ESTRENOS DEL 5/9/2024

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ESTRENOS

DE LA SEMANA

LA

TRAMPA

The trap.

(EN CINES)

Título original

Trap

Año: 2024

Duración: 105 min.

 Estados Unidos

Dirección: M. Night Shyamalan

Guion: M. Night Shyamalan

Reparto: Josh Hartnett, Ariel Joy Donoghue, Saleka, Alison Pill

Música: Herdís Stefánsdóttir

Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom

Compañías Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; Blinding Edge Pictures. 

Género: Intriga. Thriller. Drama | Asesinos en serie.

SINOPSIS: Un hombre y su hija adolescente asisten a un concierto de música pop. Pronto, el padre se da cuenta de que hay algo raro en el ambiente, y de que algo inquietante está sucediendo. BUENA. Llevaba esperando este estreno con mucha ansías, siempre he estado atento a la filmografía de este director y no quería perderme el estreno de esta película. Y por fin ha llegado el momento, La trampa se ha estrenado y la he podido visionar el mismo día en el que escribo esta crítica. Cualquiera que conozca al director sabe perfectamente que siempre ha causado división entre la crítica y el público. Ninguna de sus películas dejan indiferente a nadie, o las odias con todo tu ser o las amas con locura, no hay término medio. Y la trampa no es ninguna excepción. El film usa una premisa sencilla que a primera vista no parece la gran cosa, pero lo importante en el film de Shyamalan es el desarrollo de la historia y como esta va sucediendo hasta llegar el final, es decir, todo el recorrido de la película. Y para mi sorpresa, el film mantiene bien la tensión durante sus 100 minutos de duración, siendo que en todo momento he estado prestando atención. Un aspecto muy destable del film es la interpretación de Josh Hartnet, realmente buena y su personaje es el que tiene más profundidad en toda la historia de la película, ojalá lo podamos ver a Hartnet de prota en más pelis, porque el tío lo borda. Y también destaco el papel de Saleka, que destaca por los números musicales del concierto donde se desarrolla la historia, pero también por la importancia que tiene en el film en la segunda mitad de la historia. Otro punto bueno es la música de Herdís Stefánsdóttir, que sin ser Newton Howard en El Bosque, realmente complementa muy bien a los momentos más tensos de la cinta. Pues creo que eso es todo lo que puede decir de La trampa evitando entrar en Spoilers, sin llegar a ser una de las mejores películas del indio, el director demuestra que está en forma y que tiene la suficiente personalidad para poder continuar con su carrera durante más años. Shyamalan nos guste o no sus peculiaridades y sus rasgos distintivos, ha conseguido ganarse un público muy fiel (de los cuales me incluyo), y eso es un mérito que no muchos pueden conseguir.En definitiva, y para no irme por las ramas, una película muy recomendable para ir a ver este verano plagado de secuelas, remakes y refritos y más refritos. Lo de Shyamalan es "comida saludable".  RECOMENDABLE.

TRAILER

 

TIPOS DE

GENTILEZA

Kind of kindness.

(EN CINES)

Título original

Kinds of Kindness

Año: 2024

Duración: 165 min.

 Irlanda

Dirección: Yorgos Lanthimos

Guion: Efthymis Filippou, Yorgos Lanthimos

Reparto: Emma Stone, Jesse Plemons, Willem Dafoe, Margaret Qualley.

Música: Jerskin Fendrix

Fotografía: Robbie Ryan

Compañías Coproducción Irlanda-Reino Unido-Estados Unidos; Element Pictures, Film4 Productions, Fox Searchlight.

Género: Drama. Comedia | Película de episodios.

SINOPSIS:  Fábula en forma de tríptico que narra tres historias: la de un hombre atrapado que intenta tomar las riendas de su propia vida; la de un policía aterrado porque su mujer, que había desaparecido en el mar, ha vuelto y parece otra persona; y la de una mujer decidida a encontrar a alguien con un don especial, destinado a convertirse en un prodigioso líder espiritual. EXCELENTE.  Yorgos Lanthimos, tan amado como repudiado, y aunque formo parte del primer bando, entiendo a la perfección el porqué no puede gustar a nivel general, pero a la gente que le disgusta como los que lo disfrutan, les recomiendo leer esto. Vamos a desentrañar las tres historias que conforman la película para que os hagáis una idea más concreta de lo que llegaréis a ver, y sin spoilers así todo será de mayor facilidad, y se alcance un veredicto propio, para acabar con una conclusión en las que haré un cómputo general de las tres historias que forman el filme. Obviamente esto también es mi opinión personal, por lo que si no están de acuerdo con lo mencionado aquí, es completamente respetable. Iniciemos: The Death of R.M.F.: Protagonizada por un agobiado Jesse Plemons y en un desatado rol importante Willem Dafoe. Es una historia atrapante, principalmente por la actuación de Plemons, el cuál toda la historia gira alrededor de él, lo cual llegaría a dejar en vilo a los secundarios que también forjan el reparto, pero lo veo como una buena decisión. Esta historia te suelta y te mete en lo más profundo de Robert (Jesse Plemons), lo que nos allega al personaje por completo, aunque tampoco nos haga empatizar con él, ya sea por sus acciones desesperadas o retorcidas, pero sí que deslumbra el porqué hace lo que hace. Un Willem Dafoe, incluso más retorcido que Plemons, es el que también llega, incluso, a robarse una que otra escena con su completa antipatía. Diría que por las ambientaciones, más las penumbras que sufre Robert, llegaría a acercar el argumento al de The Killing of a Sacred Deer, del mismo Lanthimos. Mi relato favorito de la película. R.M.F is flying: Protagonizado por un atormentado Jesse Plemons y una inquietante Emma Stone. La historia más tensa sin duda, por como involucra los miedos y el final descenso a la locura de Daniel (Jesse Plemons), aunque el errático comportamiento que suma Stone también ayuda a ahogarnos en la duda, sobre todo cuando ella misma cuenta sus desgracias en el mar. Aterra bastante por el ambiente en el que te sumerge y por el raro accionar que comete cada persona acá, pero que siempre sorprende porque la narrativa lanza distintos giros de tuerca durante su mórbido recorrido. El aterrador piano del talentoso Jerskin Frendix que suena durante toda la cinta, aunque perturba al espectador en cada historia, pienso que dónde mejor aplicado acaba siendo es en este segundo episodio. Inquietante y sorprendente, no hay más que resumir. R.M.F eats a sandwich: Protagonizada por una conmocionada Emma Stone y una versátil Margaret Qualley en un rol importante. La historia más lenta, pero la más perturbadora y chocante debido a los temas que va tocando y las imágenes que muestra. El guion se toma su tiempo, pero ese tiempo muestra cosas memorables, principalmente por lo repulsivas e interesantes que son. La secta que nos muestran es bastante atrayente por los conceptos que maneja, ya que nos muestra mucho de ella, pero al mismo tiempo poco, porque lo importante no es la secta en sí, sino la búsqueda de Emily (Emma Stone), con un trasfondo y una interpretación bastante cruda de ver, por un líder espiritual, de la cual se cree que es Ruth, interpretada maravillosamente por Margaret Qualley. Mis aplausos son para Qualley aquí, porque tiene dos personajes en esta historia y complementa muy bien las dos personalidades tan distintas que las dos poseen sin que se sienta fuera de lugar. Felicitaciones también a Joe Alwyn por hacer tan bien un personaje tan horrible en esta dura trama que posee este último relato. Repugnante en el buen sentido, ya que ese es el cometido de esta última narración. Concluyo con qué Kinds of Kindness es el punto cúlmine de Lanthimos, ya que combina la perturbadora y llena de humor oscuro etapa de Canino (en lo que incluye a The Lobster y The Killing of a Sacred Deer) y la etapa más impactante a nivel narrativo, visual y musical de Poor Things y The Favourite. Película dura de ver por lo que sufren los personajes, pero que se llevan la palma por como todos los apartados a nivel actoral, técnico y narrativo las llevan. IMPERDIBLE.

 2024: Festival de Cannes: Ganador Mejor actor (Jesse Plemons)

TRAILER

 

SECRETOS

OSCUROS

Le successeur.

El sucesor.

(EN CINES)

Título original

Le Successeur

Año: 2023

Duración: 112 min.

 Francia

Dirección: Xavier Legrand

Guion: Xavier Legrand, Dominick Parenteau-Lebeuf. Novela: Alexandre Postel

Reparto: Marc-André Grondin, Yves Jacques, Louis Champagne, Anne-Elisabeth Bossém

Música: SebastiAn

Fotografía: Nathalie Durand

Compañías Coproducción Francia-Canadá-Bélgica; KG Productions, Metafilms, Stenola Productions, France 3 Cinéma, RTBF (Télévision Belge)

Género: Drama Thriller | Familia. Moda.

SINOPSIS: Ellias Barnès, de 30 años, acaba de ser nombrado nuevo director artístico de una famosa casa de moda parisina. Pero cuando las expectativas son altas, empieza a sentir dolores en el pecho. De repente, le reclaman en Montreal para organizar el funeral de su padre, del que está distanciado, y descubre que puede haber heredado algo mucho peor que su débil corazón. MUY BUENA. Xavier Legrand utiliza dos signos, uno formal y otro corporal, para alfombrar el camino a la perdición -o a la sucesión del título- de Ellias (excelente Marc-André Grodin), el diseñador de moda en la cresta de la ola que protagoniza este perturbador thriller psicológico: en los créditos, un desfile de moda en espiral, que sirve de anuncio al descenso a los infiernos, de lo periférico a lo esencial, que contará el filme, y ese dolor inconcreto, entre el pecho y el corazón, que oprime a Ellias antes de conocer la noticia de la muerte de su padre, noticia cambiará su vida para siempre.“El sucesor” habla, como ya lo hacía la notable “Custodia compartida”, de la onda expansiva del mal en un universo familiar condicionado por la masculinidad tóxica, aunque aquí el interés radica en reflexionar sobre si la infamia es capaz de perpetuarse a través de la ausencia, si sus huellas son suficientemente poderosas como para condicionar a sus herederos. Es obvio que Legrand cree en la filiación como una condena a cadena perpetua, y “El sucesor” está construida sólidamente, como un teorema, para demostrarlo. IMPERDIBLE.

2023: Festival de San Sebastián: Concha de Oro: Mejor Película.

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BORDERLANDS

Borderlands.

(EN CINES)

Título original

Borderlands

Año: 2024

Duración: 102 min.

 Estados Unidos

Dirección: Eli Roth

Guion: Eli Roth, Joe Abercrombie. Historia: Eli Roth

Reparto: Cate Blanchett, Kevin Hart, Jack Black, Ariana Greenblatt

Música: Steve Jablonsky

Fotografía: Rogier Stoffers

Compañías: Arad Productions, Picturestart, Gearbox Studios, Lions Gate Films, 2K Games

Género: Ciencia ficción. Acción. Comedia | Comedia negra. Futuro postapocalíptico. Videojuego.

SINOPSIS: Lilith, una infame cazatesoros con un misterioso pasado, regresa a su planeta natal de Pandora para encontrar a la hija desaparecida del poderoso Atlas. Para ello forma una alianza inesperada con un heterogéneo equipo de inadaptados: Roland, un antiguo mercenario de élite ahora desesperado por la redención; Tiny Tina, una demolicionista salvaje preadolescente; Krieg, el musculoso protector de Tina; la científica Tannis; y Claptrap, un robot muy peculiar. Estos extraños héroes deberán luchar contra monstruos alienígenas y peligrosos bandidos para buscar y proteger a la niña desaparecida, que puede tener la clave de un poder inimaginable. BUENA. Las películas basadas en videojuegos, un terreno en el cual cualquier cosa es posible, al menos en términos narrativos. Es que, más allá de los vínculos que un largometraje pueda tener con ese material de base, la necesidad de un guion más o menos tradicional –con su arco dramático, sus tres actos y demás convenciones– empuja inevitablemente a abrir puertas y ventanas creativas. Último ejemplar de ese “género” que ya tiene varias décadas de existencia, Borderlands está inspirada en el videogame de disparos homónimo disponible en las principales consolas del mercado. Pero, como las reglas de la adaptación lo indican, construye un relato autónomo a partir de los personajes y situaciones centrales. Es también el último largometraje del realizador Eli Roth, que abandona momentáneamente sus intereses más extremos (es el director de títulos como Hostel e Infierno verde) para entregar un film de aventuras y acción que puede ser disfrutado tanto por el adulto como por el adolescente. En el fondo, se trata de un pastiche de sagas exitosas como Mad Max, Star Wars y Duna, de las cuales toma elementos narrativos y/o iconográficos (cerca del final hay un homenaje explícito a la famosa escena del holograma de La guerra de las galaxias, mirada sobre los hombros incluida), a los cuales suma un concepto de (anti)héroes y villanos convencional. Cate Blanchett se disfraza de Lilith, una dura cazarrecompensas de pelo colorado contratada para hallar a una joven aparentemente raptada en el planeta Pandora. Hacia allí vuela la especialista, que casualmente nació en ese lugar abandonado a la buena de Dios, y a poco de aterrizar comienzan las dificultades: ni la propia Tiny Tina (Ariana Greenblatt), que de secuestrada tiene poco, ni sus compinches están dispuestos a acceder a los pedidos de la recién llegada, y tampoco es ella la única que anda detrás de sus pasos. Así comienza la acción, que casi siempre está acompañada de un humor básico pero efectivo. Al lado de las superproducciones que salen como mazazos ocupando un porcentaje altísimo del mercado, Borderlands es un ejemplo de largometraje de presupuesto relativamente moderado sin ínfulas de grandeza y, también hay que decirlo, un poco berretón. Un relato de aventuras futuristas en el cual el reparto parece haberse divertido durante el rodaje, una de sus evidentes virtudes. A Blanchett y Greenblatt se les suma el venezolano Édgar Ramírez, como el jefe de una organización dispuesta a apoderarse del universo (o algo así) gracias a los secretos enterrados por una raza alienígena, el comediante Kevin Hart y Jamie Lee Curtis como una científica aventurera. Ah, y un robotito con la voz de Jack Black, el alivio cómico obligatorio. Hay revelaciones y leyendas que cobran vida; también peleas y persecuciones, como en una vieja película de matinée sin más pretensiones que hacer pasar un amable rato. RECOMENDABLE.

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LA

NOUVELLE

FEMME

María Montessori.

Título original

La nouvelle femme.

Año: 2023

Duración: 100 min.

Italia.  Francia

Dirección: Léa Todorov

Guion: Léa Todorov, Catherine Paillé

Reparto: Jasmine Trinca, Leïla Bekhti, Pietro Ragusa, Emily Di Ronza.

Fotografía: Sébastien Goepfert

Compañías Coproducción Francia-Italia; Geko Films, Tempesta Films, Tempesta, Canal+, Ciné+, CNC

Género: Drama | Biográfico. Años 1900 (circa). Enseñanza.

SINOPSIS: París, año 1900. Lili d'Alency es una popular cortesana que esconde un secreto. Su hija Tina nació con una discapacidad y la mantiene alejada para proteger su carrera y su reputación. Pero el día que se ve obligada a tener que cuidar de ella, Lili decide marcharse a Roma para comenzar una nueva vida. Allí conoce a María Montessori, una doctora que está desarrollando un revolucionario método educativo para trabajar con los llamados 'niños deficientes' y que años después se convertirá en una de las pedagogías mejor valoradas en todo el mundo: el 'Método Montessori'. EXCELENTE. Ópera prima de la directora Léa Todorov que, a mi juicio, hay que aplaudir calurosamente. La película tiene una solidez extraordinaria: magnífico guión, muy buenas interpretaciones sobre todo de las dos actrices principales y desde luego de los niños con discapacidad real, excelente música y una fotografía muy notable. Se consigue mostrar un cuadro muy realista de las enormes dificultades para el normal desarrollo profesional de la mujer y la "vergüenza" de ser madre soltera y encima tener una criatura "deficiente" (este es el término más suave que empleaba aquella sociedad de 1900 en la "civilizada" Europa para denominar a los niños y las niñas con dificultades). En esa lucha aparecen dos mujeres aparentemente en las antípodas (una es una cortesana parisina y la otra una doctora en medicina en Roma) que encuentran un frente de batalla común: la vindicación de los derechos de la mujer, y el amor y respeto como motor esencial de una educación excelente. Hoy día, afortunadamente, los dos objetivos siguen adelante. La mujer va conquistando parcelas de libertad e igualdad, y la educación, con el Método Montessori en vanguardia, se ha abierto paso con miles de escuelas en todo el mundo, por desgracia privadas. Una película digna de verse que nos llegará al corazón. IMPERDIBLE.

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KISSUFIM

Anhelos.

Director: Keren Nechmad.
Reparto: Swell Ariel Or, Yehonatan Vilozny, Adam Gabay, Tamir Ginsburg, Erez Oved, Mili Eshet.
  Israel.
Género: Drama.
Duración: 88 Minutos.

SINOPSIS: Una historia de crecimiento de miembros de un grupo Nahal, voluntarios en un kibutz llamado "Kissufim" ("Anhelos" en hebreo), en las afueras de la Franja de Gaza en los años 70, que se enfrentan a las dificultades del amor, la sexualidad, la moralidad y la responsabilidad cerca del final de su servicio militar y el comienzo de su vida adulta civil. EXCELENTE. Kissufim, es la película filmada en el kibutz que lleva su nombre y que fue atacado el 7 de octubre del 2023.  Llegó a los cines de Israel Kissufim, una nueva película protagonizada por Swell Ariel Or, una de las estrellas de la serie Miss  Jerusalén, y rodada en un kibutz que, poco después de las filmaciones, fue escenario de las matanzas del grupo islamista Hamas en el sur del país. El filme lleva el mismo nombre del kibutz, Kissufim. El 7 de octubre del 2023 entraron allí cerca de setenta terroristas palestinos que asesinaron al menos ocho israelíes y seis trabajadores tailandeses. Las calles y las viviendas del kibutz fueron escenario de actos salvajes por parte de los miembros de Hamas. Uno de ellos logró esconderse en el tambo de Kissufim y, el 10 de octubre, asesinó a Reuven Heinik, el encargado de las vacas lecheras que había pedido permiso para ir a alimentarlas. La película, por su parte, está ambientada en 1977, un momento histórico muy diferente al presente, cuando -entre otras cosas- las Fuerzas de Defensa de Israel (FDI) todavía controlaban la Franja de Gaza, donde florecían numerosos asentamientos judíos. Junto a la actriz de Miss  Jerusalén participan del elenco Tamir Ginsburg, conocido por su trabajo en Teherán, Yehonatan Vilozny y Mili Eshet. Se trata del filme debut de la directora Karen Nechmad, quien escribió el guion junto a Yonatan Bar y Hadar Arazi. Kissufim cuenta la historia de un grupo de jóvenes conscriptos de las FDI que se ofrecen como voluntarios en el kibutz, ubicado en la frontera con Gaza. Allí, contaron los responsables de la producción, «se enfrentan a los problemas del amor, la sexualidad, la moralidad y la responsabilidad cerca del final de su servicio militar y el comienzo de su vida adulta». Citada por el Jerusalem Post, Nechmad dijo que es importante recordar que, a finales de los ’70, «Gaza estaba abierta» a los israelíes, «la gente iba a la playa, iban a arreglar sus coches allí, iban a comprar dulces». Pero, también «había tensión» en el territorio palestino, que sería desalojado por Israel en el 2005.De hecho, la película no solamente retrata la vida juvenil en el kibutz sino que presenta también situaciones de violencia generadas por el conflicto entre Israel y los palestinos. La directora, que tiene apenas treinta años de edad, contó que cuando fueron a rodar a Kissufim los encargados del kibutz los llevaron a un recorrido de emergencia, para saber cómo actuar en caso de un ataque terrorista. «Pensé que buscaban asustarnos, nunca imaginé que pasaría algo» en el kibutz, rememoró Nechmad. «Pero el hombre que nos dio esa charla fue uno de los que murieron luchando por el kibutz», lamentó la cineasta.Swell Ariel Or, por su parte, interpreta en Kissufim a la protagonista principal, Eli, unna mujer a mitad de camino entre la vida dentro y fuera del ejército. La joven actriz se mudó de su casa en Tel Aviv a Los Angeles el 28 de setiembre, nueve días antes del ataque de Hamas. En una entrevista publicada por el portal estadounidense LA Mag en diciembre del 2023, Or le aseguraba a la reportera que «la mayoría del pueblo de Israel quiere la paz». «La mayoría de la gente en Israel sueña constantemente que algún día, pronto, estarán rodeados por fronteras de países que no quieren matarlos ni amenazar sus vidas», completó la estrella de Miss  Jerusalén. IMPERDIBLE.

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MY DAYS OF

MERCY

Mis días de misericordia.

Título original

My Days of Mercy.

Año: 2020

Duración: 103 min.

 Estados Unidos

Dirección: Tali Shalom-Ezer

Guion: Joe Barton

Reparto: Kate Mara, Elliot Page, Amy Seimetz, Elias Koteas

Fotografía: Radosław Ładczuk

Compañías: Great Point Media, Killer Films

Género: Drama romántico. Homosexualidad.

SINOPSIS: La hija de un hombre en el corredor de la muerte se enamora de una mujer en el lado opuesto de la causa política de su familia. EXCELENTE. Esta película, protagonizada por la enorme Ellen Page, se nos presenta como un drama en el que se trata la controversia de la pena de muerte en los Estados Unidos pero cuyo eje central es la relación que entablan dos mujeres pertenecientes a dos ámbitos totalmente opuestos. Lucy, una joven de 22 años que, junto con su hermana y hermano, van a las diferentes protestas contra la pena de muerte debido a que ellos tienen en el corredor a su padre. En estas protestas Lucy conoce a Mercy, interpretada por Kate Mara, que se sitúa a favor de la pena de muerte ya que su padre es policía y viene de una familia tradicional. Sinceramente, me esperaba un film mucho más oscuro y totalmente dramático, pero es reconfortante ver como se puede hacer un buen drama sin caer en sensacionalismos. Y digo esto porque la película es bastante amena pese a tratar un tema tan complicado y con tanta carga emotiva como es el de la pena de muerte. Si bien es verdad que por momentos parece ser un mero hilo conductor para mostrar el nacimiento de una relación "prohibida", como es el caso de dos personas de espectros ideológicos opuestos, en su tramo final toma toda la atención de la película. Obviamente, pese a ser muy amena, tiene algún que otro momento muy duro emocionalmente. El segundo punto, o el primero según se mire, de la película es la relación sentimental que se establece entre Lucy y Mercy. Aunque resulta quizás un poco apresurada, está muy bien llevada, mostrándonos los acercamientos, la timidez, la picardía, etc que hay en los primeros estadios de un romance. El único punto negativo que le veo es que las escenas de sexo me parecen demasiado redundantes. También se toca el tema socioeconómico, ya que por un lado tenemos a Lucy, con una familia rota por la situación de tener al padre en el corredor de la muerte y sin madre, con problemas económicos severos y con una desgana que rompe el corazón (como cuando Lucy va a buscar trabajo), mientras que por otro lado está Mercy, que tiene una familia tradicional, con buena posición económica, es abogada junior, etc. Las actuaciones son soberbias, aunque claro, la protagonista (por eso lo he puesto en singular al comienzo de la crítica) se come a todos los demás. Ellen Page transmite mucha verdad interpretando a Lucy, con una actitud desolada frente a una situación que a cualquiera le sobrepasaría. Los mejores momentos son cuando Lucy se rompe, haciendo que se te encoja el corazón de la pena. Película totalmente recomendada, con una Ellen Page en estado de gracia y que, si no la amabas ya, con esta película te terminarás enamorando de ella. IMPERDIBLE.

TRAILER

NATTEVAGTEN

DAEMONER GAR I ARV

Ronda nocturna 2.

Título original

Nattevagten - dæmoner går i arv

Año: 2024

Duración: 110 min.

 Dinamarca

Dirección: Ole Bornedal

Guion: Ole Bornedal

Reparto: Nikolaj Coster-Waldau, Ulf Pilgaard, Fanny Bornedal, Paprika Steen

CompañíasNordisk Film

Género: Asesino serial. Thriller | Secuela.

 

SINOPSIS: La hija de Martin, Emma, se encuentra con Wörmer en su celda de aislamiento, y esto saca al comisario convicto de su coma y pone en marcha una cadena de fatídicos acontecimientos. MUY BUENA. Como una secuela realizada 30 años después, "Nightwatch: Demons Are Forever" captura el espíritu de la película danesa original al explorar de manera poderosa cómo el trauma puede transmitirse de generación en generación. Con el enfoque centrado en la hija de Martin, quien desentierra los horrores del pasado en su búsqueda por descubrir la verdad sobre la historia de su familia, el escritor y director Ole Bornedal ha creado un thriller de terror tenso e inquietante que rinde homenaje al pasado mientras moderniza la historia para una nueva audiencia. Con una tensión perturbadora, este horror de combustión lenta revela gradualmente su alarmante contexto. Aunque "Nightwatch: Demons Are Forever" se puede disfrutar por sí sola, hay tantas alusiones al pasado, personajes que regresan y guiños a la original que los espectadores deberían familiarizarse primero con el clásico de terror de 1994, "Nightwatch". Parte del encanto de "Nightwatch: Demons Are Forever" radica en cómo reintroduce a los personajes del pasado de manera natural. Aunque Martin fue el protagonista de la original, aquí es solo una sombra de su antiguo yo, mientras su hija intenta hacer todo lo posible para que confronte el pasado y supere su trauma y la pérdida de Kalinka. Personajes anteriores como Lotte, Jens e incluso el Doctor se entrelazan en la historia, mientras que los amigos de Emma se encuentran inadvertidamente con el oscuro legado del asesino. Se centra en la atmósfera, y su estética escalofriante y, a menudo, sangrienta, le ayuda a sobresalir. Desde el entorno lento e inquietante de la instalación médica hasta las imágenes impactantes del asesino, cada escena tiene un aura perturbadora que hace sentir que un evento desconcertante está a punto de suceder en cualquier momento. Aunque "Nightwatch: Demons Are Forever" logra capturar la sensación incómoda de la original, carece del humor que hizo de "Nightwatch" un éxito. RECOMENDABLE.

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PARACHUTE

La línea borrosa del amor.

Título original

Parachute.

Año: 2023

Duración: 97 min.

 Estados Unidos

Dirección: Brittany Snow

Guion: Becca Gleason, Brittany Snow

Reparto:Courtney Eaton, Thomas Mann, Kid Cudi, Francesca Reale

Música:Keegan DeWitt

CompañíasYale Productions, Carte Blanche, The Space Program, Yale Entertainment, BondIt

Género: Romance. Drama.  

SINOPSIS: Riley salió hace poco de rehabilitación después de luchar con sus adicciones a la comida y la imagen corporal. Conocerá a Ethan y se encontrará navegando en la línea entre el amor y una nueva adicción. MUY BUENA. Durante años, Hollywood ha tenido problemas para abordar los trastornos alimentarios de manera adecuada. Incontables películas y programas de televisión han suavizado el tema, como la controvertida película de Netflix "To The Bone", protagonizada por Lily Collins, o, peor aún, lo han tratado como una broma, actuando como si fuera algo ficticio. Un ejemplo de esto es la efímera comedia de ABC "The Real O'Neals", donde hay toda una escena sobre el hermano mayor atlético que sufre de anorexia. Cuando Brittany Snow habló abiertamente sobre su lucha contra la anorexia en un artículo de opinión en 2007, fue injustamente acusada de ser una "buscadora de atención". Años después, mencionó que, aunque no se arrepiente de haber compartido sus problemas con el público, lo hizo en un momento en que existía un estigma en torno a la salud mental. En los últimos años, la sociedad ha comenzado a ser mucho más consciente y aceptante de la salud mental, eliminando ese estigma que alejaba a muchos de hablar abiertamente sobre sus problemas. El debut como directora de Snow, "Parachute", se siente como un soplo de aire fresco. Es una película que se enfoca más en sus personajes que en tratar de predicar un mensaje a su audiencia, invitando a los espectadores a ponerse en los zapatos de otra persona. MUY RECOMENDABLE.

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CINE FAMILIAR

HAROLD

Y SU

CRAYÓN MÁGICO

Harold and the Purple Crayon.

(EN CINES)

Título original

Harold and the Purple Crayon

Año: 2024

Duración: 92 min.

 Estados Unidos

Dirección: Carlos Saldanha

Guion: Dallas Clayton, David Guion, Michael Handelman. Libro: Crockett Johnson

Reparto: Zachary Levi, Zooey Deschanel, Lil Rel Howery

Música: Batu Sener

Fotografía: Animación, Luis Gabriel Beristáin

Compañías: Davis Entertainment, Sony Pictures Animation, Sony Pictures, Scholastic Entertainment. Distribuidora: Sony Pictures Releasing

Género: Animación. Fantástico. Aventuras. Comedia | Cine familiar. Magia. Amistad.

VERSIÓN HABLADA Y SUBTITULADA EN CASTELLANO E INGLÉS.

SINOPSIS: Dentro de su libro, el aventurero Harold puede hacer que cualquier cosa cobre vida simplemente dibujándola. Cuando crece y se dibuja a sí mismo fuera de las páginas del libro en el mundo verdadero, Harold descubre que tiene mucho que aprender sobre la vida real, y que su fiel lápiz mágico puede desencadenar las travesuras más divertidas que jamás hubiera imaginado. Cuando el poder de la imaginación sin límites cae en manos equivocadas, Harold y sus amigos necesitarán toda su creatividad para salvar tanto el mundo real como el suyo propio. MUY BUENA. Tres personajes en busca de un autor. Así podría titularse esta comedia de Carlos Saldanha (La Era de hielo), que combina un poquito de animación y mucha actuación de intérpretes como Zachary Levi (Shazam!) y Zooey Deschanel (500 días con ella). Todo tan cierto como que no hay en Harold y su crayón mágico nada que resulte del todo novedoso, pero la imaginación siempre sirve, y vaya que el realizador brasileño la tiene. Basándose en el libro para chicos Harold y el crayón púrpura, que leía a sus chicos cuando eran pequeños, Saldanha no deja escena sin un gag, esencialmente visuales. Como si la ardilla Scrat estuviera por aparecer en cualquier momento en la pantalla.  Zachary Levi interpreta al inocente hombre/niño Harold, cuyos dibujos se vuelven realidad, quien se pregunta por quién lo creó. Está buscando al padre que nunca conoció, y entre otras cosas, le encantaría saber cuál es el propósito de su vida. Y así dibuja una puerta, con su crayón púrpura… y llega a la realidad. Lil Rey Howery y Tanya Reynolds son sus amigos, Alce y Puercoespín. Tarde o temprano, los tres llegarán a nuestro mundo. Y, claro, al salir del libro de cuentos se encuentran algún que otro problema, pero todo va mejor con el crayón mágico de Harold. Con él, Harold puede desde dibujar distintos medios de transporte y convertirlos en reales, a enfrentar cualquier tipo de peligro. Que no son muchos, y ni siquiera muy peligrosos, porque ésta es una comedia infantil, familiera y pochoclera. Pero sin conflicto no hay película. Y Harold, Alce y Puercoespín conocerán a un niño, Mel (Benjamin Bottani), que queda maravillado con lo que Harold puede realizar, y a su madre y viuda Terri (Zooey Deschanel). El malo de la historia es Gary (Jemaine Clement), que descubre en el crayón mágico la vía para hacer sus travesuras.Piense el lector cuántas películas aptas para todo público, que pueda llevar a ver a su hijo, sobrino o nieto, sin que sea enteramente animada, y en una de ésas, hasta agradecerá que Harold y su crayón mágico se estrene en los cines argentinos. RECOMENDABLE.

TRAILER

CINE NACIONAL

LA NOCHE

QUE LUCHÉ

CONTRA DIOS

La noche que luché contra Dios.

Título original

La noche que luché contra Dios

Año: 2024

Duración: 103 min.

 Argentina

Dirección: Rodrigo Fernandez Engler

Guion: Rodrigo Fernandez Engler

Reparto: Tomás Kirzner, Luciano Cáceres, Carolina Kopelioff, Andres Irusta

Música: Ezequiel Bauza, David Majul Akiki

Fotografía: Diego Arroyo

Compañías: Protasowicki Engler Producciones, Midú Junco Producciones

Género: Thriller. Drama.

SINOPSIS: El 18 de julio de 1994, el joven Benjamín Sheinberg inicia su primer día como médico residente en el Hospital de Clínicas, en Buenos Aires, mientras que al mismo tiempo una bomba explota en la AMIA causando la muerte de 85 personas. Sheinberg se ve sobrepasado por la situación que lo afecta más allá de lo profesional y decide marcharse a Israel. Allí, de la mano de Rubén, un viejo amigo de su abuelo, “viajará” en el tiempo, adentrándose en la antigua historia de Israel, viéndose reflejado en el milenario personaje Jacob. Pero, ¿qué conexión hay entre ambos personajes? MUY BUENA. Escrita y dirigida por Rodrigo Fernández Engler y basada en acontecimientos reales, La noche que luché contra Dios, cuenta las vivencias de un joven médico y un pastor separados por cuatro siglos. Luciano Cáceres, Tomás Kirzner y un elenco de calidad, se lucen en esta película argentina en la que se cuestionan temas trascendentes como el destino o la necesidad de justicia, bastante atípica dentro del panorama cinematográfico local. Entre los últimos estrenos del cine nacional, esta bienvenida propuesta, ostenta ciertas particularidades. Por un lado, cuenta con reconocidos intérpretes que encabezan un sólido elenco mayoritariamente cordobés ya que, además del INCAA, cuenta con el apoyo del Polo Audiovisual Córdoba. Por otro, abreva en la búsqueda de la memoria, la verdad y la justicia, pero desde un ángulo diferente del habitual que une un hecho trágico de la Argentina con otro de la historia milenaria. Con mucha ilusión, un aún novato médico, Benjamín Sheinberg (Tomás Kirzner) de 24 años, inicia su primer día como residente en el Hospital de Clínicas de Buenos Aires. Vive junto a su abuelo, que sobrevivió a los campos de exterminio nazis y se instaló, en Argentina, donde pudo reconstruir su vida. El muchacho sueña con trabajar en el célebre Instituto Nacional de Medicina Forense Greenberg de Israel, porque lo apasiona esa especialidad. Pero es la mañana del 18 de julio de 1994 y nuestro país sufre uno de los atentados más terribles cuando frente al edificio de la AMIA estalla un coche bomba, mueren 85 personas (a quienes está dedicado el filme) y hay centenares de heridos. Aturdido y sobrepasado por la situación, no reacciona como debiera, huye del nosocomio y, ya en su hogar, se entera que su abuelo es una de las víctimas fatales. Profundamente afectado, abandona su vocación y viaja a Jerusalén con las cartas que durante cincuenta años el anciano intercambió con su amigo Rubén (Yair Dori), compañero de las terribles penurias padecidas durante la guerra. Allí, frente al imponente Muro de los Lamentos, conocerá a este hombre que lo impregnará de una sabiduría milenaria, basada, principalmente, en aceptar el destino que Dios tiene reservado a todas las personas. La trama se traslada hacia el pasado donde un lozano Jacob (Luciano Cáceres), futuro patriarca del pueblo israelita confronta con su hermano Esaú (Andrés Irusta) porque es el que recibe los favores de su padre, Isaac (Marcelo Polakoff), a su vez único hijo de Abraham (Alberto Leiva), a quien Dios le pidió que lo sacrificara y luego lo detuvo. Con una artimaña de Rebeca (Virginia Garrone), la madre de ambos, engañan al progenitor y logra la bendición como primogénito, lo que le otorga mayores beneficios hereditarios. Aunque no del todo explícito, este hecho bíblico tiene un correlato con la historia que transcurre en el presente, ya que comparten los ejes existenciales en la fundamental búsqueda de la identidad propia, el imperativo de hermanarse con el pasado, aunque sea muy doloroso, y nunca dejar de privilegiar la evocación personal y colectiva para, desde ahí, reclamar justicia. Dirigida con mano firme y segura por el santafesino Rodrigo Fernández Engler (Soldado argentino solo conocido por Dios y Yo, traidor), la película es un ejemplo del tipo de producciones sanamente ambiciosas que el cine autóctono debería imitar. Contiene numerosas escenas, muy verosímiles, que recrean los parajes desérticos e inhóspitos del Asia Menor y el ambiente nómade de aquel pueblo, gracias al exacto diseño de arte de Carolina Vergara. En un elenco de homogénea calidad, sobresalen la imponente presencia de Cáceres, y el expresivo rostro de Kirzner en los roles protagónicos. Asi como las sensibles intervenciones de Carolina Kopelioff, como la atribulada novia de Benjamín, Andrés Irusta en la piel del hermano capaz de perdonar, y Yair Dori como portavoz de la memoria antiquísima. También se destacan la elocuente fotografía de Diego Arroyo, y la sensible música de Ezequiel Bauza y David Majul Akiki. RECOMENDABLE.

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CINE DE CULTO

CICLO: ASESINOS SERIALES

NATTEVAGTEN

Ronda nocturna.

Título original

Nattevagten (Nightwatch)

Año: 1994

Duración: 107 min.

 Dinamarca

Dirección: Ole Bornedal

Guion: Ole Bornedal

Reparto: Nikolaj Coster-Waldau, Sofie Gråbøl, Kim Bodnia, Lotte Andersen

Música: Joachim Holbek

Fotografía: Dan Laustsen

Compañías Thura Film

Género: Thriller psicológico. Asesinos en serie. Película de Culto.

VERSIÓN REMASTERIZADA Y DIGITALIZADA EN FULL HD 1080P.

SINOPSIS: Martin necesita un trabajo que le deje suficiente tiempo para estudiar, así que no duda en aceptar de inmediato el puesto de vigilante nocturno en la morgue de un hospital. El viejo vigilante se jubila por razones que no termina de dejar claras. Para Martin es el trabajo perfecto; sin agobios ni jefes y con suficiente tiempo para seguir sus estudios de derecho. Mientras celebra la noticia, el presentador del telediario anuncia que un misterioso psicópata, conocido por sus sanguinarios crímenes, ha vuelto a provocar muertes... En la morgue, silencio sepulcral seguido de ruidos extraños, sombras en la oscuridad de la noche y un sentimiento de terror que se palpa en el aire; son algunas de las cosas que Martin vivirá en su nuevo trabajo. EXCELENTE. Ole Bornedal debutaba en 1994 con El vigilante nocturno, una de esas pequeñas joyas de la cinematografía danesa de la que él mismo dirigiría un remake tres años después del éxito festivalero de ésta, y en la que nos introducía en los primeros pasos de un muchacho en su nuevo trabajo: ser el vigilante de la morgue. Con un pretexto tan suculento entre manos, Bornedal no lo desaprovechó y logró uno de esos trabajos que son lo que son no únicamente por sentar una base entorno a una premisa de lo más interesante, sino también por conocer como jugar a la perfección con el lenguaje metatextual y encontrar en él la complicidad de un espectador que raramente esperaría algo así de una cinta como El vigilante nocturno. Es a través de ese lenguaje como, soterradamente, Bornedal nos conduce a un diálogo e inicia un jugetón escarceo con el espectador desmantelando sus cartas y, aunque su factura parece alejarla de esos thrillers típicos que uno ya conoce como la palma de su mano, empieza a manejar sus bazas como mejor sabe con secuencias que nos retrotraen a esas películas malas de las que parece hablar su protagonista, engarzando momentos que, aunque acompañados por una tensa y desasosegante atmósfera que parece no querer abandonar el film, nos sitúan en el escalafón más alto de una propuesta que se desvela como el juego impuesto entre esos dos protagonistas por mera diversión. Parece ser ese el mismo motivo que empuña el cineasta danés para su primera incursión en un terreno donde, más allá de reconstruir esas mentadas secuencias tan típicas del estilo, evade una mixtura de géneros que fácilmente podría haberlo llevado al cine de terror o, más concretamente, al «slasher», pero que Bornedal decide esquivar con una estructura bastante alejada de ese precepto. No obstante, es la autoconsciencia y, en cierto modo, la ambigüedad de un trabajo así lo que termina irguiéndose como principal complemento de una trama donde, pese a no encontrar más matices humorísticos ni una negrura que le habría venido de maravilla al asunto, sí obtenemos un conjunto compacto que encuentra su catarsis en esos minutos finales donde retoza en lo escabroso pero, en especial, se termina de forjar ese pacto ficcional con el espectador gracias a una última secuencia que si algo confirma es que Bornedal no estaba más que recreándose en las constantes de un género que descubre aquí como depurar todos los males contenidos en él sin necesidad de entregarse a una trama original o impactante, revelando así el debut de dos piezas claves en el cine nórdico de los últimos años: Ole Bornedal y Nikolaj Coster-Waldau. IMPERDIBLE.

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ANGST

VERSIÓN INTEGRAL- SIN CORTES.

La angustia del miedo.

Título original

Angst

Año: 1983

Duración: 76 min.

 Austria

Dirección: Gerald Kargl

Guion: Gerald Kargl, Zbigniew Rybczynski

Reparto: Erwin Leder, Rudolf Götz, Edith Rosset, Silvia Rabenreither

Música: Klaus Schulze

Fotografía: Zbigniew Rybczynski

Compañías: Gerald Kargl

Género: Terror | Asesinos en serie. Basado en hechos reales. Película de Culto.

VERSIÓN REMASTERIZADA Y DIGITALIZADA EN FULL HD 1080P.

SINOPSIS: Tras pasar años en prisión por asesinar a una anciana, un asesino es puesto en libertad. No tardará en volver a sentir deseos de matar. Después de fracasar en el intento de asesinar a una taxista, descubre una casa rural aislada, donde vive una chica adolescente con su madre enferma y su hermano retardado. Un objetivo perfecto para ejecutar su sádico plan, el asesinato perfecto... EXCELENTE.   Poco se sabe de Gerald Kargl creador y director de Angs ya que este film fue su ópera prima y también su única película, considerada de Culto es difícil de conseguir en su versión integral sin cortes como es esta versión. Por eso ustedes y algunos pocos espectadores más disfrutarán de esta versión de “Angst” sin cortes, un retrato de los interiores y entrañas de un asesino. Film basado en Werner Kniesek, uno de los asesinos seriales más peligrosos de Austria, con unas secuencias, verdaderamente perturbadoras. El film arranca, con voz en off, narrando, en modo documental, a través de fotos, la juventud de este psicópata, abandonado por su padre, y los maltratos que recibió por su madre, en una atmósfera enfermiza, dónde éste sujeto, terminó acumulando distintos traumas, que lo transformaron en el monstruo que se convirtió, y a sus 14 años, terminó apuñalando a su madre, luego, cometiendo el asesinato de una anciana, hechos que lo mandaron a un correccional, alegando demencia. Después de unos años, fue liberado por buena conducta. Pero una vez en la calle, éste sujeto totalmente desorientado, del espacio/lugar, pero con sus pulsiones asesinas, a flor de piel, seremos testigos, de cómo su estado de perturbación permanente, opera sobre él.  La peli narra, desde su óptica, las macabras ideas que irá pergeniando, a medida que se cruce al azar con la gente, hasta terminar en un caserón aislado, dónde habita, una familia de tres personas, y éste energúmeno, se meterá por la fuerza y hará distintos actos, verdaderamente shockeantes. Una puesta en escena cruda, que posee un realismo enfermizo. Un film, que fue censurado en Europa, por su virulencia, e imágenes perturbadoras. La actuación de Erwin Leder, es extraordinaria, en su estado de perturbación ,y su frialdad inquietante, más sus enfermizas gesticulaciones corpóreas. Una película fuerte, traumatizadora. Notable film, que me dejó estupefacto, más una impotencia y amargura, elocuentes. Destacar también, los planos de cámaras de la película , para retratar con vehemencia, la vision enfermiza, y el estado de locura, de éste sujeto. Dada la tensión y crudeza del mismo es film no es apto para el espectador sensible. IMPERDIBLE.

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SERIES Y MINISERIES

BLACK SANDS

Svörtu Sandar.

SEASON 1

TEMPORADA COMPLETA

8 EPISODIOS

3 DISCOS.

Título original

Svörtu Sandar.

Año: 2022-2024

Duración: 450 min.

 Islandia

Dirección: Aldís Amah Hamilton (Creadora), Ragnar Jónsson (Creador), Andri Óttarsson (Creador), Baldvin Zophoníasson

Guion: Aldís Amah Hamilton, Ragnar Jónsson, Baldvin Zophoníasson, Andri Óttarsson

Reparto: Þór Tulinius, Steinunn Ólína Þorsteinsdóttir, Aldís Amah Hamilton, Dan Cade

Fotografía: Jóhann Máni Jóhannsson

Compañías: Glassriver

Género: Serie de TV. Drama. Thriller | Crimen. Policíaco. Asesino serial.

SINOPSIS: Una oficial de policía con problemas se ve obligada a regresar a su ciudad natal. Enfrentar a su madre abusiva es ineludible, pero el descubrimiento de un cuerpo lo cambia todo. Se ve obligada a buscar a un peligroso asesino en serie mientras pasa momentos complicados. EXCELENTE. Después de "The Valhalla Murders", uno espera una eternidad para que aparezca otro noir islandés, y de repente llegan dos al mismo tiempo. Justo después de "Sisterhood" de Walter Presents, llega "Black Sands" (Alibi), el primer drama en lengua extranjera del canal y otra serie que retrata a esta nación, famosa por su bajo índice de criminalidad, como un foco de misteriosas muertes y secretos de pueblos pequeños que amenazan con consumir a todos los que los rodean. Al final del primer episodio, ya me tenía atrapado, aunque tomó su tiempo para lograrlo. Está filmada con una gloriosa y gótica atmósfera alrededor de las famosas arenas negras de Reynisfjara. El sol está bajo y las nubes son grises. Los espectadores que encontraron "House of the Dragon" demasiado oscura pueden querer mantener un dedo sobre el control de brillo, ya que esta serie disfruta de su penumbra. Como muchos thrillers antes que este, comienza con el descubrimiento de un cuerpo en la playa, aunque este cadáver en particular lleva ropa de exterior sensata. ¿Ha caído la joven desde el terreno montañoso de arriba, o ese feo corte en su cabeza es el resultado de algo, o alguien, mucho más siniestro? La oficial de policía Anita (interpretada por Aldís Amah Hamilton de "The Valhalla Murders") será nuestros ojos y oídos, pero como toda buena protagonista femenina de un noir nórdico, está lidiando con muchos problemas personales que podrían nublar su juicio profesional. (También tiene el necesario ojo para el vestuario práctico del noir nórdico). La conocemos cuando regresa a la zona donde creció, por primera vez en 14 años, después de haber dejado su vida anterior en Reikiavik, por razones que se revelan más adelante. Mientras recorre una carretera familiar, recibe una llamada telefónica. Hay un cadáver en la playa, y el jefe de policía Ragnar quiere saber su opinión sobre lo que podría haber sucedido allí. Anita regresa a la casa de su madre en una escena de reencuentro que se siente casi como una película de terror. Está atormentada por recuerdos de su juventud, y el vínculo madre-hija tiene hielo corriendo por sus venas. Su antigua habitación está desordenada, no está lista para que ella viva en ella, y su madre está planeando una fiesta de bienvenida sorpresa que parece más una amenaza que una celebración. Este es un lugar donde todos conocen a todos, y transmite bien la claustrofobia de un pueblo pequeño. Cuando finalmente comenzamos a entender las razones tentativas por las que todos están desmoronándose, "Black Sands" se recuerda a sí misma y lanza otro fuego artificial a la mezcla, dando a sus protagonistas policías una razón para hacer algo más que deambular y discutir por teléfono. Es lenta, pero sustanciosa, y ofrece el suficiente misterio para hacer que quiera volver y descubrir qué secretos revelarán las arenas negras. IMPERDIBLE.

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MÁXIMA

1er TEMPORADA

TEMPORADA COMPLETA

6 EPISODIOS

2 DISCOS.

Título original

Máxima

Año: 2024

Duración: 300 min.

 Países Bajos (Holanda)

Dirección: Saskia Diesing, Joosje Duk, Iván López Núñez

Guion: Marnie Blok, Judith Goudsmit, Marcela Guerty, Sytske Kok, Diede Zillinger Molenaar, Ilse Ott. Libro: Marcia Luyten

Reparto: Delfina Chaves, Martijn Lakemeier, Daniel Freire, Valeria Alonso

Música: Laurens Goedhart, Fons Merkies

Fotografía: Daan Nieuwenhuijs

Compañías Coproducción Países Bajos (Holanda)-Alemania; Millstreet Films. Distribuidora: Atresmedia Televisión, Hot, Hrvatska Radiotelevizija (HRT), LV1, ORF Kärnten

Género: Serie de TV. Drama. Thriller | Biográfico.

SINOPSIS: Máxima Zorreguieta y el entonces príncipe de los Países Bajos, Guillermo Alejandro, se conocen en una fiesta durante la Feria de Sevilla. La chispa salta inmediatamente entre ellos y pasan a ser el centro de atención de toda la prensa internacional. Pero, cuando Guillermo Alejandro le propone matrimonio a Máxima, todo su pasado vuelve. Las discusiones constantes sobre la carrera política de su padre durante el régimen de Videla, en Argentina, harán peligrar esta relación. MUY BUENA. No hace mucho tiempo leí el muy buen libro que sobre Máxima escribieron Rodolfo Vera Calderon y Paula Galloni y si bien la serie está basada en el texto de Marcia Luyten “Máxima Zorreguieta. Madre patria” no creo que contenga nuevas revelaciones que no se encuentran en la primera biografía, igual esta página no es una reseña de libros, sino el producto audiovisual fruto de los mismos. Aclaro que recién la serie en Argentina va por el tercer capítulo, de un trabajo que va a tener varias temporadas con lo cual lo que podamos decir debe ser tenido en cuenta en relación con lo antedicho. Desde lo visual me parece un trabajo logrado, lo más difícil con los personajes contemporáneos es lograr un adecuado fisic du rol y en el caso de Delfina Chaves donde recae el protagónico creo que lo logra, aplausos para el buen ojo que se responsabilizó del casting. Punto importante es que se ha respetado la idiosincrasia de las diversas nacionalidades. Obviamente la actuación del padre en la Dictadura argentina fue muy importante en los Países Bajos, este país fue de los pocos cuyo periodismo denuncio la desaparición forzada de personas, los periodistas Jan van der Putten y Frits Jelle Barend en 1978 se hicieron eco de las denuncias, con lo cual esta cuestión no era menor para ellos y en lo que hace hincapié estos primeros capítulos. En relación con los saltos temporales, no me parece que hagan que el producto decaiga. A mi particularmente me gusta ver los productos audiovisuales en su idioma original, vi que hay doblaje en varios idiomas y eso creo que le resta al producto. Creo que más allá de lo cada pueda pensar en relación con las monarquías dentro del sistema político, me parece un producto logrado. RECOMENDABLE.

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