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ESTRENOS
DE LA SEMANA
Lobos.
- Título original
- Wolfs
- Año: 2024
- Duración: 108 min.
Estados Unidos- Dirección: Jon Watts
- Guion: Jon Watts
- Reparto: Brad Pitt, George Clooney, Amy Ryan, Austin Abrams.
- Música: Theodore Shapiro
- Fotografía: Larkin Seiple
- Compañías: Plan B Entertainment, Smoke House Pictures, Apple Studios, Apple Original Films. Distribuidora: Apple TV+
- Género: Acción. Thriller. Comedia | Comedia negra.
- SINOPSIS: Un "solucionador" profesional es contratado para encubrir un crimen de
alto nivel. Pero, cuando aparece un segundo agente, estos dos lobos
solitarios se ven obligados a trabajar juntos y la noche se descontrola
de una forma que ninguno esperaba. MUY BUENA. Qué hace que una estrella de cine sea una
estrella de cine? O, mejor dicho, ¿qué hace que dos estrellas de cine lo
sigan siendo cuando trabajan en un mismo film? La respuesta a esa
pregunta está en LOBOS, un film cuya principal razón de
ser es ver como dos veteranas estrellas del tamaño de George Clooney y
Brad Pitt trabajan juntas, se divierten y se sacan chispas. La película
de Jon Watts no es más que una ligera excusa –bastante entretenida hasta
cierto punto, algo tediosa en su última etapa– para que estos dos
amigos y figuras, colegas y superestrellas, hagan lo suyo. Y mostrar lo
bien que lo hacen. Es difícil saber cuál es el secreto, pero uno lo nota al instante. En
la primera escena en la que se cruzan, inesperadamente, se miran entre
sí sin entender quién es ni qué hace el otro en ese lugar. Y en esos
gestos y reacciones, frases interrumpidas y miradas, está el secreto.
Podrían seguir así un buen rato y todo funcionaría sin problemas. De
hecho, lo hacen y todo funciona bastante bien. Hasta que, bueno, llegado
cierto punto uno quiere algo más de la película que los unió. Y ese
algo no aparece. O se queda corto. Pese a eso, esta especie de mezcla
entre una película de Jean-Pierre Melville tipo EL SAMURAI con DESPUÉS DE HORA, de Martin Scorsese, ofrece algunos buenos momentos para recordar. El juego está claro de entrada. WOLFS existe para ver
«pelearse» a Clooney y a Pitt, discutir sobre todo y no ponerse de
acuerdo en nada como si fuera una dupla de una clásica comedia
romántica. A diferencia de las buddy movies clásicas que suelen juntar a personas muy distintas entre sí (el modelo 48 HORAS o ARMA MORTAL), acá los personajes se parecen y mucho. Son versiones diferentes del mismo tipo de matón seco, solitario y supuestamente cool
que aparecen en las películas haciendo este tipo de trabajos, con
guantes de látex y unos trucos estudiados para escaparle a los
problemas. Y lo que termina quedando claro en el film del director de
las tres SPIDER-MAN protagonizadas por Tom Holland es que, en el fondo, se ve de entrada que son el uno para el otro. La película tiene una caótica y divertida persecución por las
(verdaderas) calles de Nueva York y Watts retrata muy bien las zonas más
marginales de esa ciudad a la noche. Pero, en definitiva, lo que se
busca acá es explotar la química entre las dos leyendas. Una que camina
por fuera de la ficción ya que uno sabe que –más allá de sus apariciones
en común en LA GRAN ESTAFA y sus secuelas, entre otros
films–, Pitt y Clooney son amigos y parecen tener un humor bastante
similar. Lo que se cuenta podrá tener su mayor o menor gracia, pero lo
importante está ahí. En mostrarle al mundo que una película sin
demasiado vuelo puede mejorar gracias a tipos como ellos. Y para eso,
precisamente, es que existen las estrellas de cine. IMPERDIBLE.
2024: Festival de Venecia: Sección oficial largometrajes (Fuera de concurso).
TRAILER
EL CÍRCULO
It Ends with Us.
(EN CINES)
- Título original
- It Ends with Us.
- Año: 2024
- Duración: 130 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Justin Baldoni
- Guion: Christy Hall. Novela: Colleen Hoover
- Reparto: Blake Lively, Justin Baldoni, Jenny Slate, Brandon Sklenar
- Música: Duncan Blickenstaff, Rob Simonsen
- Fotografía: Barry Peterson
- Compañías: Page Fifty-Four Pictures, Sony Pictures Television, Wayfarer Studios. Distribuidora: Sony Pictures Releasing
- Género: Romance. Drama | Drama romántico.
SINOPSIS: Lily Bloom (Blake Lively) es una mujer que se sobrepone a una infancia traumática para embarcarse en una nueva vida en Boston y perseguir su sueño de abrir su propio negocio. Un encuentro casual con el encantador neurocirujano Ryle Kincaid (Justin Baldoni) desata una intensa conexión entre ellos, pero al tiempo que ambos se enamoran profundamente, Lily comienza a ver en Ryle aspectos que le recuerdan la relación que tenían sus padres. Cuando el primer amor de Lily, Atlas Corrigan (Brandon Sklenar), repentinamente reaparece en su vida, su relación con Ryle da un vuelco, y Lily se da cuenta de que debe aprender a confiar en su propia fuerza para tomar una difícil elección para su futuro. MUY BUENA. Nada más comenzar, podemos ver que Romper el círculo es una película pequeña, muy intimista, que está centrada en desarrollar a los personajes, sobre todo la historia de Lily. Así, Blake Lively nos presenta una interpretación realmente fiel a su personaje en la novela. Nos enseña, a través de su actuación, las etapas que vive una persona que está intentando superar un trauma del pasado, sanar heridas y seguir hacia delante. Por eso, se ha decidido aumentar la edad de sus protagonistas, para poder reflejar bien esa realidad y que resulte coherente. Una película de bajo presupuesto en la que no encontramos grandes escenarios ni una dirección destacable, sino que se desarrolla casi por completo en interiores. Y, su objetivo es reflejar la sensación de claustrofobia y opresión que vive Lively e intentar concienciar al espectador. Así, Romper el círculo nos recuerda el motivo por el que son necesarios este tipo de proyectos. Porque el audiovisual tiene siempre una repercusión social y debe concienciar sobre los problemas sociales actuales. Además, la actuación de Blake Lively como Lily es increíble. Lively interpreta a la perfección la presión, los demonios y los miedos que tiene este personaje desde pequeña. Los flashbacks ayudan a que el espectador se introduzca más en la historia. Si bien es cierto que la química y la buena relación entre ella y Justin Baldoni traspasa la pantalla y se ve muy bien reflejada, se echa de menos más interacciones con Brandon Sklenar. La relación entre ellos queda desdibujada y relegada a un segundo plano durante la mayor parte del metraje. Pero, los fans de la novela y de Colleen Hoover no deben tener miedo de enfrentarse a esta producción. Ya que han realizado un gran trabajo de adaptación de la novela, utilizando incluso frases de la misma. Sin embargo, llega un momento en el que puede sentirse repetitiva y no evoluciona con la agilidad y fluidez necesarias. En conclusión, Romper el círculo es una película pequeña, sin grandes pretensiones, que sabe llegar a su público objetivo por la naturalidad, cariño y pasión con la que los actores interpretan a los tres protagonistas. Blake Lively nos demuestra, una vez más, su carisma como actriz en su versión de Lily que, aunque muchos fans dudaban al principio de su elección, es lo mejor de la película. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
BEETLEJUICE
BEETLEJUICE
Beetlejuice Beetlejuice.
(EN CINES)
- Título original
- Beetlejuice Beetlejuice.
- Año: 2024
- Duración: 104 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Tim Burton
- Guion: Alfred Gough, Seth Grahame-Smith, Miles Millar. Personaje: Michael McDowell, Larry Wilson
- Reparto: Michael Keaton, Winona Ryder, Jenna Ortega, Catherine O'Hara.
- Música: Danny Elfman
- Fotografía: Haris Zambarloukos
- Compañías: Warner Bros., Plan B Entertainment, Tim Burton Productions, Tommy Harper Productions. Distribuidora: Warner Bros.
- Género: Fantástico. Comedia. Terror | Comedia de terror. Secuela.
VERSIÓN HABLADA Y SUBTITULADA EN INGLÉS Y CASTELLANO.
SINOPSIS: Tras una inesperada tragedia familiar, tres generaciones de la familia Deetz regresan a Winter River. La vida de Lydia, todavía atormentada por Bitelchús, da un vuelco cuando su rebelde hija adolescente, Astrid, descubre la misteriosa maqueta de la ciudad en el desván y el portal al Más Allá se abre accidentalmente. Con los problemas que se avecinan en ambos reinos, es sólo cuestión de tiempo que alguien diga el nombre de Bitelchús tres veces y el travieso demonio regrese para desatar su propio caos. MUY BUENA. En la era de los remakes, reboots, sagas y universos cinematográficos llega Bitelchús Bitelchús la ¿esperada? secuela del clásico de 1988 que situó a Tim Burton en el radar de todos los cinéfilos, convirtiéndole en uno de los directores más importantes del Hollywood de finales de siglo. Tras una inesperada tragedia familiar, tres generaciones de la familia Deetz regresan a Winter River. La vida de Lydia, todavía atormentada por Bitelchús, da un vuelco cuando su rebelde hija adolescente, Astrid, descubre la misteriosa maqueta de la ciudad en el desván y el portal al Más Allá se abre accidentalmente. Con los problemas que se avecinan en ambos reinos, es sólo cuestión de tiempo que alguien diga el nombre de Bitelchús tres veces y el travieso demonio regrese para desatar su propio caos. No hace mucho tiempo Tim Burton era uno de mis directores favoritos. Eduardo Manostijeras siempre me pareció su mejor película y sus adaptaciones de Batman son las mejores (superiores a las que hizo Nolan, a la altura del clásico Superman de Richard Donner, y en especial Batman vuelve, cuyo prólogo he podido ver más de un millar de veces). También destacaría títulos como Ed Wood, Sleepy Hollow, Big Fish o Mars Attacks! Era tal mi fervor por el director californiano, que incluso Danny Elfman fue mi compositor de referencia por esa época (aún conservo todas esas bandas sonoras originales) y hoy en día sigo amando su libro de poesía La melancólica muerte de Chico Ostra. ¿Qué ocurrió entonces? ¿Por qué defenestré al que era mi director favorito? Quizá fue el hecho de que su estética se convirtiera en una marca que se comercializaba en cualquier tienda, que se vendiera a Disney (que para mí era su archienemigo) y que apostara por decorados y efectos digitales. Todo mi escepticismo se esfuma en los títulos de crédito de Bitelchús Bitelchús. Pelos de gallina escuchando los acordes de Danny Elfman acompañando a los planos aéreos del pueblo ficticio Winter River. Durante la primera mitad de metraje soy incapaz de dejar de sonreír: los efectos especiales tienen aroma a infancia, Michael Keaton y Catherine O´Hara siguen teniendo una gran vis cómica y en cada plano se aprecia la estética del Tim Burton (incluida una maravillosa escena en stop motion) que me fascinara hace años. La película tiene ritmo y mucho humor (los mejores chistes son visuales y tienen que ver con el mundo de los muertos) y es más violenta que su predecesora (a pesar de que se use con fines cómicos, en esta secuela se ve más sangre). Pero no todo es oro lo que reluce. La película sí que cuenta con planos digítales. Excepto los actores anteriormente mencionados y salvando a un Willem Dafoe pasado de rosca, el resto del casting está realmente mal. Winona Ryder es incapaz de cambiar el rostro y personajes como el de Monica Belluci o Justin Theroux son completamente prescindibles y entorpecen la narración. La fotografía es un calco de la película del 88 pero no aporta ningún elemento moderno (como sí lo hicieran Blade Runner 2049 o la reciente Alien: Romulus - Review). Y por último, ninguna escena llega ni por asomo al nivel de brillantez de la cena con posesión de la película original. Por supuesto que tratan de replicarla sin éxito. Dice Tim Burton que con esta secuela ha recuperado las ganas de dirigir películas. Sólo deseo que entre sus futuros proyectos no encontremos la tercera parte de Bitelchús. Ya sabemos la debacle que nos espera pronunciando ese nombre tres veces. IMPERDIBLE.
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2024: Festival de Venecia: Sección oficial largometrajes (Fuera de concurso)
TRAILER
La chica que sanaba.
- Título original
- Holly
- Año: 2023
- Duración: 103 min.
Bélgica- Dirección: Fien Troch
- Guion: Fien Troch
- Reparto: Cathalina Geeraerts, Greet Verstraete, Felix Heremans, Serdi Faki Alici.
- Música: Johnny Jewel
- Fotografía: Frank van den Eeden
- Compañías Coproducción Bélgica-Países Bajos (Holanda)-Francia-Luxemburgo; Prime Time, Les Films du Fleuve, Topkapi Films, Agat Films, Tarantula Luxembourg.
- Género: Drama | Colegios & Universidad.
SINOPSIS: Una niña de 15 años llamada Holly llama a su colegio para decir que ese
día se queda en casa. Poco después, se produce un incendio en la escuela
en el que mueren varios alumnos. La comunidad está conmovida por la
tragedia y se une para sobrellevarlo. Anna, una profesora intrigada por
Holly y su extraña premonición, la invita a unirse al grupo de
voluntariado que dirige. La presencia de Holly parece traer paz mental,
calidez y esperanza. Pero pronto, la gente empieza a reclamar a Holly y
su energía catártica, exigiendo cada vez más de la joven. MUY BUENA. Tras casi dos décadas de experiencia tras su primer largometraje (Een ander zijn geluk, aka Someone Else’s Happiness), Fien Troch sigue indagando en los dramas humanos en la actual sociedad urbana y retoma el conflicto generacional que ya fue premiado en las rutas festivaleras con Home (2016) para narrarnos la curiosa historia de Holly, una adolescente de familia desestructurada que padece acoso escolar y, a los ojos de los demás, tiene la capacidad de generar energía positiva en los que se relacionan con ella. Este cuestionable (super)poder, que, por el perfil de la protagonista entronca con la película noruega Thelma
(Joachim Trier), aunque con sordina energética, se mezcla con los
problemas íntimos para ser madre de la profesora que en el colegio ha
descubierto este don. Por esta vía el drama se abre a una suerte de suspense espiritual en el colegio, que no es ajeno a la reciente Sala de profesores. Finalmente, un cierto naturalismo emocional acaba completando el conflicto de la protagonista, una espléndida Cathalina Geeraerts, que ofrece alivio y fuerza interior a los que le rodean: el misterio estriba en que Holly se crea a sí misma o no. La chica que sanaba (Holly) tiene sobre todo grandes actuaciones y una
atmósfera impresionante. Lo que logra la directora y la actriz es solo
una buena excusa para verla. Fien Troch nos muestra la gran capacidad y
sensibilidad que tiene al momento de filmar. Y aunque todo lo dicho
anteriormente es muy interesante… A veces excelentes actuaciones,
atmósferas misteriosas y buena música, no significa tener una película
redonda y que los espectadores queden contentos. Pero no importa. Si te
quedas con una buena sensación y puedes ver que es una película
interesante, el fin cinematográfico está cumplido. Que cada espectador y
espectadora saque sus conclusiones. IMPERDIBLE.
TRAILER
Libertate.
- Título original
- Libertate
- Año: 2023
- Duración: 109 min.
Rumanía- Dirección: Tudor Giurgiu
- Guion: Cecilia Stefanescu, Tudor Giurgiu. Idea: Nap Toader
- Reparto: Alex Calangiu, Catalin Herlo, Ionut Caras, Iulian Postelnicu
- Fotografía: Alexandru Sterian
- Compañías Coproducción Rumanía-Hungría; Libra Films, Mythberg Films. Distribuidora: Transilvania Film
- Género: Drama. Thriller.
SINOPSIS: Durante la revolución rumana de 1989, Sibiu es testigo de un violento
ataque a una comisaría de policía que desemboca en enfrentamientos
armados entre soldados, policías, manifestantes y policía secreta. MUY BUENA. Un film muy nacional, si bien la historia se entiende y es
internacional. Ahora al que no está relacionado con esta historia y ve el film desde un
punto cero, no es tan fácil relacionarse con ella, nos encontramos con
una película muy simple, si bien comienza bien y va tomando fuerza.La calidad del film es muy buena, tiene buenas escenas de tiroteo en el
principio, y un guión bastante cargado, suficiente para
lograr un film de calidad. En resúmen un film interesante,que muestra uno de los pasajes más sangrientos (políticamente hablando) de la nueva historia rumana. MUY RECOMENDABLE.
2024: Premios Gopo (Cine Rumano): Mejor película. Mejor actor principal.
TRAILER
HOMME
Querida desconocida.
- Título original
- C'est mon homme.
- Año: 2023
- Duración: 87 min.
Francia- Dirección: Guillaume Bureau
- Guion: Guillaume Bureau, Robin Campillo, Pierre Chosson
- Reparto: Leïla Bekhti, Karim Leklou, Louise Bourgoin, Emmanuelle Schaaff.
- Música: Romain Trouillet
- Fotografía: Colin Lévêque
- Compañías Coproducción Francia-Bélgica; Avenue B Productions, Frakas Productions, RTBF (Télévision Belge), Proximus, VOO
- Género: Drama. Romance | I Guerra Mundial. Drama romántico.
SINOPSIS: 1916. Julien Delaunay es reportado como desaparecido en combate durante la Gran Guerra. Su esposa, Julie, se niega a creer que está muerto. 1919. Cuando aparece en la prensa una foto de un vagabundo amnésico, Julie inmediatamente lo reconoce como su amado esposo. Se reencuentran y, poco a poco, ella lo ayuda a volver a enamorarse de ella. Hasta que otra mujer afirma ser la verdadera esposa del hombre. MUY BUENA. El joven realizador Guillaume Bureau acomete su primer largometraje abordando un drama romántico, con un punto de intriga, ambientado en los años posteriores a la Primera Guerra Mundial. Es de admirar la cautela de Bureau, consciente de estar ante su opera prima. Parece andar con un tiento prudente que, si bien resta viveza al guion, evita que éste caiga en el efectista y pedante preciosismo habitual en otros directores nóveles. La historia avanza con cierta pesadez, pero también claridad y verismo (un poco desequilibrado con la aparición del Apolo). Le ayudan a desenvolverse unas acertadas localizaciones, una dirección artística brillante y los paisajes siempre evocadores del campo francés. Los actores, pieza fundamental del film, interpretan con solvencia sus papeles, pero es quizá donde más se advierten las debilidades del guion. A pesar del que parece un buen trabajo actoral, es difícil empatizar con sus personajes, algo a priori contradictorio tratándose de un relato donde el amor pasional e incondicional traspasa todo el metraje. Independientemente de estas carencias, Bureau también acierta concentrando su película en tan solo hora y media. Suficiente para disfrutar de un producto correcto sobre el amor, la identidad y los desastres de cualquier guerra. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
Tatami.
- Título original
- Tatami
- Año: 2023
- Duración: 105 min.
Georgia- Dirección: Zar Amir-Ebrahimi, Guy Nattiv
- Guion: Elham Erfani, Guy Nattiv
- Reparto: Arienne Mandi, Zar Amir-Ebrahimi, Jaime Ray Newman, Nadine Marshall.
- Música: Dascha Dauenhauer
- Fotografía: Todd Martin
- Compañías Coproducción Georgia-Estados Unidos; Keshet Studios, Maven Pictures, New Native Pictures, Sarke Studio, WestEnd Films. Distribuidora: WestEnd Films
- Género: Thriller. Intriga | Deporte. Judo. Basado en hechos reales.
SINOPSIS: La judoka iraní Leila y su entrenadora Maryam viajan al Campeonato
Mundial de Judo con la intención de traer a casa la primera medalla de
oro para Irán. A mitad de la competición, reciben un ultimátum de la
República Islámica que exige a Leila fingir una lesión y perder. Con su
libertad y la de su familia en juego, Leila se enfrenta a una decisión
imposible: fingir una lesión y obedecer al régimen iraní, como le
implora Maryam, o desafiar a ambos y seguir luchando por el oro. EXCELENTE. Inspirada en una serie de atletas iraníes que han desertado o se han
enfrentado valientemente a las consecuencias de no seguir las estrictas
normas del gobierno iraní, y con fuertes reminiscencias de la historia
real del judoka Saeid Mollaei, a quien se ordenó renunciar a un combate
en los campeonatos de 2019 para evitar el posible enfrentamiento a un
oponente israelí (Mollaei se negó, y poco después desertó). Tatami narra
el destino de Leila (Arienne Mandi), una luchadora de judo que sufre el
absurdo acoso de su propio régimen. Para el gobierno islámico, más
importante que el éxito de su mejor atleta en los campeonatos del mundo
de Tiflis es que no se produzca ningún emparejamiento con la
representante de Israel en el tatami de judo. Esto se debe a que Irán no
puede arriesgarse a una derrota bajo ninguna circunstancia. Tatami es un drama político que incorpora muchos elementos de thriller
para mantener el interés y la tensión del espectador, ya que la brevedad
de su narración, apenas un par de horas de combates de judo, hubiera
podido poner en riesgo la película y resultar repetitiva. Sin embargo,
ambos directores (Zar Amir Ebrahim y Guy Nattiv) salen airosos con su
propuesta. Los realizadores eligen un formato ajustado y un limpio
blanco y negro para contar una historia deportiva de ficción en la que
subyace un mosaico de miedos e injusticias. La ceguera de los
gobernantes iraníes es de tal magnitud, que el miedo a ver en el tatami a
una atleta nacional suya enfrentarse a otra de un país rival, les lleva
a preferir la derrota en un deporte nacional durante los campeonatos
del mundo. Leila y Maryam son personajes impresionantemente interpretados por
Arienne Mandi y Zar Amir Ebrahimi que afrontan de forma diferente la
injusticia que se abate sobre ellas. Leila se niega a dejarse vencer por
el miedo, mientras que Maryam se siente a veces impotente ante el
dominio político. Ambas mujeres saben que la vida de la gente corre
peligro en su país. El marido de Leila intenta huir con el niño. En
Tiflis, a la tensión ya de por sí elevada de las competiciones de judo
se une la tensión mayor de la pura existencia para Leila. De forma
opresiva, este intenso largometraje transmite cómo funciona el sistema
de opresión iraní y lo increíblemente difícil que es para las personas
resistirse. Arienne Mandi y Zar Amir Ebrahimi ofrecen unas mas que magníficas
interpretaciones, y Tatami se preocupa de que tengamos la oportunidad de
entender las reacciones de ambas. Leila está motivada, tiene talento y
prácticamente puede saborear la victoria, por lo que es fácil entender
por qué no se conforma con que se la arrebaten. Maryam también fue una
competidora de élite, había vivido algo similar y comprende
perfectamente el impulso de ganar, pero al mismo tiempo teme por su vida
y la de sus seres más queridos. Sin embargo, la película procura no
denigrar a ninguna de las dos mujeres por sus decisiones. Por el
contrario, se limita a subrayar lo increíblemente difícil que es tomar
una decisión y lo horrible que es para ellas verse obligadas a hacerlo. A Zar Amir Ebrahimi, el tribunal iraní le prohibió aparecer en películas
y en televisión durante 10 años, y la condenó a recibir 99 latigazos
con una correa de cuero. Desde 2008 vive en Francia. Y Arienne Mandi
está afincada en los Ángeles (Estados Unidos). La lucha física es una metáfora de una lucha psicológica también
política y existencial, que trasciende al individuo. El blanco y negro
universaliza esta idea y materializa la naturaleza extrema del chantaje.
Incluso la elección de Georgia no es casual: como país coproductor de
la película, es también un símbolo de la frontera, entre Europa y Asia,
una frontera que puede ser un momento de encuentro o una dolorosa
división. El blanco y el negro son también los colores del uniforme de los
judokas, mientras que el combate es una cuestión de concentración,
fuerza, velocidad, técnica. La directora Zar Amir Ebrahimi ha hecho
declaraciones a este respecto de que quería enfatizar la visión en
blanco y negro del mundo que tiene el régimen iraní, y los trajes en
blanco y negro de los judokas que compiten. Rodado en blanco y negro y con una estrecha relación de aspecto 4:3, el
metraje transmite rápidamente la atmósfera oscura y opresiva que se
cierne sobre el torneo del Campeonato del Mundo. Cuando Leila recorre
los largos pasillos de la sede, la entrenadora puede esperarla en
cualquier parte o un funcionario iraní puede tenderla una emboscada y
lanzarla nuevas amenazas. Tatami construye una intriga con gran
eficacia, haciendo que toda la acción de la película transcurra en un
solo día de competición. Con cada ronda en la que Leila avanza, aumenta
la tensión y el tic-tac de un reloj marcando la cuenta atrás se hace
cada vez mas fuerte. La película de Zar Amir-Ebrahimi y Guy Nattiv es genuinamente emotiva, a
la vez que magnífica y empoderadora. Basándose en las experiencias de
atletas iraníes a los que el Estado autoritario iraní intentó chantajear
para que renunciaran a sus respectivas competiciones, crean un
impactante thriller. Aunque la producción no siempre escapa a los
manierismos de una película de mensaje, posee una factura impecable, y
el poderío físico a la vez que una estupenda interpretación de Arienne
Mandi, ayudan a fusionar a la perfección un conmovedor drama deportivo y
thriller político. Tatami es una película con muchos tintes feministas, en la que las
protagonistas, verdaderas impulsoras de la justicia y la libertad, son
mujeres. La imparcialidad de la lucha en el tatami, la violencia física
canalizada por el reglamento deportivo, contrasta fuertemente con las
violaciones en la vida pública y privada a las que están sometidos los
iraníes, en particular las mujeres. IMPERDIBLE.
TRAILER
DE DÉS
Jugando con fuego.
- Título original
- Un coup de dés.
- Año: 2023
- Duración: 85 min.
- Francia
- Dirección: Yvan Attal
- Guion: Yaël Langmann, Yvan Attal. Obra: Eric Assous
- Reparto: Yvan Attal, Maïwenn, Guillaume Canet, Marie-Josée Croze.
- Música: Dan Levy
- Fotografía: Rémy Chevrin
- Compañías: Curiosa Films, Films Sous Influence, SND Films, France 2 Cinema, UMédia. Distribuidora: SND Films
- Género: Thriller. Suspenso. Drama.
VERSIÓN HABLADA Y SUBTITULADA EN ESPAÑOL.
SINOPSIS: Mathieu es un marido fiel que lleva una vida tranquila con su esposa,
mientras encubre las aventuras amorosas de su amigo Vincent. Un día,
mientras Mathieu intenta suavizar las cosas con la última amante de
Vincent, inesperadamente se enamora de ella. MUY BUENA. Un thriller con un buen ritmo, que mantiene el interés y con unos protagonistas muy a la altura. El guión de la película tiene una intriga a veces tortuosa, donde la
presentación, al inicio, con un Ivan Attal que se despierta porque la
policía llama a su puerta, te hace intuir el final, pero que tiene giros
intermedios que más de una vez hacen dudar de cómo se va a resolver. Los actores y actrices protagonistas, dos matrimonios consolidados y una
amante que aparece como la quinta en discordia (Ivan Attal, Guillaume
Canet, Maïwenn, Marie Josée Croze), así como los secundarios (Victor
Belmondo, hijo de Jean Paul), son muy solventes, aportando todos ellos
el punto de veracidad en sus relaciones conjuntas, tanto como amigos
(ellos), como entre las parejas y con la amante, con pinceladas de
sensualidad o de complicidad nada exageradas que precisamente acercan a
lo real. Es un buen entretenimiento que mantiene la tensión a medida que se van
produciendo la diferente intensidad en la relación entre los 5
protagonistas, un buen juego ese de dotar de complicidad intensa según
el periodo de la vida que muestran: una sólida amistad entre ellos, un
matrimonio estable y consolidado respectivamente, una amante
ilusionante, el despecho, la venganza, el consuelo, la confianza, donde
todas estos ligámenes se van rotando entre los 5 protagonistas a medida
que avanza la historia, unas veces entre algunos de ellos, para luego
cambiar entre otros, esa es la originalidad de la trama. La película finaliza con un giro que, al igual con algún otro durante su
metraje, hace que tenga sentido el título original en francés “Un coup
de dés”, una tirada de dados, donde la suerte acompaña al azar. RECOMENDABLE.
TRAILER
Departamento 7A
- Título original
- Apartment 7A
- Año: 2024
- Duración: 104 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Natalie Erika James
- Guion: Natalie Erika James, Skylar James, Christian White
- Reparto: Julia Garner, Dianne Wiest, Kevin McNally, Marli Siu.
- Música: Isobel Waller-Bridge
- Fotografía: Arnau Valls Colomer
- Compañías: Platinum Dunes, Sunday Night. Distribuidora: Paramount Players
- Género: Terror. Thriller | Años 60. Precuela.
SINOPIS: Nueva York, 1965. ¿Qué ocurrió en el apartamento antes de que Rosemary se mudara? Una bailarina en apuros se ve arrastrada a fuerzas oscuras por una peculiar pareja que le promete la fama. Precuela de "El bebé de Rosmarie". BUENA. "Apartment 7A", de Natalie Erika James, es a la vez una precuela de "Rosemary's Baby", el libro de Ira Levin y la película de Roman Polanski, y la última entrada en la nueva ola de terror sobre el embarazo en Hollywood, nacida a raíz de Roe v "Derogación de Wade en 2022". Otros ejemplos de este año incluyen “Immaculate” y “The First Omen” (este último también es una precuela), pero la película de James, en su mayoría sólida, captura de manera más sucinta las ansiedades del momento actual. La película es en gran medida entretenida, a pesar de ser arrastrada constantemente en dos direcciones: como predecesora de una obra icónica y como una bestia distinta, con sus propias quejas contra las normas patriarcales. Ambientada a mediados de la década de 1960, sigue al actor de teatro Terry Gionoffrio (Julia Garner), un papel menor anteriormente interpretado por Angela Dorian en la película de Polanski, y detalla cómo llegó a vivir en Bramford, el rico edificio de apartamentos de Nueva York donde " El bebé de Rosemary” está ambientado. También funciona como una especie de remake, siguiendo muchos de los mismos ritmos que el original, aunque con una diferencia importante. Junto con el título mismo de la película – “Apartamento 7A”, la dirección de los Castevet – la luz de gas aplicada a los pasillos del edificio parece colorearlo como un espacio inherentemente malvado, como el hotel de “El Resplandor”, aunque poco en la realidad. Films lo respalda, incluidas sus actuaciones. No es más que un filtro aplicado al azar, que va en contra del ambiente supuestamente acogedor que los Castevet intentan crear para Terry antes de subvertirlo. Esto no deja potencial para una metamorfosis estilística a medida que avanza la película y, por lo tanto, poco espacio para la sorpresa visual. Aun así, como versión moderna de una historia de hace casi 60 años, “Apartamento 7A” no es del todo innecesario y constituye un momento bastante interesante. RECOMENDABLE.
TRAILER
A
SACRIFICE
La secta.
- Título original
- A Sacrifice.
- Año: 2024
- Duración: 94 min.
Alemania- Dirección: Jordan Scott
- Guion: Jordan Scott. Novela: Nicholas Hogg
- Reparto: Eric Bana, Sadie Sink, Sylvia Hoeks, Alexander Schubert.
- Música: Volker Bertelmann
- Fotografía: Julie Kirkwood
- Compañías Coproducción Alemania-Estados Unidos; Augenschein Filmproduktion, Scott Free Productions.
- Género: Drama. Thriller | Sectas.
SINOPSIS: Ben, un escritor y psicólogo social, se traslada a Berlín para investigar el poder de las sectas. Mazzy, su hija se enamora de un chico con siniestras intenciones. La situación se vuelve aterradora cuando una peligrosa secta amenaza sus vidas. MUY BUENA. La Secta (2024) se trata de una película dirigida por Jordan Scott que se estrena en nuestros cines el 27 de septiembre. La película, basada en la novela de Nicholas Hogg, cuenta con un gran reparto, entre los que destacan: Eric Bana, Sadie Sink y Sylvia Hoeks. Que hay ciertos grupos de ecologistas excéntricos que bordean el sectarismo es algo evidente. Y no, no me refiero ni siquiera a los grupos que se dedican al vandalismo artístico con tal de salir en las noticias y ganar repercusión mediática. Me refiero a ciertos grupos que hablan de demografía y de superpoblación, haciendo referencia al supuesto exceso de personas en este mundo (entre ellas, científicas supuestamente reputadas como Jane Godall). Entre las medidas que se proponen, una de ellas se encuentra la reducción de dicho problema mediante la no reproducción y en casos mucho más extremos, los que podemos encontrar en la película. El neo-Malthusianismo es algo que está de moda. Porque efectivamente, La Secta trata de estos temas, mostrándonos el lado oscuro de ciertos grupos ecologistas. Y los afronta valientemente, en una discusión polémica, lejos de estridencias, sino tomando bien el pulso a todo lo que significa debatir un tema tan complejo como este. Sadie Sink interpreta a la hija adolescente del personaje de Eric Bana, un reputado sociólogo que se ha decidido mudar a Berlín después de la separación con su esposa. Para poder ver a su padre, la hija se trasladara a la capital alemana, donde contactará con un grupo sectario que se aprovechará de sus circunstancias personales para tratar de captarla... El culto sectario de hecho no es visto desde una perspectiva sensacionalista, sino que la película intenta mostrarnos la visión del personaje de Sadie Sink, la hija que ha sufrido la ruptura de sus padres y que se ve emocionalmente conmocionada, una presa fácil para este tipo de sectas. Pero lo que vemos de la película es precisamente el método de captación emocional, los horizontes que a priori podrían parecer más atractivos para una persona que se encuentra sola en el mundo. La película tiene una sensibilidad que es su punto fuerte y que le sirve de diferencia respecto a otras películas de temática similar. A diferencia de numerosos thrillers, Jordan Scott ha querido dejar claro desde la primera secuencia que su película no es una más al uso. Por ello nos encontramos ante una película que en realidad en numerosas ocasiones parece querer desatenderse del género e irse a otras propuestas. El ritmo de la película es rápido, pero no nos encontramos secuencias que pretendan asustar de manera barata al espectador (olvídense de Jumpscares o escenas morbosas). Por otro lado la puesta en escena cuenta con un gran repertorio de planos que parecen haberse pensado con precisión. Tenemos señas de identidad como esos montajes grabados al revés que conceptualmente se unen al sentido de la película de la vida como elemento circular (pasar de la muerte a una nueva vida, la comunión con la tierra etc...), así como una banda sonora bien escogida y compuesta para definir el mensaje del filme, como son los coros que pretenden emular ese tono "New-age" de la secta. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
BONNARD
PIERRE ET MARTHE
La musa de Bonnard.
- Título original
- Bonnard, Pierre et Marthe
- Año: 2023
- Duración: 122 min.
- Francia
- Dirección: Martin Provost
- Guion: Marc Abdelnour, Martin Provost
- Reparto: Cécile De France, Vincent Macaigne, Stacy Martin, Anouk Grinberg.
- Fotografía: Guillaume Schiffman
- Compañías: Les Films du Kiosque, Volapuk, Umedia, Canal+, Ciné+
- Género: Drama. Romance | Biográfico. Pintura.
- SINOPSIS: Pierre Bonnard no sería el famoso pintor sin Marthe, su enigmática musa y compañera, que aparece en más de un tercio de su obra. La película explora su compleja relación, marcada por la reclusión y la dependencia mutua. Marthe, con su fuerte personalidad y misterioso pasado, inspira profundamente a Bonnard, influyendo en su arte hasta el final. MUY BUENA. Con "Bonnard, Marthe et Pierre", el director Martin Provost vendría a cerrar una trilogía no oficial de retratos de mujeres artista de la cultura francesa, siempre figuras periféricas y sin embargo encarnan en su figura las injusticas de sus respectivas figuras, en las que, para revindicar su trabajo o tan sólo su dignidad como persona fue necesario procesos en verdad dificultosos, dolorosos y complejos. Provost sigue por lo tanto la línea de esos dos títulos y pone en primer término a Marthe, una mujer de extracción humilde, quien por azar, por un encuentro fortuito en la calle, conoce a Pierre Bonnard, acepta posar para una pintura y desde ahí se forja su destino. No es una mujer que ponga todas las cartas sobre la mesa, y, si bien Provost delimita su inteligencia con respeto y sensatez, aunque sabe manejar ciertas situaciones, en otras peca de ingenua. La verdad de su personaje es que es una ingenua en un ambiente bohemio, dónde todo el mundo sabe manejar la hipocresía y la manipulación de forma natural y con soltura. Contraste de es el personaje de Misia Sert, una verdadera dama de sociedad, pragmática, que sabe a qué caballo cabalgar por tal de seguir galopando, que maneja una retórica burlona que siempre parece dispuesta a entrar en escena. Mientras Marthe se centra en Pierre, Misia en cambio tantea y coquetea con quien le place, de hecho le conocemos tres esposos. Misia representa el polo opuesto, el de la mujer acomodada y con talento para el piano que sin embargo decide renunciar a su talento por la música para no tener que luchar y acomodarse en el dinero de sus respectivos maridos. Y sin embargo a ambas les afecta los tópicos y mentalidad de la época. Muy significativa en ese sentido la escena de la inauguración de la exhibición de pintura de Pierre, cuando Marthe muestra reservas por aparecer en la congregación siendo la mujer que Pierre ha pintado desnuda y Misia la convence que ella debe sentirse afortunada por existir en los ojos de un artista y que nadie tiene porque conocerla, de forma que una mujer remacha a otra el papel de figura subsidiaria. En otros momentos de la película también ella misma demuestra que la percepción de la mujer en su época la perjudica a pesar de sus esfuerzos por mantenerse a flote y disfrutar del lujo y la vida ociosa. La figura de Pierre Bonnard en verdad es mucho más ambigua de lo que en un principio aparenta. Lúbrico, sí, también obra de su tiempo, que observa a las mujeres como objetos carnales e impulso emocional para crear, no se puede decir que haya verdadera malicia en él, sólo la demostración que el patriarcado pude formar a sus actores incluso en los sujetos menos brutales, en gente como Pierre, de mentalidad etérea, muy sumergido en su mundo, sólo replica una serie de valores. Y sin embargo, gracias a su historia con Marthe apreciaremos cambios significativos, de forma que, al modo de la iglesia del Sacre Coeur en Montmartre, ella será para él la referencia a la que mirar ahí dónde esté. En medio de tanto cinismo sólo quizás la aparición de Claude Monet aporta una mirada más limpia y pura, aparece como el sabio del río, demuestra ser un hombre que vive para el arte y que por eso necesita una corte de ayudantes, ya sea su esposa o un pintor amigo, para que lo rescate de las actividades mundanas. Provost también abre ese interrogante, acerca de hasta qué punto es necesario librarse de las circunstancias mundanas para poder elevarse bien arriba en la bóveda del arte. En una época dónde las mujeres debían desnudarse para que los pintores aceptaran pintarlas, ¿hasta qué punto es justo que permanezcan en la sombra, sufriendo los arrebatos lujuriosos y la posición secundaria? En el caso de Marthe la respuesta no es tan clara, la historia no es unívoca y por ejemplo cierto despertar tardío en la pintura parece que también ella, en ese caso particular, logró introducir la riqueza del arte en sus propias manos. Nos da igual que no fuese una pintora genial, lo único que importa es como consiguió canalizar su mundo interior a través de esas pinturas ingenuas, al punto que le permite sobrellevar ciertas dificultades que no desvelaré. Al modo de Renoir hijo, la cámara de Provost capta con generosidad los verdes paisajes de las orillas del Sena, que aporta a la película una atmósfera bucólica muy agradable y a la vez también nos remarca la dualidad entre naturaleza y la civilización, encarnada en el maléfico París. La naturaleza representa para Marthe el consuelo y el refugio, mientras que París es el infierno inevitable, muchas veces mostrado con agradable apariencia, necesario para mantener su estilo de vida. Todo ello se muestra con amplios planos inundados de luz, escenarios dónde sus personajes discurren sus pasiones que les hace experimentar dicha y sufrimiento, un retrato razonable y razonado de la Belle Époque, de su libertad y también de sus sombras. Sin duda ayuda en gran medida sentir curiosidad por el mundo artístico francés, por la Belle Époque o por las indagaciones en la figura femenina a través de la Historia, sin embargo también opino que quien aprecie las historias de amor explicadas a lo largo de los años, con madurez y sensibilidad, también tiene una buena oportunidad para disfrutar de una buena historia, dónde se aprecia las grandezas y las miserias de una de las épocas más significativas de la Historia Universal. Y si no, que se lo pregunten a Proust. MUY RECOMENDABLE.
- TRAILER
CINE DE AYER
IN THE
BEDROOM
En el dormitorio.
- Título original
- In the Bedroom
- Año: 2001
- Duración: 130 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Todd Field
- Guion: Robert Festinger, Todd Field. Historia: Andre Dubus
- Reparto: Sissy Spacek, Tom Wilkinson, Marisa Tomei, Nick Stahl
- Música: Thomas Newman
- Fotografía: Antonio Calvache
- Compañías: Miramax, GreeneStreet Films, Good Machine
- Género: Drama | Cine independiente USA.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HD 1080P.
SINOPSIS: Matt Fowler (Tom Wilkinson), un médico que vive en su Maine natal, está
casado con Ruth Fowler (Sissy Spacek), profesora de música coral. Su
único hijo, Frank (Nick Stahl), que está pasando las vacaciones de
verano en casa, trabaja como pescador de langostas para pagarse sus
estudios, mientras mantiene una relación amorosa con una madre separada (Marisa
Tomei). EXCELENTE. "En la habitación" es, a pesar de su exquisita sobriedad y aparente
contención, un drama que nace de las entrañas completamente devastador.
Todd Field hace aquí, en lo que es su debut, un trabajo de cámara
irreprochable que, unido a la fotografía tan acertada -muy de los 90-,
ejerce de suavizante de cuanto ocurre, haciendo del metraje una
experiencia casi balsámica, que enriquece gracias a su guión en que no
sobra una puta frase y unas actuaciones de diez por parte de todo el
reparto. Un ejercicio, pues, de cine intachable que dibuja a base de
finos trazos un fresco que emana realidad por los cuatro costados y en
el que destacan, por encima de todo, un inicio de 20 minutos y una
conclusión de duración similar que, sinceramente, veo imposible mejorar
(qué belleza y delicadeza, madre mía). Así, si lo que quieren es
disfrutar de un drama de una solidez poco habitual, clásico en sus
formas pero con varios destellos de genio (esa conversación con el
abogado y el jugueteo del bolsillo, por ejemplo) y secuencias de una
perfección insultante ya saben qué hay que hacer: basta con entrar en la
habitación. Lleven cuidado, eso sí, de no salir escaldados. Sus
esquinas queman. Sin efectismos. IMPERDIBLE.
TRAILER
ADVERSARIO
L´adversaire.
- Título original
- L'adversaire
- Año: 2002
- Duración: 129 min.
- Francia
- Dirección: Nicole García
- Guion: Jacques Fieschi, Frédéric Bélier-Garcia, Nicole García. Novela: Emmanuel Carrère
- Reparto: Daniel Auteuil, Geraldine Pailhas, François Cluzet, Emmanuelle Devos.
- Música: Angelo Badalamenti
- Fotografía: Jean-Marc Fabre
- Compañías Coproducción Francia-España-Suiza; Les Films Alain Sarde, France 3 Cinéma, Vega Film, Vértigo Films, Pauline's Angel, Télévision Suisse-Romande (TSR), Vía Digital, Canal+
- Género: Thriller. Drama | Basado en hechos reales. Crimen. Asesinos en serie.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HD 1080P.
SINOPSIS: Basada en una historia real, narra la historia de Jean-Marc Faure,
aparentemente un marido ideal, amante perfecto, padre ejemplar e
insospechado asesino. EXCELENTE. Desde las primera imágenes tienes la pauta de lo que vendrá: un
recorrido espeso, incómodo, difícil de comprender, y aquí sí vale la
espantosa frasecita "como la vida misma" porque se trata de testimoniar
un acontecimiento que conmocionó a toda Francia. Pero aquella realidad terrorífica de un parricidio carecía, y aún
carece, de historia completa, sólo se tienen ciertos datos también
terroríficos en el corazón de una familia de clase media profesional en
un país del primer mundo. Es aquí donde Nicole García y su equipo esgrimen sensibilidad,
imaginación y talento para acercarse al porqué de aquel trágico
fenómeno. Les ayuda enormemente un tipo como Auteuil que mide al
milímetro las emociones... que no puede ni debe expresar. El adversario" nos presenta a la historia y a sus personajes con toda la crudeza de lo que realmente sucedió, ahonda en los sentimientos de los personajes protagonistas y nos mantiene en tensión hasta el final. IMPERDIBLE.
TRAILER
MOTHER
La madre.
- Título original
- The mother
- Año: 2003
- Duración: 111 min.
Reino Unido- Dirección: Roger Michell
- Guion: Hanif Kureishi
- Reparto: Anne Reid, Daniel Craig, Cathryn Bradshow, Peter Vaughan
- Música: Jeremy Sams
- Fotografía: Alwin H. Kuchler
- Compañías: BBC Film, Renaissance Films, Free Range Films
- Género: Drama. Romance | Familia.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HD 1080P.
SINOPSIS: Tras la muerte de su marido, May (Anne Reid), una mujer madura que vive
en las afueras de la ciudad, va a Londres a ver a su familia. Durante su
estancia, se ve arrastrada por la ajetreada vida de sus hijos. En la
gran ciudad, lejos de su hogar, May tiene la impresión de haberse
convertido en una de esas mujeres invisibles para los demás y cuya vida
ya está acabada. Pero, de repente, se enamora de Darren, un hombre al
que le dobla la edad (Daniel Craig) y que se acuesta con su hija. EXCELENTE. Buena película de Roger Michell, el director de la recordada, por famosa, "Nothing Hill". Este trabajo se aleja notablemente de aquél, al ser más dura y sobria,
aunque no esté exenta de humor, poco y muy fino, pero existente. Se trata de un drama inteligente y no demasiado común en la
cinematografía, al mostrarse diversos sentimientos de una personal
adulta, a quien no le falta demasiado para llegar a la vejez, y no se
encuentra preparada para afrontar esa triste etapa, ni física ni
mentalmente. Michell expone todo ello con rigor y sentido de la medida, resultando
muy creíble todo, pese a la improbabilidad de lo que vemos, al menos en
la vida real. Por supuesto que puede suceder cuanto se nos narra, pero
no es muy común (me refiero al enamoramiento de la protagonista, no así
la falta de atención que sufre por parte de su familia, cosa muy
frecuente hacia las personas mayores). Anne Reid compone su personaje con sensibilidad y dureza al mismo tiempo, al ser un ser humano complejo y contradictorio. Michell dirige con elegancia formal, con una puesta de escena
inteligente y muy cuidada, como las escenas en las que la protagonista
se va enamorando del albañil de la casa (Craig), o las exteriores, como
la de la fuente de la plaza. En resumidas cuentas, una buena película, austera en su narración, pero
con mucha humanidad en sus fotogramas, nada complaciente con el
espectador. Una película seria. IMPERDIBLE.
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HABLAR DE
KEVIN
We Need to Talk About Kevin.
- Título original
- We Need to Talk About Kevin
- Año: 2011
- Duración: 110 min.
- Reino Unido
- Dirección: Lynne Ramsay
- Guion: Lynne Ramsay. Novela: Lionel Shriver
- Reparto: Tilda Swinton, Ezra Miller, John C. Reilly, Jasper Newell
- Música: Jonny Greenwood
- Fotografía: Seamus McGarvey
- Compañías: Independent, BBC Film, Artina Films
- Género: Drama. Thriller | Drama psicológico. Familia. Maternidad.
SINOPSIS: Eva, una mujer satisfecha consigo misma, es autora y editora de guías de
viaje. Casada desde hace años con Franklin, un fotógrafo que trabaja en
publicidad, decide, con casi cuarenta años y tras muchas dudas, tener
un hijo. Así nacerá Kevin. Pero, ya desde el principio, empiezan a
surgir dificultades... Adaptación de la novela homónima de Lionel
Shriver. EXCELENTE. El infierno personal de Eva, otrora profesionista exitosa, que abandona
su vida profesional para criar a Kevin, su primer hijo. La relación
entre ambos es un infierno y Eva vive sumida en la culpa, no sólo por
haber deseado nunca tener a Kevin, sino por el destino final de su hijo. A estas alturas ya es poco lo que se puede agregar sobre Tilda Swinton y
su magnífico trabajo en Kevin. Su magnética actuación es la pieza
angular de esta cinta. Su grandeza radica en las pequeñas sutilezas de
su arte, en los gestos, las muecas, los tics nerviosos que dicen más sin
mencionar una sola palabra. Tilda es quien manda en esta cinta y merece
todos los premios que se le puedan dar. Enorme. Deberían de darle un premio al encargado del casting: ¿dónde encontró a
los kevins niño y adolescente? Ambos no sólo son parecidos sino que
comparten, además de una actitud del diablo, ese evil look que hace aún
más perturbador al personaje. ¿Cómo carambas se le hace para criar y
educar a un niño así? La directora opta por una serie de imágenes y viñetas que saltan en el
tiempo, creando una sensación de ensoñación y en la que el secreto final
se va descubriendo poco a poco. Esto tiene dos efectos, uno, centrar la atención en Eva y lo que le pasa
y dos, generar una tensión que siempre va en incremento, causando
malestar y angustia en el espectador. Es un triunfo de la mejor
cinematografía, una combinación de elementos auditivos y visuales
encaminados a crear atmósferas. El aspecto más interesante de Tenemos que hablar de Kevin es su crítica
sin piedad a la institución maternal. Cuestionada a raíz y sin piedad,
el resultado deriva en una cinta que puede resultar molesta para ciertos
sectores. Una visión obscura, pero muy necesaria sobre un tema que ha
recibido demasiadas flores y pocas críticas. Perturbadora y políticamente incorrecta, Kevin no sólo dinamita todos
los mitos relacionados a la maternidad como estado ideal de la mujer,
sino que además es un ejercicio cinematográfico impresionante, como hace
mucho no veíamos. IMPERDIBLE.
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