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ESTRENOS
DE LA SEMANA
MIO
Marcello mio.
- Título original
- Marcello mio
- Año: 2024
- Duración: 120 min.
Francia- Dirección: Christophe Honoré
- Guion: Christophe Honoré
- Reparto: Chiara Mastroianni, Catherine Deneuve, Fabrice Luchini, Nicole García
- Música: Alex Beaupain
- Fotografía: Rémy Chevrin
- Compañías Coproducción Francia-Italia; Les Films Pelléas, France 2 Cinema, BiBi Film, Lucky Red, Super 8 Production, TSF, Canal+, France TV, Ciné+, RAI Cinema.
- Género: Comedia | Cine dentro del cine.
SINOPSIS: Chiara Mastroianni, presionada por todas partes por la figura de su
padre, decide devolverle a la vida a través de sí misma. Se hace llamar
Marcello, se viste como él y pide que la consideren ahora un actor, no
una actriz. La gente que la rodea cree que se trata de una broma
pasajera, pero Chiara está decidida a no renunciar a su nueva identidad. MUY BUENA. La compleja y profunda historia de Marcello mio, es idea del guionista y
director Christophe Honoré. Él mismo le propuso realizar la historia a
Chiara Mastroianni. Y al grupo de actores que como Chiara, se
interpretan a sí mismos. Para realizar una película de esta envergadura,
todos tienen que tenerse, mucha confianza. Christophe Honoré dirige
magistralmente a Chiara Mastroianni y a todos los actores. Toca temas
muy profundos, que tienen que ver con la identidad de una persona.
Chiara en un momento de la película, dice: “Me he dado cuenta de que mi cara no se corresponde con mi interior”. Y está hablando nada más y nada menos, que de su propio padre. El
parecido que Chiara Mastroianni tiene con su padre Marcello, es muy
sorprendente. Habla de temas muy íntimos, familiares en tono de ficción y de comedia.
Su madre Catherine Deneuve lidia con el cambio de identidad de su hija
Chiara, que de ahora en adelante elige ser su padre: Marcelo
Mastroianni. Catherine recibe todo lo que hace su hija en tono de
comedia. Y como en toda buena película, ese tono se rompe “hasta que
sucede algo”. Con un guión muy sólido y poderoso, Christophe Honoré crea una película
mágica. No solo por toda la nostalgia que trae al citar constantemente
el cine clásico italiano. Sino por lo que es tener encima, el peso y la
imagen de Marcello Mastroianni. Crea una historia, a través de un
fantasma que se apodera de Chiara (que al fin y al cabo es la esencia
del cine, proyectar todo el tiempo fantasmas sobre un soporte blanco)
que nos hechiza. No solo por el magnetismo de la imagen de Chiara que genera escalofríos
en algunos fotogramas por el parecido y por su interpretación. Sino por
la esencia del cine, la historia del cine y la bellísima música. Chiara Mastroianni está realmente increíble en Marcello mio. Pasa de
ella misma, a parecerse a alguien que conoció muy bien, su padre. La
forma de caminar, los gestos, deja de hablar en francés y empieza a
hablar en italiano. Chiara nada en aguas conocidas y nos divertimos con
ella. Una suerte de alquimia que se conforma dentro de ella y que a nosotros
como espectadores, nos genera un misterio y un atractivo audiovisual,
difícil de volver a generar. Más aún en las personas que tienen en su
memoria cinematográfica, toda la historia del cine italiano y las
películas que realizó Marcello Mastrorianni. La sonrisa es “ese
espectador”, dura mucho tiempo. En cuanto al Marcello verdadero dentro de la película, es un ícono del
cine mundial que filmó películas memorables. Deseamos a todas las nuevas
generaciones que se predispongan a disfrutarlo. Mastroianni filmo con
Fellini, Di Sica, Visconti, Scola, directores que realizaron un cine
lleno de poesía, sensibilidad y calidad cinematográfica. Un cine que
pensaba en el espectador como individuo, y no en los espectadores como
monstruos sin cabeza que dejan su dinero en las boleterías. A los nuevos
espectadores, curiosos ante el cine italiano clásico. Les espera unas
cuantas horas, días cargados de grandes películas. Porque la presencia
que él tiene cada vez que aparece en el fotograma de una película, es un
imán hacia los ojos de las personas. Inevitablemente, caemos frente al hechizo del director y guionista, que
nos propone hacer un viaje a través de la protagonista. Que ella misma,
sea el fantasma de su padre. El reaparecer de un ser humano que murió,
siempre es algo que conmueve. Estar vivo, es algo más sencillo, más
cotidiano de procesar y esto no es más que la esencia del cine. Estar
siempre vivo. Traer fantasmas constantemente a la cotidianidad. Viajamos por momentos muy tiernos, muy cómicos, muy oscuros. La escena
del espejo en el baño, es digna de una película de terror. Tocando temas
profundamente personales, aunque lo han explicado en entrevistas y
conferencias de prensa, que son personajes que hablan de ellos mismos
pero son personas de ficción. Eso no quita que Catherine sea su madre en
la vida real y que Chiara sea su hija (y el fantasma de su pareja). Eso
genera un interés aún mayor. Ir más allá de los tiempos que la vida
misma nos propone. O sea cuando uno ve una película, está frente a actores interpretando la
realidad de un guion escrito previamente. Y en ese momento real, en ese
presente, se filman las escenas que luego, será el presente del
espectador. Pero cuando la protagonista dice, que a partir de ahora, no
es quien todos conocen, sino un personaje conocido por el cine mundial
como Mastroianni. No es un personaje cualquiera, es un personaje con el
cual compartimos muchos recuerdos y nada mejor que la nostalgia para
sentirse seguro. Tener la seguridad del recuerdo completo, inalterable. Los momentos que Marcello (Chiara) habla con Catherine y pelean como
pareja, son muy divertidos y están muy bien los diálogos. Entonces esta
historia va más allá de filmar momentos con este nuevo Marcello que
vuelve a la pantalla y vuelve a la vida. Marcello mio juega con nuestros
recuerdos, los mismos recuerdos que compartimos con el cine clásico y
con los recuerdos de la familia Mastroianni y Deneuve. Y eso es lo que
la vuelve tan especial. Porque no es una biopic, es ficción. Una película muy poderosa, con una generosidad infinita por parte de los
actores hablando de sí mismos e interpretando el rol que un director
escribió para ellos. En un momento el director Christophe Honoré en la
conferencia de prensa de Cannes dice que es como una compañía de actores
que se ríen de ellos mismos. Marcello mio coquetea con las fronteras de
la ficción y la realidad, magistralmente. Porque una cosa es hacer una
película. Pero otra cosa es hacer una película inolvidable. IMPERDIBLE.
2024: Festival de Cannes: Nominada a Palma de Oro: Mejor película.
TRAILER
CHI SE!
Diabolik ¿Quién eres?
- Título original
- Diabolik chi sei?
- Año: 2024
- Duración: 120 min.
Italia- Dirección: Antonio Manetti, Marco Manetti
- Guion: Antonio Manetti, Marco Manetti. Cómic: Angela Giussani, Luciana Giussani. Personaje: Angela Giussani, Luciana Giussani
- Reparto: Giacomo Gianniotti, Miriam Leone, Lorenzo Zurzolo, Valerio Mastandrea
- Música: Aldo De Scalzi, Pivio
- Fotografía: Francesca Amitrano
- Compañías Mompracem srl, RAI Cinema, Astorina S.A.C, Bleidwin, Regione Emilia-Romagna. Distribuidora: 01 Distribution
- Género: Acción. Thriller | Crimen. Cómic. Secuela.
VERSIÓN HABLADA Y SUBTITULADA EN ITALIANO Y ESPAÑOL.
SINOPSIS: Capturados por una banda criminal, Diabolik y Ginko son encerrados en la
misma celda, sin salida. Diabolik revela su misterioso pasado al
inspector. Mientras tanto, tanto Eva Kant como Altea buscan
desesperadamente a sus hombres. MUY BUENA. Hola qué tal, a ver, es que con esto de que las tres películas nueva
hornada de Diabolik de los hermanos Manetti, fueron filmadas al mismo
tiempo, no hay quien se aclare. Vamos a dejarlo claro ya que yo, por
fin, me he aclarado. Solo me queda pues constar dos cosas: -La primera parte de Diabolik Manetti's es una maravilla en la que se
logra recrear de una manera tranquila que podríamos definir como
neorrealista de estos famosos 'fumettos', mientras que la versión de
Bava, excepcional todo hay que decirlo, añadía toques toques
psicodélicos acordes con la época de finales de los años sesenta. -Curiosamente la versión Manetti de las tres películas huye de esta
versión espectacular y colorida de Bava acorde a los sesenta, y se
acerca más estéticamente a los 'giallo' de los setenta, eso sí, con una
recreación de vestuario y fotografía deslumbrante. En esta tercera parte, muy superior a 'Ginko al Ataque', que es
aburridísima, los Manetti vuelven a la genial e insospechada versión
cine de las tiras de comic, tanto en la imagen (división de la imagen en
viñetas), como personajes como hipnotizados o drogados (antológica la
declaración de Mónica Bellucci en el cementerio, ¿se ha fumado tres
canutos o qué?), violencia inusual y sin perdón, y chicas guapas
enseñando todo. Espectaculares Diabolik y Eva Kant!! Y ya como final.... no es normal que ninguna de las tres películas se haya estrenado en Argentina,ya que hay un gran grupo de fans del demonio enmascarado italiano. MUY RECOMENDABLE.
2024: Festival de Sitges: Nominada a Mejor película (Sección Òrbita).
TRAILER
STORIA
N E R A
Una historia negra.
- Título original
- Una storia nera
- Año: 2024
- Duración: 100 min.
- Italia
- Dirección: Leonardo D'Agostini
- Guion: Leonardo D'Agostini, Ludovica Rampoldi. Novela: Antonella Lattanzi
- Reparto: Laetitia Casta, Andrea Carpenzano, Cristiana Dell'Anna, Lea Gavino
- Fotografía: Michele Paradisi
- Compañías: Groenlandia, RAI Cinema, Ministero della Cultura
- Género: Drama. Thriller.
VERSIÓN HABLADA Y SUBTITULADA EN ITALIANO Y ESPAÑOL.
SINOPSIS: Vito y Carla llevan unos años separados. Se querían mucho, antes de que los celos y la violencia destruyeran su amor. Ahora Vito tiene una nueva vida y Carla tiene una nueva pareja. El único vínculo son los tres hijos Nicola, Rosa y la pequeña Mara. Pero Carla todavía tiene la sensación de haber evitado una tragedia anunciada. MUY BUENA. D’Agostini demuestra su habilidad con la cámara y su dominio de varios recursos del cine de género, por lo que el filme parece atrapado entre el cine negro, el thriller judicial y el análisis sociológico, abarcándolos a todos y haciendo referencias obligatorias a uno de los temas predominantes de la época: la cuestión de género y las relaciones de poder entre hombres y mujeres. La violencia doméstica es analizada a través de un evento que muestra a la protagonista en una luz ambigua, situándola en un terreno de represalia neofeminista. El director muestra cómo la toxicidad de esta relación violenta se ha extendido afectando a toda la familia. El hijo mayor presenta tendencias agresivas hacia su hermana de veinte años, quien, aterrorizada por la situación, se refugia bajo el ala de la hermana de su padre (interpretada con brillantez por Licia Maglietta), quien, a su vez, defiende a su hermano fallecido de las acusaciones de violencia obsesiva. La casa de la tía está llena de iconos religiosos, subrayando una conexión entre el catolicismo y el patriarcado. Los giros dramáticos son resaltados por la dirección de D’Agostini mediante la música compuesta por Stefano Ratchev y Mattia Carratello, y no se pueden detectan problemas “técnicos” en el aspecto legal . En medio de todo este drama, la actriz francesa logra aportar las suficientes tonalidades de ambigüedad a la protagonista, mientras que el talentoso Andrea Carpenzano parece aprovechar al máximo su interpretación. MUY RECOMENDABLE.
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Los indeseables.
- Título original
- Bâtiment 5.
- Año: 2023
- Duración: 105 min.
- Francia
- Dirección: Ladj Ly
- Guion: Ladj Ly, Giordano Gederlini
- Reparto: Anta Diaw, Alexis Manenti, Aristote Luyindula, Steve Tientcheu
- Música: Pink Noise
- Fotografía: Julien Poupard
- Compañías: Srab Films, Lyly Films, France 2 Cinema, Panache Productions, La CompagnieCinématographique. Distribuidora: Le Pacte
- Género: Drama | Drama social. Inmigración.
VERSIÓN HABLADA Y SUBTITULADA EN FRANCÉS Y ESPAÑOL.
SINOPSIS: Tras la repentina muerte del alcalde de la ciudad, Pierre, un joven médico idealista, es nombrado para sustituirle. Pretende continuar la política de su predecesor, que soñaba con rehabilitar este barrio obrero. Por otro lado Haby, una joven francesa de origen maliense que vive en uno de los bloques de pisos en ruinas, se niega a que su familia sea expulsada del empobrecido barrio de los suburbios donde creció. MUY BUENA. "Los indeseables" es un retrato Incisivo de la Vida de la Clase Obrera en Francia por Ladj Ly . El director franco-maliense da seguimiento a su película nominada al Oscar en 2019, Los Miserables, con un drama sobre los enfrentamientos entre el nuevo alcalde de una ciudad y el joven presidente de un proyecto de vivienda pública. El ascensor lleva años sin funcionar, así que los hombres bajan el ataúd por varias escaleras. Las luces del pasillo parpadean de manera impredecible. El descenso hacia la calle, donde los espera un coche fúnebre, es peligroso. Ante la imagen de sus espaldas encorvadas y las instrucciones gritadas, una mujer en duelo pregunta: “¿Cómo podemos vivir y morir en un lugar así?” Bienvenidos al Edificio 5, escenario de Les Indésirables, la feroz obra del director franco-maliense Ladj Ly. Ly sabe cómo construir escenas de poder visceral, moviéndose hábilmente entre momentos llenos de sentido de comunidad y otros tensos y hostiles, impregnados de un terrible presentimiento. En Los Miserables, su película ganadora del Premio del Jurado en Cannes en 2019 y nominada al Oscar, el director exploró las tensiones entre los residentes de clase trabajadora y una unidad anti-crimen francesa. Aprovechó la energía vertiginosa de los thrillers y la combinó con la moral inquebrantable de un drama político. Hay fotogramas de esa película grabados en mi memoria, pero es el último, un momento estremecedor de desafío y dolor, el que permanece más latente. IMPERDIBLE.
2023: Festival de Cannes: Nominada a Palma de Oro: Mejor película.
TRAILER
Hermanos.
- Título original
- Frères.
- Año: 2024
- Duración: 106 min.
- Francia
- Dirección: Olivier Casas
- Reparto: Yvan Attal, Mathieu Kassovitz, Anaïs Parello, Cécile Morel.
- Fotografía: Magali Sylvestre de Sacy
- Compañías: Quad, Traveling Angel Films. Distribuidora: Zinc
- Género: Drama | Basado en hechos reales. Supervivencia. Familia.
SINOPSIS: La historia real de dos niños de 5 y 7 años que, abandonados por su madre en 1948, escapan al bosque. Allí sobreviven siete años y forjan un vínculo que los unirá para siempre. Décadas después, los dos hermanos lo dejan todo para encontrarse. Pero el pasado y sus secretos les alcanzan, incluso al otro lado del mundo. MUY BUENA. Hermanos, un conmovedor drama dirigido por Olivier Casas, cuenta lahistoria real de dos hermanos abandonados en 1948 que sobreviven siete años en un bosque aislado, forjando entre ellos un vínculo indisoluble. Este vínculo se pone a prueba décadas después, cuando el pasado y sus secretos resurgen. La historia la cuenta el personaje interpretado por Yvan Attal, que comparte no sólo sus experiencias comunes en el bosque, sino también las repercusiones largamente ocultas de los traumas de su hermano mayor, interpretado por Mathieu Kassovitz. Oliver Casas explora la supervivencia de los dos hermanos en un entorno hostil y cómo esta temprana autonomía da forma a sus vidas adultas. El uso de flashbacks para mezclar su trágico pasado con su presente pretende revelar cómo estas primeras experiencias moldearon su percepción del mundo y crearon un vínculo inquebrantable entre ellos. Cuando Patrice, interpretado por Mathieu Kassovitz, dice:"Pensé que convertirme en alguien llenaría el vacío. Empezamos por el final. Empezamos por lomejor", resume el sentimiento de nostalgia y pérdida que impregna su historia. La narración se centra en la complejidad delas relaciones entre hermanos, entrelazadas con secretos. Estos temas se vuelven conmovedores a través de diálogos cargados e interpretaciones que ponen de relieve las grietas y los cimientos de su vínculo. La cita de Kassovitz subraya una cruel ironía: a pesar de sus logros, uno convertido en médico y el otro en arquitecto de renombre, los hermanos sienten un vacío que ni el tiempo ni el éxito profesional han podido llenar. Hermanos atraerá a quienes se sientan cautivados por las historias de supervivencia y los intensos dramas familiares. Los espectadores que aprecien las historias profundas sobre cómo las experiencias formativas pueden moldear las relaciones familiares encontrarán esta película especialmente conmovedora. El escepticismo de algunos espectadores sobre la readaptación de los hermanos a la civilización tras una infancia tan aislada añade otra capa de profundidad al debate sobre la capacidad humana para superar la adversidad extrema. Oliver Casas sumerge al espectador en el corazón de las pruebas psicológicas y emocionales de sus personajes. Destaca los inimaginables sacrificios que tuvieron que hacer los hermanos y los dolorosos secretos que les persiguen mucho tiempo después de su regreso a la civilización. Los dos hermanos soportan el peso de un pasado que no se atreven a compartir. Hermanos es una poderosa y emotiva exploración de lo que significa sobrevivir y sacrificarse por amor fraternal. Con una narración intimista y unas interpretaciones cautivadoras, la película ofrece una profunda experiencia cinematográfica que invita a reflexionar sobre la resiliencia, la curación y la fuerza de los lazos irrompibles que nos unen como humanos. IMPERDIBLE.
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Kobane.
- Título original
- Kobane
- Año: 2023
- Duración: 158 min.
Siria- Dirección: Özlem Yasar
- Guion: Özlem Arzêba, Medya Doz
- Reparto: Asif Ahmed, Silêman Ehmed Al-Ehmed, Welîd Ehmed Al-Ehmed, Rojin Ali, Serda Amara, Azad Amed, Ro Amed, Dijle Arjîn, Rêger Azad, Ahmet Botan, Nadya Derwîs
- Música: Mehmud Berazi
- Fotografía: Olmo Couto Pérez, Cemil Kizildag
- Compañías: Rojava Film Commune
- Género: Bélico. Drama.
- SINOPSIS: A pesar de ser superada en número y armamento, una guerrera kurda guía a sus compañeras en la resistencia para defender su ciudad, Kobane, de la amenaza mortal de ISIS. Una historia real de guerra, sacrificio, amor y esperanza. MUY BUENA. La película está totalmente basada en hechos reales, rodada en sitios reales y mucha de la gente que participa en la película participó también de la resistencia de Kobanê, ya sea combatiendo o con otras labores logísticas, o bien sufrieron los efectos de la guerra, como es el caso de las personas refugiadas que también aparecen plasmadas en la película. Para redactar el guion se hicieron entrevistas durante más de un año, se habló con la gente sobreviviente para recoger la historia. La mayoría de las historias que se reflejan en la película son de gente que falleció durante la guerra, mártires. Fue un proceso de muchas reuniones. En la primera versión del guión estaba reflejada la historia de unas cuarenta personas, pero finalmente se tuvo que quedar en unas siete. Este sigue siendo un número más alto de lo habitual. Dada la importancia de la vida de las personas martirizadas, era muy difícil el tener que hacer una elección, además del hecho de que esta película es un homenaje a todas las personas que participaron en esta resistencia. Se trata de la segunda película de ficción que se ha hecho en Rojava y en su propio idioma. Actualmente, existen canales en kurdo dentro de Rojava, pero esto, el tener una película en su idioma, que ha estado prohibido durante tantos años, ha sido una de las cosas que más le ha llegado a la gente mayor. Es muy importante que las mismas personas que han hecho la resistencia, que han vivido esta historia, puedan ser las que la cuentan. Hay que tener en consideración que normalmente las producciones se han hecho desde fuera, conteniendo múltiples errores. Como ejemplo, podemos poner el atribuir a los peshmerga (fuerzas de defensa del Kurdistán iraquí), que tienen una ideología totalmente diferente, una ideología capitalista, la defensa de territorios que realmente fueron defendidos por las fuerzas de autodefensa kurdas. También está la tendencia de estos productos, que son muy orientalistas y colonialistas, a presentar a los kurdos como gente salvaje, sin cultura. Como que son los europeos los que tienen que venir y salvar la revolución, cuando esto es algo completamente falso. Es cierto que ha habido mucho apoyo de gente internacional, pero los autores principales son los kurdos. Nunca se retrata realmente como es la cultura kurda, como es su vivencia, como ellos viven la guerra, como ellos viven las relaciones. Por esto es muy importante que los kurdos puedan crear su propio imaginario. Esta es una de las cosas por las que lucha la Comuna, ya que entiende el cine como una lucha más, como parte de esta guerra integral. Durante todo el rodaje se ha hecho hincapié en que esta película es parte de la resistencia, que la guerra en Kobanê fueron nueve meses, pero esta película, hoy en día, forma parte de esa resistencia también. MUY RECOMENDABLE.
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ACUSACIONES
Sie sagt. Er sagt.
- Título original
- Sie sagt. Er sagt.
- Año: 2024
- Duración: 107 min.
Alemania- Dirección: Matti Geschonneck
- Guion: Ferdinand von Schirach
- Reparto: Ina Weisse, Godehard Giese, Henriette Confurius, Johanna Gastdorf
- Fotografía: Theo Bierkens
- Compañías ZDF, MOOVIE, FilmFernsehFonds Bayern, Medienboard Berlin-Brandenburg. Distribuidora: ZDF, Constantin Film, ZDF Mediathek
- Género: Drama judicial / Abogados/as. Juicio. Crimen. Abusos sexuales.
SINOPSIS: En el Tribunal de Berlín se juzga un caso de violación entre la conocida
presentadora Katharina Schlüter y el empresario Christian Thiede,
quienes mantuvieron una relación secreta durante años. Schlüter alega
que lo que comenzó como sexo consensuado se convirtió en una agresión,
mientras que Thiede lo niega. Con pruebas como restos de semen y el
testimonio de expertos, el tribunal enfrenta la difícil tarea de
discernir la verdad en un dilema legal y humano que pone en juego no
solo el destino de los involucrados, sino también los valores y
prejuicios de la sociedad. MUY BUENA. Cruce de acusaciones nos sumerge en un juicio en el que la víctima y el
acusado se enfrentan junto a sus respectivos abogados, Matthias Brandt
(que interpreta al abogado de la víctima) y Henriette Confurius
(interpreta a la abogada del acusado) con el objetivo de preservar y
salvaguardar su imagen, o lo que queda de ella, puesto que ambos han
perdido lo más valioso de sus vidas a causa de sus oscuras
personalidades. Cruce de acusaciones es como un partido de tenis en el que las raquetas
son los hechos y la bola es la ley. La película posee el dinamismo de un
buen partido de tenis, ambos abogados tratarán de rebatir los
argumentos de su adversario para defender a su cliente, atacando y
contraatacando con los hechos, testimonios y valoraciones que tendrá que
considerar la magistrada (Johanna Gastdorf) quien borda su papel con su
impecable impasibilidad, necesaria para la credibilidad de la historia. En cuanto al elenco, las interpretaciones más destacables son las de los
abogados. Matthias Brandt se caracteriza por ser impuntual, grosero y
condescendiente, mientras que la joven abogada que encarna Henriette
Confurius es perspicaz y seductora. Estas personalidades tan distintas
contribuyen a generar un ambiente más dinámico y a generar un clima más
tenso. También contribuye a esto la actriz principal Ina Weisse, la cual nos
relata los acontecimientos desde su punto de vista, narrando los sucesos
a través de su mirada y sus palabras así como a sus protagonistas,
dejando ver de forma contenida sus emociones. A destacar la
interpretación de Godehard Giese, al permanecer en silencio durante la
mayor parte del metraje, dejando que sus emociones broten de sus ojos
conforme avanza la historia. En cuanto a la dirección, Matti Geschonneck logra mantener nuestra
atención durante toda la película, algo muy meritorio por su parte
teniendo en cuenta que casi toda la película transcurre en la misma
localización. Esto se consigue con el ingenio de los personajes,
testimonios y argumentos inesperados, que dejarán al espectador con
ganas de la segunda parte. Cruce de acusaciones posee un gran dinamismo para tratarse de un juicio y
ayuda a imaginar el proceso penal a todos aquellos que no están
familiarizados con estas situaciones. también es recomendable para
aquellos que leen en artículos relacionados con crímenes e
investigaciones, para comprender un poco mejor la realidad de este tipo
de situaciones, de la mano de un gran elenco de actores y una fantástica
dirección. IMPERDIBLE.
TRAILER
TERRIFIER 3
PAYASO SINIESTRO
Terrifier 3.
(EN CINES)
- Título original
- Terrifier 3
- Año: 2024
- Duración: 125 min.
Estados Unidos- Dirección: Damien Leone
- Guion: Damien Leone
- Reparto: David Howard Thornton, Lauren LaVera, Chris Jericho, Margaret Anne Florence
- Fotografía: George Steuber
- Compañías: The Coven, Bloody Disgusting, Dark Age Cinema, Fuzz on the Lens Productions. Distribuidora: Cineverse
- Género: Terror | Slasher. Payasos. Navidad. Gore. Secuela. Cine independiente USA
SINOPSIS: El payaso Art se dispone a desatar el caos entre los desprevenidos habitantes del condado de Miles mientras duermen plácidamente en Nochebuena. MUY BUENA. Obra cumbre del splatter. Cine gore en su versión más sádica, extrema, excesiva. Esta tercera entrega del terrorífico Art es devastadora, cruel, una salvajada total, difícil de ver por su violencia desmesurada explícita, también desoladora a nivel psicológico. Deja mal cuerpo en todos los sentidos. Damien Leone va mejorando la dirección en cada película, pero el tío tiene que estar un poco tocado de la cabeza, porque esta oda a la perversión es jodidamente enfermiza, no se le ocurre a una persona normal. A mí me ha molado, tengo que decirlo. Es mal gusto rodado con buen gusto. La historia es más elevada de lo que parece, lejos de ser un simple slasher y aunque parezca mentira, a nivel argumental bebe mucho de ‘Twin Peaks’. La cosa va de males ancestrales, cósmicos, que contaminan la realidad con su maldad, y de salvadoras sufridoras elegidas para enfrentarse a ellos, en un ambiente surrealista bañado en sangre y tripas. Lauren LaVera, la Laura Palmer de esta historia, está volcada en su interpretación. Da gusto tener una ‘final girl’ así. Samantha Scaffidi está aún mejor, bajo capas de maquillaje la actriz brilla en esta secuela con un papel mucho más protagonista donde toma el legado de la Niña Pálida de la anterior entrega, acompañando a Art en sus salvajes aventuras. La estrella principal es, como no podía ser de otro modo, David Howard Thornton, brutal en su actuación de Chaplin psicópata, es un puto espectáculo verlo, tan odioso y carismático. Qué decir de los efectos especiales, son una delicia gore sin igual. Si te va el rollo ‘Braindead’ esta demencia visceral no tiene mucho que envidiarle al clásico de Peter Jackson, aunque personalmente prefiero el tono cómico de aquella cuando se trata de un horror corporal tan desmedido. La ambientación es navideña, supongo que para ofrecer un entorno diferente de las dos anteriores y a la vez clarificar el simbolismo de demonios y salvadores. La historia confirma las posibles teorías que podían surgir de la mitología que presentaba la anterior película. Se nota el cariño que Damien Leone le pone en sus películas y me llena se alegría que cada vez más gente se apunte al carro de Terrifier. Art es lo que el género Slasher moderno necesita. Cuando escuchamos hablar de “vómitos y desmayos en la sala de cine” muchos escépticos siempre pensarán que se trata de una campaña publicitaria. Pero con Terrifier 3 sí me creo que puedan suceder. Si no estás acostumbrado a este tipo de cine o nunca has visto una película de la saga sus imágenes te pueden perturbar mucho. Por eso si bien Terrifier 3 es una genialidad dentro del género, no es recomendable para el público sensible al gore. MUY RECOMENDABLE.
TRAILER
VISIONS
Oscura obsesión.
- Título original
- Visions
- Año: 2023
- Duración: 123 min.
- Francia
- Dirección: Yann Gozlan
- Guion: Yann Gozlan, Aurélie Valat, Audrey Diwan, Michel Fessler, Jean-Baptiste Delafon
- Reparto: Diane Kruger, Mathieu Kassovitz, Marta Nieto, Amira Casar
- Música: Philippe Rombi
- Fotografía: Antoine Sanier
- Compañías: 2425 Films, SND Films, Eagles Team Entertainment
- Género: Thriller. Romance | Homosexualidad. Suspenso.
SINOPSIS: La película sigue a Estelle, una piloto con una vida aparentemente perfecta junto a su marido Guillaume, un reconocido médico. Todo cambiará cuando Estelle se enamore de Ana y ambas inicien un intenso romance. MUY BUENA. Visions tiene un gran ritmo, tomas bellamente pensadas y un guión inteligente. Las escenas premonitorias son un poco arbitrarias, pero ayudan a la atmósfera y la sensación de amenaza que sientes mientras ves al excelente Kruger hundirse en la desesperación. La desventaja es que el elenco secundario no profundiza mucho (pero funcionan bien), pero tal vez la charla rompería el excelente ritmo de la película. En conclusión, disfruté mucho la película, es un excelente thriller de misterio psicológico a la antigua usanza. Yann Gozlan es el nuevo Polansky y esto no es solo mi opinión ya lo viene demostrando en sus anteriores films (Un hombre perfecto. La mecánica de un hombre. Caja negra y ahora en Visions). IMPERDIBLE.
TRAILER
CINE NACIONAL
CAMBIO
CAMBIO
Cambio,cambio.
- Título original
- Cambio cambio
- Año: 2023
- Duración: 90 min.
Argentina- Dirección: Lautaro García Candela
- Guion: Lautaro García Candela
- Reparto: Ignacio Quesada, Camila Peralta, Mucio Manchini, Darío Levy .
- Música: Dante de Luca
- Fotografía: Joaquín Neira
- Compañías: Gong Cine
- Género: Thriller. Drama | Drama social. Trabajo/empleo.
SINOPSIS: Película ambientada en el mundo de los arbolitos, esos personajes que,
plantados a lo largo de la peatonal Florida, ofrecen a los turistas de
Buenos Aires comprar sus dólares al mejor precio. Allí transcurre la
vida de un joven que lo mueve la ambición de reunir el dinero que le
permita mejorar su vida en el menor tiempo posible, y que no dudará en
asumir los riesgos necesarios para lograrlo. MUY BUENA. Cambio cambio es una película de (y sobre) jóvenes, en
(y sobre) el microcentro porteño, acerca (y a partir) de la endémica
crisis económica que afecta a la Argentina. Es un film que sintoniza y
dialoga con Plata dulce, con Pizza, birra, faso, con Nueve reinas, con Mauro,
con ese cine nacional que fue imbuyéndose de los espíritus de sus
respectivas épocas, con sus frustraciones, sus trampas, sus
contradicciones, sus angustias, sus engaños y sus estrategias de
supervivencia (de los más aptos). Pablo (Ignacio Quesada) trabaja
repartiendo volantes y haciendo tareas varias en un restaurante ubicado
en la muy porteña peatonal Florida. Estamos en plena pandemia y los
turistas extranjeros escasean, pero igual florecen los “arbolitos”
comprando y vendiendo ese dólar blue que no para de dispararse. Nuestro
querible antihéroe (un veinteañero proveniente de Olavarría que lleva
apenas un par de años en CABA) se enamora de (y enamora a) Florencia
(Camila Peralta), una estudiante de Arquitectura algo mayor que él que
sueña con ganar una beca para viajar a Francia. Pronto estarán
conviviendo en el diminuto departamento que Pablo alquila en pleno
microcentro y él, gracias a la ayuda de su amiga Daniela (Valeria
Santa), también comenzará a trabajar en la compraventa de dólares. El
protagonista es, en primera instancia, bastante inocente en su proceder
(hasta sus amigos lo echan como tecladista de una banda punk llamada
Prisioneros de la Noche ¿jhomenaje a David José Kohon?), pero a medida
que avanza la trama se irá interiorizando en la dinámica del negocio y
planeando alguna maniobra que le permita salir de su lugar como empleado
a comisión al servicio del “pesado” Daniel (Darío Levy) a socio junto a
Florencia, Daniela y Ricky (Mucio Manchini), dueño de un negocio que
vende artículos de cuero. La película pendula entre una subtrama
romántica que en principio ocupa la mayor parte del relato y un thriller
financiero que luego va ganando espacio y termina por casi monopolizar
el tiempo y el interés del espectador. Cambio cambio
tiene sus convencionalismos y desprolijidades perdonables (como ciertos
problemas de continuidad en el look barbudo del protagonista), pero sus
méritos y hallazgos son mucho mayores y más destacables: la forma en la
que García Candela se “apropia” del centro porteño y, en especial, de la
calle Florida, con sus bares, sus galerías, sus locales más patéticos
que no dan a la calle, hablan de un cineasta capaz de (re)construir un
universo ajeno (el de las finanzas que se desarrollan fuera del circuito
oficial y ese sueño tan argento de hacer plata fácil aprovechando los
resquicios del sistema) para convertirlo en un mundo propio. Y lo hizo,
además, en medio de una pandemia que complicó aún más un rodaje
independiente de estas ambiciones. Un mérito no menor para un cineasta
de inmenso futuro. MUY RECOMENDABLE.
2023: Festival de Mar del Plata: Mención especial.
TRAILER
CINE DE AYER
REDS
Rojos.
- Título original
- Reds
- Año: 1981
- Duración: 200 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Warren Beatty
- Guion: Warren Beatty, Trevor Griffiths
- Reparto: Warren Beatty, Diane Keaton, Jack Nicholson, Edward Herrmann
- Música: Stephen Sondheim, Dave Grusin
- Fotografía: Vittorio Storaro
- Compañías: Paramount Pictures
- Género: Drama. Romance | Política. Biográfico. Histórico. Revolución Rusa. Años 1910-1919. Periodismo. Cine épico. Basado en hechos reales.
VERSIÓN REMASTERIZADA FULL HD 1080P.
SINOPSIS: El periodista John Reed es el único americano enterrado en el Kremlin.
Mientras vivió fue un activista que luchó por defender sus ideales en la
tumultuosa América de 1915. Se enamoró de Louise Bryant, una inquieta
mujer que luchaba por su emancipación y por triunfar como escritora.
Tras dejar a su marido, Louise se fue a vivir con Reed y se integró en
un grupo de intelectuales activistas de izquierdas. Sin embargo, la
frenética actividad de Reed en contra de la intervención de los Estados
Unidos en la Primera Guerra Mundial, provocó las primeras desavenencias
de la pareja. EXCELENTE. Esta es una de esas películas que son inolvidables, al menos para mí.
Básicamente se trata de un film de amor, de amor a tus ideales, a tu
mujer, a todo lo que realmente importa, y es que el amor es el motor que
mueve este mundo. Esta película es, ante todo, pasión. Beatty, se cree y
está convencido de que lo que cuenta es magnífico, y como Gibson en
Braveheart, se lo transmite al espectador. Casos de un buen material
echados al traste,( porque el director ha sido incapaz de transmitir),
se me vienen muchos a la cabeza, pero recientemente, El buen pastor, El
buen alemán y Syriana, son algunos ejemplos. La identificación con los
personajes es total, con un reparto en estado de gracia; Beatty nunca
actuó mejor, Keaton da una exhibición, Nicholson nunca estuvo más
comedido y cínico, Stapleton absorbe los pocos minutos que está en
pantalla, en fin todos los actores son veraces y conectan con el
público. El dirigir de Beatty, tiene un toque clásico, la puesta en
escena y la inestimable ayuda del gran Storaro, hacen que sea una
dirección absolutamente memorable. Para terminar decir que es un film
necesario, comprometido, sensible, romántico, vehemente, sencillamente
si combinas la injusticia con la emoción, y se hace bien, el resultado
es una obra maestra. IMPERDIBLE.
TRAILER
AT THE BEACH
Pauline en la playa.
- Título original
- Pauline à la plage
- Año: 1983
- Duración: 94 min.
- Francia
- Dirección: Éric Rohmer
- Guion: Éric Rohmer
- Reparto: Amanda Langlet, Arielle Dombasle, Pascal Greggory, Féodor Atkine
- Música: Jean-Louis Valero
- Fotografía: Néstor Almendros
- Compañías: Les Films du Losange, Les Films Ariane
- Género: Romance. Drama. Comedia | Adolescencia. Celos. Drama romántico.
VERSIÓN REMASTERIZADA FULL HD 1080P.
SINOPSIS: Pauline es una adolescente de 15 años que pasa un verano en la costa
atlántica francesa con su prima Marion. Marion se encuentra allí con
Pierre, un antiguo amigo, que se siente atraído por ella. Sin embargo,
Marion prefiere al aventurero Henri, aunque sabe que su relación con él
será efímera. Mientras, también Pauline tiene un romance... Tercera
entrega de la serie "Comedias y proverbios" de Rohmer. EXCELENTE. Tercera entrega de la serie “Comedias y proverbios”, del realizador Éric
Rohmer. El guión es original del propio Rohmer. Se rueda en escenarios
reales de Granville, Plage Granville y alrededores (Baja Normandía,
Francia). El film gana el Oso de plata (director) del Festival de Berlin
y el Premio Méliès 1983. Producido por Margaret Menégoz para les films
Ariane y Les Films du Losange, se proyecta por primera vez en público en
febrero de 1983 (Festival Berlin). La acción dramática tiene lugar en la playa Granville y alrededores
(Granville, Normandía) en los primeros días de septiembre de 1982.
Marion (Dombasle), de 30 y pocos años, recién divorciada, diseñadora de
modas, acude a la casa familiar de veraneo para pasar unos días de
vacaciones en compañía de su prima Pauline (Langlet), de 15 años. En la
playa se encuentran con Pierre (Greggory), antiguo aspirante a novio de
Marion y conocen a Henry (Atkine), Sylvain (Brosse) y Louisette
(Rosette). Marion es atractiva, tiene un cuerpo espléndido, confía en lo
imprevisto y desea encontrar un amor para siempre. Pauline es discreta,
callada y sensible. Pierre es reservado, celoso y posesivo. Henry,
etnólogo, divorciado y padre de una niña de pocos años, es de espíritu
aventurero, librepensador, hedonista y egocéntrico. Sylvain es un
adolescente algo tímido que simpatiza con Pauline. Louisette es una
guapa y coqueta vendedora ambulante de golosinas. El film suma drama, comedia y romance. El tema central viene dado por el
amor y todo lo que le rodea: pasiones, ardores de verano, egoísmos,
contradicciones, desconciertos, engaños, ambigüedades, preferencias,
rechazos, decepciones, ilusiones, etc. Se trata, además, del deseo, la
amistad, la lealtad, el sexo, la juventud, la adolescencia, etc.
Preocupan cuestiones relacionadas con las diferencias que se dan entre
la palabra y su significado, el pensamiento y la acción, la apariencia y
la realidad, lo que se dice y lo que se piensa, el amor verdadero y el
pasajero, el amor para siempre y la aventura de verano, etc. Se habla de las relaciones entre deseo y belleza. Ésta constituye un
importante factor de pulsión del deseo ajeno, pero no siempre es el
factor decisivo. A veces la perfección física de uno agobia a la pareja,
la fatiga, la abruma o incluso la oprime. El deseo se ha de cultivar e
incentivar. El deseo necesita tiempo para emerger, manifestarse, crecer y
consolidarse. La belleza, que no se sustrae a esta regla, no debe ser
precipitada ni impaciente. El proverbio que glosa el film, enunciado antes de que comience la
acción, dice: “Qui trop parole, else mes fait” (Quien habla de más, se
hace daño a si mismo). Se ilustra con un pasaje en el que un
protagonista enojado y en situación de descontrol emocional se va de la
lengua y habla de más con quien no debe hacerlo. El resultado viene a
confirmar la verdad del proverbio. IMPERDIBLE.
TRAILER
CINE CLÁSICO ITALIANO
DRAMMA DELLA GELOSIA
tutti i particolari in cronaca
Celos al estilo italiano.
- Título original
- Dramma della gelosia: Tutti i particolari in cronaca
- Año: 1970
- Duración: 107 min.
- Italia
- Dirección: Ettore Scola
- Guion: Ettore Scola, Agenore Incrocci, Furio Scarpelli
- Reparto: Marcello Mastroianni, Monica Vitti, Giancarlo Giannini, Manuel Zarzo
- Música: Armando Trovajoli
- Fotografía: Carlo Di Palma
- Compañías: Coproducción Italia-España;
- Género: Comedia. Drama | Celos.
VERSIÓN REMASTERIZADA FULL HD 1080P.
SINOPSIS: Oreste, un albañil casado y con hijos, militante del Partido Comunista
Italiano, lleva una vida tranquila con su esposa, una mujer mayor que él
y que incluso se parece a su madre. Pero el día en que conoce a
Adelaida, una joven y atractiva florista, empieza a cortejarla y,
locamente enamorado, lo deja todo por ella. La situación se complica
cuando entra en escena Nello, un vendedor de pizzas, pues Adelaida no
sabe por cuál de ellos decidirse. Oreste, que empieza a sentirse
relegado, se vuelve loco de celos y pierde el control de sus actos. MUY BUENA. Más vale que una historia en la que las pasiones más bajas del ser
humano aparecen en pantalla nos la cuente Scola, el maestro italiano,
que recrea ante nosotros un triángulo amoroso del que extrae muchísimo
jugo. A su manera, porque aunque sea un Scola primerizo quedan claras
cuáles son las directrices que guían sus realizaciones. Es fácil
decirlo, pero como en todas sus películas, el guión de "El demonio de
los celos" es ejemplar, no tiene fisuras, y dejando de lado los gustos y
las filias es justo reconocer que se trata de una película coherente de
principio a fin. El protagonista es Marcello, el pobre Oreste, que vive en sus carnes el
lamentable descontrol y final pérdida de la cordura cuando uno está
enamorado y le invaden los celos. Magistral Scola pues, que es capaz de
crear poco a poco (y también a lo bruto cuando toca) la imagen de un
triángulo fatal, a la italiana, con muchos diálogos, muchos gritos y
mucho dolor cuando toca: queda claro que en las relaciones a tres bandas
no gana nada nadie y todo es perder y perder. Un gran flashback engloba
la película, Marcello es quien nos cuenta su historia, que es la de una
mujer y un buen amigo también. Hay humor, hay guiños a la situación política y una descripción de los
celos, que es lo que nos importa, que en último lugar supone un drama de
cojones. Para ver una película de Scola, el que no lo sepa, hay que
estar preparado, porque a menudo es un huracán, un puto ciclón. El
inicio de "El demonio de los celos" es engañoso, parece que nos va a
meter en un camino contemplativo, es un inicio más bien flojo, pero
cuando se desata, la verdad, es una locura de grandes dimensiones. Pizzas en forma de corazón, menuda idea. ¿Quién no acabaría loco cuando
se ama de forma tan entregada e intensa?; ¿es que no lo pensaste antes
Oreste?; bravo Scola, bravo. IMPERDIBLE.
1970: Cannes: Mejor actor (Marcello Mastroianni)
TRAILER
MINISERIE Y SERIES
MONSIEUR
S P A D E
MINISERIE COMPLETA
6 EPISODIOS
2 DISCOS
- Título original
- Monsieur Spade
- Año: 2024
- Duración: 300 min.
- Estados Unidos
- Dirección: Scott Frank (Creador), Tom Fontana (Creador), Scott Frank
- Guion: Tom Fontana, Scott Frank. Personaje: Dashiell Hammett
- Reparto: Clive Owen, Rebecca Root, Cara Bossom, Denis Ménochet.
- Fotografía: David Ungaro
- Compañías: Black Bear Pictures, Haut Et Court Tv. Distribuidora: AMC, Filmnation Entertainment
- Género: Intriga. Drama. Thriller | Años 60. Miniserie de TV. Asesinos en serie. Crimen.
- SINOPSIS: Corre el año 1963 y el legendario detective Sam Spade disfruta de su jubilación en el sur de Francia. A diferencia de sus días como detective privado en San Francisco, la vida de Spade ahora en Bozouls es tranquila y apacible. Pero el rumoreado regreso de su viejo adversario lo cambiará todo. Seis monjas han sido brutalmente asesinadas en el convento local. Mientras el pueblo se aflige, surgen secretos y se establecen nuevas pistas. Spade se entera de que los asesinatos están relacionados de algún modo con un misterioso niño que, según se cree, posee grandes poderes. MUY BUENA. Monsieur Spade, creada por el poderoso dúo Scott Frank (The Queen’s Gambit) y Tom Fontana (Oz), y protagonizada por un Clive Owen encantadoramente mordaz, toma al icónico personaje de Sam Spade, creado por Dashiell Hammett, y lo ubica en un retiro bucólico en el sur de Francia. Allí, en lugar de llevar al protagonista por un camino oscuro e irónico, Frank y Fontana exploran lo que ocurre cuando un personaje irritable y ya cansado de todo, tras hallar la paz, se ve arrastrado a un torbellino de crímenes y conflictos en aumento. Existe un subgénero de historias centradas en detectives famosos que han perdido su esplendor. En este sentido, Holmes, o incluso personajes inspirados en él, son frecuentes víctimas de la senilidad, la adicción o la obsolescencia. Pero, mientras Sherlock Holmes es un personaje bien definido y reconocible, Sam Spade apareció solo en El halcón maltés y en cuatro relatos adicionales de Hammett, lo cual hace que las características más “spadianas” no sean tan claras para el público moderno. Esto contribuye a que Monsieur Spade sea una propuesta algo confusa. La serie resulta intrigante, especialmente por el trabajo de Owen y la belleza del escenario, pero no siempre queda claro qué motivó a Frank y Fontana a reconsiderar a Sam Spade, ni resulta siempre convincente su aproximación. La historia arranca en 1955 con Spade (Owen) llevando a una joven desde Estambul hasta la ciudad de Bozouls. Teresa es la hija de Brigid O’Shaughnessy (del filme de Hammett) y Philippe Saint Andre (Jonathan Zaccaï), un delincuente local. Años después, Spade sigue en Bozouls. Se casó con Gabrielle (Chiara Mastroianni), la dueña de un viñedo, y tras su muerte heredó la propiedad, estableciendo una vida tranquila. Con Patrice (Denis Ménochet), el jefe de policía local, tiene debates amistosos; coquetea con Marguerite (Louise Bourgoin), la dueña de un club, y tiene roces tensos con su esposo, Jean-Pierre (Stanley Weber). Teresa (Cara Bossom) vive en un convento cercano, sin mucha relación con Philippe ni con Spade. Todo se complica cuando un horrible asesinato en el convento, en parte relacionado con Teresa y un chico argelino misterioso, sacude la vida de todos. Como en El halcón maltés, este joven es objeto de deseo de varios grupos con distintas intenciones. Spade, a diferencia de Holmes, no es un sabio investigador, sino más bien alguien con un sentido de justicia competitivo, que espera ser el más astuto de la sala y no teme iniciar pequeñas disputas. El Spade de Hammett era un jugador de ajedrez cínico y emocionalmente distante. Pero ¿qué ocurre cuando este "gato callejero" se domestica? ¿Y qué pasa cuando su nuevo “MacGuffin” es una persona, no un objeto? Es una pregunta provocadora, pero puede perder impacto en quienes no conozcan previas versiones del personaje. La serie parece estar bien con que el espectador no conozca a Sam Spade. Los cinéfilos reconocerán a Brigid como el personaje de Mary Astor en la película, pero no es necesario; de igual manera, el uso de la canción Colonel Bogey March podría ser un guiño a Humphrey Bogart, pero también encaja con el contexto de colonialismo británico y francés en la guerra con Argelia, que actúa como telón de fondo. Spade intenta ser el más listo, pero no entiende bien la historia reciente de Francia ni las tensiones internas de la Segunda Guerra Mundial. Sin embargo, Monsieur Spade a menudo se convierte en una serie de pistas falsas que terminan en un final de disparos y confusión, aclarado solo por una aparición sorpresa de una actriz ganadora de un Emmy que insulta a todos por su papel en el caos. La actuación de esta invitada es tan buena que revitaliza el interés. Además, El halcón maltés tampoco es una obra de lógica perfecta; es simplemente impecable. Afortunadamente, Owen no imita a Humphrey Bogart. Usa un acento neutro de estilo atlántico y equilibra el machismo de su carrera con el hecho de que tanto él como Spade ya están cerca de los 60 años. El personaje ha perdido mucho de su iconografía, como su fedora (en un estante) y sus cigarrillos (por recomendación médica), lo cual permite a Owen interpretar a un Spade que ha perdido algo de su superioridad altanera frente a rivales más jóvenes y duros. La serie brilla en los intercambios entre Owen y sus coprotagonistas, que son tan satisfactorios en debates sobre el condimento para una tortilla como sobre asesinatos. Owen y Ménochet tienen especialmente buena química, aunque las interacciones de Spade con vecinos británicos interpretados por Matthew Beard y Rebecca Root también son destacables. Las tramas siempre se cohesionan, entre la belleza de los paisajes, los diálogos chispeantes y el mejor papel televisivo de Owen en años, Monsieur Spade consigue darle nueva vida a este venerable personaje. IMPERDIBLE.
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