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ESTRENOS
DE LA SEMANA
EL FAVOR
No Hard Feelings .
(EN CINES)
- Título original
- No Hard Feelings
- Año: 2023
- Duración: 103 min.
Estados Unidos- Dirección: Gene Stupnitsky
- Guion: John Phillips, Gene Stupnitsky
- Reparto: Jennifer Lawrence, Andrew Barth Feldman, Laura Benanti.
- Música: Mychael Danna, Jessica Weiss
- Fotografía: Eigil Bryld
- Compañías: Sony Pictures, Odenkirk Provissiero Entertainment, Excellent Cadaver. Distribuidora: Sony Pictures
- Género: Comedia | Comedia romántica.
SINOPSIS: Cuando está a punto de perder su casa de la infancia, Maddie (Lawrence) descubre un curioso anuncio de trabajo: unos adinerados padres controladores están buscando a alguien que salga en una cita con su introvertido hijo de 19 años, Percy, antes de que este vaya a la Universidad. Para su sorpresa, Maddie descubre pronto que la torpeza de Percy no está tan clara. MUY BUENA. Hazme el favor parece un eslabón perdido de esa comedia sexual americana que volvió a cobrar popularidad a comienzos del siglo 21 tras el suceso de American Pie.Producciones que tomaban ese contenido picante dentro de las historias con adolescentes que había primado en los años ´80. El éxito comercial de este film en los Estados Unidos se relaciona un poco con el clima asfixiante que generó en los últimos años el exceso de corrección política en los contenidos hollywoodenses. Gene Stupnitsky, responsable como realizador de la sitcom The Office, en este caso desarrolla una comedia de enredos extraña para los tiempos que corren, cuya premisa hubiera sido problemática si se cambiaban los sexos de los protagonistas. En este caso una mujer de 30 años es contratada por un matrimonio para seducir a su hijo, un estudiante adolescente que padece un severo caso de timidez y ansiedad social. El humor está a la misma altura que la serie de televisión que lo hizo conocido al director, la propuesta funciona muy bien y consigue ser entretenida a esto se le suma la gran dupla que conforman Jenny Lawrence y Andrew Barth Feldman, un actor que proviene del campo del teatro y las comedias musicales. En su primer rol protagónico para el cine hace un buen trabajo con un personaje que por momentos trae al recuerdo al viejo Rudy Gerner (Patrick Dempsey) de Meatballs 3. Por su parte, Lawrence, quien no tenía antecedentes en esta temática, sobresale con un papel centrado en la comedia física que saca adelante con solidez y consigue que el espectáculo sea entretenido. Todos los chistes funcionan sobre todo cuando se centra en contraste generacional entre la protagonista y el mundo actual de los centennials que para variar no quedan muy bien parados. Hazme el favor le aporta un poco de aire fresco a un género agobiado por los comentarios sociales y la moralina que se volvieron insoportables. IMPERDIBLE.
TRAILER
SPIDERMAN
CRUZANDO EL MULTIVERSO
Spider-Man: Across the Spider-Verse.
(EN CINES)
- Título original
- Spider-Man: Across the Spider-Verse
- Año: 2023
- Duración: 140 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Joaquim Dos Santos, Kemp Powers, Justin Thompson
- Guion: Phil Lord, Christopher Miller, Dave Callaham. Personajes: Stan Lee
- Reparto: Animación
- Música: Daniel Pemberton
- Fotografía: Animación
- Compañías: Coproducción Estados Unidos-Canadá; Sony Pictures Animation, Marvel Entertainment, Lord Miller, Pascal Pictures, Arad Productions
- Género: Animación. Acción. Aventuras. Ciencia ficción | Cómic. Secuela. Superhéroes. Marvel Comics.
VERSIÓN HABLADA Y SUBTITULADA EN CASTELLANO E INGLÉS.
SINOPSIS: Tras reencontrarse con Gwen Stacy, el amigable vecindario de Spider-Man
de Brooklyn al completo es catapultado a través del Multiverso, donde se
encuentra con un equipo de Spidermans encargados de proteger su propia
existencia. Pero cuando los héroes se enfrentan sobre cómo manejar una
nueva amenaza, Miles se encuentra enfrentado a las otras Arañas y debe
redefinir lo que significa ser un héroe para poder salvar a la gente que
más quiere. EXCELENTE. Han pasado ya cinco largos años desde que la primera entrega de esta
saga -Spider-Man: Un nuevo universo- reventase de arriba abajo la
concepción popular de lo que se podía hacer mezclando el cine de
animación con el de superhéroes. La corriente popular era mirar a la animación cómo un género menor
-también influida por las películas directamente estrenadas sin pasar
por cines de DC, algunas de ellas muy buenas, pero otras muy
cuestionables, - y llegó Sony para enseñarnos a todos que, cuando se le
pone cariño, medios y creatividad al asunto, el potencial es infinito.
El resto ya lo conocemos, Oscar a mejor película de animación y una
repercusión mundial que no ha hecho más que ganarle adeptos a este Miles
Morales animado y que, casi con total seguridad, llevará a que esta
secuela -que llega a nuestros cines el 2 de Junio- vaya a reventar todos
los números en taquilla de su antecesora. Ahora bien, una vez asumimos la brillantez y la sorpresa que supuso la
primera entrega, uno podía preguntarse qué iban a hacer en esta secuela
para sorprendernos y enamorarnos. Han cambiado los directores, ha pasado
cierto tiempo, y el cine de superhéroes empieza a mostrar cierto
desgaste por exceso de repetición en algunos de sus productos. Pues
bien, lo que han decido hacer en Sony es cuadruplicar la apuesta. “Spiderman: Cruzando el multiverso” es más grande, más ambiciosa, más
arriesgada y más valiente que la anterior. Y hay que aplaudírselo.
Podrían haber cumplido expediente buscando el dinero y no arriesgar.
Pero han decidido expandir a lo grande el universo de este joven Miles y
toda su trupe hasta límites insospechados. Por otra parte, no me puedo ir sin mencionar la absoluta brillantez que
han alcanzado en lo que a animación se refiere. Ya no es solo que
jueguen con multitud de técnicas animadas y les encajen todas a la
perfección. Es que han llegado a tal punto de control que hasta los
decorados “hablan”. El uso de los colores, las formas y las sombras
hacen que simplemente viendo el fondo por donde transitan los personajes
entendamos como se sienten. Y esto, amigos, creo que es una muestra más
de hasta qué punto tienen controlado cada parámetro y cada aspecto que
se muestra en la pantalla. El único “pero” que puedo colocarle a esta película es que aún queda
todo un año para que podamos ver la siguiente y continuar con esta
historia que, creo, nos va a seguir emocionando y haciéndonos levantar
de la butaca. Cuando quiere ser épica lo consigue y cuando quiere que
nosotros sintamos junto con Miles ese peso de la responsabilidad y el
sacrificio, también. Vas a reír, vas a emocionar y, especialmente,
vas a disfrutar. IMPERDIBLE.
TRAILER
Playlist.
- Título original
- Playlist
- Año: 2022
- Duración: 84 min.
Francia- Dirección: Nine Antico
- Guion: Nine Antico, Marc Syrigas
- Reparto: Sara Forestier, Laetitia Dosch, Bertrand Belin, Pierre Lottin, Inas Chanti, Andranic Mabet.
-
Fotografía: Julie Conte (B&W)
- Compañías: Atelier de Production, Films Distribution, SG Image 2018, Région des Pays-de-la-Loire, Région Nouvelle-Aquitaine, Département de la Gironde, CNC, Ciné+, OCS, TV5 Monde
- Género: Comedia.
SINOPSIS: Pese a no estar capacitada para ello, una joven logra un trabajo en una editorial de cómics, pero su estabilidad se irá de nuevo al traste cuando rompa con su novio, que además es el padre del hijo que espera. MUY BUENA. La puesta en escena de Playlist es muy del estilo francés de comedia que dice mucho en cada gesto, mirada y palabra. Por ello no es nada de extrañar que ha tenido muy buen acogida comercial del público en salas comerciales. Además la protagonista Sophie, alter ego de la directora, es interpretada por la joven nueva estrella del cine francés, Sara Forestier añadiendo atractivo para las nuevas generaciones. Playlist avanza dando una de cal y otra de arena para Sophie. Aunque consigue un trabajo en la parte comercial de una editorial sin embargo se viene abajo su relación de pareja. Además se complica por quedarse embarazada. Sus turbulencias afectivas las comparte como desahogo con sus dos compañeras de piso. En la propia editorial le recomiendan que debería estudiar en una escuela de arte a la vez que le dicen que ya es mayor para ello. Inasequible al desaliento trata de matricularse en una escuela donde el límite son los veinticinco años si bien permiten algunas excepciones. Los vaivenes emocionales transcurren a lo largo de toda la película en una sucesión de relaciones que fracasan descentrándola más y más. Aquí el guion se muestra realista, con pinceladas de suave humor feminista pero globalmente convencional. Playlist es una amable película francesa sobre las atribuladas relaciones de pareja de una joven francesa. En el guion de la propia directora debutante Nine Antico se aprecian claras referencias autobiográficas. Ella es dibujante de cómics como el personaje de Sophie y probablemente algunas de las relaciones plasmadas hayan sido vividas por la directora. La fotografía bien entonada en blanco y negro y la banda sonora compuesta con canciones amorosas son los mejores elementos del largometraje. Tiene asegurada cierta cuota comercial en parte del público joven, especialmente femenino, al ser agradable de ver y sobre todo por sentirse reflejadas en la pantalla. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
TCHAIKOVSkY'S
WIFE
La Mujer de Tchaikovsky's .
- Título original
- Zhena Chaikovskogo.
- Año: 2022
- Duración: 143 min.
Rusia- Dirección: Kirill Serebrennikov
- Guion: Kirill Serebrennikov
- Reparto: Alyona Mikhailova, Odin Lund Biron, Miron Fedorov, Nikita Elenev, Ekaterina Ermishina, Filipp Avdeev, Andrey Burkovskiy, Yuliya Aug.
-
Música: Daniil Orlov.Fotografía: Vladislav Opelyants
- Compañías: Coproducción Rusia-Francia-Suiza; Hype Film, Charade Productions, Logical Pictures, Charade Films, Bord Cadre Films, arte France Cinéma
- Género: Drama. Romance | Biográfico. Siglo XIX. Música.
SINOPSIS: Rusia, siglo XIX. Antonina Miliukova, joven acomodada y brillante, se
casa con el compositor Piotr Chaikovski. Pero el amor que siente por él
se vuelve una obsesión, y la joven se topa con un rechazo vehemente.
Consumida por sus sentimientos, Antonina será capaz de soportarlo todo
con tal de permanecer a su lado. EXCELENTE. La mujer de Tchaikovsky (2022), de Kirill Serebrennikov, se inicia con
un texto que señala que la mujer en Rusia, a finales del siglo XIX, era
una mera extensión del hombre, de la misma manera que no disponía de su
pasaporte, ya que meramente su nombre aparecía en el pasaporte del
hombre, y no disponía de derecho a voto. En la primera secuencia,
Antonina Miliakova (Alyona Mikhailova) asiste, en 1893, al funeral de su
marido, el compositor Piotr Ilych Tchaikovsky (Odin Biron), cuyo
cadáver yace en un destacado lugar. Pero en cierto momento, el cadáver
se reanima y lanza una serie de reproches a Antonina. Este prólogo
concluye con un plano cenital que encuadra a Antonina, entre la
multitud, mirando a las alturas. De este modo ya se anticipa que la
narración, además de un reflejo de una circunstancia social en la que
mujer parecía vivir en las penumbras del hombre, corresponde a otro
desquiciamiento, este no social sino subjetivo. Antonina confundirá
deseo con realidad en otro proceso de negación, en este caso de la
realidad. Su amor negará cualquier otro posible discernimiento.
Intentará amoldar, denodadamente, que la realidad se ajuste a sus
voluntad y deseo, de la misma manera que la mujer se supeditaba a la
voluntad y voz del hombre en la sociedad. Ni antes, ni durante los dos
meses y medio que dura la convivencia con el hombre que ama, advertirá
que él es homosexual. Su deseo de amor arrolla cualquier evidencia, ya
patente cuando, la primera vez que hablan, en la casa de ella, Antonina
declara su arrebatado amor y su propósito de que compartan un proyecto
de vida. Esa pasión neutraliza cualquier otra consideración. Ni siquiera
le perturba que él remarque que su relación no será romántica ni
pasional sino equiparable a una amistad. No hay signo, para ella, ni
siquiera con las amistades masculinas que le presenta, que le haga
pensar que él solo desee a los hombres. No comprende que su matrimonio
es equivalente a un conveniente posado fotográfico cara a la galería. La ruptura de la relación, o la fuga de él tras que ella irrumpa en su
habitación con el propósito de que hagan el amor, no es para ella sino
un desajuste que debe ser reparado. La negación de lo que es seguirá
pautando su relación enajenada con la realidad. Según su voluntad y
deseo, o cómo quiere que sea la realidad, él también la ama y por eso no
aceptará el divorcio y seguirá empecinada en que, tarde o temprano, se
reajustará la realidad, esto es, la relación con quien ama, porque,
simplemente, le ama. El diseño visual, magnífico, se define por la
escasez de luz, por las penumbras, como si se habitara unas
profundidades marinas. La narración, progresivamente, difuminará los
límites, primero temporalmente, como si las elipsis más bien fuera un
continuo de acuerdo a la concepción de la realidad en la que vive
cautiva Antonina. Hay planos secuencias, como el de la estación, en el
que se condensa cómo la vida de Antonina es una espera. No hay ya paso
del tiempo, sino la espera de que la realidad se reajuste a su voluntad.
Un movimiento de cámara concentra el paso de los días porque ella
permanece en un mismo estado mental, el de la espera. IMPERDIBLE.
TRAILER
O GEBO
E A SOMBRA
Gebo y la sombra.
- Título original
- Gebo et l'ombre (O gebo e a sombra)
- Año: 2015.
- Duración: 91 min.
Portugal.- Dirección: Manoel de Oliveira
- Guion: Manoel de Oliveira. Obra: Raul Brandão
- Reparto: Michael Lonsdale ( Gebo)
Claudia Cardinale (Doroteia)
Jeanne Moreau (Candidinha)
Leonor Silveira ( Sofia)
Luís Miguel Cintra ( Chamiço)
Ricardo Trêpa ( João) - Fotografía: Renato Berta
- Compañías: Coproducción Portugal-Francia; MACT Productions, O Som e a Fúria, CNC, Canal+, CNC, ICA, Radiotelevisão Portuguesa, Région Ile-de-France.
- Género: Drama | Siglo XIX. Pobreza.
SINOPSIS: “Inspirado en una pieza teatral del dramaturgo modernista portugués Raul
Brandão, Manoel de Oliveira, el cineasta en activo más longevo del
mundo cuando hizo esta pelicula (104 años, fallecio el 2 de abril de
2015), relata la historia de un viejo contador parisino de principios
del siglo XX, quien ha ocultado a su mujer la mendicidad en que vive el
hijo de ambos. EXCELENTE. Película ambientada en el siglo XIX, una noche fría y lluviosa el
anciano Gebo (Michael Lonsdale) vuelve a su humilde hogar luego del
trabajo, ahí lo espera su esposa Candidinha (Jeanne Moreau) y su nuera,
Doroteia (Claudia Cardinale). La familia pasa problemas económicos viviendo en la pobreza. Más aún por
la ausencia de João (Ricardo Trêpa) el hijo de la pareja de ancianos
que se entrevé que se encuentra prófugo de la justicia o incluso
encarcelado. La película basada en una obra teatral está concebida de esa misma forma
en esta propuesta, con distintos planos estáticos y largas secuencias
donde distintos miembros del elenco -bastante reducido por cierto-
dialogan entre ellos, reflexionando sobre la vida que llevan, la
pesadez, tristeza y ausencia que provoca en la madre el no saber nada de
João. El incansable y centenario director portugués Manoel de Oliveira filma
una película grabada con un pulso frío y pasivo, tanto como el ambiente
en que se desarrolla y el contenido que toca. Con una fotografía
exquisita por parte de Renato Berta, prácticamente vemos una pintura una
y otra vez. Un estudio sobre el comportamiento humano, el accionar en la vida de las
personas con un futuro menos que prometedor y el amor hacia la familia,
quizá algo desolador y pesimista, una película para ver con calma. IMPERDIBLE.
TRAILER
OF THE
PHOTOGRAPHS
Shashin no onna.
- Título original
- Shashin no onna.
- Año: 2021
- Duración: 89 min.
Japón- Dirección: Takeshi Kushida
- Guion: Takeshi Kushida
- Reparto: Itsuki Otaki, Hideki Nagai, Toshiaki Inomata, Toki Koinuma
- Música: Shigehiko Saito
- Fotografía: Yu Ohishi
- Compañías: Pyramid Film
- Género: Intriga. Fantástico. Thriller | Fotografía.
SINOPSIS: Kai, que regenta una tienda de fotografía bastante especial, descubre el placer de amar a una mujer. Kyoko es hermosa y una modelo con una enorme cicatriz en su cuerpo. Está confundida sobre su propia identidad y autoestima. Kai la ayuda con la percepción de sí misma gracias a sus habilidades de retoque fotográfico. EXCELENTE. Woman of the Photographs es una película con muy pocos personajes principales y con un cuidado guion que gira sobre las relaciones personales entre un fotógrafo de estudio y sus clientes. A partir de éste sencillo planteamiento hace una profunda reflexión sobre la identidad personal, la soledad y el amor. Woman of the Photographs va desgranando éstos temas eternos en la relación del fotógrafo Kai, Hideki Nagai, con la modelo Kyoko, Itsuki Otaki. Por la propia estructura de la película y la minuciosidad del relato, Woman of the Photographs conviene ver con mucha atención a sus diálogos. Pequeñas frases jalonan una trama donde lo más importante es el guion más allá de los propios personajes. En las distintas secuencias una excelente fotografía de Yu Ohishi acentúa el clima de soledad y desvalimiento de los cuatro personajes. Una bien elegida música a cargo de Shigehiko Saito pone en cada escena el más apropiado significante emocional. Aquí confluyen con los deseos de mayor felicidad sus personalidades actuales muy condicionadas por sus pasados desventurados. En ésta parte final hay bellísimas imágenes fotográficas cargadas de gran simbolismo y efectos visuales. Ahora el retrato y sus reflejos adquieren gran protagonismo por encima de los personajes. El esteticismo de las secuencias rodadas en el mar y la Naturaleza acrecientan el tono espiritual del clima general de la película. Las metáforas icónicas complementan las reflexiones y diálogos de los protagonistas en su hondura existencial y filosófica. También es interesante destacar en varias secuencias de Woman of the Photographs la inclusión simbólica acertada de la mantis religiosa y su rito amatorio. Esto concuerda con el aire “amor fou” de ésta película de culto muy personal de Takeshi Kushida. Igualmente son muy significativas varias secuencias en las que el fotógrafo acude a los baños públicos en su ritual purificador. Así mismo es bastante expresiva aquella otra en la que Kai se corta accidentalmente al afeitarse y cómo continúa comportándose a partir de su pequeña cicatriz. Nos encontramos pues ante una película muy lírica en la que de alguna manera casi todos nos sentimos reflejados de manera más o menos puntual o parcial. La aceptación o no de la imagen personal y la relación de la autoestima con la aceptación de los demás son comunes en un grado u otro en hombres y mujeres.Woman of the Photographs es una cinta muy personal del japonés Takeshi Kushida. Interesante ensayo sobre la identidad e imagen personal, así como su influencia en la autoestima y las relaciones con las demás personas. A partir de una sencilla trama hace profundas pero asequibles reflexiones para persona de cualquier edad. Verla sin prejuicios y muy atentamente nos aportará buenos frutos a nuestra sensibilidad e intimidad. IMPERDIBLE.
TRAILER
Apaches.
- Título original
- Apaches
- Año: 2023
- Duración: 93 min.
- Francia
- Dirección: Romain Quirot
- Guion: Romain Quirot, Fannie Pailloux, Antoine Jaunin
- Reparto: Neils Schneider. Alice Isaaz. Artus. Rod Paradot. Bruno Lochet.
-
Música: Yves Gourmeur
- Fotografía: Jean-Paul Agostini
- Compañías: Apaches, Studio Exception, La Banque Postale Image 15, Indéfilms 10
- Género: Drama. Acción | Histórico. Años 1900 (circa)
SINOPSIS: 1900. Desde Montmarte a Belleville, París está en manos de bandas ultraviolentas que reinan con terror. Dispuesta a todo para vengar la muerte de su hermano, una joven integra la banda de los Apaches. Pero cuanto más se acerca del hombre al que quiere eliminar, más fascinada se siente por él. MUY BUENA. Apaches gira en torno a una serie de eventos que, si bien forman parte de la ficción, tienen una sólida base histórica. Los apaches, más que un grupo en particular era la denominación genérica que la prensa parisina otorgó a las bandas callejeras juveniles que aterrorizaban París a principios del S. XX. La brutalidad de sus acciones (atracos, robos, palizas, asesinatos, etc.) propició esta comparación con los famosos indios, conocidos en Europa por su imagen estereotipada de salvajismo y dureza gracias a novelas como El último mohicano. La Belle Époque es un periodo comprendido entre finales del S. XIX y principios del S. XX (hasta el inicio de la IGM) marcado por numerosos avances tecnológicos, industriales y culturales cuyo máximo exponente era la ciudad de París, ciudad europea de referencia de la época. Sin embargo, Apaches nos muestra la otra cara de la moneda de la capital, la de los barrios marginados plagados de pobreza, hambre, delincuencia, prostitución, corrupción y violencia; que suelen permanecer en un segundo plano en los libros de historia. La primera y más clara influencia que marca la película es el parecido de la historia principal con la cinta de Martin Scorsese Gangs of New York (2002): el protagonista, siendo un niño (niña en el caso de Billie en Apaches), ve morir a un ser querido a manos del carismático antagonista (en este caso, Jesús, interpretado por un genial Niels Scheneider) y, tras varios años en el exilio (la cárcel en Apaches o el reformatorio en Gangs of New York), regresa como persona adulta sin ser reconocido y se infiltra en la banda de su enemigo para llevar a cabo su venganza personal. En ambas cintas se desarrolla en el protagonista la lucha interna entre la admiración personal que comienza a desarrollar por el líder de la banda y sus deseos de vendetta. Por otro lado, se puede observar una puesta escena, una banda sonora, recursos como la cámara lenta o, en general, una estética propios de la serie Peaky Blinders (2013-2022), claro referente en las producciones de esta temática. Son similares, también, la visión de “familia” que caracteriza a ambas bandas, los roles jerárquicos, las disputas internas, el carisma de sus líderes o su dureza ante la traición. En último lugar, de forma más residual, se encuentran pequeñas pinceladas a otras obras célebres en aspectos como la “ultraviolencia” desplegada por los apaches, en ocasiones incluso caricaturesca, recordando en algunas escenas a La naranja mecánica de Stanley Kubrick. Otro aspecto destacable es la romantización de las actividades delictivas de la banda que, sin llegar a blanquearlas, recuerda a los personajes Bonnie y Clyde (1967), de Arthur Penn, especialmente por la relación que se mantiene entre Billie y Jesús. Parece que Romain Quirot no ha querido dejar pasar la oportunidad de homenajear, a través de pequeños fragmentos, al cinematógrafo patentado a finales del S. XIX por los hermanos Lumière, que muestra y marca el nacimiento del cine en Europa, concretamente en París. Apaches muestra escenas cotidianas de la ciudad de la misma manera que lo mostraban los dos hermanos en el Salon Indien del Grand Café, incluyendo, a modo de caricatura, alguna que otra escena de la banda en acción. Un bonito y nostálgico guiño que reivindica la importancia cultural clave que tuvo París en los primeros pasos del cine. MUY RECOMEDABLE.
TRAILER
DAMPYR
Dampyr.
- Título original
- Dampyr
- Año: 2023
- Duración: 109 min.
Italia- Dirección: Riccardo Chemello
- Guion: Giovanni Masi, Alberto Ostini, Mauro Uzzeo. Cómic: Mauro Boselli, Maurizio Colombo. Historia: Mauro Boselli
- Reparto: Wade Briggs. Stuart Martin. Frida Gustavensson. Sebastian Croft.
-
Música: Lorenzo Tomio
- Fotografía: Vittorio Omodei Zorini
- Compañías: Sergio Bonelli Editore, Eagle Pictures, Brandon Box
- Género: Fantástico. Terror | Vampiros.
SINOPSIS: Harlan Draka es un Dampyr, mitad humano y mitad vampiro, pero él no lo sabe. Pronto tendrá que enfrentarse a sus poderes para destruir a un terrible Maestro de la Noche. MUY BUENA. Dampyr, una súperproducción italiana de 15 millones de euros que sacudió las salas cinematográficas italianas a principio de año ubicandose primera entre las películas nacionales más vistas de los últimos 5 años con casi 3 millones de espectadores. Dampyr, basado en los dos primeros álbumes de la serie de cómics creada por Mauro Boselli y Maurizio Colombo (publicada por Sergio Bonelli Editore en 2000, ahora con 300 álbumes), está escrita por Mauro Boselli, Giovanni Masi, Alberto Ostini y Mauro Uzzeo. Está ambientado durante la guerra de los Balcanes, a principios de la década de 1990, y sigue las aventuras de Harlan. Perseguido por horribles pesadillas, Harlan llega a fin de mes haciéndose pasar por un Dampyr (en la mitología eslava, un ser mitad humano y mitad vampiro) capaz de librar a las aldeas de lo que los supersticiosos habitantes creen ingenuamente que son terribles maldiciones vinculadas al mundo de vampiros Pero cuando es convocado por soldados atacados por criaturas sedientas de sangre, Harlan descubre la verdad: realmente es un Dampyr. Mientras trata de enfrentarse a un terrible "Amo de la Noche", Harlan debe aprender a manejar sus poderes y descubrir sus orígenes. Lo acompaña un vampiro renegado y un soldado que busca venganza. El reparto es internacional: Dampyr está encarnado por Wade Briggs (las series Still Star Crossed y Please Like Me), Emil Kurjak de Stuart Martin (Army of Thieves, la serie Jamestown y The Medici) y Tesla de Frida Gustavsson (Tigers , la serie Vikingos: Valhalla). Junto a ellos están David Morrissey (The Walking Dead), Sebastian Croft (Juego de tronos) y Luke Roberts (Juego de tronos, Piratas del Caribe, Batman). Detrás de escena, el estilista Giorgio Gregorini, ganador del Oscar a Mejor Maquillaje y Peinado en la película Suicide Squad; la diseñadora de maquillaje Francesca Galafassi (Juego de Tronos, Ben-Hur); Vladimir 'Furdo' Furdik como coreógrafo de lucha (Skyfall, Game of Thrones, The Witcher) y Lubomir Misak como coordinador supervisor de especialistas (Game of Thrones, The Last Legion, The New Pope); Giovanni Casalnuovo como diseñador de vestuario (Se busca, Romeo y Julieta, Beowulf). Los productores son Roberto Proia, Vincenzo Sarno y Andrea Sgaravatti. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
CINE NACIONAL
MUEREN
LAS
REINAS
Cómo mueren las reinas.
(EN CINES)
- Título original
- Cómo mueren las reinas
- Año: 2022
- Duración: 83 min.
Argentina- Dirección: Lucas Turturro
- Guion: Constanza Boquet
- Reparto: Malena Filmus. Lola Abraldes. Franco Rizzaro. Giovanni Ciccia.
-
- Música: Sebastián Escofet
- Fotografía: Nicolas Trovato
- Compañías: Aleph Cine
- Género: Drama | Familia. Adolescencia.
- SINOPSIS: Juana de diecisiete años y Mara de catorce viven en la granja de su tía y
se ocupan de las colmenas y de la producción de miel. Sus cuerpos
hierven. La llegada de un primo sacude la quietud del campo y
desestabiliza la unión de las hermanas. Mientras Mara está interesada en
vivir su despertar sexual con Lucio, los celos de Juana se
intensifican. Y a medida que Mara se aleja, Juana quiere tenerla cada
vez más cerca. Entretanto Juana no logre cumplir con sus planes, el
verano en familia se volverá una experiencia feroz. La colmena se
prepara para la llegada de una nueva abeja reina. MUY BUENA. Este drama (que algunos califican como thriller) sobre la visita de un
primo que perturba la vida de dos hermanas y su tía quizás ponga sus
cartas sobre la mesa demasiado pronto, resintiendo en parte el crescendo
dramático de la película. No obstante, logra algunos buenos picos de
tensión y un realista tratamiento de la sexualidad y el deseo
adolescentes. Juana y Mara, dos hermanas adolescentes huérfanas de 17 y 14 años,
respectivamente (Malena Filmus y Lola Abraldes), viven con su tía Inés
(Umbra Colombo, protagonista de la reciente Azul el mar) en una granja
dedicada a la apicultura, produciendo y comercializando miel. La llegada
de Lucio, primo de las hermanas (Franco Rizzaro), altera el delicado
equilibrio en que convivían las tres. La llegada de un “intruso” (o intrusa) a un sistema familiar aislado y
cerrado y las interacciones que produce con sus miembros podría
considerarse como un subgénero literario y cinematográfico. También es
un tópico el abordaje del comportamiento de personas en situaciones de
aislamiento rural, como si éste despertara atavismos y violencias que
permanecen reprimidos en los ambientes urbanos de origen. Uno piensa en antecedentes ilustres como La intrusa de Borges (y sus
adaptaciones cinematográficas) o Teorema de Pasolini. Me surgen entre
las referencias inmediatas de esta película Los sonámbulos, de Paula
Hernández, donde también la irrupción de un primo desencadena el caos,
aunque en un entorno familiar más complejo. Y el telón de fondo de las
abejas remite casualmente a La nube, la notable película francesa que
combina drama familiar con horror. Quizá como en una de esas referencias, pero en clave femenina, el
inevitable triángulo de las hermanas con el primo revela pronto un
vértice impensado, cuyo desarrollo además coincide con una crisis
afectiva de su tía, lo que la torna más ausente como autoridad familiar,
en una subtrama cuya función parecería ser justificar esa ausencia. Los tres adolescentes se refieren a su sexualidad (y en parte la
ejercen) de manera espontánea y sin eufemismos (uno de los aciertos de
la película), en un relato que pone en escena el coming of age de una de
las hermanas y la circulación del deseo. El problema de la ópera prima de Lucas Turturro es que pone sus cartas
sobre la mesa quizás demasiado pronto; de algún modo, el director parece
preferir que sepamos que el camino al desastre está servido y que
vivamos ese recorrido como posible y comprobemos si es inevitable a
partir del balance de las fuerzas desatadas . Pero falla un poco (en
parte por esa razón) en su crescendo dramático, al que pretende
enriquecer con ciertas revelaciones. No obstante, el desenlace luce
entre seco y precipitado y con algún punto no lo suficientemente
aclarado. Esto no quita que haya algunos picos de tensión logrados, con
buenas actuaciones del cuarteto protagónico. RECOMENDABLE.
- TRAILER
Asfixiados.
(EN CINES)
- Título original
- Asfixiados
- Año: 2023
- Duración: 98 min.
- Argentina
- Dirección: Luciano Podcaminsky
- Guion: Silvina Granger, Alex Kahanoff, Andrea Marra, Sebastian Rotstein
- Reparto: Leonardo Sbaraglia. Julieta Díaz. Marco Antonio Caponi. Natalia Oreiro. Zoe Oachbaum.
- Música: Cachorro López
- Fotografía: Nicolas Trovato
- Compañías: Aleph Cine, Blowing Mind Films, Orca Films.
- Género: Drama. Comedia.
SINOPSIS: Nacho y Lucía son matrimonio que decide festejar los veinte años de casados, pero también buscan recuperar el deseo que la rutina se llevó. Inician la aventura con un grupo de amigos pero, en un giro, quedan solos y a la deriva en el mar. MUY BUENA. Asfixiados abre su historia con las minucias de la vida laboral de Nacho (Leonardo Sbaraglia), un productor al que el director Luciano Podcaminsky se va aproximando lentamente, marcando así el tono de un film que busca a un espectador cómplice de su retrato inmersivo del ocaso de un matrimonio y el inminente vendaval que ocasiona lo no dicho. Si es a Nacho a quien vemos primero es porque el personaje que compone Sbaraglia se erige como el titán de la historia, una suerte de macho alfa narcisista que considera que todo lo que sucede alrededor tiene que ver con él. Su ego no da espacio para los deseos de su esposa ni para los de su hija adolescente. La conversación que entabla virtualmente con Natalia Oreiro (quien se interpreta a sí misma en el largometraje) al inicio del relato es una prueba del modus operandi de Nacho: quiere convocarla para su nueva serie, se envalentona en su propuesta, pero jamás escucha la devolución de la actriz, quien le advierte que tiene una agenda apretada como para sumarse un trabajo más. El desaire de Nacho ante un planteo lógico es uno de los tantos que configuran una serie de micromachismos que, en Asfixiados, podrían funcionar perfectamente como un MacGuffin. La desestimación del entorno es el talón de Aquiles de Nacho, como luego veremos en el vínculo que tiene con su esposa Lucía (una excelente Julieta Díaz), quien está buscando el momento ideal para contarle un plan que deja al descubierto el estado de ese matrimonio de más de dos décadas en el que se percibe un desequilibrio en la concreción de los anhelos individuales. Cuando ambos se van de viaje en un velero con un amigo, Ramiro (Marco Antonio Caponi), y su novia, Cleo (Zoe Hochbaum, una presencia natural en pantalla, de la que el film se podría haber beneficiado mucho más), la película esboza interrogantes sin respuesta (su fuerte es, precisamente, moverse en la búsqueda más que en la resolución), en su gran mayoría centrados en el desencuentro amoroso y todo lo que se desprende de esto, desde reproches por secretos ocultos, comentarios pasivo-agresivos que incomodan a otros modelos de pareja (la de sin ataduras ni proyección que componen Caponi y Hochbaum) hasta las diferentes formas de desconexión que puede generarse cuando las cosas no se hablan. En este punto, hay un interesante trabajo de puesta en escena, con Nacho y Lucía ubicados siempre en lugares distintos de ese yate, el escenario único que se va volviendo cada vez más claustrofóbico, el lugar en el que se comunican con la bronca de un pesado que pesa. Con similitudes a Antes de la medianoche de Richard Linklater en esos idas y vueltas brutales de sus protagonistas en pleno estallido, pero también con un toque satírico que permite explorar las dinámicas sexoafectivas (y cómo Nacho no parece registrarlas al llevarse todo a su paso), Asfixiados es una película romántica porque se atreve a discutir en qué consiste exactamente el amor y si es realmente posible precisar su comienzo y su final. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
CINE ARTE
SENSO
Senso.
- Título original
- Senso
- Año: 1954
- Duración: 115 min.
- Italia
- Dirección: Luchino Visconti
- Guion: Suso Cecchi d'Amico, Luchino Visconti, Paul Bowles, Tennessee Williams. Novela: Camillo Boito
- Reparto: Alida valli. Farley Granger. Massimo Girotti.
-
Fotografía: Aldo Graziati, Robert Krasker
- Compañías: Lux Film
- Género: Drama. Romance | Melodrama. Siglo XIX.
- VERSIÓN REMASTERIZADA FULL HD 1080P.
- SINOPSIS: Año 1866. Livia, una bella dama de una aristocrática familia italiana,
vive un intenso romance con el teniente Franz Mahler, un oficial del
ejército austriaco, en plena guerra de independencia italiana frente a
Austria. EXCELENTE. Cuarto largometraje de Luchino Visconti (“Obsesión”, “La tierra
tiembla”, “Bellísima”), el primero en color y el primero de la
prolongada colaboración de Visconti con la escenógrafa Suso Cecchi. El
guión, de Suso Cecchi d’Amato y L. Visconti, con la colaboración de
Tennessee Williams y Paul Bowles (diálogos en inglés), adapta el relato
breve “Senso” (1883), de Camilo Boito (1836-1914). Se rueda en
escenarios naturales de Venecia, Verona, Vicenza (Villa Godi Valmarana),
Teatro La Fenice (Venecia), Solferino (Lombardía) y en los platós de
Titanus Studios (Roma). Nominado al León de oro (Venecia), gana el Nardo
d’Argento/Silver Ribbon de fotografía. Producido por Claudio Forges
Davanzati para Lux Film, se proyecta por primera vez en público en
septiembre de 1954 (Fest. Venecia). La acción dramática tiene lugar en Venecia, Verona, la finca familiar de
Aldeno (Trentino-Alto Adige), el campo de la batalla de Custoza y
alrededores, en 1866, a lo largo de 2/3 meses de la primavera,
prolongados hasta el 24 de junio. La condesa Livia Serpieri (Valli), de
unos 22 años, siente gran afecto por su primo, el marqués Roberto Ussoni
(Girotti), patriota, organizador de la manifestación popular en el
Teatro La Fenice. Quiere evitar por todos los medios el duelo desigual
de éste con el teniente austriaco Franz Mahler (Granger), a quien ruega
que desista del reto. Ella es garibaldina, atractiva, joven, apasionada y
celosa. Franz es apuesto, seductor, mujeriego, oportunista,
irresponsable y carente de principios. El film suma drama, historia, romance y guerra. Cronológicamente se
sitúa en los últimos meses de la ocupación militar por parte del Imperio
Austro-húngaro de la Lombardía y el Veneto y en el inicio de la
creación del nuevo estado de Italia bajo el liderazgo de Giuseppe
Garibaldi (1807-1882), héroe de la unificación junto a Giuseppe Mazzini,
Cavour y Victor Manuel II. Exalta la acción de los patriotas
garibaldinos, las manifestaciones de afirmación patriótica y
anti-austriaca, la ópera, la figura de Verdi como icono del patriotismo
italiano y la música del compositor austriaco Gustav Mahler (1860-1911).
Muestra la agonía y la decadencia de la aristocracia como clase
dominante, a causa de su insolidaridad, individualismo, codicia y
colaboracionismo con el enemigo. La decadencia de la aristocracia brinda
la oportunidad para que se impongan los sentimientos del pueblo llano,
compuesto de trabajadores del campo y la ciudad, a favor de la
independencia, la justicia, la libertad y la solidaridad. La película desarrolla un melodrama clásico de pasiones arrebatadas,
sentimientos desgarrados, relaciones movidas por la crueldad y el
despecho, emociones exasperadas y frustraciones dolorosas. El hilo
conductor viene dado por una pasión autodestructiva, no sometida a
control, que engendra deslealtades, traiciones y venganzas. IMPERDIBLE.
TRAILER
DINNER
WITH
ANDRE
Mi cena con Andre.
- Título original
- My Dinner with André
- Año: 1981
- Duración: 110 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Louis Malle
- Guion: Wallace Shawn, Andre Gregory
- Reparto: Wallace Shawn. Andre Gregory. Jean Lenauer. Roy Buttler.
- Música: Allen Shawn
- Fotografía: Jeri Sopanen
- Compañías: Saga Productions Inc, The Andre Company
- Género: Drama
VERSIÓN REMASTERIZADA FULL HD 1080P.
SINOPSIS: Malle se atreve con un film sobre una conversación entre dos personas,
obteniendo excelentes críticas en USA. Dándose vida a sí mismos, los
actores y autores Wallace Shawn y André Gregory quedan una noche a
cenar. Como buenos amigos, se empiezan a contar múltiples experiencias
personales, a través de las cuales comienzan a surgir los grandes temas
de la existencia. Dirigida por Louis Malle, y con guión creado por los
dos protagonistas, "Mi cena con André" nos invita a enfrentarnos a lo
que de verdad, al final, pesa en la vida. EXCELENTE. En una crítica anterior se dice que leer el guión de esta película es
como verla, por la poca importancia que tiene su puesta en escena. Y no
estoy de acuerdo, aunque me guste mucho leer. Porque, si bien el
escenario se reduce a una sala de un restaurante, no es un restaurante
cualquiera: es un restaurante lujoso, como se demuestra en la cantidad y
lo esmerado del servicio. Cuando vemos al primer personaje entrando
allí, todo nos dice que es alguien para el cual aquello le viene grande:
se pone la corbata antes de entrar, se arregla el modesto traje y
luego ha de enfrentarse a una consumición inesperada y que no sabe si va
a tener que pagar con sus escasos recursos económicos -y pide una soda;
mientras que André entra como si estuviera en su casa, los camareros le
llaman por su nombre y le recuerdan, viste una informal chaqueta de
punto y entiende a la perfección todos los platos del menú, aunque estén
escritos en diversos idiomas. Durante la cena, ambos están tan inmersos en su conversación -que en
muchos casos más bien parece monólogo-, que no se dan cuenta de que se
están quedando solos y apenas si prueban los diversos platos que los
solícitos camareros les sirven. Independientemente de que la conversación es absolutamente interesante y
toca tantos temas que parece imposible hacer un resumen, hay uno que
sobresale y es la idea que desarrolla André de la falta de sinceridad,
de autenticidad en nuestros comportamientos y en nuestra forma de vivir.
Creo que el hecho de que los personajes estén cenando delante de un
espejo está absolutamente relacionado con esa máscara y ese piloto
automático que menciona André como modelo de vida actual. Me ha recordado la excelente "Vania en la calle 42", donde asistimos a
la lectura previa al ensayo que realiza un grupo de teatro de "Tío
Vania". Como allí, los actores, sólo con la palabra y los primeros
planos de sus caras, llenan la pantalla. Louis Malle sabe trabajar con todos los materailes que conforman una película. También sólo con actores. IMPERDIBLE.
1981: Asociación de Críticos de Boston: Mejor guion y mejor película americana.
TRAILER
MINISERIES Y SERIES
KATHARSIS
SEASON 2
TEMPORADA COMPLETA
8 EPISODIOS
3 DISCOS.
- Disponible la 1er temporada.
-
- Título original
- Eteros ego: Hamenes psyhes
- Año: 2021-2023
- Duración: 450 min.
Grecia- Dirección: Sotiris Tsafoulias
- Guion: Katerina Filiotou, Sotiris Tsafoulias
- Reparto: Pigmalion Dadakaridis, Petros Lagoutis, Vicky Papadopoulou, Manos Vakousis, Spiros Papadopoulos, Constatinos Markoulakis, Melissanthi Mahut, Vassilis Risvas, Tasos Nousias, Dimitris Kapetanakos, Anna Menenakou, Tonia Maraki, Katerina Didaskalou.
- Música: Costas Maragos
- Fotografía: Claudio Bolivar
- Compañías: Blonde
- Género: Miniserie de TV. Crimen. Suspenso. Asesinos Seriales.
SINOPSIS: Una serie de asesinatos alarma a las autoridades policiales, ya que extraños simbolismos se remontan a cada escena del crimen. Se le pide al excéntrico profesor de criminología Dimitris Lainis que arroje algo de luz sobre el misterio. EXCELENTE. "Eteros Ego: KATHARSIS" es una serie de 8 partes CONCLUSIVAS EN FORMATO DE MINISERIE Y 3 TEMPORADAS COMPLETAS, que presenta a los dos protagonistas el profesor autista Dimitris Lainis (Pygmalion Dadakaridis) y el teniente coronel. Apostolos Barasopoulos (Manos Vakousis). Ambos tratan de resolver un desagradable caso de un asesino en serie que imita las labores mitológicas de Teseo en sus asesinatos. Las referencias mitológicas son quizás el aspecto más fuerte del espectáculo, ya que la mitología griega ofrece una fuente inagotable de inspiración para muchos artistas y directores. El tropo del investigador autista cuya inteligencia demuestra ser invaluable para la solución final del caso es un tropo con el que nosotros, como audiencia, nos hemos encontrado varias veces, siendo el ejemplo más icónico la infame Saga Noren de la colaboración sueco/danesa. producción "Bron/Broen". Dadakaridis ofrece una actuación sutil, retratando a la profesora Lainis de una manera humana y realista. Además, Vakousis está genial en el papel del jefe de homicidios que pide la ayuda del profesor cuando se da cuenta de que hay un ángulo académico en el caso. Hay un fuerte elemento de novela policíaca, así como algunas escenas sangrientas realmente bien hechas, algo raro en un programa de televisión griego. Además, hay algunos tropos comunes de ficción criminal presentes, como el uso de pistas falsas que engañan a la audiencia, lo que hace que la revelación final del culpable sea aún más sorprendente. Este es un espectáculo que se encuentra un nivel por encima de varias producciones europeas y americanas recientes, simplemente una excelente muestra del género. IMPERDIBLE.
TRAILER
SPY/MASTER
Espía/Maestro.
MINISERIE COMPLETA
6 EPISODIOS
2 DISCOS.
- Título original
- Spy/Master
- Año: 2023
- Duración: 250 min.
Rumanía- Dirección: Christopher Smith
- Guion: Kirsten Peters, Adina Sadeanu
- Reparto: Ana Ularu. Alan Mcardie. Nico Mirallegro. Svenja Jung.
- Fotografía: Ben Wheeler, Ádám Fillenz
- Género: Miniserie de TV. Acción. Thriller.
SINOPSIS: Con solo una oportunidad de mantenerse con vida, un hombre utiliza un viaje diplomático a Alemania como trampolín hacia los Estados Unidos. EXCELENTE. Celebro el clasicismo de esta sobria pero atrapante serie rumana de espionaje que nos sumerge en un episodio de la Guerra Fría con varios servicios secretos involucrados, logrando un balance perfecto entre intriga y pintura de personajes (algunos fascinantes), con las dosis necesarias de acción y suspenso, un realismo que despliega una crudeza muy distante de los oropeles y el barullo de las historias de espionaje post caída del Muro y una evocadora reconstrucción de época tal que la serie parece filmada en la década del 70. En 1978, durante las conversaciones para los Acuerdos de Camp David entre los mandatarios Carter, Sadat y Begin para llegar a un Tratado de Paz entre Israel y Egipto como telón de fondo, Victor Godeanu, jefe de los espías rumanos y mano derecha del presidente-dictador rumano Nicolae Ceausescu, planea su deserción a Occidente ayudado por la embajada en EE.UU. en Bonn y la CIA. Esta sobria serie rumana nos sumerge en un episodio de la Guerra Fría donde varios de sus protagonistas esconden más de una arista, como en toda buena historia de espías. La trama se desarrolla mayormente en Bonn, capital de la entonces República Federal Alemana y en Rumania e involucra, al servicio de espionaje rumano liderado por su Spy Master Godeanu, a la KGB, la CIA, a la embajada de EE.UU. en Bonn, al contraespionaje rumano, a la Stasi (Ministerio de Seguridad de la República Democrática Alemana) y a los mismísimos Nicolae Ceausescu, el presidente dictador de Rumania y su tremenda esposa Elena, viceprimera ministra de Rumania, funcionarios alemanes occidentales... y esto no agota la lista.Como señalan los títulos, si bien Rumania era un país comunista, mantenía autonomía respecto de la entonces Unión Soviética y había participado en las gestiones que conducirían a los Acuerdos de Camp David, un dato relevante para entender el comportamiento de los estadounidenses frente a la posible deserción de Godeanu. Espía /Maestro logra el balance perfecto entre intriga y pintura de personajes -algunos fascinantes, como la temible contraespía Carmen Popescu (Ana Ularu), la espía alemana a cargo de Svenja Jung, la pareja de caprichosos dictadores y el propio Godeanu (Alec Secăreanu), a lo que se suman las derivaciones familiares que implicaban las deserciones a Occidente en el mundo comunista- con las dosis necesarias de acción y suspenso, un realismo que despliega una crudeza muy distante de los oropeles de las historias de espionaje post caída del Muro y una reconstrucción de época tal que la serie parece filmada en la década del 70, incluida su “bondesca” banda sonora. IMPERDIBLE.
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