PEDIDOS Y CONSULTAS: LATINTASINSOMBRAS@GMAIL.COM / WHATS UP 1155170077 (Fer)
ESTRENOS
DE LA SEMANA
JUEGO DE CITAS
Woman of the Hour.
(EN CINES)
- Título original
- Woman of the Hour
- Año: 2024
- Duración: 89 min.
Estados Unidos- Dirección: Anna Kendrick
- Guion: Ian MacAllister McDonald
- Reparto: Anna Kendrick, Daniel Zovatto, Max Lloyd-Jones, Jessie Fraser.
- Música: Dan Romer, Mike Tuccillo
- Fotografía: Zach Kuperstein
- Compañías:AGC Studios, BoulderLight Pictures, Industry Entertainment, BondIt, Buffalo 8 Productions
- Género: Thriller. Drama. Intriga | Basado en hechos reales. Asesinos en serie. Televisión. Años 70.
SINOPSIS: Los Ángeles, 1978. Una aspirante a actriz (Anna Kendrick) se cruza con el asesino en serie Rodney Alcala (Daniel Zovatto) en el plató del popular concurso de televisión The Dating Game. MUY BUENA. La notable ópera prima como directora de la también protagonista Anna Kendrick reconstruye con múltiples hallazgos la historia real del asesino serial Rodney Alcala. En tiempos de auge de las true crime stories, El asesino del juego de citas es una película que, a partir de sus bienvenidas ínfulas narrativas propias de la buena ficción y de una perspectiva de género (sin bajada de línea) para abordar hechos sucedidos durante la década de 1970 desde el hoy, se desmarca de tantos productos anodinos e impersonales construidos a pura fórmula y que abundan en las plataformas de streaming. Con algo de Zodíaco (David Fincher), de Había una vez... en Hollywood (Quentin Tarantino) y de la reciente De noche con el Diablo, la consagratoria ópera prima de Anna Kendrick reconstruye la historia de Rodney Alcala, un fotógrafo que durante los '70 violó y asesinó a muchas mujeres (se lo condenó por 7 casos, pero se dice que en verdad sus víctimas fueron más de 100).A partir de una virtuosa estructura episódica que va y viene en el tiempo, la directora expone las historias de diferentes mujeres que fueron seducidas y luego atacadas por un psicópata como Alcala (Daniel Zovatto). La historia central tiene a la propia Kendrick como protagonista en el papel de Sheryl, una aspirante a actriz con escasa fortuna que -por recomendación de su agente- termina yendo en 1978 a The Dating Game, un programa emitido en vivo por la TV nacional en el que una mujer debía elegir entre tres hombres (uno de ellos era, claro, el mismísimo Alcala) para tener una cita. Si bien ese es el corazón del film (una larga secuencia que se desarrolla a pura tensión), también se destaca la de Autumn Best como Amy, una joven que ha escapado de su casa, vive en la calle y cae en las redes del asesino serial (no develaremos cómo termina el asunto para no caer en un spoiler inconveniente). Hay en ciertos pasajes algún exceso de sadismo, algún golpe de efecto o alguna indecisión, pero estamos frente a una ópera prima de esas que no abundan. Impecable en su reconstrucción de época, en el nivel de sus actuaciones, en la potencia de su narración y en la exploración del machismo imperante a nivel social (y más aún en el mundo del espectáculo), El asesino del juego de citas nos ratifica que detrás de cámara Kendrick es tan inteligente y expresiva como delante de ella. IMPERDIBLE.
TRAILER
R O M U L U S
Alien:Romulus.
(EN CINES)
- Título original
- Alien: Romulus
- Año: 2024
- Duración: 119 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Fede Álvarez
- Guion: Fede Álvarez, Rodo Sayagues. Saga creada por: Dan O'Bannon, Ronald Shusett. Personajes: H.R. Giger
- Reparto: Cailee Spaeny, David Jonsson, Archie Renaux, Isabela Merced.
- Música: Benjamin Wallfisch
- Fotografía: Galo Olivares
- Compañías: 20th Century Studios, Scott Free Productions, Brandywine Productions. Productor: Ridley Scott, Walter Hill. Distribuidora: 20th Century Studios
- Género: Ciencia ficción. Acción. Terror | Aventura espacial. Extraterrestres.
SINOPSIS: En 2142, una sonda espacial de la corporación Weyland-Yutani investiga
los restos del USCSS Nostromo y recoge un objeto orgánico que contiene
un Xenomorfo. Tiempo después, en la colonia minera Jackson's Star, la
joven Rain Carradine, una huérfana que trabaja con su hermano adoptivo
Andy, un humano sintético reprogramado, acepta unirse a su ex-novio
Tyler para viajar a una nave espacial abandonada a intentar recuperar
unas cámaras de criostasis. Éstas les permitirán a ellos y a sus amigos
(la hermana de Tyler, Kay, su primo Bjorn y la novia de este, Navarro)
escapar todos al planeta Yvaga. MUY BUENA. En 2019, Disney adquirió Fox, la compañía que poseía los derechos de la
franquicia Alien, por 71,300 millones de dólares. En ese momento, la
saga Alien ya estaba en un estado de letargo prolongado tras el fiasco
crítico de "Prometheus" y el fracaso tanto crítico como comercial de
"Alien: Covenant". Esta situación dejó en suspenso los planes de Ridley Scott, quien estaba
empeñado en finalizar su trilogía, conectando los eventos de
"Prometheus" y "Covenant" con el "Alien" de 1979. Scott nunca perdonó a
James Cameron por crear una secuela que algunos consideran superior al
original y abortó de forma abrupta el prometedor proyecto de "Alien 5"
de Neill Blomkamp. Dado el trato que Disney ha dado a la saga Star Wars, es crucial
entender qué es "Alien: Romulus" y por qué, a pesar de Disney, Alien
Romulus está muy por encima del trato dado por Disney a Star Wars: Fede
Álvarez, si bien es cierto que no podemos comparar Alien Romulus con las
cintas del 79’ y 86’. Existen una serie de referencias bastante
explicitas a esas dos películas, que a buen seguro generarán polémica.
Álvarez se esfuerza por entregar una película adulta, buscando espacio
para su propia obra sin deber en exceso a Scott y Cameron, con momentos
gore y desagradables, algunos dirán que se adhiere en demasía a la
fórmula original e incluso al plagio; sin entrar en detalles, existen
paralelismos entre escenas míticas, pero resueltas de una forma bastante
original y potente. Como hemos mencionado, "Alien: Romulus" se posiciona como un slasher a
medio camino entre "Alien: El Octavo Pasajero", "Alien: Isolation" (la
obra maestra de Creative Assembly de 2014) y una película de acción como
"Aliens: El Regreso". Álvarez, un declarado fan de la saga y del
videojuego, asegura que "Romulus" respeta todo el canon de la saga, con
continuos guiños a los momentos más icónicos de las cuatro películas
originales. Haciendo hincapié en esa doble dicotomía: terror psicológico
y acción desatada. La historia nos narra los intentos de unos colonos que buscan escapar
desesperadamente de una desoladora existencia en la colonia Jackson,
(una de las múltiples colonias que la Weyland Yutani tiene esparcidas
por el universo para terraformarlas) así, deciden investigar una
estación espacial abandonada en busca de recursos valiosos. Aquí, la
comparación con "No Respires" (2016, también de Álvarez) es inevitable,
aunque en lugar de una Detroit en decadencia, encontramos una colonia
postindustrial y distópica a lo Blade Runner. En lugar de un veterano de
guerra ciego e implacable, tenemos una horda de facehuggers liberados
accidentalmente, liderados por dos amenazas aun más implacables que en
las anteriores películas. A pesar de la juventud del reparto, las actuaciones y la química entre
ellos son sólidas y vibrantes, destacando especialmente el dúo formado
por la protagonista Cailee (Rain Carradine) y Andy (David Johnson). Esto
contrasta con "Alien: Covenant" y "Prometheus", donde el reparto
secundario carecía de impacto, relevancia e interés alguno para el
espectador: no nos importaban si morían o sobrevivían, eran meros
secundarios sin identidad. La dirección de producción es notable, con un estilo visual acorde con
el de Scott y Giger en la sección del laboratorio Romulus, y con Cameron
en la sección de la colonia y el tramo final de la película. El uso de
efectos prácticos con animatronics y marionetas, aunque el CGI sigue
presente, añade una mayor plasticidad y realismo. La trama principal sigue el esquema clásico de la saga: intrusos en un
lugar prohibido enfrentándose a una amenaza desconocida. Sin embargo,
Álvarez se atreve a explorar con más profundidad el ciclo reproductivo
de los aliens, la ingeniería inversa, el ácido más presente que nunca,
la I.A., y por supuesto: facehuggers, los verdaderos protagonistas de
toda la cinta, una verdadera marabunta aún más desagradable que en otras
entregas. En definitiva, "Alien: Romulus" es una secuela digna que rinde tributo a
las dos películas originales y trata de revitalizar una saga que estaba
prácticamente en muerte cerebral tras los desastres de "Prometheus" y
"Covenant". La dirección artística y el uso de efectos prácticos
destacan, aunque la película está limitada por tajos incomprensibles en
el guion, (se viene una precuela en formato cómic a manos de Zac
Thompson) y la influencia del productor Ridley Scott, quien parece estar
empeñado en mantener un esquema narrativo ya sobreexplotado. De hecho, cuando Romulus se vuelve verdaderamente interesante es cuando
huye de las cintas originales y marca su propio camino narrativo
ahondando en esos elementos que los fanáticos llevan décadas pidiendo y,
sin embargo, cuando se vuelve reiterativa o hace copy/paste de escenas
calcadas a las películas de Cameron y Scott, es cuando Romulus se ve, de
alguna manera, menor, como una versión más compacta de las obras
originales. Para aquellos que salieron escarmentados tras las fallidas Promethues y
Covenant, decir que, a diferencias de éstas, Álvarez es bastante más
explicito en muchas de las incógnitas que Scott se vio incapaz de
responder y, a la vez, abre otros interrogantes pero sin dejar al
espectador en ascuas como en Prometheus."Romulus" es una secuela digna, hecha artesanalmente por un fan
declarado de la saga, honesta, polémica e inteligente en ciertos
aspectos y muy interesante en su exploración de elementos previamente
vistos en la franquicia. En el ranking de la saga, "Alien: Romulus" se
ubicaría en una más que digna tercera posición. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
ANIMAL
Le règne animal.
(EN CINES)
- Título original
- Le règne animal.
- Año: 2023
- Duración: 130 min.
Francia- Dirección: Thomas Cailley
- Guion: Thomas Cailley, Pauline Munier
- Reparto: Romain Duris, Paul Kircher, Adèle Exarchopoulos, Nathalie Richard.
-
Música: Andrea Laszlo De Simone, Sebastien Pan.
- Compañías: Nord-Ouest Films, Studiocanal.
- Género: Ciencia ficción. Aventuras. Drama | Distopía.
- SINOPSIS: En un mundo azotado por una ola de mutaciones que transforman gradualmente a algunos humanos en animales, François hace todo lo posible por salvar a su esposa, afectada por esta misteriosa enfermedad. Mientras la sociedad se ve abocada a un nuevo orden, iniciará junto a Émile, su hijo de 16 años, una búsqueda que los cambiará para siempre. EXCELENTE. Uno de los mayores aciertos de El reino animal es el de acercarnos dos géneros tan diferentes y a la vez con una sinergia tan interesante. El drama familiar y los elementos fantásticos de El reino animal se conjugan para contar una fábula con una gran cantidad de lecturas tanto en su contexto como en su subtexto. El propio director explicaba en una entrevista que «con la emergencia ecológica actual, creo que es vital inventar nuevas narrativas que exploren nuestras interacciones con el resto del mundo vivo e imaginar nuevas fronteras». En ese sentido, el hecho de contar una mutación humano-animal aleja a El reino animal de otra historia más acerca del colapso de la sociedad. Tanto la decisión de situar El reino animal en la actualidad como la de establecer una mutación física tan evidente ayudan a exponer el mensaje de la película. Asimismo, el hecho de contar una historia íntima permite al director establecer conflictos interesantes y personajes bien construidos desde el guion. El riesgo controlado que supone apostar por una historia tan íntima pese a tener elementos para hacerla escalar a nivel global se tiene que valorar porque es valiente. Sin embargo hay que destacar las actuaciones porque consiguen construir unas relaciones complejas y muy humanas, contradictorias. A causa de ello, los personajes resultan trascendentes, con un Paul Kircher brillante y con un Romain Duris que destaca en su papel de padre. Del mismo modo, Adèle Exarchopoulos consigue darle a su personaje un trasfondo que da como resultado una actuación genial. Con El reino animal Thomas Cailley consigue plantear un drama familiar con elementos fantásticos que encajan perfectamente. Sabe mantener el tono íntimo en todo momento y eso convierte a la película en una pequeña gema imperdible para reflexionar acerca de la condición humana y nuestro lugar en la ecología del planeta. IMPERDIBLE.
TRAILER
JOAN
La espía roja.
- Título original
- Red Joan
- Año: 2020
- Duración: 103 min.
Reino Unido- Dirección: Trevor Nunn
- Guion: Lindsay Shapero
- Reparto: Sophie Cookson, Judi Dench, Tom Hughes, Stephen Campbell Moore
- Fotografía: Zac Nicholson
- Compañías: Trademark Films. Distribuidora: Lionsgate
- Género: Drama. Romance | Biográfico. Espionaje. Basado en hechos reales.
SINOPSIS: Joan Stanley (Judi Dench) es una encantadora anciana que jamás ha levantado ningún tipo de sospecha… hasta que una mañana del año 2000 agentes del MI5 la detienen, acusada de proporcionar información a la Rusia comunista. Ha salido a la luz uno de mayores casos de espionaje del KGB y Joan es una de las sospechosas. Durante el interrogatorio Joan vuelve a recordar el año 1938, cuando estudiaba Física en Cambridge y se enamoró de un joven comunista, Leo Galich (Tom Hughes), el mismo que tiempo después, durante la II Guerra Mundial, le puso ante una difícil encrucijada: elegir entre traicionar a su país o salvar al mundo de una catástrofe nuclear. Y es que, trabajando en unas instalaciones de alto secreto dedicadas a la investigación nuclear durante la guerra llega a la conclusión de que el mundo está al borde de una destrucción garantizada, y deberá elegir entre traicionar a su país y a sus seres queridos... o salvarlos. Película basada en la vida de Melita Norwood (Joan Stanley en el film), la espía británica que estuvo más tiempo al servicio de la KGB. MUY BUENA. Tienen la gran suerte los ingleses de poder contar su épica historia del siglo XX sin la polémica que encuentran otros países de su entorno; pues al contrario que España, Alemania o Italia, se mantuvieron unidos en los grandes momentos del siglo pasado y resultaron vencedores. Lo hemos visto recientemente en grandes películas como en El instante más oscuro, Dunkirk o Enigma. Por eso, en La espía roja, Trevor Nunn se enfrentaba a un reto: contar la historia de una traidora. Joan Stanley es una estudiante de Cambridge que se enamora de Leo (Tom Hughes) un francés comunista que lidera un grupo de estudiantes. Cuando Joan entre a trabajar en el programa nuclear británico, Leo le plantea un dilema que le atormentará por años: entregar a Rusia los avances ingleses para conseguir la bomba atómica y conseguir así el equilibrio mundial que evite una nueva guerra. Lo mejor del film es el papel de Joan, interpretado magistralmente por Judy Dench y una joven Sophie Cookson. Consiguen crear un personaje verosímil, a pesar del planteamiento un tanto ingenuo del dilema al que se enfrenta. Sin embargo, pesa un tanto en el ritmo de la cinta la indefinición de género pues, por momentos, La espía roja navega entre el largometraje de época, el romance, el thriller o el panfleto antimilitarista. Estamos ante una buena trama, entretenida y bien interpretada que gustará a los amantes del relato inglés de entreguerras como The Crown;y que, además, plantea un interesante tema de debate sobre la carrera armamentística, perfecto para cinefórums. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
WALLED IN
Twilight of the Warriors: Walled In.
PRESELECCIONADA POR HONG KONG
AL OSCAR 2025 COMO
"MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL"
- Título original
- Twilight of the Warriors: Walled In.
- Año. 2024
- Duración: 125 min.
Hong Kong- Dirección: Soi Cheang
- Guion: Au Kin-Yee, Chan Tai-Lee, Li Jun, Kwan-Sin Shum. Cómic: Li Jun
- Reparto: Raymond Lam, Sammo Hung, Louis Koo, Philip Ng.
- Fotografía: Cheng Siu-Keung
- Compañías: Coproducción Hong Kong-China; Entertaining Power, HG Entertainment Film Company, Union Pictures, One Cool Film Production
- Género: Acción. Thriller | Yakuza & Triada. Artes marciales. Años 80.
SINOPSIS: En los años ochenta, el único lugar de Hong Kong donde no se aplicaba la
ley británica era la temida Ciudad Amurallada de Kowloon, un enclave
entregado a las bandas y al tráfico de todo tipo. Huyendo del poderoso
jefe de las tríadas Mr. Big, el emigrante ilegal Chan Lok-kwun se
refugia en Kowloon City, donde es acogido bajo la protección de Ciclón,
líder de la Ciudadela. Junto a los demás marginados de su clan, tendrán
que hacer frente a la invasión de la banda de Mr. Big y proteger el
refugio en que se ha convertido para ellos la ciudad fortificada. MUY BUENA. Todavía recuerdo en 2021 el pase en Sitges del impresionante film de Soi
Cheang «Limbo» un electrizante thriller policiaco rodado en un
apabullante blanco y negro, con una puesta en escena que me dejo
atónito. Pues bien, ahora vuelve a traernos al festival su último film,
un claro homenaje a la época dorada del cine de artes marciales en Hong
Kong. Para situar la atmosfera ha elegido la famosa ciudad amurallada de
Kowloon una ciudad hormiguero donde se apiñaban más de 50.000 personas
dentro de sus 2,6 hectáreas de edificaciones casi derruidas y en un
estado deplorable, estaba controlado por tríadas y fue hasta su
demolición en 1993 un nido de drogas, apuesta y prostitución. Chan Lok-kwun, un joven problemático en el Hong Kong de los años
ochenta, se refugia en la ciudad amurallada de Kowloon para buscar un
futuro mejor. Allí intentará ganarse la vida como luchador en el
circuito de peleas ilegales. Tras ser estafado por el capo de la mafia
Mr. Big, Lok-kwun iniciará una violenta historia de venganza bajo la
atenta mirada de Cyclone, un inesperado aliado experto en artes
marciales. Rodada con mucha habilidad y en un set gigantesco, (una réplica enorme
de la antigua ciudad que después del rodaje fue demolido), todas las
escenas de acción que incluyen escenas acrobáticas son muy destacables,
también el componente fantástico está presente en las luchas dándole un
toque muy especial y visualmente muy llamativo. También está muy bien
reflejado ese submundo de los gánsteres que dominan la ciudad. Durante sus 126 minutos asistiremos a un sinfín de escenas de acción
peligrosas, y aunque muchos de los protagonistas carezcan de una
profundidad en su personaje, todo se compensa con ese estilo visual
inigualable de este género de artes marciales de la vieja escuela. A
tener en cuenta los decorados y los efectos especiales de ese monstruo
de cemento y cables viejos que es la fantasmagórica ciudad. Posiblemente, estemos ante una de las mejores películas de acción de 2024. IMPERDIBLE.
TRAILER
LADIES
Las novias perdidas.
PRESELECCIONADA POR INDIA
AL OSCAR 2025 COMO
"MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL"
- Título original
- Laapataa Ladies
- Año: 2024
- Duración: 122 min.
India- Dirección: Kiran Rao
- Guion: Sneha Desai, Biplab Goswami. Diálogos: Divyanidhi Sharma
- Reparto: Nitanshi Goel, Pratibha Ranta, Sparsh Srivastav, Ravi Kishan
- Música: Ram Sampath
- Fotografía: Vikash Nowlakha
- Compañías: Aamir Khan, Jio Studios, Kindling Productions, Zeal Z Entertainment services
- Género: Comedia. Drama | Comedia dramática.
SINOPSIS: En algún lugar de la India rural, dos jóvenes novias son intercambiadas antes de su gran día. MUY BUENA. Cuando Phool (Nitanshi Goel) casi tropieza mientras corre hacia la estación de tren para acompañar a su esposo Deepak (Sparsh Shrivastava) a su nuevo hogar, debido al velo que cubre su rostro, su madre le advierte que preste atención a sus pies. Le explica que ese es el propósito del velo: aprender a ser una esposa obediente que permanece callada y siempre mira hacia abajo. Es una cuestión de modestia para ella y de poder para él. Y es una tradición a la que todas las recién casadas en ese tren están sujetas. Así que cuando un vagón lleno, la necesidad de Deepak de usar el baño, la hora tardía y el cansancio inevitable se combinan, no debería sorprender que él, en su apuro por alcanzar el último autobús, despierte por error a la mujer equivocada. La guionista y directora Kiran Rao lo maneja todo a la perfección, capturando el ritmo acelerado de viajar por la India en medio de una multitud de personas. (Lo he vivido antes; caótico es quedarse corto). El inicio de Lost Ladies es un juego de sillas musicales y confusión, donde todos adoptan una actitud de confianza a pesar de no tener ni idea de lo que están haciendo. ¿Qué se supone que debe hacer Jaya (Pratibha Ranta) cuando se da cuenta de que la ha despertado el hombre equivocado? El tren ya se ha ido, y ella no sabe que Deepak es un romántico compasivo que no la dejaría a su suerte. Así que lo sigue en silencio (como una "buena esposa" debería) solo para que él descubra el error frente a toda su familia extendida. Aquí es donde cobra sentido que Rao sitúe su película en 2001. Lo que hoy sería un arreglo sencillo se convierte en una imposibilidad, especialmente considerando que la familia de Deepak son pobres agricultores. La única persona con un medio de comunicación instantáneo es Jaya (un teléfono móvil fue parte de su dote), pero lo último que ella quiere es ser reunida con su brutal y gánster esposo. La pregunta, entonces, es si su duplicidad al usar un nombre falso y ocultar el teléfono es por seguridad o por oportunidad. ¿Podría ser parte de una red criminal que estafa a familias y roba sus joyas a través de bodas falsas? ¿O simplemente ha aprovechado un golpe de suerte para obtener su libertad? Añade a Phool, varada en una estación de tren a kilómetros de distancia, a los amables lugareños que la acogen (Manju Mai, interpretada por Chhaya Kadam, y Chotu, interpretado por Satendra Soni), y a un policía corrupto (Manohar, interpretado por Ravi Kishan) que sigue de cerca esta enredada historia de esposas intercambiadas para evaluar quién podría ofrecerle más ganancia, y la decisión del Festival Internacional de Cine de Toronto de etiquetar el guion de Sneha Desai (basado en una historia de Biplab Goswami) como una "comedia" resulta acertada. También es una película muy política (todo es un comentario sobre las tradiciones patriarcales arcaicas) y extremadamente tierna, dos características que se ven potenciadas por el humor contagioso que surge de un escenario tan absurdamente creíble. El verdadero logro, sin embargo, es la capacidad de Rao para equilibrarlo todo de manera tan efectiva. Está manejando cuatro trayectorias únicas que se dirigen hacia finales muy diferentes. Jaya busca escapar. Deepak anhela el perdón. Phool ansía amor. Y Manohar codicia el oro. Estas realidades a menudo llevan las situaciones al extremo, pero Rao nunca olvida que todas son igualmente importantes para el éxito de la obra. Pasa de una a otra de formas que aportan nuevo contexto, realzan los momentos emocionales y/o proporcionan puntos cómicos. Y, mientras tanto, cada personaje también está aprendiendo algo. Están descubriendo lo que realmente les importa (incluso aquellos que podrían no parecer capaces de altruismo). Jaya debe preguntarse si obtener su libertad a expensas de otra persona es algo que puede soportar. Deepak debe sopesar el hecho de que, sin querer, se ha encontrado en una posición para salvar a una desconocida, así como a su esposa. Y la bondad áspera que Phool experimenta de parte de Manju Mai le abre los ojos a algo más que el idealizado rol de ama de casa en el que nació. Una cosa es querer estar con el hombre con el que se casó; otra muy distinta es perderse a sí misma en el proceso. En una cultura que se muestra en pantalla como verdaderamente disolviendo la individualidad a través del matrimonio, este enredo se convierte en una revelación necesaria para recordarnos que los deseos personales también importan. Esta institución debe ser un compromiso de ambas partes para prosperar. Y aunque Ranta y Goel brillan al encarnar este sentido de despertar político evolutivo, Kishan roba el espectáculo. Su Manohar es el tipo de villano que amas odiar: pomposo, cruelmente ingenioso y avaricioso hasta el extremo, pero también muy inteligente, un detalle que proviene del guion, no solo de que su ayudante sea un inocente e ingenuo torpe en comparación. No pasa mucho tiempo antes de comprender que usa su posición para su beneficio personal y, al hacerlo, también exige ser bueno en su trabajo. No guarda sus sobornos y luego ignora los casos; los resuelve para mejorar su influencia. Descubrir que podría tener un corazón también es un bono. Construida sobre la insensibilidad religiosa y social aprendida de una relación que debería basarse solo en el amor, Lost Ladies utiliza su contexto temporal específico para revelar cómo esos imperativos supuestamente indispensables también pueden desaprenderse. Es una historia progresista sin ser sermoneadora. Una comedia romántica y misterio entrelazados que integran sus temas en la trama para evitar hablar con condescendencia a una audiencia que comprende muy bien sus motivos. Que sea tan divertida parece casi imposible considerando cuánto están manejando Rao y compañía, pero esa es la belleza de un guion hermético, grandes actuaciones y un impecable trabajo técnico (el montaje y la música son puntos destacados). Con el distribuidor adecuado, esta comedia india reconfortante podría tener un gran éxito en la taquilla estadounidense. IMPERDIBLE.
2024: Festival de Toronto: Premio de la crítica.
TRAILER
LA
SUPREMA
La suprema.
PRESELECCIONADA POR COLOMBIA
AL OSCAR 2025 COMO
"MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL"
- Título original
- La Suprema
- Año: 2023
- Duración: 83 min.
Colombia- Dirección: Felipe Holguin
- Guion: Felipe Holguin, Andres Sierra
- Reparto: Elizabeth Martínez, Antonio Jiménez, Ana Victoria Rodríguez, Domingo Zabaleta, Pabla Florez, Miguel Ángel Fontalvo, Moisés Ramirez, Juan José Jiménez
- Fotografía: Mauricio Vidal
- Compañías: Cumbia Films, Ferviente Films, Telepacifico
- Género. Drama | Boxeo. Adolescencia.
SINOPSIS: En una remota aldea sin electricidad, una adolescente convence a todo el
pueblo para encontrar la forma de ver a su tío, del que está
distanciada, competir en un combate del campeonato mundial de boxeo. MUY BUENA. La ganadora del Festival de Cine de Cartagena es una vibrante y adorable
comedia costumbrista sobre el pugilismo y la búsqueda de un televisor. El premio del público en el pasado festival de cine de Cartagena lo
obtuvo una cinta de extraña belleza ambientada en un pueblo que no
aparece en los mapas de Colombia, en la tradición del Macondo de Gabriel
García Márquez. Sin embargo, en la vereda de La Suprema del municipio
de Matuya ubicada en María la Baja (Bolívar), todo lo que sucede puede
ser mágico y ensoñador pero tiene su base en la realidad. La mayor parte
del elenco de la película vive en La Suprema y el fotógrafo Mauricio
Vidal logra capturar con mucha pericia ese lugar tan bello como el
Barichara que inspiró a Encanto, la adorable película de Disney, o la Providencia de El día de la cabra
(2017), esa preciosa pero olvidada comedia de enredos del colombiano
Samir Oliveros. Cuando la cinta se presentó por primera vez a los
habitantes de La Suprema, la reacción fue tan enérgica como la de los
niños del Chocó que vieron cine por primera vez y se encontraron con Pantera Negra, un superhéroe muy parecido a ellos en la pantalla. La ópera prima del director Felipe Holguín pertenece a un nuevo
género al que bien podríamos llamar “neorrealismo mágico colombiano”,
pese a que su historia no tiende a la tragedia sombría y
desesperanzadora desarrollada en las obras maestras de De Sica, Visconti
y Rosselini. La Suprema está más cerca a las comedias dialectales costumbristas italianas como Los desconocidos de siempre
(1958) de Mario Monicelli, en donde Nápoles es reemplazada por este
pueblito hermoso y entrañable, mientras que los habitantes
pertenecientes a la periferia que luchan por sobrevivir y cumplir sus
sueños, son reemplazados aquí por personas que hablan español y que
poseen una hermosa tez oscura. Siguiendo la línea trazada por las cintas sobre jóvenes mujeres pugilistas como Girlfight (2000) de Karyn Kusama y Million Dollar Baby
(2004), nuestra protagonista Laureana (Elizabeth Martínez) sueña con
convertirse en boxeadora y tiene a un veterano entrenador llamado Efraín
(Antonio Jiménez) que la va a yudar a cumplir con sus ambiciones. Hay
que decir que los dos actores protagonistas exudan el carisma y
atractivo suficiente para consagrarse como actores internacionales si
los astros se llegan a alinear. Asimismo, la cantadora Pabla Flórez,
cantautora de bullerengue e hija de la legendaria Eulalia González
Bello, asume un personaje que representa a las grandes matronas del
caribe colombiano y nos entrega unos interludios musicales de inmenso
valor. Pero, en realidad, esta no es una cinta sobre boxeo sino una
simpática comedia sobre la búsqueda de un preciado televisor y una
planta eléctrica que los habitantes de La Suprema necesitan con urgencia
para poder ser testigos de un importante enfrentamiento de un pugilista
orgullo del pueblo, que fuera entrenado por Efraín. Esta historia está
inspirada en una anécdota escrita por Manuel Jaimes Triviño que cuenta
lo que pasó en San Basilio de Palenque en 1977, cuando Antonio Cervantes
“Kid Pambelé” ganó el título mundial de boxeo por primera vez para
Colombia. Un representante del gobierno de turno llegó al pueblo con un
televisor para ser testigos del evento, pero la gente quedó indignada
porque no había electricidad para encenderlo. La Suprema llega a ser una variación de La estrategia del caracol
(1993), la inolvidable cinta de Sergio Cabrera acerca de un grupo de
personas humildes y de escasos recursos que se une para enfrentarse al
clasismo y la corrupción del estado. No estamos hablando de la típica
película contemplativa colombiana que aborda el conflicto armado, el
desplazamiento y la pobreza, que se dirige a una élite cinéfila, obtiene
galardones en el exterior y espanta al público masivo. Tampoco es la
típica comedia burda, populista, bulliciosa y destartalada que llena las
salas de nuestro país, pero que es odiada y despreciada por los
críticos. La Suprema logra, como lo hicieron en sus días La estrategia del caracol, El día de la cabra y la más olvidada aún Mamagay
(1977) de Jorge Gaitán Gómez, quedarse en el terreno medio de la
poesía, el entretenimiento y el comentario sociopolítico, y eso es algo
muy saludable para un país polarizado hasta en su cine. IMPERDIBLE.
Premios Nacionales
- - Premio del Público, 63 Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias (FICCI), 2024.
Premios Internacionales
- - Coral a Post Producción, Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, Cuba, 2023.
- Silver Colon Audience Award, Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, España, 2023.
- Best Feature Film by Radio Exterior de España, Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, España, 2023.
- Ecumenical Jury Award Best International Feature Film, Festival Internacional de Cine de Friburgo, Suiza, 2024.
TRAILER
DE LA
VIDA
El bus de la vida.
- Título original
- El bus de la vida
- Año: 2024
- Duración: 98 min.
España- Dirección: Ibon Cormenzana
- Guion: Eduard Sola, Ibon Cormenzana
- Reparto: Dani Rovira, Susana Abaitua, Elena Irureta, Antonio Durán
- Música: Paula Olaz. Canciones: Manuela Vellés, Kase.O, Los Chikos del Maíz, Fito y Fitipaldis, Chill Mafia, Rigoberta Bandini
- Fotografía: Albert Pascual
- Compañías Coproducción España-Francia; Arcadia Motion Pictures, Pachacamac Films, Aixerrota Films, Pris and Batty Films, Noodles Production
- Género: Drama | Enfermedad. Basado en hechos reales. Música.
VERSIÓN SUBTITULADA Y HABLADA EN ESPAÑOL.
SINOPSIS: Andrés, un profesor de música que trabaja en Madrid tiene que trasladarse a un pueblo vasco para cubrir la plaza que ha quedado libre en un instituto. Con los 40 recién cumplidos y sin haber superado nunca el miedo escénico, siente que su nueva vida le está alejando del sueño de ser músico. Al llegar allí, en su primer día de clase sufre un desmayo a causa de un fuerte pitido en el oído: es cáncer. Para recibir tratamiento debe desplazarse al hospital de Bilbao en EL BUS DE LA VIDA, un viejo autocar que traslada gratuitamente a todos los pacientes de la zona. Gracias a las risas, confesiones, experiencias y miedos compartidos con sus compañeros de viaje, Andrés irá obteniendo fuerza para enfrentarse por fin a sus miedos y llegar a cumplir su sueño. MUY BUENA. El humor es un gran aliado cuando toca enfrentarse a las peores adversidades. También lo es la buena compañía, y en El bus de la vida queda de manifiesto al ver la relación entre el grupo de pacientes de cáncer que viajan juntos a Bilbao para recibir su tratamiento. Esta es la enseñanza de la nueva película del cineasta Ibon Cormenzana (La cima, Alegría Tristeza), un viaje hacia el optimismo en medio de una de las pruebas más complicadas que cualquier ser humano puede afrontar. La travesía de Andrés (Dani Rovira), Mai (Susana Abaitua) y del resto de pasajeros del autobús transita de la alegría a la tristeza y viceversa, pero siempre con un mensaje bien claro: hay que conservar la felicidad. La música también es importante, representada por un protagonista que supera el miedo escénico que le apartaba de su sueño de convertirse en vocalista y compositor. Pero Andrés es casi el único que vive un desarrollo, ya que el resto de compañeros de viaje acaban siendo víctimas de la ligera paralización que sufre la trama. Aun así, la positividad se impone por encima de los pequeños detalles a mejorar. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
Reagan.
- Título original
- Reagan
- Año: 2024
- Duración: 135 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Sean McNamara
- Guion: Howard Klausner, Jonas McCord. Biografía sobre: Ronald Reagan
- Reparto: Dennis Quaid, Penelope Ann Miller, Jon Voight, Mena Suvari
- Música: John Coda
- Fotografía: Christian Sebaldt
- Compañías Rawhide Pictures, MJM Entertainment
- Género: Drama | Biográfico. Política. Años 80. Años 70.
SINOPSIS: Biopic del presidente norteamericano republicano Ronald Reagan (1911-2004), cuenta su vida desde su infancia, su etapa como actor en Hollywood, su lucha con los sindicatos, la influencia de sus mujeres en su vida, su carrera en política y las tomas de decisiones que se llevaron a cabo a su llegada al Despacho Oval de la Casa Blanca en 1981, donde estuvo 8 años. MUY BUENA. Los críticos de cine y el público no siempre están de acuerdo pero pocas veces parecen tan divididos en torno a una película como en el caso de "Reagan", una cinta biográfica muy favorecedora del expresidente estadounidense lanzada a pocos meses de una polarizada elección por la Casa Blanca. La película, con Dennis Quaid en el papel del republicano Ronald Reagan, se estrenó la semana pasada y ha logrado un 98% de aprobación del público en el portal Rotten Tomatoes. Pero sólo cautivó a 21% de los críticos. Muchos de los críticos destruyeron la película por considerarla como una torpe hagiografía que omite los errores del expresidente conservador. Pero miles de espectadores los acusan de atacar un filme "patriótico" debido a su visión izquierdista. "Si a esto le añadimos el punto de vista político, de repente se vuelve muy tendencioso", coincidió el director Sean McNamara. "Veo que definitivamente están atacando a Reagan, y no al rodaje", dijo McNamara en entrevista con AFP, en referencia a las reseñas. Pero en lugar de rehuir la percepción divisiva que ha causado la cinta, el equipo la usa para promoverla. Uno de los comunicados de prensa destacó esta semana que se trata de "la mayor división entre los críticos y los espectadores en la historia del cine de Hollywood". Un publicista veterano en la meca del cine, quien no participa en la promoción de "Reagan", comentó a la AFP que esa afirmación "suena totalmente como un truco de publicidad". Independientemente de esto, el filme llega justo en un momento cumbre de la campaña electoral, lo que ha ayudado en su difusión. La recaudación de 80 millones de dólares en su primer fin de semana la ubica "por encima del promedio" para una biografía política en Estados Unidos, según el analista de taquilla, David A. Gross. RECOMENDABLE.
TRAILER
CINE FAMILIAR
ROBOT
SALVAJE
Wild robot.
(EN CINES)
- Título original
- The Wild Robot
- Año: 2024
- Duración: 101 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Chris Sanders
- Guion: Chris Sanders. Libro: Peter Brown
- Reparto: Lupita Nyong'o, Pedro Pascal, Kit Connor
- Música: Kris Bowers
- Fotografía: Animación, Chris Stover
- Compañías: DreamWorks Animation, Universal Pictures. Productor: Dean DeBlois. Distribuidora: Universal Pictures
- Género: Animación. Ciencia ficción. Aventuras | Robots. Animales. Naturaleza. Amistad. Aves/Pájaros. Cine familiar.
VERSIÓN HABLADA Y SUBTITULADA EN INGLÉS Y CASTELLANO.
SINOPSIS: El épico viaje de un robot -la unidad 7134 de Roz,'Roz' para abreviar- que naufraga en una isla deshabitada y debe aprender a adaptarse al duro entorno, entablando gradualmente relaciones con los animales de la isla y convirtiéndose en padre adoptivo de un pequeño ganso huérfano. EXCELENTE. Este 2024 está siendo un año bastante difícil para el cine. Después de una infinidad de secuelas y resurrecciones de sagas que ya estaban muertas hace años, cuesta encontrar una película de calidad que no tenga una base ya construida en otra película o en películas anteriores. Robot Salvaje es un gran ejemplo de un producto nuevo en el cine, con una calidad cinematográfica desmesurada. Soy una persona a la que le gusta todo tipo de cine, y a veces tengo la sensación de que cuando critico negativamente, por ejemplo, "Deadpool y Lobezno" o la nueva de "Cazafantasmas", la gente piensa que lo que estoy buscando es la nueva "Los 400 golpes". Nada más lejos de la realidad. Lo que realmente busco es cine con alma, cine con corazón, que no me lance tan a la cara que la principal motivación de la obra es hacer dinero. Robot Salvaje no es solo una buena película, es una joya, un tipo de joya difícil de encontrar hoy en día. Es una película que ha despertado todos mis sentidos mientras la veía. He llorado, he reído, me he emocionado, maravillado y he sentido mucha ternura viéndola. Es una película que funciona a la perfección en todas sus áreas. La animación es excelente, parece que estés viendo un cuadro en cada fotograma. La música es un acompañamiento perfecto que realza la emoción de las hermosas imágenes y los grandes momentos. Los personajes están escritos a la perfección y presentados de tal forma que empatizas rápidamente con ellos, deseando que no les pase nada malo. Recomiendo que vayáis a verla al cine. Apoyad a los estudios cuando realmente hacen algo bien, y que entiendan que lo que la gente realmente quiere son historias como esta: historias que nos hagan vibrar, que nos emocionen y, sobre todo, que al salir de la sala nos hagan sentir "qué bonito es estar vivo en este momento". Gracias, Peter Brown, Chris Sanders, el equipo de la película y DreamWorks en general, por esta obra de arte que, sin duda, en unos años será recordada como un clásico del cine. IMPERDIBLE.
TRAILER
CINE CLÁSICO ITALIANO
BRUTTI,
SPORCHI e CATTIVI
Feos, Sucios y malos.
- Título original
- Brutti, sporchi e cattivi
- Año: 1976
- Duración: 115 min.
Italia- Dirección: Ettore Scola
- Guion: Ettore Scola, Ruggero Maccari
- Reparto: Nino Manfredi, Francesco Anniballi, Maria Bosco, Franco Merli.
- Música: Armando Trovajoli
- Fotografía: Dario Di Palma
- Compañías: Compagnia Cinematografica Champion
- Género: Comedia. Drama | Comedia negra. Pobreza.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HS 1080P.
SINOPSIS: El viejo Giacinto vive en los arrabales de una gran ciudad italiana con
su esposa, hijos, nueras y nietos. En total casi veinte personas en la
misma chabola. Casi todos los miembros de la familia son extremadamente
egoístas, y sólo quieren el dinero que guarda afanosamente el padre de
familia, un hombre huraño y tan miserable como los demás. Todos tratan
de ganarse la vida, aunque algunos necesitan parte del dinero del padre
para subsistir. EXCELENTE. Excelente film de humor negro negrísimo, de Ettore Scola, donde los
árboles sí dejan ver el árbol de la denuncia social de unos seres
humanos que viven miserablemente todos los días, y carecen casi de
cualquier atisbo moral y/o ético. Scola, por medio de un Nino Manfredi en estado de gracia y mediante una
soberbia dirección, logrando una portentosa puesta en escena, que fue
galardonada en el Festival de Cannes de aquel año, nos transmite unas
sensaciones que, sí, hacen reír muchas veces y sonreír gracias a la
multitud de toques costumbristas, pero que también nos perturban e
incluso nos asquean un poquito varias veces. La historia es seria a más no poder, pero el humor negrísimo logra que, a
pesar de todas las calamidades que vemos, con escenas durísimas y
llenas de mal gusto, hace que el espectador se distancie un tanto de lo
que ve, es decir, no se lo tome demasiado en serio. Pero lo que Scola muestra es algo real, que ocurre cada día, aunque
quizás un tanto exagerado en algunos aspectos, para dar un toque
bufonesco a los personajes, que no se pueden coger por ningún lado, dado
su falta de humanidad. O quizás sean demasiado humanos, y eso es lo que
nos perturba. En la Argentina, este film fue prohibido en principio por la dictadura
militar, y luego estrenada tardíamente, en 1983. La pude ver en sesión
de cinemateca un par de años después. y todavía me resuenan las
risotadas del público desternillándose. Posteriormente la repasé en
video. Y seguí hallando diez mil detalles más que no fueron percibidos
en la primera visión. Así como advertí que la censura de los militares
había suprimido la escena del juez, que pone ciertas ideas nefastas en
la cabeza de Jacinto. ¡Se asustaron de la extrema incorrección política
de ese personaje! ¿Nada más? Todo el film es una antología de esa falta
de modales, comenzando por el título, uno de sus tantos hallazgos , y
siguiendo por la idea que inspiró la película: reírse de cosas horrendas
que suelen suceder entre los más pobres. Idea auténticamente
subversiva. Quien vea la película disfrutará de geniales detalles sin solución de
continuidad, y unas cuantas escenas memorables, sin exagerar. Destaco
por su ternura la del sueño de Jacinto, ahí se rompe un poco el tono
cruel que caracteriza este film, que consiste en reírse sin piedad de la
miseria y de las miserias. Excelente película que logra hacernos reír y avergonzarnos al mismo tiempo. NOTA: Para el espectador argentino, es destacable cómo este film
italiano inspiró la clásica comedia Esperando la carroza. Si bien esta
comedia se desarrolla en un hogar de clase media baja, el tono grotesco y
exagerado, la crítica de costumbres, etc. se le asemejan mucho. IMPERDIBLE.
- 1976: Festival de Cannes: Mejor director
TRAILER
DOCUMENTALES
SOLEDAD
EL FIN DEL SILENCIO
María Soledad: El fin del silencio.
- Título original
- María Soledad: El fin del silencio
- Año: 2024
- Duración: 95 min.
Argentina- Dirección: Lorena Muñoz
- Reparto: Documental
- Compañías Red Creek Productions, Nectar Films. Distribuidora: Netflix
- Género: Documental | True Crime.
SINOPSIS: A treinta años del asesinato de María Soledad Morales, sus compañeras de
escuela, las jóvenes que pelearon para que la verdad saliera a la luz,
se reúnen en Catamarca para conmemorar la muerte de su amiga y recorrer
los pasos de una tragedia que marcó un hito. María Soledad fue el primer
caso reconocido como femicidio que tuvo Argentina. MUY BUENA. El asesinato de María Soledad Morales –o «el
caso María Soledad» como lo conocimos todos los argentinos entonces,
cuando se convirtió en uno de los hechos más graves y resonantes del
país a lo largo de mucho tiempo– ha sido llevado al cine en forma de
ficción en aquella época, además de ser revisitado periodísticamente en
cientos de ocasiones. A 34 años del hecho ocurrido en la provincia
argentina de Catamarca, el documental EL FIN DEL SILENCIO
intenta recuperar los ejes principales de aquella situación empezando
por el crimen y la investigación para conectar todo eso con la violencia
de género y los femicidios, expresiones que en esa época no se
utilizaban pero que describen muy bien un crimen tan violento como
devastador. El film dirigido por la realizadora de ficciones biográficas como GILDA y documentales como Los próximos pasados,
entre otros, no busca reabrir el caso para aportar nuevas pruebas o
cambiar lo que se sabe de él, sino que elige reinterpretarlo para las
generaciones que no lo conocen, además de sumar entrevistas y
conversaciones actuales con muchas de las personas involucradas,
especialmente las compañeras de escuela de María Soledad y la religiosa
Martha Pelloni, quienes fueron las impulsoras de las llamadas Marchas
del Silencio que ayudaron a que el caso se hiciera conocido en todo el
país a lo largo de los primeros años de la década de los ’90. MARIA SOLEDAD: EL FIN DEL SILENCIO tiene el cuidado
de no «espectacularizar» el crimen en sí, con su consecuente morbo, ni
poner demasiado el eje en las personalidades de los victimarios, sino
hacer de las voces de las amigas de María Soledad el centro de una
historia de solidaridad y sororidad. Es que, sin la participación de
ellas, quizás el caso no habría tenido la cobertura nacional que tuvo. El documental sirve, además, no solo como un potente y valioso
recordatorio de un caso clave de la historia policial argentina y de sus
vínculos del poder político de turno –de la hoy por muchos «celebrada»
década del ’90–, sino como un llamado de atención sobre un tema que
sigue acechando a muchas mujeres al día de hoy, casi 35 años después,
con el escalofriante dato de que cada trece horas hay un femicidio en la
Argentina. IMPERDIBLE.
TRAILER
CINE NACIONAL
EL HOMBRE QUE AMABA
LOS PLATOS
VOLADORES
El hombre que amaba los platos voladores.
- Título original
- El hombre que amaba los platos voladores
- Año: 2024
- Duración: 107 min.
- Argentina
- Dirección: Diego Lerman
- Guion: Adrián Biniez, Diego Lerman
- Reparto: Leonardo Sbaraglia, Sergio Prina, Osmar Nuñez, Renata Lerman
- Música: José Villalobos
- Fotografía: Wojciech Staron
- Compañías: Campo Cine, Bicho Films. Distribuidora: Netflix
- Género: Comedia. Drama | Comedia absurda. Televisión. Periodismo. Extraterrestres. Basado en hechos reales. Años 80.
SINOPSIS: 1986. El periodista José de Zer junto al Chango, su camarógrafo,
emprenden el viaje hacia La Candelaria (Córdoba) tras recibir una
propuesta extraña por parte de dos personajes sospechosos. Al llegar al
pueblo no hay mucho que valga la pena, tan solo un pastizal quemado en
medio de los cerros. Lo que vino a continuación fue la labor de un genio
mitómano con un talento oculto: la creación audiovisual de presencia
alienígena más recordada de la historia de la televisión argentina. MUY BUENA. El nuevo film de Diego Lerman
reconstruye el camino de José De Zer en su viaje hacia un encuentro
profético que fue furor en la televisión argentina de finales de los 80. ¿Cómo abordar el personaje de José De Zer? Quizás para los más jóvenes
sea un desconocido, un hallazgo de esta nueva película de Diego Lerman (Una especie de familia, El suplente),
pero para los que ya tienen unos años, De Zer fue una figura estelar de
la televisión de finales de los 80, aquel que asomó en Nuevediario
como el artífice de una saga noticiosa que tenía a los ovnis y el cerro
Uritorco como epicentro. También había sido el periodista que cubrió el
copamiento al cuartel de La Tablada, un cronista de espectáculos de la
noche porteña, un artista en la búsqueda de interés allí donde no
parecía haber más que abulia y monotonía. ¿Cómo abordar a ese personaje
tan querido por sus compañeros, extravagante en sus apariciones
públicas, con su pelo canoso y sus alaridos al camarógrafo apodado
‘Changuito’? Como “el hombre que amaba a los platos voladores”, nos dice
Lerman, y nos invita a la aventura de su descubrimiento.José De Zer (Leonardo Sbaraglia) camina y camina por los largos pasillos
de un teatro de revista a la espera de saludar a la estrella, la
estridente Mónica (Mónica Ayos), con sus pelucas y atrezzos que van y
vienen entre el escenario y el set de la televisión. José se mueve como
pez en el agua, con su camperita clara ajustada a la cintura, su sonrisa
de dientes blancos y una alegría de estar ahí, en el medio de “la
movida”, que resulta contagiosa. De repente, un problema coronario lo
deposita en la cama de un hospital y le ofrece una visión: sus horas de
extravío en el desierto del Sinái durante la Guerra de los Seis Días
regresan como una ráfaga a su memoria, quizás como una señal de lo que
vendrá, como el preámbulo de un volantazo para su carrera como cronista
en la televisión. Un pequeño pueblo de Córdoba busca reinventar su
protagonismo turístico gracias al rumor de que objetos voladores no
identificados han sido avistados en la zona. ¿Una trampa de los
inversores que buscan revaluar sus tierras o una leyenda creída por los
lugareños? No importa, porque José va hacia allí con el Chango (Sergio
Prina, notable) como copiloto, a revolucionar el pueblo de montaña y
convertirlo en el germen del furor de las fake news contemporáneas. Pero El hombre que amaba a los platos voladores
no es un registro testimonial de aquella historia sino la exploración
del viaje de José hacia ese destino inventado, hacia un encuentro
profético. Lerman nos contagia el entusiasmo de su personaje, nos
regala su mirada del mundo, aun con sus dudas y contradicciones.
¿Existe allí, en esa sierra surcada por viejas minas, por manchas de
fuego y ceniza, el territorio de un encuentro con extraterrestres? En la
encrucijada entre el cinismo y la fe, entre la mirada crítica que forjó
un cineasta como Billy Wilder cuando filmó un circo parecido alrededor
de una mina y un hombre en busca de una noticia en Cadenas de roca (1951), y la de Spielberg, cuando puso a Richard Dreyfuss a la espera de una señal en Encuentros cercanos del tercer tipo
(1977), Lerman nos deja en libertad, nos invita a asumir el riesgo de
toda decisión, la recompensa de la apuesta o el desencanto de la
pérdida.De hecho, la película parece evocar, casi de soslayo, cierto espíritu borgiano
en el que todos son parte de una fábula que no solo desdibuja la
frontera entre historia y literatura, sino que nos tiene a nosotros, los
propios espectadores, como partícipes involuntarios de esa
conspiración. Sacudiéndose cualquier indicio de biopic y trascendiendo
los contornos del true crime contemporáneo, El hombre que amaba a los platos voladores
asume su impronta de farsa en el irreverente humor, desplegando la idea
de puesta en escena incluso en el fuera de campo del relato -haciendo
que los habitantes de la ficción y los reales del pueblo donde se filmó
la película, se entrelacen-, y por supuesto sin abandonar la cercanía
con su personaje, chanta, crédulo y visionario, que tiene como referente
de su arte impuro la mirada de su hija, principal depositaria de sus
triunfos, consuelo definitivo de sus fracasos. MUY RECOMENDABLE.
2024: Festival de San Sebastián: Nominada a Concha de Oro: Mejor Película.
TRAILER
CINE DE AYER
WONDER
BOYS
Fin de semana de locos.
- Título original
- Wonder Boys
- Año: 2000
- Duración: 112 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Curtis Hanson
- Guion: Steve Kloves. Novela: Michael Chabon
- Reparto: Michael Douglas, Tobey Maguire, Frances McDormand, Katie Holmes
- Música: Christopher Young. Canción: Bob Dylan
- Fotografía: Dante Spinotti
- Compañías: Paramount Pictures, Mutual Film Company
- Género: Comedia | Comedia dramática.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HS 1080P.
SINOPSIS: Grady Tripp, un profesor de literatura de la Universidad de Carnegie
Mellon, sufre una crisis que le impide escribir: su tercera esposa lo
acaba de abandonar, y su agente literario lo presiona para que termine
su segunda novela. Siete años antes, cuando era un joven prodigio, su
primera novela tuvo una enorme repercusión. Durante el fin de semana en
que se celebra el "Festival de las Palabras", James Leer, uno de sus
alumnos, despierta su vena paternal, y ambos se lanzan a la búsqueda de
una extraña prenda que perteneció a Marilyn Monroe. MUY BUENA. No me canso de verla, Curtis Hanson, Director de reconocida competencia y
demostrada capacidad para sujetar y extraer las mejores dotes actorales
de sus repartos; Sírvase como ejemplo la soberbia L.A. Confidencial o
Río Salvaje.
Crea aquí un recorrido en el fin de semana del profesor Grady Tripp
durante el Festival de la palabra en la universidad de Pittsburg y el
seguimiento de su errático y estrambotico devenir que lleva arrastrando
consigo y le sitúa en el punto de inflexión que le hace tomar decisiones
vitales y sopesar lo realmente importante de lo que en realidad no lo
es tanto, es en fin, una solvente y efectiva pintura de emociones y
caracteres humanos. Michael douglas demuestra aquí, que cuando se lo propone, saca su casta y
vemos un actor de calibre muy alto en su mejor interpretación hasta la
fecha. Vemos a Robert Downet Jr., que vuelve de la oscuridad y nos muestra su
gran talento y profundidad ya sobradamente expuesto de todos modos en
Charlot, y la gran actriz Frances McDormand, la inolvidable encinta
investigadora de fargo. Cuadra un grupo actoral superior un Tobey Maguire que esta que ni
pintado para su papel con ese aire extraviado que le es propio, hasta
Katie Holmes esta bastante mas que correcta, muestra clara de la
efectiva dirección de actores de Hanson. Recibió el Oscar a la mejor canción,y nominado a montaje y guion adaptado, pero se merecía unos cuantos mas. Pocas veces, y mas en las ultimas décadas, tenemos el gusto de ver
películas tan magnificas, que rescatan y corroboran de manera palpable y
manifiesta que se puede hacer buen cine, como el de antes, que te
atrapa, de principio a fin y que al terminarte deja ese inconfundible
sabor a genuino cine, cine con mayúsculas y con nervio que tanto escasea
últimamente. IMPERDIBLE.
TRAILER
HEARTS
A corazón abierto.
- Título original
- Elsker dig for evigt (Open Hearts)
- Año: 2002
- Duración: 113 min.
Dinamarca- Dirección: Susanne Bier
- Guion: Anders Thomas Jensen
- Reparto: Mads Mikkelsen, Sonja Richter, Nikolaj Lie Kaas, Paprika Steen
- Música: Jesper Winge Leisner
- Fotografía: Morten Søborg
- Compañías Zentropa Productions, Det Danske Filminstitut
- Género: Drama. Romance | Dogma. Discapacidad.
VERSIÓN REMASTERIZADA EN FULL HS 1080P.
SINOPSIS: Cècile (Sonja Richter) y Joachim (Nikolaj Lie Kaas) están a punto de
casarse, pero ven truncado su futuro porque él sufre un accidente y se
queda tetrapléjico. Sin embargo, lo más terrible es que Cècile se
enamora del marido de la responsable del accidente, un padre de familia
con tres hijos. EXCELENTE. ¿Qué ha quedado del Dogma 95? Seguramente muchísimo más de lo que la
crítica cinematográfica es capaz de confesar en sus estudios y reseñas.
Ha sido el último movimiento cinematográfico en lo artístico y en lo
mediático, por lo que reducir el nombre del Dogma a los pies de página
de la historia del cine sería una irresponsabilidad. Te quiero para
siempre sirve para comprobar que el cine Dogma durante sus pocos años de
actividad fue evolucionando hacia otras soluciones tanto estéticas como
narrativas que vienen a derrumbar muchas ideas preconcebidas en
relación al movimiento danés. Te quiero para siempre es la película
Dogma número 28, e indudablemente eso se nota. Finalmente lo que quedan son películas, no movimientos. A corazón abierto filma la historia desde dos ópticas: en la primera, vemos el
discurrir de los cuatro personajes; y en la segunda, rodada con un vídeo
casero que deja imágenes más borrosas y ennegrecidas, somos testigos de
los deseos y pensamientos de esos personajes, aquella acción que solo
tiene lugar en los fueros internos de los protagonistas y que presenta
esa otra posible película utópica: véase los momentos en que Cecile
(Sonja Richter) coge la mano a su novio Joaquim (Nicolaj Lie Kaas)
cuando este está tetrapléjico en la cama de un hospital, o cuando Niels
(Mads Mikkelsen) se imagina escenas eróticas con Cécile antes de
penetrarla. Por ello, A corazón abierto puede considerarse una de
las pocas películas que utiliza el Dogma como enriquecimiento expresivo
de lo que se cuenta. Tal vez la única. En definitiva, se sitúa como el antecedente
directo de tragedias corales como En un mundo mejor o Brothers: la idea
de que el azar une a personas dispares y que un hecho tiene múltiples
repercusiones en muchos personajes está aquí como embrión de lo que
posteriormente serían obras que, ya sin el peso del Dogma, tuvieron
mayor suerte en lo comercial. Cuatro actores en estado de gracia, una
trama en un crescendo admirable y un dominio del drama humano, nada
manipulador ni sensiblero. Una joya a recuperar. IMPERDIBLE.
2002: Festival de San Sebastián: Premio de la crítica "Mejor película"
TRAILER
SERIES Y MINISERIES
IL RE
El Rey.
2DA TEMPORADA
TEMPORADA COMPLETA
8 EPISODIOS
3 DISCOS
- Título original
- Il re.
- Año: 2022-2024
- Duración: 400 min.
- Italia
- Dirección: Giuseppe Gagliardi
- Guion: Gian Marco Tofanelli, Stefano Bises, Peppe Fiore, Bernardo Pellegrini, Davide Serino
- Reparto: Luca Zingaretti, Anna Bonaiuto, Barbora Bobulova, Isabella Ragonese
- Música: Corrado Carosio, Pierangelo Fornaro
- Fotografía: Carlo Rinaldi
- Compañías: Sky Italia, The Apartment, Wildside. Distribuidora: Fremantle Media
- Género: Serie de TV. Drama. Thriller | Drama carcelario.
SINOPSIS: Despiadado cuando se le exige, misericordioso cuando es necesario, Bruno es el rey en sus dominios. Pero el asesinato de Nicola Iaccarino, su mejor amigo y mano derecha, sacude el mundo de Bruno. La fiscal Laura Lombardo investiga y teje una red de sospechas en torno a Bruno, sus métodos y la gestión sin escrúpulos de la prisión. A eso se suma la muerte de Lackovic, preso condenado a cadena perpetua y principal aliado de Bruno entre los reclusos. Todo esto hace tambalear el frágil orden de la prisión. EXCELENTE. La serie, protagonizada por Luca Zingaretti "EL COMISARIO MONTALVANO"como Bruno Testori, director de la cárcel San Michele, retoma directamente del dramático final de la primera temporada. La transformación de Testori, de poderoso director a prisionero, es el eje central de la narrativa, reflejando un profundo juego de poder que pone en evidencia su lucha por la supervivencia y su intento de recuperar el control en un entorno hostil que antes dominaba. Il Re, que fue una verdadera novedad en el panorama italiano desde su primera temporada, supera las altas expectativas de este segundo capítulo. Los episodios fluyen con agilidad gracias a su estilo oscuro y a un desarrollo intrigante, haciendo que el personaje de Bruno Testori sea aún más fascinante. La serie toma inspiración de la tradición de los dramas carcelarios estadounidenses, como Oz y Prison Break, pero lo hace con una voz única en el contexto italiano, combinando elementos de thriller psicológico y drama social. Al sumergir aún más a Testori en el ambiente claustrofóbico y asfixiante de su prisión, las contradicciones morales del género carcelario se intensifican, sobre todo porque ese espacio también refleja el mundo interior del protagonista. Si en la primera temporada se insinuaba una conexión con Breaking Bad y la caída en desgracia de su protagonista, esta temporada finalmente afronta esa relación. Lo hace expandiendo la narración e introduciendo nuevos personajes complejos, como Gregorio Verna, interpretado por Fabrizio Ferracane, un jefe de los servicios secretos que le ofrece a Testori una salida peligrosa pero necesaria. La tensión se incrementa, y el protagonista finalmente despliega toda su aura tenebrosa, con una fiereza que solo Zingaretti podía darle. La serie se vuelve cada vez más oscura, con alianzas precarias sostenidas por un sólido reparto. Destacan las interpretaciones de Isabella Ragonese como Sonia Massini, ahora comandante de las guardias, y de Barbora Bobulova como Gloria, la exesposa de Testori. También se incorporan nuevas figuras intrigantes, como Vittorio Mancuso (interpretado por Thomas Trabacchi) y Claudia Agosti (Caterina Shulha), añadiendo una tensión narrativa que lleva al protagonista a enfrentar límites morales poco explorados en la ficción italiana. La serie no solo muestra las dinámicas internas de la prisión, sino también cómo las acciones de Testori influyen en el mundo exterior, revelando una trama compleja de corrupción y manipulación. La dirección de Giuseppe Gagliardi y la fotografía neo-noir de Carlo Rinaldi crean una atmósfera opresiva que acentúa la claustrofobia y la tensión del entorno carcelario, convirtiendo Il Re en una meditación sobre la naturaleza del poder y la libertad. El protagonista deberá negociar un nuevo pacto difícil de mantener para sobrevivir, enfrentando dilemas cada vez más complejos y decisiones dolorosas. El equipo de guionistas – Peppe Fiore, Alessandro Fabbri y Federico Gnesini – destaca al explorar las complejidades del mal y los conflictos contemporáneos del protagonista, manteniendo al espectador cautivado con una narración que no da tregua ni ofrece respuestas fáciles. Todo ello logrado con un equilibrio temporal que evita tanto el frenesí como la dilatación innecesaria, ofreciendo un estilo narrativo visualmente impactante. Il Re sigue destacándose por su capacidad de mezclar acción intensa con profunda introspección, creando un drama carcelario que no solo entretiene, sino que invita a reflexionar sobre los conceptos de libertad, poder y autoridad, consolidándose como una de las series más audaces, provocadoras e interesantes de los últimos años. Audaz y provocadora, la segunda temporada sigue destacándose, invitando a reflexionar sobre la libertad y el poder. IMPERDIBLE.
TRAILER
El Rey.
1ER TEMPORADA
TEMPORADA COMPLETA
8 EPISODIOS
3 DISCOS
- Título original
- Il re.
- Año: 2022-2024
- Duración: 400 min.
- Italia
- Dirección: Giuseppe Gagliardi
- Guion: Gian Marco Tofanelli, Stefano Bises, Peppe Fiore, Bernardo Pellegrini, Davide Serino
- Reparto: Luca Zingaretti, Anna Bonaiuto, Barbora Bobulova, Isabella Ragonese
- Música: Corrado Carosio, Pierangelo Fornaro
- Fotografía: Carlo Rinaldi
- Compañías: Sky Italia, The Apartment, Wildside. Distribuidora: Fremantle Media
- Género: Serie de TV. Drama. Thriller | Drama carcelario.
SINOPSIS: Despiadado cuando se le exige, misericordioso cuando es necesario, Bruno es el rey en sus dominios. Pero el asesinato de Nicola Iaccarino, su mejor amigo y mano derecha, sacude el mundo de Bruno. La fiscal Laura Lombardo investiga y teje una red de sospechas en torno a Bruno, sus métodos y la gestión sin escrúpulos de la prisión. A eso se suma la muerte de Lackovic, preso condenado a cadena perpetua y principal aliado de Bruno entre los reclusos. Todo esto hace tambalear el frágil orden de la prisión. EXCELENTE. La serie, protagonizada por Luca Zingaretti "EL COMISARIO MONTALVANO"como Bruno Testori, director de la cárcel San Michele, retoma directamente del dramático final de la primera temporada. La transformación de Testori, de poderoso director a prisionero, es el eje central de la narrativa, reflejando un profundo juego de poder que pone en evidencia su lucha por la supervivencia y su intento de recuperar el control en un entorno hostil que antes dominaba. Il Re, que fue una verdadera novedad en el panorama italiano desde su primera temporada, supera las altas expectativas de este segundo capítulo. Los episodios fluyen con agilidad gracias a su estilo oscuro y a un desarrollo intrigante, haciendo que el personaje de Bruno Testori sea aún más fascinante. La serie toma inspiración de la tradición de los dramas carcelarios estadounidenses, como Oz y Prison Break, pero lo hace con una voz única en el contexto italiano, combinando elementos de thriller psicológico y drama social. Al sumergir aún más a Testori en el ambiente claustrofóbico y asfixiante de su prisión, las contradicciones morales del género carcelario se intensifican, sobre todo porque ese espacio también refleja el mundo interior del protagonista. Si en la primera temporada se insinuaba una conexión con Breaking Bad y la caída en desgracia de su protagonista, esta temporada finalmente afronta esa relación. Lo hace expandiendo la narración e introduciendo nuevos personajes complejos, como Gregorio Verna, interpretado por Fabrizio Ferracane, un jefe de los servicios secretos que le ofrece a Testori una salida peligrosa pero necesaria. La tensión se incrementa, y el protagonista finalmente despliega toda su aura tenebrosa, con una fiereza que solo Zingaretti podía darle. La serie se vuelve cada vez más oscura, con alianzas precarias sostenidas por un sólido reparto. Destacan las interpretaciones de Isabella Ragonese como Sonia Massini, ahora comandante de las guardias, y de Barbora Bobulova como Gloria, la exesposa de Testori. También se incorporan nuevas figuras intrigantes, como Vittorio Mancuso (interpretado por Thomas Trabacchi) y Claudia Agosti (Caterina Shulha), añadiendo una tensión narrativa que lleva al protagonista a enfrentar límites morales poco explorados en la ficción italiana. La serie no solo muestra las dinámicas internas de la prisión, sino también cómo las acciones de Testori influyen en el mundo exterior, revelando una trama compleja de corrupción y manipulación. La dirección de Giuseppe Gagliardi y la fotografía neo-noir de Carlo Rinaldi crean una atmósfera opresiva que acentúa la claustrofobia y la tensión del entorno carcelario, convirtiendo Il Re en una meditación sobre la naturaleza del poder y la libertad. El protagonista deberá negociar un nuevo pacto difícil de mantener para sobrevivir, enfrentando dilemas cada vez más complejos y decisiones dolorosas. El equipo de guionistas – Peppe Fiore, Alessandro Fabbri y Federico Gnesini – destaca al explorar las complejidades del mal y los conflictos contemporáneos del protagonista, manteniendo al espectador cautivado con una narración que no da tregua ni ofrece respuestas fáciles. Todo ello logrado con un equilibrio temporal que evita tanto el frenesí como la dilatación innecesaria, ofreciendo un estilo narrativo visualmente impactante. Il Re sigue destacándose por su capacidad de mezclar acción intensa con profunda introspección, creando un drama carcelario que no solo entretiene, sino que invita a reflexionar sobre los conceptos de libertad, poder y autoridad, consolidándose como una de las series más audaces, provocadoras e interesantes de los últimos años. IMPERDIBLE.
TRAILER
DIGITAL MOVIES TE RECUERDA QUE TAMBIÉN PODÉS VER LOS ESTRENOS DE LAS SEMANAS ANTERIORES. (SOLO TENÉS QUE CLIKEAR "ENTRADAS ANTIGUAS" AL FINAL DEL BLOG O IR A "ARCHIVOS DEL BLOG" A LA DERECHA DE LA PÁGINA.
PEDIDOS Y CONSULTAS: LATINTASINSOMBRAS@GMAIL.COM / WHATS UP 1155170077 (Fer)
No hay comentarios:
Publicar un comentario