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ESTRENOS
DE LA SEMANA
CITY
Asteroid City.
- Título original
- Asteroid City.
- Año: 2023
- Duración: 104 min.
Estados Unidos- Dirección: Wes Anderson
- Guion: Wes Anderson, Roman Coppola. Historia: Wes Anderson, Roman Coppola
- Reparto: Jason Schwartzman, Scarlett Johansson, Tom Hanks. Bryan Cranston. Tilda Swinton. Adrien Brody.
- Música: Alexandre Desplat
- Fotografía: Robert D. Yeoman
- Compañías: American Empirical Pictures, Indian Paintbrush, Focus Features. Distribuidora: Focus Features
- Género: Comedia | Años 50.
SINOPSIS: En 1955, colegiales y padres de todo el país se reúnen para un concurso escolar dedicado a la observación de fenómenos astronómicos (Junior Stargazer Convention) que se lleva a cabo en una ciudad ficticia del desierto estadounidense llamada Asteroid City. La convención se verá espectacularmente interrumpida por eventos que cambian el mundo. MUY BUENA. En cierta secuencia de Asteroid City (2023), de Wes Anderson, dos adolescentes comentan que desearían vivir fuera de este planeta. Participan, junto a otros dos adolescentes, en una competición (de jóvenes astrónomos), por sus logros científicos, en una pequeña población en medio del desierto cuyo nombre, Asteroid city, se debe a la enorma cavidad provocada cientos de años atrás por la caída de un meteorito. Durante la ceremonia, un alienígena descenderá de su nave para coger un resto del asteroide. Irrupción que determinará una provisional cuarentena. Anderson gestó esta obra durante la cuarentena de la pandemia del Covid. En esta obra, con múltiples personajes, resalta uno particularmente, aquel que primero llega (en un coche averiado), con sus tres pequeñas trillizas y su hijo Woodrow (Jake Ryan), a esa población con un motel y una gasolinera, y una rampa de una carretera que nunca se construyó. Steenbeck (David Scwartzman) es un corresponsal de guerra que se siente extraviado tras haber perdido, en un accidente de coche, a su esposa. Después de tres semanas, aún se siente incapaz de comunicar a sus hijos ese deceso. Es un hombre averiado que se ha perdido en sí mismo, incapaz de lidiar con sus emociones, como si habitara una representación en la que ya no sabe cuál es su papel o cometido. Es como esa rampa que no conduce a ninguna parte. Su hijo dispone de una inventiva que parece desafiar los límites, pero él parece cautivo de sus propios límites, difusos, como una figura torpe que no comprende cuál es el sentido de lo que hace o deja de hacer. Realiza fotografías, pero realmente ¿Qué o cómo mira?.Precisamente, la narración desentraña o expone su propia condición de ficción desde sus primeras secuencias, en blanco y negro y formato cuadrado a diferencia de los colores apastelados en formato panorámico de la ficción, en las que un anfitrión (Bryan Cranston) introduce al autor de la ficción teatral, Conrad Earp (Edward Norton), el escenario y los personajes de la obra. Pasajes sobre el entorno de la concepción de la obra que se alternarán durante el proceso de la ficción (más que entorno real es un escenario que expone los entresijos de la ficción). La pérdida abre como una brecha la consciencia de la vida como inercia ficcional. En los pasajes finales que abren como una brecha la ficción, como una interrupción, Steenbeck entrará por una puerta disimulada en el espacio de ficción al blanco y negro de la génesis de la ficción para preguntar por qué ha realizado cierto gesto, y aún más, cuál es el sentido de todo, que es decir, el sentido que se difumina cuando un accidente de la vida te sustrae a quien amas. Esta ceremonia sobre lo real y lo ficticio atravesada por la consciencia de la pérdida y la náusea vital de para qué sigue uno en esta realidad que es una catástrofe, como esas explosiones nucleares de prueba que se realizan en ese desierto (y que, por lo tanto, se amplía a un conjunto social que habita un desierto aunque piense que su inercia ficcional dispone de fundamento) se escancia con esa exuberancia creativa que caracteriza al cine de Wes Anderson, quien, como pocos, desafía nuestra imaginación con su asombroso derroche rebosante de múltiples detalles sorprendentes (desde una caracterización a un encuadre pasando por un decorado o un vestuario o un objeto: ¿no se asemeja el artilugio que se usa para intentar arreglar la indefinida avería del coche de Steenbeck con el que surge de la nave espacial?). La realidad no deja de ser un apastelamiento que camufla sus averías. MUY RECOMENDABLE.
2023: Festival de Cannes. Nominada a la Palma de Oro.
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NASCONDERMI
Solo buscame esconderme.
- Título original
- Volevo nascondermi
- Año: 2021.
- Duración: 120 min.
Italia- Dirección: Giorgio Diritti
- Guion: Giorgio Diritti, Tania Pedroni, Fredo Valla. Historia: Giorgio Diritti, Fredo Valla
- Reparto: Elio Germano. Leonardo Carrozo. Oliver Ewy. Gianni Fantone.
- Música: Marco Biscarini, Daniele Furlati
- Fotografía: Matteo Cocco
- Compañías: Palomar, RAI Cinema, Aranciafilm, Regione Emilia-Romagna, Emilia-Romagna Film Commission, Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo
- Género: Drama | Biográfico. Pintura.
SINOPSIS: Antonio es expulsado de Suiza rumbo a Italia en contra de su voluntad.
Durante años ha vivido en la pobreza en las llanuras de Po, pero nunca
ha abandonado su pasión por la pintura. Película que narra la historia
del pintor 'naif' Antonio Ligabue, un revolucionario y solitario artista
moderno. EXCELENTE. Este biopic sobre el pintor naïf Antonio Ligabue trata de huir, sin
conseguirlo del todo, de la fórmula del tributo a la genialidad del
artista. En esas huidas es donde está lo mejor de la película, donde
encontramos a la persona detrás del personaje, con su muy particular
evolución: un esfuerzo continuado (aunque finalmente interrumpido) de
Antonio por alcanzar la misma vulgaridad terrenal que todos los demás,
dejando atrás su genuina conexión con la esencia de las cosas. Retrata
muy bien cómo la sociedad abomina de lo diferente y aplasta cualquier
sensibilidad que se aleje del mínimo común denominador. Y Elio Germano
resulta de lo más convincente a pesar de la diferencia de edad con el
personaje, y eso es importante en una obra en la que el trabajo recae
sobre todo en el actor protagonista y su director. IMPERDIBLE.
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MORDERCA
Im a Killer.
Soy un Asesino.
- Título original
- Jestem morderc.
- Año: 2020
- Duración: 117 min.
Polonia- Dirección: Maciej Pieprzyca
- Guion: Maciej Pieprzyca
- Reparto: Miroslaw Haniszewski, Arkadiusz Jakubik, Agata Kulesza, Magdalena Poplawska, Piotr Adamczyk, Karolina Staniec, Tomasz Wlosok, Michal Zurawski.
- Música: Bartosz Chajdecki
- Fotografía: Pawel Dyllus
- Compañías: RE STUDIO Renata Czarnkowska-Listos
- Género: Thriller | Basado en hechos reales. Crimen. Años 70. Asesinos en serie.
SINOPSIS: Basado en una una historia real sucedida a principios de los años 70, en
la época comunista en Polonia. Los habitantes de Zaglębie, una región
industrial en el sur del país, asisten a una ola de asesinatos
extremadamente brutales -cometidos entre 1964 y 1970-, y cuyas víctimas
eran mujeres -14 en total- de 16 a 57 años, todas asesinadas siguiendo
el mismo patrón. Historia del asesino en serie apodado "The Silesian
Vampire". MUY BUENA. Potente, sombrío y oscilante thriller dramático polaco que se basa en
hechos reales y desanda los crímenes de un asesino serial, el policía
que lo atrapó y un sistema político y social que sostenerse incólume no
duda en tergiversar, oprimir y mentir. Buen y equilibrado elenco. El director y guionista Maciej Pieprzyca (Chce sie zyc, 2013) consigue
combinar con bastante precisión y acierto los dos ejes temáticos de la
trama, por un lado la arista criminal y por el otro la política. Desde
ahí desanda una narrativa que arranca con una potencia muy prometedora,
pero que luego baja su intensidad de se hace mucho mas densa y alargada,
llegando a un final bien logrado y humanamente pesimista. La propuesta de Maciej Pieprzyca se muestra con mucha potencia inicial
que luego se enmaraña demasiado al desviarse excesivamente en la vida
del investigador, pero a pesar de sus debilidades no deja de impactar y
plantear con inteligencia el juego psicológico y político. La metamorfosis por la que atraviesan los protagonistas esta muy bien
plasmada en la narrativa y se permite cuestionar personas y sistemas
desde una óptica completamente derrotista, radicando allí sus máximos
méritos ya que esquiva los triunfalismos innecesarios. IMPERDIBLE.
2020: Festival Internacional de Shanghai: Mejor director.
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WAKE
Mamorarenakatta mono tachi e.
Los desprotegidos.
- Título original
- Mamorarenakatta mono tachi e
- Año: 2021
- Duración: 135 min.
Japón- Dirección: Takahisa Zeze
- Guion: Tamio Hayashi. Novela: Shichiri Nakayama
- Reparto: Takeru Satoh, Hiroshi Abe, Mitsuko Baishô, Seiji Chihara, Hideko Hara, Kento Hayashi, Kai Inowaki, Ryô Iwamatsu, Kaya Kiyohara, Daisuke Kuroda, Yûji Miyake, Kazuki Namioka, Naomi Nishida, Naoto Ogata, Kaoru Okunuki, Shingo Tsurumi, Shôhei Uno, Hidetaka Yoshioka.
- Compañías: Aeon Entertainment, Shôchiku, Kinoshita Group, Tôhan Kikaku. Distribuidora: Shôchiku
- Género: Drama. Thriller | Crimen.
SINOPSIS: Nueve años después del terremoto y tsunami de Tohoku de 2011, se llevan a cabo dos casos de asesinato en Sendai, prefectura de Miyagi. Se supone que las dos víctimas fueron asesinadas por la misma persona. Ambas víctimas fueron atadas por todo el cuerpo y murieron de hambre. Yasuhisa Tone emerge como sospechoso de los asesinatos. Yasuhisa Tone acaba de salir de prisión. En su pasado, cometió un incendio provocado e hirió a alguien para proteger a un conocido. El detective Seiichirō Tomashino descubre un vínculo común entre las dos víctimas y persigue a Yasuhisa Tone. EXCELENTE. El actor Takeru Satoh y el director Takahisa Zeze de The 8-Year Engagement están de regreso, esta vez acompañados por Hiroshi Abe para una adaptación cinematográfica de la novela de misterio del autor superventas Shichiri Nakayama. Nueve años después del Gran Terremoto del Este de Japón, ocurren espeluznantes asesinatos en el área urbana de la prefectura de Miyagi, donde las víctimas son atadas y abandonadas para que mueran de hambre. Todas las víctimas tenían reputación de ser buenos hombres, hombres íntegros. Seiichiro Tomashino (Hiroshi Abe), de la Primera División de Investigación de la Policía de la Prefectura de Miyagi, descubre puntos en común entre los dos asesinatos. Mientras tanto, Yasuhisa Tone (Takeru Satoh), aparece como sospechoso en la investigación. Tone, que había estado cumpliendo condena por cometer un incendio provocado y asalto mientras intentaba ayudar a un amigo, era un preso modelo que acababa de ser liberado. Si bien la policía no puede encontrar evidencia concluyente para implicarlo, ocurre un tercer asesinato. “¿Qué se debe proteger?” “¿Cuál es la razón de los asesinatos?” IMPERDIBLE.
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Lola.
- Título original
- LOLA
- Año: 2022
- Duración: 89 min.
Irlanda- Dirección: Andrew Legge
- Guion: Andrew Legge, Angeli Macfarlane
- Reparto: Emma Appleton (Thomasina)
Stefanie Martini (Martha)
Hugh O'Conor (Enoch)
Rory Fleck Byrne (Sebastian)
Ayvianna Snow (Rebecca Cavendish)
Aaron Monaghan (Cobcroft) -
- Música: Neil Hannon
- Fotografía: Oona Menges
- Compañías: Coproducción Irlanda-Reino Unido; Cowtown Pictures, Head Gear Films, Kreo Films FZ, Metrol Technology. Distribuidora: Bankside Films
- Género: Drama. Ciencia ficción | II Guerra Mundial. Años 40.
SINOPSIS: Inglaterra, 1941, las hermanas Thomasina y Martha han creado una máquina
que puede interceptar transmisiones del futuro. Este delicioso aparato
les permite explorar su punk interno una generación antes de que el
movimiento surja. Pero con la Segunda Guerra Mundial intensificándose,
las hermanas deciden usar la máquina como arma de inteligencia, con
consecuencias que alteran el mundo. EXCELENTE. Lola es una brillante propuesta de ciencia ficción con envoltorio de
found footage, que mezcla ingredientes tan sugerentes como viajes en el
tiempo, cultura popular, diversidad o nazismo. El film parte de una premisa conceptualmente lúcida (la posibilidad de
captar emisiones audiovisuales del futuro desde el pasado), pero el film
no se queda ahí. Arriesga en su desarrollo dramático introduciendo
temas de diversidad, cuestiones éticas, paradojas temporales,
ucronías... Una maravilla originalísima, que suplen su falta de presupuesto con
hallazgos visuales e imaginación, fusionando material de archivo y
metraje actual (lo cual la emparenta directamente con films como Zelig
(1983)). Al final estamos ante una original e inteligente propuesta de ciencia
ficción vintage, que sirve como homenaje al poder de las imágenes para
transformar el mundo. Una atractiva obra que arriesga en concepto y forma con resultados sugestivos. IMPERDIBLE.
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EL DESPERTAR DE LAS BESTIAS
Transformers: Rise Of The Beasts.
(EN CINES)
- Título original
- Transformers: Rise Of The Beasts
- Año: 2023
- Duración: 127 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Steven Caple Jr.
- Guion: Joby Harold, Darnell Metayer, Josh Peters, Erich Hoeber, Jon Hoeber. Historia: Joby Harold
- Reparto: Anthony Ramos, Dominique Fishback, Luna Lauren Velez, Dean Scott Vazquez.
- Música: Jongnic Bontemps
- Fotografía: Enrique Chediak
- Compañías: Entertainment One, Hasbro, New Republic Pictures, Paramount Pictures, Skydance Productions, Di Bonaventura Pictures, Bay Films. Distribuidora: Paramount Pictures
- Género: Acción. Aventuras. Ciencia ficción. Comedia | Robots. Extraterrestres. Años 90. Secuela.
VERSIÓN HABLADA Y SUBTITULADA EN CASTELLANO E INGLÉS.
SINOPSIS: En 1994, un par de arqueólogos se ven envueltos en un antiguo conflicto a
través de una aventura por todo el mundo que se relaciona con tres
facciones de Transformers: los Maximals, los Predacons y los Terrorcons
mientras ayudan a Optimus Prime y los Autobots en una guerra para
proteger la Tierra ante la llegada de Unicron. BUENA. Siguiendo la línea de la anterior, Bumblebee, y manteniendo sus hechos
con alguna referencia, esta entrega nos muestra facciones diferentes y
tiene más originalidad. En este caso tenemos a los Maximals como aliados
y a los TerrorCon como villanos. Esta entrega es menos flipada y más a pie de calle que las demás, es más
"realista" dentro de lo que se puede ser en esta saga. Cada personaje
humano tiene su vida, complejidad y problemas y no aburre al contarlo.
Contiene muy buenas escenas de acción durante todo el film y visualmente
es una gozada, es muy entretenida y las peleas entre los Transformers
estan genialmente realizadas, gracias en parte al nuevo diseño de los
mismos, mucho más acertado desde Bumblebee. En cuanto a los Maximals, mis favoritos desde que vi Beast Wars, me
falto Ratrap, que aparecía en la mítica serie clásica y era una rata, y
más protagonismo para otros integrantes del grupo como Cheetor o Rhinox,
ya que casi todo el peso de la cinta recae en Primal. Aún así, Airazor y
Primal están geniales. Me hubiera gustado ver más de sus formas robots,
pero espero verlos más adelante. Los TerrorCon molan e imponen, las arañas de Scourge provocan algún
momento de tensión, en mi sala algunas personas se asustaron con algunas
escenas. Battletrap me pareció el mejor de los 3 villanos. En los Autobots, tenemos de nuevo a Optimus y Bumblebee. Bumblebee pasa a
un segundo plano, pero sin duda el Autobot que más destaca es Mirage,
el humor que tiene el personaje es maravilloso y entra estupendamente y
se ha convertido en uno de mis Autobots cinematográficos favoritos.
Aunque en general, todos los que aparecen aquí, geniales. La banda sonora no recae ya en Steve Jablonsky habitual de la saga Bay, o
Dario Marianelli, compositor de Bumblebee. En este caso tenemos a
Jongnic Bontemps y si bien, no es mala BSO siempre me ha gustado más el
trabajo de Jablonsky, eso si, hay un momento puntual de la música, que
es maravilloso y muchos recordaréis ese tema. En resumen, para mi la mejor entrega de la saga (antes lo era la 3).
Buena acción, buena trama, muy entretenida y con buen humor. Mirage es
una maravilla, y los Maximals, están geniales aunque me falta algo más
de protagonismo para algunos integrantes del grupo. RECOMENDABLE.
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THE APOTHECARY
Apteeker Melchior.
- Título original
- Apteeker Melchior
- Año: 2023
- Duración: 100 min.
Estonia- Dirección: Elmo Nüganen
- Guion: Indrek Hargla, Olle Mirme, Elmo Nüganen
- Reparto: Märten Metsaviir, Alo Kõrve, Maarja Johanna Mägi, Siim Kelner, Ken Rüütel, Marko Matvere, Martin Kork, Mait Malmsten, Kristjan Sarv, Andero Ermel, Franz Malmsten, Henessi Schmidt, Hendrik Toompere Jr., Jaan Pehk, Gatis Gaga
- Música: Liina Sumera
- Fotografía: Mihkel Soe
- Compañías: Apollo Film Productions, Film Angels Production, HansaFilm, Maze Pictures, Nafta Films, Taska Film, iN SCRiPT
- Género: Thriller | Crimen. Edad Media.
SINOPSIS: Un thriller criminal medieval sobre un farmacéutico de Tallin que tiene que descubrir el secreto detrás de una terrible ola de asesinatos que amenaza con destruir todo el mundo cristiano. MUY BUENA. Basado en un éxito de ventas de crimen de Indrek Hargla, “Melchior the Apothecary” cuenta la historia de un boticario en la Tallin medieval, que tiene una habilidad especial para resolver misterios y es contratado por la ciudad para desenredar un misterioso caso de asesinato. El thriller policiaco histórico de Elmo Nüganen "Melchior the Apothecary" es la entrega inicial de una trilogía: la primera vez que se produce una trilogía cinematográfica en Estonia. Las tres películas se rodaron simultáneamente entre el 2021 y el 2023. La segunda película de la serie debería llegar a los cines el 19 de agosto de 2023 y la tercera el 14 de octubre de 2023. Historia de detectives en la Tallin medieval: trama interesante, giros sorprendentes, conclusiones lógicas, momentos tensos. MUY RECOMENDABLE.
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DALÍLAND
Tierra de Dalí.
- Título original
- Dalíland.
- Año: 2023
- Duración: 104 min.
Reino Unido- Dirección: Mary Harron
- Guion: John Walsh. Biografía sobre: Salvador Dalí
- Reparto: Ben Kingsley. Ezra Miller. Barbara Sukowa. Christopher Briney. Rupert Graves. Alexander Breyer.
-
Música: Edmund Butt
- Fotografía: Marcel Zyskind
- Compañías: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Zephyr Films, Edward R. Pressman Film, Room 9 Entertainment, Neon Productions, Popcorn Group, Serein Productions. Distribuidora: Front Row Filmed Entertainment
- Género: Drama | Años 70. Pintura. Biográfico.
SINOPSIS: En 1973, una joven asistente de una galería se embarca en una loca aventura entre bastidores mientras ayuda al anciano genio Salvador Dalí a prepararse para un gran espectáculo en Nueva York. MUY BUENA. Ben Kingsley protagoniza (con la ayuda de Ezra Miller) la astuta biografía de Mary Harron sobre el envejecimiento y la lucha de Salvador Dalí. Lo último de la espléndidamente extravagante filmografía de la directora captura la locura, la comedia y la tragedia de la leyenda surrealista que convirtió su propia identidad en una obra de arte. Hay un género que me gusta tanto que nunca me canso de él, lo llamo "La biografía de alguien sobre quien no harías una biografía". El género surgió de cierta manera con "Sid y Nancy", pero fue patentado por los guionistas Scott Alexander y Larry Karaszewski, quienes lo pusieron en el mapa en 1994 con "Ed Wood" (aún la "Ciudadano Kane" del género), luego escribieron "El escándalo Larry Flynt", "El mundo de Andy" (sobre Andy Kaufman), "Ojos grandes" (sobre el pintor Walter Keane y su esposa Margaret, quien resultó ser la verdadera pintora), y "Dolemite Is My Name" (sobre el carismático comediante Ray Moore). Ha habido películas de este género en otros ámbitos, como el excelente "Auto Focus" de Paul Schrader (sobre la estrella de televisión Bob Crane y su vida sexual fetichista), y hasta la reciente sensación del Festival de Cine de Toronto "Weird: The Al Yankovic Story". Pero hay una directora que ha sido una gigante de este género, aunque la gente no suele pensar en ella de esa manera. Se trata de Mary Harron, una talentosa y audaz maverick que convierte la voyeurística biografía fuera de lo común en una obsesión artística. Tienes la sensación de que Harron, que comenzó como periodista de música punk, no se preocupa por hacer las películas respetables que se supone que debe hacer. Ella hace películas sobre las personas que la fascinan. Su primer largometraje fue "Disparé a Andy Warhol" (1996), y sigue siendo un thriller, una película que se atrevió a tratar a Valerie Solanas, la demente asesina frustrada de Warhol, como una heroína feminista (sin suavizar de ninguna manera su desequilibrio), al mismo tiempo que nos dio el mejor retrato de la vida dentro de la Factory que se haya filmado. Desde entonces, las películas de Harron han incluido la deliciosa y reveladora "La Notoria Bettie Page", la valiente película para televisión "Anna Nicole" (sobre Anne Nicole Smith) y "Charlie Says" (sobre Charles Manson y la vida dentro de la Familia, que Harron capturó de manera convincente al igual que a los habitantes de Warhol). Su nueva película es "Dalíland", sobre el surrealista español Salvador Dalí, y se podría decir que Dalí, a diferencia de la mayoría de los demás, es un tema perfectamente obvio y central para una biografía, considerando que fue, junto con Picasso, el pintor más famoso de su tiempo. Pero el aspecto extravagante y detrás del telón de "Dalíland" es que la película trata de Dalí cuando era un hombre mayor (interpretado en la película por Sir Ben Kingsley), un juerguista destrozado pero aún imponente que, a sus primeros 70 años, convirtió su vida en un acto interminable de teatro surrealista. En "Dalíland", hay dos flashbacks al joven Dalí (interpretado por Ezra Miller, quien se le parece de forma asombrosa), pero el corazón de la película es una mirada maravillada a lo que Dalí se convirtió, y por lo tanto, tal vez siempre fue, una vez que dejó atrás el punto álgido de su fama temprana y su genio controvertido. La configuración de los años 70 de la película le permite ser un retrato del momento en que el mundo del arte experimentó un cambio tectónico, fusionándose con la cultura del dinero y convirtiéndose en una especie de hucha para los adinerados. Y Dalí y Gala, a su manera, han contribuido a esto. Son explotadores de la leyenda de Dalí que, a su vez, han sido explotados. Pero eso se debe en parte a una gran paradoja que está en el corazón de la película: Dalí, como Warhol, parece ser un incomparable comercializador de su propia celebridad, pero en el caso de Dalí, la imagen es tan escandalosa que ha superado e incluso derrotado al arte. Nadie lo toma en serio ya; cuando su exposición finalmente se abre, con algunas obras vitales, la mayoría de los críticos importantes ni siquiera se molestan en reseñarla. "Dalíland" comienza como un tour delicioso por el espectáculo más delirante del mundo del arte. Pero se convierte en una tragedia con un tono serio acerca de un hombre que convirtió su propia identidad en una obra de arte, y al hacerlo, expulsó la vida misma del lienzo. IMPERDIBLE.
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Abe
Abe.
- Título original
- Abe
- Año: 2021
- Duración: 84 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Fernando Grostein Andrade
- Guion: Lameece Issaq, Jacob Kader. Historia: Fernando Grostein Andrade, Christopher Vogler
- Reparto: Noah Schnnap. Seu Jorge. Mark Margolis. Dagmara Dominick.
-
Música: Guilherme Amabis
- Fotografía: Blasco Giurato
- Compañías: Coproducción Estados Unidos-Brasil; F.J.Productions, Gullane Pictures, Spray Filmes
- Género: Drama | Religión. Familia. Adolescencia.
SINOPSIS: La parte judío-israelita de su familia le llama Avram. La parte
palestino-musulmana, Ibrahim. Sus padres, unos abogados agnósticos
criados en norteamérica, Abraham. Pero el joven de 12 años que vive en
Brooklyn y que adora la comida y cocinar, prefiere que le llamen simple y
llanamente Abe. Sólo Abe. MUY BUENA. Abraham Solomon-Odeh (Noah Schnapp), un hijo único cuyos abuelos israelíes y palestinos apenas pueden mantener una conversación sin estar en desacuerdo. Su mamá, Rebecca (Dagmara Dominczyk), y su papá, Amir (Arian Moayed), no son de mucha ayuda para mantener la paz en la familia, a pesar de que afirman ser completamente agnósticos. Así que no sorprende a Abe cuando su fiesta de cumpleaños número 12 se convierte en una hostilidad total entre sus familiares. Todos afirman que quieren lo mejor para él, pero muestran un apoyo bastante escaso a sus intereses, en particular a su pasión por la comida y la cocina, que disfruta en su blog de Tumblr "Abe Cooks". Abandonando a los adultos descontentos para ver una feria callejera en su vecindario multiétnico, rastrea la cocina "Mix It Up" del chef brasileño Chico (Seu Jorge), que presenta una fusión de sabores sudamericanos, neoyorquinos y jamaicanos. Schnapp, ofrece una actuación atractiva basada en la lucha de Abe por conectarse con su familia. Si bien esto a veces implica un comportamiento que no siempre parece alinearse con su personalidad, como abandonar el campamento de verano o mentirle a sus padres, estas inconsistencias también revelan el crecimiento gradual de Abe a medida que se extiende más allá de su zona de confort para perseguir sus ambiciones. Aunque se le ve con muy poca frecuencia fuera de las producciones brasileñas, el renombrado músico y actor Jorge demuestra sin esfuerzo su versatilidad artística, adaptándose fácilmente a la posición de Chico como chef-filósofo mientras asesora a Abe. Para Jorge, es un papel que se basa tanto en su meliflua entrega de diálogos en inglés como en su sincero y conmovedor consejo a un adolescente confundido con un gran potencial. Tal vez consciente del atractivo de los documentales y series de telerrealidad para amantes de la juventud como Chef Flynn y MasterChef Junior, la cinematografía de Blasco Giurato (Cinema Paradiso) se apega principalmente a un estilo realista, animado por secuencias animadas ocasionales y breves videoclips, logrando un excelente resultado final. MUY RECOMENDABLE.
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DOCUMENTALES
COMETE
Un verano en Córcega.
- Título original
- I comete.
- Año: 2022
- Duración: 128 min.
Francia- Dirección: Pascal Tagnati
- Guion: Pascal Tagnati
- Reparto.Documental.
-
Fotografía: Javier Ruiz Gomez
- Compañías: 5à 7 Films, Lotta Films
- Género: Drama. Documental
SINOPSIS: Verano en Córcega. Los habitantes de un pueblo en la montaña
experimentan en verano a su propia manera: los niños juegan, los
adolescentes coquetean y los ancianos hablan sobre el paso del tiempo en
el bar local. MUY BUENA. En un pueblo de Córcega enclavado en las montañas, cada uno vive el verano a su manera: los niños juegan, los adolescentes coquetean y los mayores comentan el paso del tiempo en el bar de su barrio. En el calor de agosto, las tensiones no tardan en aumentar mientras una familia lucha por evitar que los rencores salgan a la superficie. A veces, una chispa es todo lo que se necesita para prender fuego a los maquis. El actor y director de teatro Pascal Tagnati debuta en el largometraje con una narración cinéma vérité que transcurre por un pequeño pueblo de Córcega. Su guión de viñetas (ocasionalmente provocativas) entrelaza a lugareños y veraneantes que tienen experiencias separadas con algunos personajes que ocasionalmente se superponen. Mientras trabaja, Franje (Jean-Christoph Folly) pasa el rato con un grupo de amigos y se ocupa de problemas personales. Se muestra que una pareja, Bastien y Theo, tienen dificultades para lidiar con la perspectiva inconsolable de Theo de que es un fracaso en la vida. A continuación, dos niñas están discutiendo la dinámica de poder en una relación y discrepan con humor sobre la monogamia. Y finalmente, un pastor de ovejas se ve envuelto en una desagradable disputa por la tierra con sus rivales locales. Mi escena favorita es una conversación unilateral entre Franje y la anciana que cuida. Continúa hablando de la austeridad, el racismo y el clima político cambiante de Europa. Parece resumir todos los problemas globales en un soliloquio prolijo pero fascinante. Franje es la única persona negra en el pueblo y tiene que manejar los lazos de su padre fallecido con un casino. Para un debut, Tagnati muestra un ojo seguro para el ritmo y los ángulos. Cada conversación o interludio musical está lleno de movimiento mientras la cámara permanece estancada en un rincón similar a una actuación en el escenario. Las locaciones parecen sacadas de una postal y el guión es una mirada perspicaz a las vidas y costumbres de un lugar que rara vez se captura en la pantalla. Al principio, esperaba una historia serpenteante, pero casi todas las escenas y conversaciones conducen a una conclusión o revelación satisfactoria para sus personajes principales. MUY RECOMENDABLE.
2022: Festival Internacional de Rotterdam: Premio Especial del Jurado.
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CINE ARTE
Ciclo: Akira Kurosawa Inédito.
THE
QUIET DUEL
El duelo silencioso.
Shizukanaru Kettô.
- Título original
- Shizukanaru Kettô
- Año: 1949
- Duración: 95 min.
- Japón
- Dirección: Akira Kurosawa
- Guion: Akira Kurosawa. Obra: Kazuo Kikuta
- Reparto: Toshiro Mifune. Takashi Shimura. Miki Sanjo. Cheko Nakakita.
-
Música: Akira Ifukube
- Fotografía: Soichi Aisaka (B&W)
- Compañías: Daiei Eiga
- Género: Drama. Romance | Medicina. Enfermedad. II Guerra Mundial.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HD 1080P.
SINOPSIS: Kyoji Fujisaki (Mifune), un joven cirujano militar, contrae la sífilis
mientras cura a un herido durante la guerra. Acabada la contienda, la
enfermedad será motivo de discusión entre el médico y su prometida.
Finalmente, él no tendrá más remedio que enfrentarse a un grave dilema:
aceptar, en su estado, las responsabilidades de la vida familiar o
dedicarse en cuerpo y alma a la medicina. EXCELENTE. Magistral melodrama de la primera etapa de Kurosawa de notable carga
humanista y carácter reflexivo sobre la naturaleza del ser humano, en el
que los silencios son tan importantes como las palabras y el nudo
dramático resulta creíble y emotivo. Ademas Kurosawa introduce una clara
intención social a la historia, ofreciendo una interesante visión sobre
la sociedad Japonesa posbélica, centrada en los personajes de Kyoji
(Toshiro Mifume) como su parte moderna pero aferrada a la moral y honor
tradicional, el de Misao (la novia de Kyoji) representando a la parte
anclada en la tradición que debe ceder para sobrevivir y por último el
de Rui (la enfermera), representando a la parte de esta que tras pasar
todo tipo de dificultades termina recuperándose a base de esfuerzo y
replanteamiento de las cosas, único futuro posible para el país. Pero
mas allá de esto, el relato se centra en el retrato de los personajes,
con singular acierto y delicadeza. Aunque el personaje mejor retratado
es el de Kyoji, con la dificultad añadida de que no manifiesta sus
sentimientos, el resto están definidos con precisión y buen gusto. Pero
la sorpresa tal vez llega en el personaje de Rui, que empezara sin tener
peso en la historia, apareciendo siempre en segundo termino en el
plano, que según va evolucionando y alcanzando mayor importancia en la
historia empezara a compartir plano con Mifume. Esa transformación
termina siendo una de las mejores tramas de la historia y un punto a
favor de Kurosawa por saber llevarla con maestría. La maravillosa
fotografía en blanco y negro de clara influencia expresionista resulta
particularmente acertada jugando con las sombras y las tomas a través de
los objetos para incidir en la presión psicológica sobre el
protagonista. En cuanto a los actores, en general resultan muy creíbles,
pero un impresionante Mifume soporta casi toda la carga dramática del
film, aportándole una sobriedad al personaje asombrosa, dejándonos ver
en su interior lo que sus palabras callan, en una interpretación de
nuevo impecable y emotiva. La labor de Kurosawa en la dirección es toda
una lección de maestría, manejando con soltura a los actores, valiéndose
de los espacios (interiores principalmente) y objetos para delimitarlos
y definirlos. Tanto el montaje como la puesta en escena, valiéndose de
las ventajas de un texto teatral aprovechando al máximo los interiores,
funcionan a la perfección. Cada elemento colabora en un resultado final
impecable, logrando un conjunto ejemplar. Y lo mejor de todo es que
esta brillante etapa de su carrera no es mas que el anticipo de su
momento mas creativa. Kurosawa era así. IMPERDIBLE.
TRAILER
Vivir.
Living.
- Título original
- Ikiru.
- Año: 1952
- Duración: 143 min.
- Japón
- Dirección: Akira Kurosawa
- Guion: Akira Kurosawa, Shinobu Hashimoto, Hideo Oguni
- Reparto: Takashi Shimura. Nobuo Kaneko. Kyoko Seki. Makoto Kobori.
-
Música: Fumio Hayasaka
- Fotografía: Asakazu Nakai (B&W)
- Compañías: Toho
- Género: Drama | Enfermedad. Vejez / Madurez. Drama psicológico. Trabajo/empleo.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HD 1080P.
SINOPSIS: Kanji Watanabe es un viejo funcionario público que arrastra una vida
monótona y gris, sin hacer prácticamente nada. Sin embargo, no es
consciente del vacío de su existencia hasta que un día le diagnostican
un cáncer incurable. Con la certeza de que el fin de sus días se acerca,
surge en él la necesidad de buscarle un sentido a la vida. EXCELENTE. Todavía quedan ángeles en la Tierra.
No tienen alas, ni aureolas. Su aspecto puede ser el de una persona con
la que te cruzarías en la calle. El aspecto de un oficinista de traje
oscuro cuya existencia ha transcurrido enterrada entre papeles,
vegetando en una especie de vacía imitación de esto que damos en llamar
"vida". Kurosawa toma a un hombre del montón, un hombre que lleva treinta años
muriendo despacio, hora tras hora, consumido en la absurda rutina de los
tiempos que corren. Tiempos de una civilización cada vez más compleja y
carente de humanidad, en la que lo que falta precisamente es el tiempo,
y la compasión, para todo lo que es de veras esencial. Falta tiempo y
compasión para atender a quienes realmente necesitan ayuda. Tantos funcionarios sumergidos como ratas en los cubículos impersonales
de su propio egoísmo y de su propio alejamiento del pulso cada vez más
débil de un corazón que se ha ido apagando latido a latido. Watanabe es uno de esos funcionarios, bandera e icono de la aplastante y
con frecuencia inútil burocracia que es uno de los mayores lastres de
la actualidad. Pero él va a recibir una señal, un aviso para concederse una segunda
oportunidad en su vida malgastada: una condena a muerte. Un cáncer de
estómago que sella drásticamente su destino. Y entonces surge el héroe que estaba dormido, que moría lentamente en la
indiferencia, y que justo ahora comienza a vivir. A despertar a nuevas
sensaciones en su interior, y a lo que vibra en el exterior. El ser humano es una criatura curiosa y bastante absurda, porque no sabe
apreciar lo que tiene hasta que está a punto de perderlo. De modo que Watanabe abandona su pátina de oficinista adormilado y se
zambulle en el pálpito bullicioso de noches de embriaguez, ruido, música
y frívola evasión, en días de búsqueda de una juventud y de una
vitalidad perdidas y, por fin, en la gesta de una compasión bienhechora
que dejará una pequeña pero profunda huella de su paso por este mundo
cansado de sí mismo y que casi ha dejado de creer en los prodigios. El pequeño ángel resurgido quizás sólo haya sido una tenue lucecita que
una vez brilló entre tinieblas, pero una luz que, al fin y al cabo, tuvo
el valor de resplandecer entre tantas lámparas demasiado arrastradas
por una inercia que las mantiene apagadas. Una de las grandes obras maestras del maestro Kurosawa, y me uno a
quienes la sitúan entre las mejores películas de este planeta necesitado
de héroes urbanos que deciden apurar su último aliento mientras cantan
una canción de esperanza. IMPERDIBLE.
OF BLOOD
Trono de Sangre.
Kumonosu-jô.
- Título original
- Kumonosu-jô (Throne of Blood)
- Año: 1957
- Duración: 110 min.
- Japón
- Dirección: Akira Kurosawa
- Guion: Akira Kurosawa, Ryuzo Kikushima, Hideo Oguni, Shinobu Hashimoto. Obra: William Shakespeare
- Reparto: Toshiro Mifune. Isuzu Yamada. Takashi Shimura. Akira Kubo.
- Música: Masaru Satô
- Fotografía:Asakazu Nakai (B&W)
- Compañías: Toho, Kurosawa Production Co.
- Género: Drama | Japón feudal. Siglo XVI. Samuráis.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HD 1080P.
SINOPSIS: Japón feudal, siglo XVI. Adaptación del "Macbeth" de William Shakespeare. Cuando los generales Taketori Washizu y Yoshaki Miki regresan de una victoriosa batalla, se encuentran en el camino con una extraña anciana, que profetiza que Washizu llegará a ser el señor del Castillo del Norte. A partir de ese momento, su esposa lo instigará hasta convencerlo de que debe cumplir su destino. EXCELENTE. Al trasladar la historia de Shakespeare al japón feudal, Kurosawa no sólo crea una adaptación de una obra literaria en imágenes, sino que consigue una intertextualidad hasta la fecha no vista. Como ya demostrara con Rashomon (1950), el director se adelantaba a su tiempo. “Trono de sangre” es sin duda, la mejor adaptación cinematográfica de cuantas se han hecho de Macbeth (y una de las mejores adaptaciones literarias de la historia del séptimo arte) y al mismo tiempo, es la versión más alejada de los estrictamente escrito por W. Shakespeare. El director nipón, mutila parte del texto y cambia ciertos pasajes para construir un Macbeth cuya fuerza radica en la imagen y el plano escogido (al contrario que Welles, en “Trono de sangre” abundan los planos generales, suavizando así la tragedia; pero hay también, unos primeros planos que hielan la sangre -como cuando Washizu (el Macbeth de Shakespeare) y Miki (Banquo en la obra de teatro) adquieren los honores profecitados por la bruja o cuando Lady Washizu (L. Macbeth) convence a su marido para matar al rey-). Kurosawa realiza un meticuloso trabajo de cámara y una maravillosa puesta en escena. Es puro cine conseguido por un lenguaje cinematográfico apoteósico. En “Trono de sangre” podemos apreciar a la Lady Macbeth (Lady Asaji Washizu interpretada por Isuzu Yamada) más pavorosa y fría. Kurosawa usa el plano fijo cada vez que Asaji confabula con su marido Taketori Washizu (Toshirô Mifune). Los movimientos suaves, casi gravitatorios de Asaji y un maquillaje fantasmal ayudan a crear a la mejor L. Macbeth de cuantas hayan sido adaptadas. Su suerte no despertará pena alguna en el espectador. Al desprenderse más del texto, gana en universalidad (el director se queda con la naturaleza ambiciosa y manipulable del hombre para extrapolarlo a un mundo completamente ajeno al medievo europeo de primeros del milenio donde Shakespeare basó su obra) ,y la película se mueve más por el camino psicológico. Todo queda menos expuesto. La universalidad y atemporalidad de Shakespeare hacen que sus obras sean, en cierto sentido, fácilmente adaptables. Pero son pocas las que consiguen ir más allá de lo que dejó escrito el dramaturgo. Escasas son, las adaptaciones cinematográficas que intentan (y triunfan) al llevar a la pantalla no sólo la palabra (los diálogos y la naturaleza humana que Shakespeare radiografió) sino la esencia de la obra en imágenes imperecederas. El brillante final, traidor al texto de Shakespeare, termina por destapar la importancia de esta obra. Kurosawa se desprende definitivamente del mejor dramaturgo de la historia, y lo hace sin arrugarse, saliendo airoso y cambiando de un plumazo la tragedia clásica por la épica. IMPERDIBLE.
1957: Festival de Venecia: Ganadora al León de Oro.
TRAILER
SLEEP WELL
Los canallas duermen en paz.
Warui yatsu hodo yoku nemuru.
- Título original
- Warui yatsu hodo yoku nemuru (The Bad Sleep Well)
- Año: 1960
- Duración: 150 min.
- Japón
- Dirección: Akira Kurosawa
- Guion: Akira Kurosawa, Ryuzo Kikushima, Hideo Oguni, Shinobu Hashimoto, Eijiro Hisaito
- Reparto: Toshiro Mifune. Takeshi Takó. Masayuky Mori. Takashi Shimura.
- Música: Masaru Satô
- Fotografía: Yuzuru Aizawa
- Compañías: Toho
- Género: Thriller. Cine negro. Drama | Crimen. Neo-noir. Drama psicológico. Venganza.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HD 1080P.
SINOPSIS: La hija del presidente de una importante empresa inmobiliaria se casa con Nishi, el secretario de su padre. Durante la boda, ciertos rumores y comentarios circulan entre los invitados: cinco años antes, cuando un hombre murió tras caer por la ventana del último piso del edificio de la compañía, mucha gente dudó de la versión oficial, según la cual se había tratado de un suicidio. EXCELENTE. Con bastantes dosis de crítica social, el mayor interés de "Los canallas duermen en paz" está en una estética negra muy lograda y en un elegante guión, aunque con un par de fisuras bien disimuladas. También la música de Sato es, como siempre, magnífica –me gusta hasta la cancioncilla que silba Nishi–. En mi humilde opinión, la sinopsis de la distribuidora no es muy inteligente. Si no la has leído todavía o no te acuerdas de ella, hazme caso y no la leas, porque entonces la película será para ti una sorpresa tras otra. Si la has leído, los primeros cuarenta minutos (aprox.) se te harán previsibles, pues en ellos se cuenta con un magnífico sentido de la intriga todo lo de la sinopsis. Sin llegar a desvelaros nada relevante que os pueda estropear la experiencia, os diré que al final todo es una historia negra de venganzas en la que el romanticismo adquiere un papel protagonista. Contiene además una de las escenas más bonitas de la filmografía de Kurosawa: cuando a Yosiko se le cae el vaso. El final de la película es brillante, por original e inesperado. En "Los canallas duermen en paz" los malos son pequeños diablos, y se agradece ver a villanos tan bien perfilados. IMPERDIBLE.
1961: Festival de Berlín: Mejor guión.
- 6 Mejores películas de cine negro
- 10 Mejores películas japonesas de la historia
- 15 Mejores thrillers de la historia del cine
TRAILER
MINISERIES Y SERIES
LA NOCHE
EN QUE
LOGAN DESPERTÓ
La nuit où Laurier Gaudreault s'est réveillé.
MINISERIE COMPLETA
5 EPISODIOS
2 DISCOS.
- Título original
- La nuit où Laurier Gaudreault s'est réveilléaka
- Año: 2023
- Duración: 320 min.
Canadá- Dirección:Xavier Dolan
- Guion:Xavier Dolan, Michel Marc Bouchard
- Reparto: Julie LeBreton. Xavier Dolan. Patrick Hivon. Eric Bruneau. Magalie Lepine. Julianna Coté.
- Música: David Fleming, Hans Zimmer
- Fotografía: André Turpin
- Compañías: Productions Nanoby, Canal+, Québecor Contenu. Distribuidora: VVS Films, Canal+, Québecor Contenu, TVA Films, Studio Canal International
- Género: Drama. Intriga. Thriller | Melodrama. Familia. Años 90. Miniserie de TV
SINOPSIS: A principios de la década de 1990, Mimi y su hermano Julien son los mejores amigos de Logan. y forman un trío inseparable. Ellos juegan en el equipo de béisbol y acaban de ganar el campeonato regional, mientras que Mimi sueña con dedicarse al teatro. Pero en 1991 su relación se rompe abruptamente cuando ocurre un terrible incidente que les fuerza a tomar caminos separados. Las dos familias están destrozadas y nada volverá a ser lo mismo. Treinta años después, Mimi, convertida en una tanatóloga de renombre, regresa a su tierra natal para cuidar de su madre, y se reencuentra con ellos. Los rencores y las viejas heridas resurgen con más fuerza que nunca. EXCELENTE. La última obra de Xavier Dolan, “La noche que Logan despertó”, es un melodrama familiar que va tornando hacia el trhiller psicológico según avanza la trama. Cuatro hermanos (Julien, Denis, Elliot y Mireille; espectacular Julie LeBreton) con sus traumas, sus distancias y sus vidas infelices en torno a un pasado del que nada sabemos y del cual se nos irá filtrando información poco a poco. A este respecto, los dos primeros episodios acontecen apenas una presentación críptica de personajes donde lo onírico se confunde con lo real al más puro estilo de David Lynch. Buenos mimbres, en definitiva, para un buen trabajo que no debería pasar desapercibido. Abre un capítulo con esta cita de Pierre Corneile: «un mentiroso siempre es pródigo en juramentos». De eso va este trabajo, de la redención a través de la verdad. Del amor, si acaso no son lo mismo. El montaje es excepcional, en el primer capítulo es impactante, en el resto ya estás acostumbrado, pero mantiene su altísimo nivel. Las actuaciones, los personajes y sus razones, los diálogos, la ambientación… todo es muy convincente para conformar una narración con tanta maestría, con tan buena letra y habilidad. IMPERDIBLE.
TRAILER
FOUNDATION
SEASON 1
TEMPORADA COMPLETA
10 EPISODIOS
4 DISCOS.
- Título original
- Foundation
- Año: 2021-2023
- Duración: 600 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Josh Friedman (Creador), David S. Goyer (Creador), Rupert Sanders, Alex Graves, Roxann Dawson, Jennifer Phang, Andrew Bernstein
- Guion: Josh Friedman, David S. Goyer, Victoria Morrow, Leigh Dana Jackson.
- Reparto: Lou Liobel.Jared Harris. Lee Pace. Leah Ferguson. Cassian Bilton.
- Música: Bear McCreary
- Fotografía: Danny Ruhlmann, Darran Tiernan, Tico Poulakakis, Owen McPolin, Cathal Watters, Steve Annis
- Compañías: Skydance Television, Wild Atlantic Pictures, Latina Pictures. Distribuidora: Apple TV+
- Género: Serie de TV. Ciencia ficción | Distopía.
SINOPSIS: Basada en la fascinante obra de Isaac Asimov, Foundation gira en torno a un grupo de exiliados en el ocaso del Imperio Galáctico y su afán por salvar a la humanidad y reconstruir la civilización. MUY BUENA. La superproducción de Apple TV+ es una serie convincente y exigente, que proyecta al mañana nuestro pasado, que ensalza la razón frente a la superstición. Isaac Asimov fue un visionario que se anticipó a los debates que tenemos hoy sobre la inteligencia artificial y la robotización, y que imaginó un futuro en que la humanidad coloniza galaxias. El maestro de la ciencia ficción, además de divulgador histórico y científico, publicó en 1951 Fundación, pilar de una saga de 16 novelas colocadas antes y después. El autor, racionalista y ateo, quiso que el gran profeta de su universo fuera un científico que desarrolla la psicohistoria, una forma matemática de prever el porvenir. Ni fuerzas mágicas ni visiones místicas. Puro empirismo. Ni el cine ni la televisión se atrevieron con una obra difícil de adaptar, demasiado intelectual, que se divide en relatos, que abarca siglos, donde escasea el amor y que tiene poca acción. Llegó su momento: la serie Fundación es la más ambiciosa que ha producido Apple TV+. Se toma libertades con el guion para hacerlo más emocionante; eso irrita a los puristas. Y se nota que no faltaron recursos: técnicamente es impecable. Los escenarios, convincentes: esa superpoblada capital imperial, Trántor, esa periferia de Términus y otros planetas inhóspitos. Y las actuaciones, notables: Jared Harris (qué magnética su voz) como el profeta-matemático Hari Seldon; Lee Pace, un emperador como los romanos cuya dinastía se perpetúa mediante la clonación (siempre hay tres de distintas edades; el César es el mediano). Y las actrices que encarnan a tres personajes feminizados (Asimov no se anticipó a la diversidad en los repartos): la joven Lou Llobell, como la genial matemática que continuará la misión de Seldon; Lea Harvey, guerrera y guardiana del saber que contiene esa enciclopedia total que es la Fundación, y Laura Birn, una robot en la que afloran sentimientos que se supone que no debería tener. Silencien los móviles: esta es una serie exigente, que pide atención, que narra en paralelo distintas líneas temporales. Que tiene belleza visual, que proyecta al mañana nuestro pasado, que remite al auge y caída de los grandes imperios, que reflexiona sobre la tiranía y los refugiados, sobre la identidad, que ensalza la razón sobre la superstición. El hecho de que se estrene en una plataforma por ahora minoritaria como Apple TV+ quizá impida que se convierta en un fenómeno como el de las sagas galácticas más populares. Si acaso, incluso cuando se aleja de los libros, tiene la frialdad y la magia justa que hace que sea muy Asimov. IMPERDIBLE.
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