duración, el espectador queda completamente atrapado desde el primer momento. La acción y el suspense no dejan ni un momento de respiro y hacen que estemos completamente inmersos en la historia, incluso antes de que aparezcan los rostros conocidos de la misma. Asimismo, el diseño de producción y la fotografía dejan al espectador impresionado. Consiguen que se pueda percibir esa sensación de agobio y claustrofobia que están experimentando los protagonistas en el interior de la cueva. Se viven las dificultades y los problemas como si fuéramos uno más en la operación. Y, no es la primera vez que vemos este tipo de historias en las que la capacidad de superación alcanza el límite, pero considero que Trece vidas ha conseguido humanizar y representar de una formar muy cercana a los personajes y las situaciones que vivieron. Esta historia ya se había tratado en el documental The Rescue (2021). Pero, verlo narrado de esta manera en una ficción hace que parezca aún más real. Pues, el objetivo de Howard es mostrar la capacidad de resiliencia del ser humano ante las adversidades. Y, los propios actores se enfrentaron a las escenas de buceo bajo el agua ellos mismos, sin utilizar dobles de acción. Por lo tanto, la falta de aire, los ataques de pánico y la angustia son totalmente reales y se puede percibir. En conclusión, Trece vidas es una película que consigue enganchar desde el inicio, al mismo tiempo que emociona. El director consigue una mezcla perfecta de drama y cine de aventuras que hacía tiempo que no veíamos en la gran pantalla. El espectador puede ver una visión real de lo que vivieron los equipos de rescate y las interpretaciones realistas de sus protagonistas hacen que el espectador se emocione, sufra y sienta felicidad, todo al mismo tiempo. IMPERDIBLE.
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PREY
Predator: La Presa.
- Título original
- Prey
- Año: 2022
- Duración: 99 min.
Estados Unidos- Dirección: Dan Trachtenberg
- Guion: Patrick Aison
- Música: Sarah Schachner
- Fotografía: Jeff Cutter
- Reparto: Amber Midthunder, Dane DiLiegro, Stefany Mathias, Stormee Kipp, Dakota Beavers, Harlan Blayne Kytwayhat, Geronimo Vela, Mike Paterson, Nelson Leis, Troy Mundle, Kyle Strauts
- Productora: 20th Century Studios, Davis Entertainment. Distribuidora: Hulu, Disney+
- Género: Aventuras. Ciencia ficción. Acción. Terror | Extraterrestres. Supervivencia. Perros/Lobos. Naturaleza. Siglo XVIII. Precuela
SINOPSIS: Ambientada hace 300 años en la Nación Comanche. Naru es una joven guerrera, feroz y altamente hábil, que se crió a la sombra de algunos de los cazadores más legendarios que deambulan por las Grandes Llanuras. Cuando el peligro amenaza su campamento, se dispone a proteger a su gente. La presa a la que acecha y, en última instancia, se enfrenta, resulta ser un depredador alienígena evolucionado con un arsenal técnicamente avanzado, lo que deriva en un enfrentamiento cruel y aterrador entre los dos adversarios. Nueva entrega de la saga Predator. MUY BUENA. No daba nada por la película, pero me ha sorprendido y superado las expectativas con creces. En mi opinión se ha situado, con facilidad, como la mejor secuela de la original, superando a Predator 2 y Predators. The Predator ni la valoro, para mi es un telefilm de Asylum que, por avatares de la vida, ha acabado siendo oficial. Los Depredadores habían estado cazando en la Tierra desde la antigüedad, con lo que situar una película en un pasado remoto era el paso obvio. Me parece un acierto de ambientación, un Estados Unidos salvaje y agreste, similar a la selva de la película original, pero con sus propias reglas. La escena inicial del oso, espoileada completamente en el trailer, como no podría ser de otra manera, me hizo temer lo peor, dada la patética animación VFX del animal, pero luego resulta que es prácticamente el único VFX de toda la película (las hachas y otros proyectiles se nota que se corrigen digitalmente, pero no canta demasiado). Con un presupuesto ajustado, se ha optado por efectos digitales mínimos, una excepcional caracterización del depredador (sin lugar a dudas, el mejor hasta la fecha) y unas coreografías de combates más que dignas. Protagonista mujer: el elefante en la habitación. Sería el primero en criticar el uso de una mujer protagonista a calzador en este tipo de película, pero no lo voy a hacer porque la protagonista cumple sobradamente: tiene carisma, se mueve bien y usa sus recursos de manera lógica para superar al depredador. No se nota el típico tufillo de feminismo cutre del que suelen tirar las películas de acción protagonizadas por mujeres, intentando hacer de menos al reparto masculino. Aquí los hombres, salvo los ingleses exploradores, son relativamente fuertes y aptos para el combate, carne de cañón digna, podríamos decir. Ante un enemigo tan poderoso, veo a esta chica y a Chuache en la misma condición de inferioridad. No compro eso de "si un mazas de operaciones especiales no ha podido con un depredador, qué va a poder una joven india". Al final cada uno utiliza sus recursos y la conclusión es satisfactoria en ambos casos. MUY RECOMENDABLE.
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LA
AMIGA
DE MI
AMIGA
La Amiga de mi Amiga.
- Título original
- La amiga de mi amiga
- Año: 2022
- Duración: 85 min.
España- Dirección: Zaida Carmona
- Guion: Zaida Carmona, Marc Ferrer
- Reparto: Zaida Carmona, Rocío Saiz, Alba Cros, Thaïs Cuadreny, Aroa Elvira
- Género: Comedia. Romance | Homosexualidad
SINOPSIS: Tienen treinta años pero viven como cuando tenían veinte, aunque ya no tienen edad para convertirse en jóvenes promesas. Están enamoradas del amor pero, en su búsqueda, se destrozan una a otras, errando de exnovia en exnovia, de relación en relación. Con el pop y la autoficción como telón de fondo y la aparición de una conocida cantante que nunca sabemos si es del todo real, "La amiga de mi amiga" es un juego que se inicia cuando Zaida, después de una ruptura, vuelve a la ciudad. MUY BUENA. La amiga de mi amiga tiene un ritmo ágil y dinámico en tono de comedia pop sobre las cambiantes relaciones entre varias jóvenes en la Barcelona actual. El personaje central de Zaida, Zaida Carmona, hace de relatora indirecta de las a veces turbulentas pasiones con enamoramientos y desengaños amorosos. El guion de Zaida Carmona y Marc Ferrer derrocha espontaneidad y frescura que el montaje de Eric Monteagudo engarza bien para la coherencia del producto final. Tanto el diseño gráfico de Malva Sawada como la extensa y variada banda sonora contribuyen al tono alegre y divertido de la película. A partir de la secuencia inicial, donde la protagonista Zaida busca desahogarse de su último abandono afectivo en casa de una pareja amiga, la película se convierte en una sucesión de encuentros y desencuentros. Pinceladas de humor a veces algo sutilmente ácido aderezan La amiga de mi amiga, como el libro “Maneras de amar” con que es despachada Zaida por su exnovia. Tras ello alicaída deambula entre casas de amigas, fiestas caseras, encuentros en bares y consultas a su psicóloga. Mientras tanto el guion va desenredando la madeja de relaciones, que con altibajos emocionales viven de manera diferente las demás chicas. Ello sirve para que se nos presente un variado repertorio de personalidades psicológicas, desde la enamoradiza, la conquistadora, la celosa insegura o la promiscua, entre otros personajes. Es clara la influencia de estilo de las películas de Eric Rohmer, a quien hace un homenaje indirecto frecuente en algunos diálogos y tono desenfadado del amor fluido. La variopinta mezcla de caracteres de los cinco personajes principales y el ritmo cambiante de sus relaciones enriquecen con su variedad éste mosaico de amores y desventuras afectivas. Paseamos entre bares, camas, tiendas y casas, compartiendo los deseos, las expectativas, sus realidades, disfrutes y frustraciones de las cinco treintañeras. La mirada desenfadada de la película nos mete de lleno en el pequeño mundo de relaciones, de quienes sienten y luchan por sus relaciones, con entusiasmo e inseguridades. Para la construcción de los personajes, la directora y guionista se fijó en amigas y conocidas inspirándose en ellas para mostrarlas con su mirada personal. Aún no siendo todas las protagonistas actrices profesionales, sin embargo el resultado es convincente por su interpretación. Los cinco personajes principales están encarnados respectivamente por Zaida Carmona, Zaida, Rocío Saiz, Rocío, Alba Cros, Lara, Thais Cuadreny, Julia, y Aroa Elbira, Aroa. Además de Bea Escribano, Gabriela, y Diana Aller, como la psicóloga terapeuta de Zaida. Actuando como ellas mismas en pequeños papeles, están la escritora Brigitte Vasallo, además de la cantante, compositora musical y actriz Cristina Rosentvinge. La amplia banda sonora contiene temas entre otros de Julie y Joe, Masoniería y Cristina Rosentvinge que aporta varios de su exitoso disco Que me parta un rayo, de 1992 cuando formaba parte del grupo Christina y los Subterráneos. La amiga de mi amiga tiene algunas secuencias destacables dentro de ésta comedia romántica de chicas con chicas. Aunque a veces falla el sonido en algunos diálogos, sin embargo la trama nos complementa su comprensión. A lo largo de la película de Zaida Carmona hay un casi constante homenaje a Éric Rohmer, desde la inspiración del propio título en la película del director francés, El amigo de mi amiga. Es por tanto una adaptación muy libre del universo de Rohmer al ambiente lésbico con algunos guiños queer. Comentarios ocasionales sobre el director francés entre las protagonistas así como cartelería de sesiones de algunas de las películas que van a ver en un pequeño ciclo. Zaida Carmona, es licenciada en Comunicación Audiovisual en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona y Master de Guion de Ficción de Cine y Televisión. Comenzó a partir de 2013 a trabajar como guionista en varias empresas audiovisuales así como a rodar algunos cortos y videoclips. Desde junio de 2017 forma parte de Filmin desarrollando su dedicación como Social Media Manager. La amiga de mi amiga, financiada con aportaciones económicas, fue bien recibida en el D'A FILM FESTIVAL de Barcelona siendo reconocida como Mejor Película Un impulso colectivo. El propósito de la directora y guionistas ha sido presentar tal cual el vaivén de emociones y relaciones sucesivas en el ambiente lésbico, que ciertamente no es muy lejano ni tan diferente del de la juventud heterosexual. El carrusel de relaciones sometido al frecuente vaivén con caídas y subidones es compartido con esas entregas pasionales exacerbadas y los miedos al vértigo emocional. La amiga de mi amiga es una interesante y divertida película ópera prima de la actriz, guionista y directora Zaida Carmona. Bien aderezada de temas musicales pop de Carlos Berlanga, Sonia Montoya y Cristina Rosentvinge y la cesión de muchas canciones por el sello pop indie Elefant Records. El argumento refleja bien en sus diálogos las turbulencias afectivas y emocionales de las cinco protagonistas de tan diferentes como variadas personalidades. El encuentro con el público, fundamentalmente joven, nos dará señales de cuál será su aceptación que pueda influir en futuras propuestas fílmica de su directora. MUY RECOMENDABLE.
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CINE DE ANIMACIÓN
MINIONS
EL ORIGEN DE GRU
(EN CINES)
Minions: The Rise of Gru.
- Título original
- Minions: The Rise of Gru
- Año: 2022
- Duración. 86 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Kyle Balda, Brad Ableson, Jonathan del Val
- Guion: Matthew Fogel. Historia: Matthew Fogel, Brian Lynch. Personaje: Cinco Paul
- Música: Heitor Pereira
- Fotografía: Animación
- Reparto: Animación
- Productora: Illumination Entertainment, Universal Pictures
- Género: Animación. Comedia. Aventuras | Años 70. Crimen. Cine familiar.
VERSIÓN HABLADA Y SUBTITULADA EN INGLÉS Y CASTELLANO.
SINOPSIS: Son los años 70 y Gru crece en un barrio residencial, en pleno boom de los peinados cardados y los pantalones de campana. Como fan incondicional de un famoso supergrupo de villanos, 'Los salvajes 6', Gru idea un plan para demostrarles que es lo suficientemente malvado como para trabajar con ellos. Por suerte, cuenta con la ayuda de sus fieles seguidores, los Minions, siempre dispuestos a sembrar el caos por donde pasan. Juntos, Kevin, Stuart, Bob, y Otto -un nuevo Minion con aparato en los dientes y desesperado por sentirse aceptado- desplegarán su potencial para construir junto a Gru su primera guarida, experimentar con sus primeras armas y llevar a cabo sus primeras misiones. MUY BUENA. Reconozco que tengo mucha facilidad para reírme con cualquier locura o estupidez que cometa cualquiera de los personajillos amarillos derivados de los Rabbids del videojuego Rayman pero hay que reconocer que la película que precede a ésta, ‘Los minions’ (2015) no tenía ni pies ni cabeza resultando ser una película de sketches, casi episódica y sin sentido alguno pero la trilogía de Gru hasta la fecha (la 4 sale en julio de 2024) a mí me divierte y conmueve a partes iguales y aunque el ingenio y encanto de la primera entrega del 2010 no la alcanza ninguna, me resulta una saga entrañable y sobre todo desternillante. Entrando en materia, a diferencia de la complejidad argumental que pudiera demostrar Lightyear hace unos días, he de decir que aun teniendo una calidad similar en el género de animación, ‘Minions 2’ no siente una comparación odiosa con el resto (la saga Toy Story era intocable obviamente) ya que su predecesora dejaba bastante que desear, pero los 5 años que han pasado desde que el mundo se divirtiera con ‘Gru 3’ le han sentado bien al estudio, dejando espacio al ingenio, a la diversión y a la perfecta construcción del personaje de Gru, enlazando todos sus ticks y características además de personajes secundarios y gadgets en un ‘Cómo empezó todo’ y no se dejan nada en el tintero por lo cual se agradece. Que en la ecuación los minions sean secundarios y solo los tres principales (Kevin, Bob y Stuart) tengan la relevancia y peso en la trama más fuerte de la saga ayuda a que la diversión quede comprimida y no estirada como pasaba en las anteriores y que se incluya a Gru como figura principal, columna vertebral de la cinta como dejaba caer al final de la anterior película, ayuda bastante a que lo absurdo y lo episódico desaparezca para resultar un visionado placentero y sobre todo desternillante. Los villanos funcionan y eso que esta vez son 6, tirando la casa por la ventana y sorprendiendo la voz de Mónica Naranjo en la líder de los villanos cuando este tipo de experimentos de cantantes doblando no suelen funcionar. La construcción del personaje de Gru desde su niñez y relación con los Minions y secundarios de la primera entrega de 2010 resulta natural y fluida ayudando también las referencias a la cultura pop de los 70, un humor más ‘Dreamworks’ (se nota que Universal y Dreamworks trabajan juntas actualmente) y una selección musical exquisita dejando gags para el recuerdo y un ritmo vibrante. ‘Minions 2’ es un Sí rotundo en las funcionalidades que representa tanto el género de animación como el infantil y el familiar. Lejos de cualquier complejidad que pueda distar Pixar o Disney a veces, se torna una película honesta, divertida y recupera la calidad de la trilogía de Gru resultando una secuela de una precuela más cerrada y arrancando carcajadas tanto a grandes como a niños. No es cine de ir con lupa, es cine de evasión en estado puro y eso lo van a agradecer las familias este verano y con razón, porque apunta a taquillazo. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
LUCK
Suerte.
- Título original
- Luck
- Año: 2022
- Duración: 105 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Peggy Holmes
- Guion: Jonathan Aibel, Glenn Berger, Kiel Murray
- Música: Tanya Donelly, Mt. Joy, John Debney
- Fotografía: Animación
- Reparto: Animación
- Productora: Skydance Animation, Apple Original Films, Ilion Animation, Skydance Productions. Distribuidora: Paramount Pictures, Apple TV+
- Género: Animación. Aventuras. Comedia.
VERSIÓN HABLADA Y SUBTITULADA EN INGLÉS Y CASTELLANO.
SINOPSIS: Sam Greenfield, que ha crecido en un centro de acogida, es la persona más desafortunada del mundo. Cuando descubre la ignota Tierra de la Suerte, Sam debe hermanarse con las criaturas mágicas que viven allí para cambiar su fortuna. MUY BUENA. Después de ser despedido por Disney/Pixar, John Lasseter, el hombre al que muchos atribuyen el resurgimiento de ese estudio como una potencia de la animación, vuelve a tener suerte con Luck, apropiadamente titulado, su primera incursión en la animación de largometrajes como jefe de la división de dibujos animados de Skydance. Con una animación encantadora y un guión dulce de Kiel Murray (quien escribió Cars de Pixar, dirigida por Lasseter), la directora Peggy Holmes captura el tono perfecto que los niños comerán y no aburrirán a sus padres. Las imágenes son exquisitas, la partitura de John Debney es atmosférica y el elenco de voces encabezado por Noblezada y una excelente Pegg fueron elegidos a la perfección. Fonda está bien como el Dragón afectuoso pero temeroso de los humanos, y hay otro buen trabajo de apoyo de Lil Rel Howery como el jefe de Sam, Marvin, en el mundo real. Lo que hace que Luck funcione en última instancia es la relación que Sam forja con Bob, una que le da a este encantador su corazón y alma. Además de Lasseter, los productores son David Ellison, Dana Goldberg y David Eisenmann. MUY BUENA.
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DOCUMENTALES
FELLINI
Soy un gran Mentiroso.
Fellini: Je suis un grand menteur.
Federico Fellini: Sono un gran bugiardo.
- Título original
- Fellini: Je suis un grand menteur.
- Año: 2015
- Duración: 105 min.
- Francia
- Dirección: Damian Pettigrew
- Guion: Damian Pettigrew, Olivier Gal
- Música: Nino Rota, Luis Bacalov
- Fotografía: Paco Wiser
- Reparto: Documental, intervenciones de: Federico Fellini, Roberto Benigni, Rinaldo Geleng, Donald Sutherland, Italo Calvino, Terence Stamp, Giuseppe Rotunno, Dante Ferretti, Tullio Pinelli
- Productora: Coproducción Francia-Italia-Reino Unido; Portrait & Cie, arte, Tele+, Dream Film
- Género: Documental | Documental sobre cine. Biográfico.
SINOPSIS: Un escenario de imagen fluido y elegante para este documental que recoge
las últimas entrevistas realizadas por Federico Fellini. Un testamento
artístico en el que el "maestro" nos habla de cine y pintura, de luces y
sombras, de sueños y recuerdos que se transforman, en su propia casa,
en un proceso creativo. Un lírico, entretenido y singular retrato del
gran maestro del cine que explora su exuberante creatividad, pero
también los aspectos profundamente contradictorios de un cineasta
descrito como la brillante combinación de Proust y Picasso. EXCELENTE. El tirano en el trabajo, magistralmente. El poeta, el narrador idiosincrático. El humanitario egoísta. Sí todo eso y más o más o menos. Orson Welles dijo una vez que Fellini era un artista monumental con muy poco que decir. Creo que este retrato del hombre lo confirma. Me encantaron las anécdotas de Donald Sutherland y en particular de Terence Stamp. Puedo imaginar el impacto para los ingleses sin mencionar a los actores estadounidenses que necesitan motivaciones para cada pequeño movimiento, teniendo que ver con un titiritero que exige obediencia total. Por eso, me imagino, Fellini nunca hizo una película americana. No, Cinecittà era su mundo, el único mundo que realmente podía manipular por su cuenta, como un sueño, como una especie de magia. Personalmente me encantan sus películas antes de que fuera Fellini, antes de "8 1/2". Vuelvo a visitar "La Dolce Vita" y "Las noches de Cabiria" muy a menudo y siempre son estimulantes y extraordinarios. Viva Fellini, esté donde esté. IMPERDIBLE.
2016: Premios del Cine Europeo: Nominado a Mejor documental.
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LOVING
HIGHSMITH
Amando a Highsmith.
- Título original
- Loving Highsmith
- Año
- 2022
- Duración: 84 min.
Suiza- Dirección: Eva Vitija-Scheidegger
- Guion: Eva Vitija-Scheidegger, Sabine Gisiger, Andres Veiel
- Música: Noël Akchoté
- Fotografía: Siri Klug
- Reparto: Documental, intervenciones de: Patricia Highsmith
- Productora: Coproducción Suiza-Alemania; Ensemble Films, Lichtblick Film und Fernsehproduktion, SRF, RSI-Radiotelevisione Svizzera, SRF, SRF, SRF. Distribuidora: Edition Salzgeber
- Género: Documental
SINOPSIS: Basada en los escritos personales de Patricia Highsmith y en los relatos de su familia y sus amantes, la película arroja nueva luz sobre la vida y la obra de la famosa escritora de novelas de suspense, impregnada de temas relacionados con el amor y su influencia decisiva en la identidad. EXCELENTE. Interesante documental, útil para acercarse a la figura de la escritora Patricia Highsmith. Nos relata las distintas etapas de su vida, su infancia difícil, la relación complicada con su madre, su lesbianismo y los problemas que le acarreó, los viajes por el mundo que tanto la inspiraron, sus grandes amores. Se apoya en vídeos caseros, fotografías, viejas entrevistas, reflexiones extraídas de sus diarios, así como de fragmentos de adaptaciones cinematográficas de sus obras: "Extraños en un tren", "Carol", "El talento de Mr. Ripley" y "El amigo americano". Cuenta con la participación de personas que la conocieron. Está narrado por Gwendoline Christie (Brienne en "Juego de Tronos") Posee momentos conmovedores que arrojan luz sobre la enigmática personalidad de Highsmith, quien en su vejez rozó la misantropía. Sus libros se han clasificado a menudo como novela negra, o novela criminal, pero lo cierto es que cuesta identificarlos con ningún género; son únicos, igual que su autora. A menudo versan sobre la culpa, o la ausencia de ella, y los protagonizan sujetos ambiguos, quienes se comportan de manera extraña. IMPERDIBLE.
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CINE CLÁSICO
CICLO: Charlie Chan concone a Marilyn.
CHARLIE
CHAN IN
HONOLULU
Charlie Chan in Honolulu.
- Título original
- Charlie Chan in Honolulu
- Año: 1938
- Duración: 67 min.
- Estados Unidos
- Dirección: H. Bruce Humberstone
- Guion: Charles Belden, Chandler Sprague. Personajes: Earl Derr Biggers
- Música: Samuel Kaylin
- Fotografía: Charles G. Clarke (B&W)
- Reparto: Sidney Toler, Phyllis Brooks, Victor Sen Yung, Eddie Collins, John 'Dusty' King, Claire Dodd, George Zucco, Robert Barrat, Marc Lawrence
- Productora: 20th Century Fox
- Género: Intriga. Comedia. Terror. Thriller | Crimen.
VERSIÓN REMASTERIZADA.
SINOPSIS: Mientras Charlie Chan se encuentra distraído con el nacimiento de su primer nieto. Su hijo Jimmy suplanta a su padre con el fin de investigar un asesinato a bordo de un carguero en el puerto. MUY BUENA. Tras la muerte de Warner Roland, fue el turno de SIDNEY TOLER de interpretar al detective chino con la gran familia. Esta vez, su hijo es interpretado por Victor Sen Yung, quien interpretaría el papel de Jimmy Chan en muchas películas futuras de Chan. Esta vez, el complot involucra $ 300,000 de dinero robado y una gran cantidad de pasajeros a bordo de un carguero, varios de los cuales son lo suficientemente sospechosos como para que Chan los interrogue sobre sus asociaciones. RICHARD LANE, MARC LAWRENCE, PHYLLIS BROOKS, EDDIE COLLINS y ROBERT BARRAT son los principales sospechosos, pero es GEORGE ZUCCO, un médico loco con gafas gruesas que lleva un cerebro vivo en una maleta, quien causa la impresión más vívida y, en un momento, en realidad parece ser el asesino cuando ocurren un par de asesinatos. Es uno de los mejres film´s de la serie y gran buen comienzo para Sidney Toler, quien continuaría interpretando a Chan hasta mediados de los años 40. El alivio cómico de Eddie Collins a veces es doloroso y las citas de Chan son demasiado, como de costumbre. Reúne a los pasajeros para la escena final y pone en escena un poco de trabajo detectivesco que le da a la historia un buen final. Resumiendo: como de costumbre, al espectador casi no se le da forma de resolver el crimen. IMPERDIBLE.
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THE
MISFITS
Vidas rebeldes.
- Título original
- The Misfits
- Año: 1961
- Duración: 124 min.
- Estados Unidos
- Dirección: John Huston
- Guion: Arthur Miller
- Música: Alex North
- Fotografía: Russell Metty (B&W)
- Reparto: Clark Gable, Marilyn Monroe, Montgomery Clift, Eli Wallach, Thelma Ritter, Estelle Winwood, James Barton, Kevin McCarthy
- Productora: United Artists, Seven Arts Pictures
- Género: Drama | Animales. Caballos. Amistad. Drama psicológico. Drama romántico.
VERSIÓN REMASTERIZADA.
SINOPSIS: Roslyn Tabor (Marilyn Monroe), una joven que llega a Reno (Nevada) para
divorciarse, conoce a un viejo vaquero (Clark Gable) y decide quedarse
unos días en su cabaña. Poco después, él encuentra en las montañas una
manada de caballos salvajes y decide capturarlos para vender la carne,
contando con la ayuda de un vaquero especialista en rodeos (Montgomery
Clift). EXCELENTE. Último film de Clark Gable y último a la vez de Marilyn Monroe.
Realizado por John Huston, lo escribe el dramaturgo Arthur Miller
(“Muerte de un viajante”, Segal, 1960), casado entonces con Marilyn. Se
rueda, entre el 18/VII y el 2/XI de 1960, en el desierto de Black Rock
(Reno, Nevada) y en localizaciones próximas (Misfits Flat, Quail Canyon y
Dayton), con un presupuesto de 4 M dólares. Producido por Frank E.
Taylor para Seven Arts y United Artists, se estrena el 1-II-1961 (EEUU). Si hay una película tan sumamente tan significativa con la vida de sus
interpretes es esta, “Vidas rebeldes”, cuyo titulo original es “The
misfist”, esto es los inadaptados, aquellos que no encuentran su sitio,
es una película de unas personas en decadencia, de unas personas
maduras, adultas, quizá en la mejor etapa de sus vidas, pero que sin
embargo son unos inadaptados, son como personas sacadas de sus sitios y
puestas en otro que es el suyo. Uno que apenas se gana la vida con algo que ya está desapareciendo;
la caza de caballos salvajes. Otro que tiene una avioneta y es
aficionado a beber y aun no sabe lo que quiere. Y otro que supuestamente
se gana la vida en los rodeos, aunque estos le van destrozando
físicamente poco a poco. Y en medio de todos ellos una mujer, acaba de
divorciarse, es alguien altamente vulnerable y que cree que la vida es
demasiado cruel. Todos ellos son como piezas sueltas en un puzzle que
nunca acaba de encajar. Los significativo de esta película era que los actores que
interpretaban a esos personajes también, en esos momentos de sus vidas,
eran unos inadaptados, unas vidas rebeldes. En aquellos momentos Marilyn Monroe, Clarck Gable y Montgomery Clift también eran unas piezas
sueltas que no encajaban en sus puzzles. Fue un rodaje de muchas dificultades dado los vicios y manias de cada
uno, pero aún así John huston conseguió sacar lo mejor de cada uno en
esta última actuación para Gable y Monroe. Esta película fue la
despedida de estas dos leyendas inmortales. Es una película que habla de la soledad y del miedo a ella, de la
infelicidad, de los fracasos, de cómo ser alguien distinto e
independiente se paga caro, habla de un modo de vivir que ya estaba
desapareciendo pero del que se resisten a abandonar. El plano final de
las estrellas parece querer ser una invitación a la esperanza, a volver a
soñar, a creer en las personas... IMPERDIBLE.
1961: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a Mejor director.
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CHARLIE CHAN
And the Curse of the
Dragon Queen
Charlie Chan y la Maldicxión de la Reina Dragón.
- Título original
- Charlie Chan and the Curse of the Dragon Queen
- Año: 1980
- Duración: 97 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Clive Donner
- Guion: Stan Burns, David A. Axelrod. Historia: Jerry Sherlock. Personaje: Earl Derr Biggers
- Música: Patrick Williams
- Fotografía: Paul Lohmann
- Reparto: Peter Ustinov, Lee Grant, Angie Dickinson, Michelle Pfeiffer, Richard Hatch, Roddy McDowall, Brian Keith, Rachel Roberts
- Productora: American Cinema, Jerry Sherlock Productions
- Género: Comedia. Intriga
VERSIÓN REMASTERIZADA.
SINOPSIS: Charlie Chan es un célebre detective de San Francisco que intenta resolver un caso de asesinato con la ayuda de su torpe nieto. MUY BUENA. Joya del cine que nos hace reír aunque tengamos muchas preocupaciones. Michael Avallone escribió esta continuación de la exhaustiva saga Charlie Chan y Peter Ustinov le añadió su carisma. Es una comedia dramática cómica donde cada actor imprime un sello personalisímo. El criado en silla de ruedas motorizada. La criada super expresiva, enamorada de su ama hasta el final. La Reina Dragón con su perfecta interpretación. MUY RECOMENDABLE.
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MINISERIES Y SERIES
BECOMING
ELIZABETH
SEASON 1
TEMPORADA COMPLETA
8 EPISODIOS
3 DISCOS.
- Título original
- Becoming Elizabeth
- Año: 2022
- Duración: 480 min.
- Reino Unido
- Dirección: Anya Reiss (Creador), Justin Chadwick, Udayan Prasad, Catherine Morshead
- Guion: Anya Reiss
- Música: Tim Phillips
- Fotografía: Lukasz Gutt, Tony Miller
- Reparto: Alicia von Rittberg, Romola Garai, Jamie Parker, Sinna Mogul, Arek Murawski, Jessica Raine, Bella Ramsey, Tom Cullen, Leo Bill, Jamie Blackley, Alex MacQueen, John Heffernan, Ekow Quartey.
- Productora: The Forge. Distribuidora: STARZ
- Género: Serie de TV. Drama | Histórico. Siglo XVI. Drama de época.
SINOPSIS: Mucho antes de ascender al trono, la joven Isabel Tudor (Alicia von Rittberg), era una adolescente huérfana que se vio envuelta en la política y la política sexual de la corte inglesa. La muerte del rey Enrique VIII hace que su hijo Eduardo, de nueve años, asuma el trono, poniendo en marcha una peligrosa lucha por el poder cuando Isabel, Eduardo y su hermana María (Romola Garai) se encuentran como peones en un juego entre las grandes familias de Inglaterra y las potencias de Europa que se disputan el control del país. EXCELENTE. No son pocas las series de ficción con múltiples temporadas que bien podrían habernos contado en un puñado de episodios o incluso en una película de dos horas de duración. Sin embargo, en el caso de producciones televisivas de calidad que lidian con la monarquía inglesa, como es el caso de Becoming Elizabeth, somos muchos los espectadores que acabamos enganchados a la pantalla durante horas y que, aún así, nos quedamos con ganas de más. Esta producción británica de ocho episodios es un muy buen ejemplo de lo mucho que dan de sí las turbulentas y complejas relaciones que han impulsado tantos reinos. También es muestra de lo importante que es dedicarles el tiempo justo a su desarrollo, dándonos la oportunidad de conocer a los personajes y de entender sus motivaciones. Haciendo justo eso, Becoming Elizabeth nos acerca a una figura histórica que ha inspirado una larga lista de producciones literarias, televisivas y cinematográficas. En este caso, eso sí, la protagonista no es la reina de Inglaterra, sino una joven Elizabeth Tudor, a la que seguimos en su camino hacia el trono de Inglaterra. Al contrario que las anteriores antologías de Starz Play en torno a mujeres de la realeza inglesa (La reina blanca, La princesa blanca), Becoming Elizabeth no está basada en una de las novelas de la exitosa escritora Philippa Gregory. De hecho, la creadora de la serie y única responsable del guion es Anya Reiss, quien, además de haber trabajado anteriormente en producciones televisivas, tiene una sólida trayectoria como dramaturga. Reiss, eso sí, se ha tomado ciertas libertades a la hora de rellenar los huecos que han dejado los libros de historia. También desarrolla una trama monárquica de la que nos separan cuatro siglos incluyendo elementos que hacen que los personajes resulten más cercanos. Ciertamente, la serie también puede presumir de ser fiel a la realidad, pero ya dependerá del espectador más curioso el salir de dudas respecto a qué aspectos se acercan a la verdad y cuáles se alejan de ella por completo. Aparte de contarnos una historia repleta de intrigas, engaños, peligros, amoríos y pasión, Starz Play ha reunido un gran elenco para protagonizarla. Desde la alemana Alicia von Rittberg (Fury) en el papel protagonista, pasando por Romola Garai (Miss Marx), que interpreta a la hermana de la futura reina, y llegando a Tom Cullen (Black Mirror) como el ambicioso Thomas Seymour, todos y cada uno de los actores aprovechan el jugoso guion de Reiss para mostrar su talento interpretativo. Tampoco se quedan atrás el diseño de producción, el vestuario y la dirección de fotografía, que devuelven la vida a castillos y ayudan a hacer aún más realista la historia que nos cuenta Becoming Elizabeth. De la banda sonora, sin embargo, no podemos decir lo mismo. El compositor Tim Phillips, tal vez queriendo emular a Anya Reiss en su reinterpretación de la historia, se aventura a introducir elementos musicales demasiado modernos que, lejos de encajar con la serie, desentonan. Becoming Elizabeth es una serie histórica que, aun tomándose ciertas licencias, arroja un interesante haz de luz sobre la desconocida juventud de Elizabeth I. Lo hace, además, prestando gran atención al detalle y con un elenco sobresaliente que nos dejará con ganas de más temporadas. IMPERDIBLE.
TRAILER
D E V I L S
Diavoli.
SEASON 2
TEMPORADA COMPLETA
8 EPISOSIOS
3 DISCOS.
También disponible la 1er Temporada.
- Título original
- Devils
- Año: 2020-2022
- Duración: 400 min.
Italia- Dirección: Nick Hurran, Jan Michelini
- Guion: Elena Bucaccio, Chris Lunt, Mario Ruggeri, Alessandro Sermoneta.
- Música: John Paesano
- Fotografía: Neville Kidd, Vittorio Omodei Zorini, Andy Hollis
- Reparto: Alessandro Borghi, Patrick Dempsey, Laia Costa, Malachi Kirby, Paul Chowdhry, Pia Mechler, Harry Michell, Sallie Harmsen, Lars Mikkelsen, Tatjana Inez Nardone, Tom McKay, Nathalie Rapti Gomez, Jemma Powell.
- Productora: Sky Italia, Lux Vide, Orange Studio. Emitida por: The CW Network
- Género: Serie de TV. Drama | Bolsa & Negocios
SINOPSIS: Ambientada en Londres durante la crisis europea, Devils contará cómo el director general de un gran banco estadounidense (Patrick Dempsey), da la bienvenida a un despiadado comerciante italiano (Alessandro Borghi). Cuando el italiano termine envuelto en una guerra financiera intercontinental que sacude Europa, tendrá que elegir entre aliarse con su mentor o enfrentarse a él. EXCELENTE. La he seguido con gran interés desde su primer temporada y la segunda no se queda atrás. La originalidad de esta serie al mostrarnos las luchas de poder de las altas finanzas, es única, más si le sumamos cómo combina al COVID- 19 con las más oscuras transacciones corporativas. Un historia potente que te mantiene atrapado episodio tras episodio, con actuaciones sobresalientes y una gran dirección, no se puede pedir más. IMPERDIBLE.
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